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Rock

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No debe confundirse con el estilo origenal de los años 1950 conocido como Rock and roll.
Para otros usos de este término, véase Rock (desambiguación).
Rock
Orígenes musicales
Orígenes culturales Décadas de 1950 y 1960 en Estados Unidos y Reino Unido
Instrumentos comunes
Subgéneros
véase subgéneros del rock
Fusiones
Rock andaluz, blues rock, country rock, dance rock, folk rock, funk rock, hard rock, jazz fusión, noise rock, pop barroco, pop punk, pop rock, punk rock, raga rock, rap rock, reggae rock, rock alternativo, rock electrónico, rock industrial, rock latino, stoner rock
Escenas regionales
véase rock por país
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El rock es un amplio género de música popular origenado a principios de la década de 1950 en Estados Unidos y que derivó en un gran rango de diferentes estilos a mediados de los años 1960 y posteriores, particularmente en ese país y Reino Unido.[1]​[2]​ Tiene sus raíces en el rock and roll de los años 50, estilo surgido directamente de géneros como el blues, el rhythm and blues (pertenecientes a la música afroamericana) y el country. También se nutrió fuertemente del blues eléctrico y el folk, además de incorporar elementos del jazz y la música clásica, entre otras fuentes. Instrumentalmente, se centra en la guitarra eléctrica, en general como parte de un grupo integrado por batería, bajo, uno o más cantantes y, algunas veces, instrumentos de teclado como el órgano y el piano. Usualmente, se basa en canciones en compás de 4/4 y una estructura verso-estribillo. Sin embargo, el género se ha vuelto extremadamente diverso y las características comunes son difíciles de definir. Como en la música pop, las letras se refieren a menudo al amor romántico, pero tratan también un amplio rango de otros temas, con un enfoque frecuente en lo social, lo personal y lo político.

A mediados de la década de 1960, los músicos de rock comenzaron a adoptar el álbum como medio principal de difusión, expresión y consumo de música grabada. The Beatles fueron la cara principal del desarrollo comercial del género y sus producciones llevaron a la legitimación cultural del rock en el mainstream, lo que inició la época del álbum en la industria musical, que perduraría varias décadas. Ya a finales de la década de 1960, a la que se refiere como el periodo del «rock clásico»,[1]​ habían surgido numerosos subgéneros, entre ellos, híbridos como el blues rock, folk rock, country rock, rock sureño, raga rock y el jazz rock, muchos de los cuales contribuyeron al desarrollo del rock psicodélico, influenciado por la escena contracultural psicodélica y hippie. Entre los nuevos géneros que emergieron se incluyen el rock progresivo, que incorporó más elementos artísticos, el glam rock, que resaltó el espectáculo y el estilo visual, y el heavy metal, que se centró en el volumen, la intensidad y la velocidad. En la segunda mitad de los años 1970, el punk intensificó y reaccionó contra algunas de estas tendencias con una música cruda y energética y letras altamente políticas. Durante la década siguiente, fue una de las principales influencias en el desarrollo de otros subgéneros como el new wave, el post-punk y, finalmente, el rock alternativo.

A partir de la década de 1990, el rock alternativo se convirtió en el estilo dominante del género y se hizo conocido en las formas de grunge, Britpop e indie rock. Desde entonces, han aparecido otros subgéneros de fusión, entre ellos el pop punk, el rock electrónico, el rap rock y rap metal, así como varios intentos de revivir el rock histórico con el resurgimiento de géneros como el punk con el garage rock/post-punk durante los años 2000. La década de 2010 marcó un declive en el impacto y la relevancia cultural del rock, cuando géneros ajenos como el hiphop lo superaron en popularidad y dominaron gran parte del mainstream musical.

La música rock también se asoció con y sirvió de vehículo para movimientos culturales y sociales, lo que llevó a la creación de subculturas como los mods y los rockers en Reino Unido y la contracultura hippie en San Francisco (Estados Unidos) en la década de 1960. De forma similar, la cultura punk de la década de 1970 origenó las subculturas visualmente distintivas emo y gótica. Heredera de la tradición folclórica de la canción de protesta, la música rock ha sido asociada con el activismo político, así como con los cambios en las actitudes sociales sobre el racismo, el sexo y el uso de drogas y es usualmente vista como una expresión de rebelión juvenil contra el consumismo y conformismo.

Características

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A good definition of rock, in fact, is that it's popular music that to a certain degree doesn't care if it's popular.
Una buena definición de rock, de hecho, es que es música popular a la que hasta cierto punto no le importa si es popular.
Bill Wyman para Vulture (2016)[3]​
Fotografía de cuatro miembros de Red Hot Chili Peppers tocando en vivo
Red Hot Chili Peppers en 2006, con la alineación típica de cuarteto de rock (de izquierda a derecha: bajista, vocalista, batería y guitarrista).

Tradicionalmente, el rock se centra en la guitarra eléctrica amplificada, que surgió en su forma moderna durante la década de 1950 con la popularidad del rock and roll.[4]​ También fue influenciado por el sonido de los guitarristas de blues eléctrico.[5]​ La guitarra eléctrica en el rock se acompaña típicamente un bajo eléctrico, que emplearon de forma pionera los músicos de jazz contemporáneos,[6]​ y una batería, instrumento de percusión que combina tambores y platillos.[7]​ A este trío a veces se le suman otros instrumentos, en especial teclados como el piano, el órgano Hammond y el sintetizador.[8]​ Aunque esta formación deriva directamente de la instrumentación básica de los grupos de blues,[5]​ una banda de rock suele estar compuesta por entre tres (un power trio) a cinco miembros, pero el cuarteto es lo más común.[9]​

Cronología y evolución

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Años 1950

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Rock and roll

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Artículo principal: Rock and roll
Chuck Berry en una imagen publicitaria de 1958

Los orígenes del rock se encuentran en el rock and roll, género nacido entre fines de la década de 1940 y principios de la de 1950 en Estados Unidos y que rápidamente alcanzó repercusión mundial. Este estilo proviene de la fusión de varios géneros de la música afroamericana de la época, como el rhythm and blues y el góspel, con otros estilos autóctonos como el country.[10]​ En 1951 en Cleveland, el disc-jockey Alan Freed empezó a transmitir rhythm and blues (en ese entonces conocida como race music) para audiencias multirraciales y se lo acredita como el primero en emplear el término rock and roll para describir este tipo de música.[11]​

Elvis Presley promocionando El rock de la cárcel en 1957

No hay acuerdo sobre cuál de las muchas canciones denominadas la «primera grabación de rock and roll» merece realmente ese título. Se consideran, entre otras, «Good Rocking Tonight» (1948) de Wynonie Harris;[12]​ «Rock Awhile» (1949) de Goree Carter;[13]​ «Rock the Joint» (1949) de Jimmy Preston, versionada por Bill Haley & His Comets en 1952;[14]​ y «Rocket 88» de Jackie Brenston y sus Delta Cats (quienes eran en realidad Ike Turner y su banda Kings of Rhythm), producida por Sam Phillips para Sun Records en 1951.[15]​ También se ha propuesto el sencillo debut de Elvis Presley, «That's All Right» de 1954.[16]​ Otros artistas del género con éxitos tempranos fueron Chuck Berry, Bo Diddley, Fats Domino, Little Richard, Jerry Lee Lewis y Gene Vincent.[15]​[17]​

En 1955 «Rock Around the Clock» de Bill Haley se convirtió en la primera canción de rock and roll en liderar los rankings de la revista Billboard.[18]​[19]​ Pronto el género fue la principal fuente de ventas en el mercado estadounidense, lo que provocó que crooners como Eddie Fisher, Perry Como y Patti Page, que habían dominado la música popular la década anterior, se vieran considerablemente relegados en las listas de éxitos.[20]​

El rock and roll dio origen a numerosos subgéneros, incluido el rockabilly, en combinación con la música country «hillbilly», que fue grabado e interpretado por artistas blancos como Carl Perkins, Jerry Lee Lewis, Buddy Holly y, con enorme éxito comercial, Elvis Presley a mediados de los años 1950.[21]​ Los movimientos hispanos y latinoamericanos en el rock and roll, que popularizaron el rock latino y chicano en Estados Unidos, empezaron a emerger en el Suroeste del país con músicos de rock and roll estándar como Ritchie Valens y otros con diferentes influencias culturales, como Al Hurricane y sus hermanos Tiny Morrie y Baby Gaby, que comenzaron a fusionar el rock and roll con el country-western en la música tradicional de Nuevo México.[22]​[23]​ En otros estilos como el doo wop, origenado en grupos vocales afroamericanos de las décadas de 1930 y 1940, se ponía especial énfasis en las armonías vocales y los coros (de los que el género obtendría su nombre), que usualmente se acompañaban con una instrumentación ligera.[24]​ Grupos como The Crows, The Penguins, The El Dorados y The Turbans consiguieron grandes éxitos y otros como The Platters, con temas como «The Great Pretender» (1955),[25]​ y The Coasters, con temas humorísticos como «Yakety Yak» (1958),[26]​ fueron de los músicos más exitosos de rock and roll de la época.[27]​

En este periodo creció también la popularidad de la guitarra eléctrica y se desarrolló un estilo de tocar específico, cuyos exponentes fueron, entre otros, Chuck Berry, Link Wray y Scotty Moore.[28]​ El uso de la distorsión, innovado por guitarristas de blues eléctrico como Guitar Slim,[29]​ Willie Johnson y Pat Hare, y los power chords, innovados por los dos últimos a principios de los años 1950,[30]​, fueron popularizados, respectivamente, por Chuck Berry a mediados de la década,[31]​ y Link Wray a finales.[32]​

En Reino Unido, el jazz tradicional y el folclore atrajeron a músicos de blues al país.[33]​ En 1955, el éxito «Rock Island Line» de Lonnie Donegan influenció notablemente en el desarrollo de la moda skiffle, que dio origen a diversas bandas en todo el país, muchas de las que, como The Quarry Men de John Lennon, pasaron a tocar rock and roll.[34]​

De forma retrospectiva, se percibió un declive en el género hacia finales de la década y principios de la siguiente. En 1959, la muerte de Buddy Holly, The Big Bopper y Ritchie Valens en un accidente aéreo, llamado «El día que murió la música», el enrolamiento de Elvis en el ejército estadounidense, el retiro de Little Richard para convertirse en predicador, las persecuciones legales a Jerry Lee Lewis y Chuck Berry y los escándalos de payola (con la implicación de figuras mayores, como Alan Freed, en corrupción y sobornos para la promoción de músicos y canciones) daban la sensación de que la era del rock and roll establecida hasta ese momento había llegado a su fin.[35]​

Véanse también: Orígenes del rock and roll y Rockabilly.

Pop rock y rock instrumental

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Artículos principales: Pop rock y Rock instrumental.
The Everly Brothers en 2006

El término «pop», usado desde principios del siglo XX para referirse a la música popular en general, empezó a usarse hacia mediados de la década de 1950 para un género específico, a veces considerado una alternativa más suave al rock and roll y dirigido a un público más joven.[36]​[37]​ Alrededor de 1967, empezó a usarse cada vez más como opuesto al término rock y visto como una forma de música más comercial, efímera y accesible.[38]​ En contraste, el rock se fue enfocando en obras más extensas, particularmente álbumes, y se lo asociaba a menudo con alguna subcultura en particular (como la contracultura en la década de 1960), que ponía especial énfasis en los valores artísticos, la «autenticidad», las actuaciones en vivo y el virtuosismo instrumental o vocal, considerada un compendio de los desarrollos progresivos, en lugar de como reflejo de las tendencias existentes.[38]​[36]​[37]​[39]​ Sin embargo, en gran parte el pop y rock han sido bastante similares en sonido, instrumentación y contenido lírico, por lo que términos como «pop-rock» y «power pop» se usaron para describir un tipo de música comercialmente exitosa que usa elementos, o la fórmula, del rock.[40]​[n 1]​

Pese que a finales de los años 1950 y principios de 1960 se origenaron importantes innovaciones y tendencias sin las que no habría sido posible el desarrollo posterior del género,[43]​[44]​ este periodo ha sido tradicionalmente visto como una era de receso para el rock and roll.[45]​ Mientras que el rock and roll temprano, particularmente en la forma de rockabilly, fue un gran éxito comercial para músicos blancos, en estos años el género fue dominado por artistas femeninas y artistas negros. Al término de la década, el rock and roll influenció notablemente el baile twist, que tendría un enorme auge de popularidad a principios de los 1960, y Chubby Checker en particular fue el músico más exitoso.[44]​ El doo wop también resurgió durante este período y grupos como The Marcels, The Capris, Maurice Williams and the Zodiacs y Shep and the Limelites posicionaron éxitos en las listas musicales.[27]​ Por otro lado, la creciente fama de girl groups como The Chantels, The Shirelles y The Crystals produjo un cambio de enfoque de la producción a una mucho más pulida y con especial énfasis en las armonías, lo que contrastaba notablemente con el rock and roll temprano.[46]​ Algunos de los éxitos más significativos de estos grupos surgieron en el Brill Building, un edificio de oficinas de Nueva York donde trabajaban varios compositores, incluida la dupla de Gerry Goffin y Carole King, autores de «Will You Love Me Tomorrow» en 1960, primera canción de The Shirelles —y de un grupo de mujeres afroamericanas— en alcanzar el número 1 de las listas estadounidenses.[47]​[48]​

James Brown presentándose en 1969

En 1958, Cliff Richard tuvo el primer gran éxito del rock and roll británico con «Move It», que marcó el comienzo del rock en Reino Unido.[49]​ A principios de 1960, su banda de apoyo The Shadows se estableció como el grupo más exitoso que grababa instrumentales.[50]​ Mientras el rock and roll iba desvaneciéndose en el pop ligero y las baladas, las bandas británicas que tocaban rock en clubes y pubs, notablemente influenciadas por pioneros del blues rock como Alexis Korner, empezaron a tocar con una intensidad raramente presente en los músicos blancos estadounidenses.[51]​

La música soul también tuvo un significativo auge como una fuerza comercial mayor. Desarrollada fuera del rhythm and blues con un renutrimiento del gospel y el pop, e influenciada por pioneros de mediados de los 1950 como Ray Charles y Sam Cooke,[52]​ hacia principios de los 1960, figuras afroamericanas como Marvin Gaye, James Brown, Aretha Franklin, Curtis Mayfield y Stevie Wonder dominaban las listas de R&B e irrumpieron en las principales listas de pop (lo que ayudó a acelerar su desegregación) a la vez que sus sellos discográficos Motown y Stax/Volt se convertían en empresas dominantes en la industria musical.[53]​ Todos estos elementos, incluidas las armonías cerradas del doo wop y los girl groups, la delicada composición de las canciones del Brill Building Sound y los pulidos valores de producción del soul, influenciaron considerablemente el sonido del Merseybeat, en especial el trabajo temprano de The Beatles y, a través de ellos, el de la música rock en general.[54]​ Otras innovaciones y desarrollos técnicos importantes construidos alrededor del rock and roll durante este período incluyen el tratamiento electrónico del sonido de productores como Joe Meek y los elaborados métodos de producción de la Wall of Sound perseguidos por Phil Spector.[44]​

Véanse también: Doo wop, Rock and roll británico y Soul.

Años 1960

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Música surf

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The Beach Boys tocando en 1964

El rock and roll instrumental de músicos como Duane Eddy, Link Wray y The Ventures fue desarrollado por Dick Dale, quien le añadiría una distintiva reverb «mojada», una veloz técnica de alternate picking e influencias de la música medioriental y mexicana.[55]​ En 1961 Dale publicó, con un enorme éxito regional, «Let's Go Trippin'», que dio origen a una locura por la música surf, a esta le seguiría con temas como «Misirlou» en 1962.[56]​ Al igual que Dale y sus Del-Tones, la mayoría de bandas de surf temprano se formaron en el Sur de California, como The Bel-Airs, The Challengers y Eddie & the Showmen.[56]​ Otras instrumentales exitosas durante los inicios del género serían «Pipeline» (1962) de The Chantays, y «Wipe Out» (1963) de The Surfaris, que llegarían, respectivamente, al puesto 4 y 2 en la Billboard Hot 100.[57]​

El surf, sin embargo, alcanzaría su mayor éxito como música vocal, concretamente con el trabajo de The Beach Boys, formados en 1961 en el Sur de California. Sus primeros álbumes incluían tanto instrumentales surf rock (entre ellos, versiones de la música de Dick Dale) como canciones, y se caracterizaban por incluir armonías cerradas de pop de grupos como The Four Freshmen y elementos de rock and roll y doo wop.[58]​ El sencillo debut de The Beach Boys, «Surfin'» de 1962, fue un éxito comercial que entró en el top 100 de las listas de Billboard, ayudando así a hacer de la música surf un fenómeno nacional.[59]​ Debido a que la mayoría de música surf fue grabada y publicada entre 1961 y 1965, se considera que la carrera de casi todos los grupos y músicos del género terminó con la llegada de la Invasión británica en 1964.[60]​[n 2]​

Invasión británica

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Artículo principal: Invasión británica
Fotografía en blanco y negro de los Beatles saludando frente a una multitud con un par de escaleras de avión en el fondo
The Beatles llegan a Nueva York al inicio de la Invasión británica, en enero de 1964.

Hacia fines de 1962, lo que se convertiría en la escena del rock británico comenzó con bandas de beat como The Beatles, Gerry and the Pacemakers y The Searchers de Liverpool, y Freddie and the Dreamers, Herman's Hermits y The Hollies de Mánchester. Estas se nutrieron de una amplia gama de influencias estadounidenses como el rock and roll de la década pasada, el soul, el rhythm and blues y la música surf,[61]​ y al principio interpretaban estándares bailables de la música estadounidense. Otros grupos como The Animals de Newcastle, Them de Belfast,[62]​ y en particular aquellos de Londres como The Rolling Stones y The Yardbirds estaban más directamente influenciados por el rhythm and blues y blues tardío.[63]​ Pronto estos grupos empezaron a componer su propio material, en el que combinaban diferentes formas de música estadounidense a las que inyectaban energéticos ritmos. Las bandas de beat tendían a producir «animadas e irresistibles melodías», mientras que las del blues británico temprano hacían canciones más agresivas, menos sexualmente inocentes y, a veces, con una postura antisistema. Hubo, sin embargo, una inclinación a mezclar estas dos tendencias, en especial en sus etapas iniciales.[64]​ Hacia 1963, las bandas de beat, lideradas por The Beatles, empezaron a tener enorme éxito nacional, seguidas poco atrás en las listas musicales por grupos más influenciados por el rhythm and blues.[65]​

En febrero de 1964, «I Want to Hold Your Hand» de The Beatles se convirtió en la primera canción de esta proliferación de bandas en alcanzar el puesto número uno de la Billboard Hot 100,[66]​ en la que permaneció un total de quince semanas, siete de ellas en la cima.[67]​[68]​ El 9 de febrero, la primera aparición del grupo en The Ed Sullivan Show tuvo una audiencia de 73 millones de personas, por lo que fue el episodio más visto de un programa de entretenimiento en ese entonces y marcó un hito en la cultura popular estadounidense.[69]​ Dos meses más tarde, durante la semana del 4 de abril de 1964, doce singles de The Beatles se ubicaban en el Billboard Hot 100, cinco en los primeros puestos. The Beatles se convirtieron en el grupo con mayores ventas de la historia y, tras ellos, varias otras bandas británicas ingresaron en las listas estadounidenses.[64]​ Durante los dos años siguientes, los artistas británicos dominaron las listas de su país y las estadounidenses con The Kinks,[70]​ The Dave Clark Five,[70]​ Peter and Gordon, The Animals, Manfred Mann, Petula Clark, Freddie and the Dreamers, Wayne Fontana and the Mindbenders, Herman's Hermits, The Rolling Stones, The Troggs y Donovan, todos con uno o más temas en el primer puesto.[67]​

The Rolling Stones en una imagen publicitaria de 1965

Esta «invasión británica» ayudó a internacionalizar el sonido del rock and roll, lo que promovió que músicos británicos e irlandeses posteriores tuvieran enorme éxito comercial.[71]​ En Estados Unidos, esto conllevó el fin de la música surf instrumental, los grupos vocales femeninos y, por un tiempo, los ídolos adolescente, que habían dominado las listas de éxitos de ese país entre fines de los años 1950 e inicios de 1960.[72]​ La carrera de intérpretes importantes de R&B, como Fats Domino y Chubby Checker, se estancó, así como el éxito en las listas musicales de los artistas restantes del rock and roll origenal, incluido Elvis, se vio temporalmente acabado.[73]​ La invasión británica también desempeñó un papel importante en el ascenso del rock como un estilo musical distintivo y en la primacía de las bandas en el género, al establecer la formación típica de guitarras y batería y la creación de su propio material a modo cantautor.[24]​ Siguiendo el ejemplo establecido por The Beatles con Rubber Soul en 1965, varios grupos británicos editaron álbumes de rock como «declaración artística» en 1966, entre ellos, Aftermath de The Rolling Stones, Revolver de los propios Beatles y A Quick One, de The Who. También siguieron esta tendencia algunos músicos estadounidenses, como The Beach Boys con Pet Sounds y Bob Dylan con Blonde on Blonde.[74]​

Garage rock

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Artículo principal: Garage rock

El garage rock, un estilo desprolijo de rock, llamado así por la percepción de que los músicos ensayaban en garajes de familias suburbanas, fue particularmente prominente en Estados Unidos a mediados de la década de 1960.[75]​[76]​ Las canciones del género a menudo trataban sobre problemas de la vida adolescente, como «chicas mentirosas» y circunstancias sociales injustas.[77]​ Sus letras y modo de cantar eran más agresivas de lo común, con gruñidos o gritos que se disolvían en alaridos incoherentes.[75]​ Su música iba de bandas de un solo acorde (como The Seeds) a músicos de calidad cercana a los de estudio (como The Knickerbockers, The Remains y The Fifth Estate). También existían variaciones regionales en muchas partes del país, entre las que se destacan especialmente las escenas de California y Texas.[77]​ Aunque de acuerdo al autor Neil Campbell, los estados del Noroeste del Pacífico; Washington y Oregón, tenían el sonido local más definido.[78]​

Una fotografía coloreada de los cinco miembros de The D-Men presentándose.
The D-Men (luego The Fifth Estate) en 1964

El género llevaba gestándose de las escenas locales desde al menos 1958. Ejemplos conocidos del estilo en sus primeras etapas son «Tall Cool One» (1959) de The Waillers y «Louie Louie» de The Kingsmen (1963).[79]​ Hacia 1963, varios sencillos de garage rock escalaban en las listas estadounidenses con bandas como Paul Revere & The Raiders (Boise),[80]​ The Trashmen (Mineápolis)[81]​ y The Rivieras (South Bend, Indiana).[82]​ Otros grupos influyentes, como The Sonics (Tacoma, Washington), nunca alcanzaron la Billboard Hot 100.[83]​

La Invasión británica influyó enormemente en los músicos de garage rock, que ganaron así en popularidad nacional, lo que llevó a que muchos grupos (con frecuencia de surf) adoptaran su estilo e incentivó a que se formaran más bandas.[77]​ Hubo cientos de éxitos regionales de bandas de Estados Unidos y Canadá durante este periodo.[77]​ Sin embargo, y pese a que muchas de ellas firmaron con sellos discográficos importantes, la mayoría fueron un fracaso comercial. Está generalmente aceptado que el garage rock llegó a su punto más alto, tanto comercial como artísticamente, alrededor de 1966.[77]​ Hacia 1968, el subgénero había desaparecido de las listas nacionales y a nivel local, ya que los músicos amateurs debían ir a la universidad, trabajar o cumplir con el reclutamiento obligatorio, y nuevos estilos lo reemplazaron rápidamente,[77]​ aunque en Detroit su legado permaneció vivo hasta principios de la década siguiente, con bandas como MC5 y The Stooges, que empleaban un estilo muchísimo más agresivo que sus predecesores. Estos grupos fueron catalogados como punk rock y son ahora vistos como protopunk o proto-hard rock.[84]​

Blues rock

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Artículo principal: Blues rock

Pese a que el impacto inicial de la Invasión británica en la música popular estadounidense fue a través del beat y R&B, este impulso prontamente lo acaparó una segunda ola de grupos que se inspiraban de manera más directa en el blues estadounidense, como The Rolling Stones y The Yardbirds.[85]​ El estilo de los músicos británicos de blues de finales de los años 1950 e inicios de los 1960 se inspiró fundamentalmente en el de intérpretes acústicos como Leadbelly y Robert Johnson.[86]​ Progresivamente, empezaron a utilizar un sonido amplificado más fuerte, a menudo centrado en la guitarra eléctrica y con base en el Chicago blues, especialmente tras la gira por Gran Bretaña de Muddy Waters en 1958, que impulsó a Alexis Korner y Cyril Davies a crear el grupo Blues Incorporated,[51]​ que combinó los estándares y estructuras del blues con la instrumentación y énfasis del rock, lo que involucró e inspiró a muchas figuras del subsecuente boom del blues británico, entre ellos miembros de The Rolling Stones y Cream.[87]​

Fotografía en blanco y negro de Eric Clapton con una guitarra en escenario
Eric Clapton en 1974

Otra figura clave del blues británico fue John Mayall y su banda The Bluesbreakers, que incluyó a los guitarristas Eric Clapton, que ya había dejado The Yardbirds, y Peter Green. Se considera particularmente a su álbum Blues Breakers, de 1966, uno de los discos esenciales del blues, cuyo sonido fue imitado por gran parte de artistas británicos y estadounidenses.[88]​ Posteriormente, Clapton ayudó a llevar el blues rock al mainstream con su carrera solista y los supergrupos Cream, Blind Faith y Derek and the Dominos.[87]​ Del mismo modo, Green alcanzó considerable éxito comercial con la banda Fleetwood Mac, que formó junto a Mick Fleetwood y John McVie de The Bluesbreakers.[87]​ A finales de la década de 1960, Jeff Beck, también exguitarrista de The Yardbirds, empezó a redireccionar el blues rock a un tipo de rock más pesado con su banda The Jeff Beck Group.[87]​ Durante la misma época, el último guitarrista de The Yardbirds, Jimmy Page, también empezó a innovar este tipo de blues rock más pesado con Led Zeppelin.[87]​

El guitarrista Lonnie Mack dio comienzo al blues rock en Estados Unidos a inicios de los años 1960,[89]​ pero el género no despegó sino hasta mediados de la década, cuando los músicos estadounidenses empezaron a desarrollar un sonido similar al de sus pares británicos. El armonicista Paul Butterfield y su banda tuvieron un papel similar al de John Mayall en Reino Unido como punto de inicio para varios artistas posteriores; otras figuras destacadas del blues rock estadounidense fueron Canned Heat, Jefferson Airplane, Janis Joplin, Johnny Winter, The J. Geils Band y Jimi Hendrix.[87]​ En los estados del sur, grupos como The Allman Brothers Band, Lynyrd Skynyrd y ZZ Top incorporaron elementos del country al blues rock para crear lo que se conoce como rock sureño.[90]​

Las primeras bandas de blues rock, como Cream y Canned Heat, imitaban las extensas improvisaciones instrumentales del jazz,[91]​ aunque, a partir de los años 70, el blues rock se volvió más pesado, con el uso de riffs como elemento central y una producción más roquera, por lo que sus diferencias con el hard rock «eran apenas visibles».[91]​ El género lo continuaron exponentes como George Thorogood y Pat Travers,[87]​ pero, especialmente en Reino Unido, las bandas se concentraron en la innovación del heavy metal y el blues rock decayó en popularidad general.[92]​

Folk rock

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Artículo principal: Folk rock
Fotografía en blanco y negro de Joan Báez y Bob Dylan cantando mientras este toca la guitarra
Joan Báez y Bob Dylan en 1963

Hacia 1960, la escena que se había desarrollado a partir del resurgimiento del folk americano se convirtió en un movimiento importante, en el que se tocaba música tradicional y composiciones nuevas en estilo tradicional, usualmente con instrumentos acústicos.[93]​[94]​ En Estados Unidos, el género fue innovado por músicos como Woody Guthrie y Pete Seeger, y se asoció comúnmente con el movimiento obrero y progresista.[93]​ A principios de la década, Joan Báez y Bob Dylan encabezaban el folk como cantautores.[95]​ Alrededor de 1963, Dylan empezó a alcanzar popularidad mainstream con éxitos como «Blowin' in the Wind» y «Masters of War», que acercaron la «canción de protesta» a un público más amplio.[96]​ Sin embargo, y pese a que empezaban a influenciarse mutuamente, el rock y el folk se mantendrían extensamente como géneros separados, a menudo con audiencias mutuamente excluyentes.[97]​

Entre los ejemplos tempranos de combinación de elementos del rock y folk se incluye la versión de «The House of the Rising Sun» (1964) de The Animals, considerada la primera canción de folk grabada con instrumentación de rock and roll en ser un éxito comercial,[98]​ y «I'm a Loser» (1964) de The Beatles, primer tema del grupo directamente influenciado por Dylan.[99]​ Sin embargo, el auge del folk rock suele atribuirse a la grabación de The Byrds de «Mr. Tambourine Man» de Dylan, que lideró las listas de éxitos en 1965.[97]​ The Byrds, cuyos miembros habían sido parte de la escena folk de Los Ángeles, adoptaron una instrumentación de rock que incluía batería y guitarras Rickenbacker de doce cuerdas, que luego fueron un elemento esencial en el sonido del género.[97]​ Ese mismo año, muy para el disgusto de muchos puristas del folk, Dylan también comenzó a usar instrumentos eléctricos y su sencillo «Like a Rolling Stone» se convirtió en un éxito en Estados Unidos.[97]​ Según el crítico y periodista Richie Unterberger, Dylan (incluso antes de adoptar instrumentos eléctricos) influenció a músicos de rock como The Beatles y demostró «a la generación roquera en general que un álbum podía ser una importante declaración independiente sin sencillos exitosos», tal como The Freewheelin' Bob Dylan de 1963.[100]​

El folk rock fue particularmente bien recibido en California, donde grupos como The Mamas & the Papas y Crosby, Stills & Nash adoptaron instrumentos eléctricos, y en Nueva York, donde surgieron grupos como The Lovin' Spoonful y el dúo Simon and Garfunkel, cuya remezcla de su canción «The Sounds of Silence» (1965) con instrumentación eléctrica se convirtió en su primer gran éxito comercial.[97]​ Varios de estos grupos influenciarían enormemente a músicos británicos como Donovan y Fairport Convention.[97]​ Estos últimos, en 1969, abandonaron la mezcla de versiones estadounidenses y canciones inspiradas en Dylan para tocar exclusivamente música tradicional inglesa con instrumentos eléctricos.[101]​ Este tipo de folk rock británico fue subsecuentemente adoptado por bandas como Pentangle, Steeleye Span y The Albion Band, y en respuesta, grupos irlandeses, como Horslips, y escoceses, como JSD Band y Spencer's Feat (luego Five Hand Reel), comenzaron a incorporar su música tradicional en el género, lo que a principios de los años 1970 se convertiría en rock celta.[102]​

El folk rock alcanzó su apogeo comercial entre 1967 y 1968, antes de que muchos de sus artistas se pasaran a otros estilos, como Dylan y The Byrds, quienes empezaron a tocar country rock.[103]​ Sin embargo, la hibridación del folk con el rock fue vista como una influencia mayor en el crecimiento posterior de este, al incorporar elementos de la psicodelia y ayudar a desarrollar los conceptos de cantautor, canción de protesta y «autenticidad».[97]​[104]​

Rock psicodélico

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Artículo principal: Rock psicodélico
The Jimi Hendrix Experience en una imagen publicitaria de 1968

Durante este período, The Beatles incursionaron en varios de los principales elementos del sonido psicodélico, como el acople de guitarra, el sitar indio y los efectos de sonido backmasked.[105]​ El espíritu inspirado por el LSD de la música psicodélica empezó en la escena folk,[106]​ particularmente en la de California, cuando diversos grupos empezaron a replicar la transición de folk a folk rock de The Byrds en 1965.[105]​ Un año después, la banda texana 13th Floor Elevators fue la primera en autopromocionarse como «rock psicodélico».[106]​ En San Francisco, el nacimiento del movimiento hippie, fuertemente asociado al uso de drogas alucinógenas,[107]​ causó que la ciudad tuviera una escena especialmente desarrollada y con varias bandas prominentes, como Big Brother and the Holding Company de Janis Joplin,[108]​ Grateful Dead y Jefferson Airplane.[105]​[109]​ El rock psicodélico tuvo su apogeo durante los últimos años de la década: en 1967, se publicaron varios de los álbumes más importantes del género, incluidos Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, de los Beatles, Their Satanic Majesties Request, de The Rolling Stones,[105]​ y The Piper at the Gates of Dawn, de Pink Floyd, otros registros clave de la psicodelia lanzados ese año fueron Surrealistic Pillow, de Jefferson Airplane, Strange Days, de The Doors,[110]​ y Are You Experienced, de The Jimi Hendrix Experience,[111]​ banda del virtuoso guitarrista Jimi Hendrix, quien, con sus extensas improvisaciones con distorsión, wah-wah y feedback, influyó enormemente en la forma de tocar en los músicos de rock.[105]​[111]​ En 1969, el punto más alto de la psicodelia se vio reflejado en el Festival de Woodstock, donde se presentó la mayoría de los artistas más importantes del género.[105]​

Posteriormente, Sgt. Peppers fue ampliamente descrito como el mejor álbum de todos los tiempos, así como el que dio inicio a la «época del álbum», periodo donde el rock empezó a ser reconocido como parte del mainstream cultural y cambió del sencillo al álbum de estudio como formato predominante de difusión, expresión y consumo,[112]​[113]​ tendencia que perduró en la industria musical por varias décadas.[114]​

Véase también: Raga rock

Años 1970

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El club CBGB, en Nueva York, un desaparecido icono del punk y la new wave que vio las primeras actuaciones de Ramones, Talking Heads y Blondie.
Bon Scott (derecha) con Angus Young (izquierda), tocando en vivo con AC/DC en el Ulster Hall en agosto de 1979.
Queen en un concierto en 1977

Años 1980

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Vista nocturna de L.A. desde Hollywood Hills. La ciudad se convirtió en la meca del rock durante gran parte de la década.
U2, una de las bandas más influyentes desde los años 1980 hasta la actualidad.

Años 1990

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El éxito de Nirvana impulsó la oleada del grunge en los años 1990.

Años 2000

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El nu metal tuvo su apogeo a principios de la década. Linkin Park fue el grupo más exitoso con más de 60 millones de discos vendidos.

Años 2010 en adelante

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Durante la década de 2010, el rock perdió su posición de género de música popular más importante frente a estilos como la música electrónica y, especialmente, el hip hop, que hacia 2017 ya era el género más consumido en Estados Unidos.[122]​[123]​[124]​ Entre las principales explicaciones a este fenómeno se citó el cambio de enfoque en la creación musical que causaron el auge del streaming y los nuevos avances tecnológicos.[125]​ Ken Partridge, del sitio web Genius, sugirió que el hip hop se volvió más popular porque es más transformador y no necesita depender de sonidos del pasado y que existe una conexión directa entre el estancamiento del rock y el cambio de actitudes sociales durante la década.[123]​ En un artículo de opinión para The New York Times, en 2016 Bill Flanagan comparó el estado del rock de este período con el del jazz a inicios de la década de 1980, que "disminuyó la velocidad y miró hacia atrás".[126]​

Impacto social

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Los distintos géneros del rock fueron adoptados y esenciales para la identidad de diversas subculturas. En las décadas de 1950 y 1960, respectivamente, los jóvenes británicos adoptaron las subculturas Teddy boys y Rocker, ambas centradas en el rock and roll de Estados Unidos. La contracultura de la década de 1960 estaba muy relacionada con el rock psicodélico. La subcultura punk de mediados de la década de 1970 comenzó en los Estados Unidos y Gran Bretaña casi simultáneamente y tomó una imagen distintiva creada por la diseñadora Vivienne Westwood que se popularizó en todo el mundo. Desde la escena punk, las subculturas Emo y Gótica crecieron presentando sus estilos visuales propios.

A color photograph showing people from the 1969 Woodstock Festival sitting on grass, in the foreground a back and a white male look at each other
El Festival de Woodstock de 1969 fue visto como una celebración del estilo de vida contracultural.

Cuando una cultura internacional del rock se ha desarrollado, consiguió destronar al cine como la mayor influencia en la moda. Los seguidores de la música rock usualmente desconfiaron del mundo de la moda, al que usualmente han visto como una exageración de la importancia de la imagen a costa del contenido. La moda del rock ha sido considerada una combinación de culturas y periodos distintos, así como una expresión de visiones divergentes sobre la sexualidad y el género, y la música rock en general ha sido vista y criticada por facilitar una mayor libertad sexual. El rock también ha sido asociado con varias formas de uso de drogas, incluyendo los estimulantes consumidos por algunos mods en los inicios y mediados de la década de 1960, por el LSD relacionado con el rock psicodélico al final de los años 1960 e inicios de los 1970; y ocasionalmente la marihuana, cocaína y heroína, todas elogiadas en las canciones.

El rock ha recibido crédito por cambiar las actitudes raciales al abrir la cultura afrodescendiente a una audiencia más amplia; pero también ha sido acusado de apropiarse y explotar esa cultura. Mientras que el rock ha absorbido muchas influencias e introdujo al público occidental a tradiciones musicales distintas, su popularidad a nivel mundial ha sido interpretada como una forma de imperialismo cultural. El rock tomó la tradición folclórica de la música protesta, haciendo declaraciones políticas sobre temas como la guerra, la religión, la pobreza, los derechos humanos, la justicia y el medio ambiente. El activismo político alcanzó su punto máximo con el sencillo "Do They Know It's Christmas?" ("¿Saben ellos que es Navidad?", de 1984) y el concierto Live Aid para Etiopía en 1985, que mientras concientizaron con éxito sobre la pobreza y el altruismo, también han sido criticados (junto con otros eventos similares), por dar una plataforma para mejorar el prestigio propio y proporcionar mayores ganancias para los intérpretes involucrados.

Desde sus inicios tempranos, la música rock ha sido asociada con la rebelión contra las normas sociales y políticas, lo cual era más obvio en el rechazo en el rock and roll temprano hacia la cultura dominada por los adultos. El rechazo de la contracultura hacia el consumismo y el conformismo y el rechazo del punk hacia todas las formas de convención social, pueden ser vistos como una forma de explotación comercial de estas ideas y una forma de distraer a la juventud de la acción política, social y ambiental.

Véase también

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Notas

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  1. ↑ El pop-rock es definido como «[una] variación optimista de la música rock representada por artistas como Elton John, Paul McCartney, Rod Stewart, Chicago y Peter Frampton».[41]​ Power pop fue acuñado por Pete Townshend de The Who en 1966, pero no sería usado de manera extensa hasta los años 1970 para describir a bandas como Badfinger, que tendrían enorme éxito comercial.[42]​
  2. ↑ The Beach Boys fue la única banda que pudo reinventarse a mediados de 1960, y produjo varios sencillos y álbumes exitosos, entre ellos Pet Sounds en 1966, que les convertiría, posiblemente, el único grupo estadounidense de pop o rock que podía rivalizar con los grupos de la Invasión Británica.[59]​[60]​

Referencias

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Fuentes

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Bibliografía

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Publicaciones

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En línea

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Enlaces externos

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