INTRODUCCIÓN

El arte gótico es un estilo artístico europeo con unos límites

cronológicos que oscilan entre aproximadamente el año 1140 y las
últimas décadas del siglo XVI, según las áreas geográficas. Se aplicó
en el campo de la arquitectura civil y religiosa, la escultura, las
vidrieras, la pintura mural y sobre tabla, los manuscritos miniados y
las diversas artes decorativas. El estilo gótico constituye la expresión
de la evolución cultural, política, económica y social de Europa.
Supone una nueva forma de sentir; es ciudadano y burgués y
responde a una nueva mentalidad religiosa.
El término gótico fue empleado por primera vez por los tratadistas
del renacimiento (Giorgio Vasari en el siglo XVI), en sentido
peyorativo, para referirse al arte de la edad media, al que ellos
consideraban inferior y bárbaro (godo, de ahí el término gótico)
comparado con el arte clásico. En el siglo XIX se produjo una
revalorización de este periodo debido a movimientos historicistas y
románticos. El gótico apareció a continuación del románico, a lo
largo de la baja edad media, y hoy día se considera uno de los
momentos más importantes desde el punto de vista artístico en
Europa.
La arquitectura sigue siendo esencialmente religiosa y el edificio
más importante es la catedral que se levanta en el centro de la
ciudad y en cuyo entorno se organiza la vida ciudadana.

EL ARTE GOTICO 1
 ÍNDICE
CAPÍTULO I: Antecedentes históricos y artísticos. 4

CAPÍTULO II: Origen y desarrollo del arte Gótico 7

2.1 Origen…….……..…………………………………...………... 8

2.2 Desarrollo ……………………………………………………... 9

2.2.1 Gótico Primitivo…………..…………………..……………... 10

2.2.2 Gótico Clásico …………………………………………..…... 12

2.2.3 Gótico Radiante ……..…………………….………………... 14

2.2.4 Gótico Tardío ……..……………….………………………... 18

2.2.5 Gótico Flamígero ……….…………………………………... 20

CAPÍTULO III: Origen y desarrollo del arte Gótico en

países europeos. 21

CAPÍTULO IV: Estilos y escuelas del arte gótico. 23

4.1 Gótico Lineal o Franco-Gótico ………………... …..………..... 27

4.2 Gótico Trecentista o Italo-Gótico ……………..……………... 28

4.2.1 Escuela Florentina …………………………………………... 30

4.2.2 Escuela Sienesa .... …………………………………………... 21

4.3 Gótico Iternacional …………………………………………... 22

4.4 Gótico Flamenco … …………………………………………... 23

CAPÍTULO V: Personajes del arte gótico. 25

5.1.- Jan Van Eyck 28

EL ARTE GOTICO 2
5.2.- Giotto di Bondone 27

5.3.- Simone Martini 30

5.4.- Robert Campin 32

CAPÍTULO V: ¿Por qué dejo de usarse el arte gótico? 34

Conclusiones 35

Anexos 38

EL ARTE GOTICO 3
 Capítulo I: Antecedentes
históricos y artísticos.

Desde el siglo XI hasta el siglo XIV se produjeron en Europa una

serie de transformaciones económicas y sociales que dieron lugar al
nacimiento de una nueva clase social, la burguesía, y de una nueva
forma económica, el capitalismo. En la base estaba el enorme
desarrollo de la agricultura gracias a un periodo climático favorable
y alas importantes mejoras técnicas. En este momento se inventa el
arado de vertedera, la collera, se seleccionan las especies vegetales
y animales, se descubren nuevas técnicas de cultivo.
Consecuencia inmediata será el aumento del rendimiento de la
tierra y el aumento de población. Ambos factores provocan el inicio
de la colonización de nuevas tierras. El renacer del comercio entre
el campo y la ciudad supuso el establecimiento de la división del
trabajo. Surgen nuevas ciudades y las antiguas crecen más allá de
sus murallas.

a) El Renacimiento Urbano

Si el Románico estaba inmerso en la sociedad feudal que era

partícipe de una ruralización clara, el Gótico va a surgir con un
renacimiento urbano, de la ciudad, que se va a producir a partir del
siglo XI. En esta ciudad se configura un nuevo grupo social: la
Burguesía, que se convierte en el motor económico y sector más
dinámico del espectro social bajomedieval con intereses
comerciales y artesanales. Esta Burguesía traerá consigo una nueva
mentalidad, el antropocentrismo, totalmente contrario al

EL ARTE GOTICO 4
Teocentrismo románico. Además, este grupo social va a tener
medios económicos suficientes para ejercer el mecenazgo artístico.
La catedral, el ayuntamiento, la universidad y la lonja de comercio,
acabarán por convertirse en las respuestas arquitectónicas del nuevo
estilo gótico a las diferentes necesidades religiosas, políticas,
económicas y culturales que la ciudad demanda.
Además del renacimiento de la ciudad, se produce un incremento
demográfico importante, favorecido por las mejoras agrarias, y un
desarrollo del comercio muy destacado.

b) La escolástica y el neoplatonismo

La estética del Gótico responde a planteamientos filosóficos que

están directamente relacionados con las Universidades y, por tanto,
con las ciudades. La escolástica, por ejemplo, va a explicar en gran
parte el naturalismo gótico. Esta filosofía, desarrollada por Santo
Tomás de Aquino, se explicaba en las escuelas monacales, en las
escuelas catedralicias y, después, en las universidades. La escolástica
cristiana, con una base en las ideas de Aristóteles interpretadas
desde una perspectiva cristiana, propone la tarea de explicar
teológicamente el universo, tanto en el orden físico como en el
moral. Para esta filosofía, el estudio de la naturaleza constituía uno
de sus principales objetivos. El propio San Francisco de Asís,
afirmaba su convicción de que a Dios se le podía conocer a través
de sus criaturas, que como obras de Dios participan de su grandeza.
Todo esto se traducirá en una valoración del hombre y de la
naturaleza que pasarán a ser considerados como obras bellas de
Dios. De esta forma, el naturalismo que invade las creaciones
artísticas del Gótico, va a poder ser explicado desde la perspectiva
de esta filosofía, muy de moda en la época. El anti naturalismo del
románico, así, pasa a la historia.

Ahora bien, si el naturalismo del gótico parece ser un producto de

la filosofía escolástica, no es menos cierto que el pensamiento
neoplatónico, que convivió durante este tiempo con el
aristotelismo, fue el determinante de la aparición de una estética

EL ARTE GOTICO 5
basada en la luz. El abad de Suger, que construyó cerca de París la
abadía de San Denís, sin duda el primer edificio cuyos
planteamientos arquitectónicos están relacionados con el gótico,
propuso un principio neoplatónico que identificaba a Dios con la
Luz, para una estética novedosa en el Gótico que daba gran
importancia a la luz. Según esta idea, los fieles estaban en mayor
contacto con Dios, si participaban de la “luz celestial”. En la
práctica, lo que se hizo fue inundar de luz el templo a fin de crear
un “espacio místico”. Pero dicho espacio sólo era posible mediante
la utilización simbólica de la luz tamizada y coloreada mediante
vidrieras. Los arquitectos del gótico habrán, pues, de resolver el
gran problema técnico que suponía eliminar los gruesos muros
propios del Románico, para sustituirlos por grandes ventanales
cubiertos de vitrales.

c) Austeridad cisterciense

Recordaremos que los monjes de Cluny habían sido un vehículo

importante de difusión del Románico por toda Europa. Pues bien,
otra gran reforma que afectó a la orden benedictina, que tuvo como
inspirador a Bernardo de Claraval, se sitúa en los orígenes del
nuevo estilo. El gran reformador del Cister con su denuncia a los
excesos decorativos del Románico, impropios de la mentalidad
monástica, contribuyó a la aparición de una nueva arquitectura,
sobria, austera, luminosa y bella al mismo tiempo. De esta forma,
la arquitectura, difundida durante los siglos XII y XIII, que
preconiza esta orden religiosa, se caracteriza:

 Austeridad formal frente a los excesos románicos.

Simplicidad.
 Selecciona los elementos más avanzados del arte Románico:
el arco apuntado y la bóveda de crucería.
 Frente al románico, el Císter reacciona reduciendo la altura
de sus edificios (el triforio y el claristorio desaparecen).
 Desnudez ornamental, pues los adornos distraen en la
oración. En los templos existe una escasa decoración
figurativa, salvo la Virgen María (escultura) de la que eran
muy devotos.

EL ARTE GOTICO 6
  Limpieza en la penetración solar (no usan vidrieras).
 Utilizan capillas radiales alrededor de la girola.

Debemos tener claro que el arte del Císter no constituye un estilo

propio, sino más bien una reacción de austeridad formal frente a
los excesos ornamentales y decorativos del Románico. También es
cierto que lo cisterciense choca de lleno con algunas características
del gótico (la riqueza, el brillo y el esplendor). De esta forma, de la
austeridad cisterciense vamos a pasar al esplendor gótico.

d) La iglesia Católica

La Iglesia tuvo que adaptarse a la ciudad y su nuevo entorno y a la

mentalidad burguesa. Esta adaptación se realizará con la fundación
de nuevas órdenes religiosas (mendicantes) como los: Franciscanos,
Dominicos, etc., que se dedican a la oración, a la limosna y al
trabajo con los pobres. La Iglesia seguía dominando todos los
aspectos de la vida. Utilizó el arte gótico para su propia propaganda.
Las grandes catedrales asombraban a los fieles que eran
aleccionados por las esculturas y pinturas que seguían cumpliendo
su función didáctica. La cultura seguía siendo cristiana, pues no hay
que olvidar que la Iglesia sigue dominando la vida y el pensamiento.
Esta vez, se va a secularizar, ya que dejó de ser dominio exclusivo
de los clérigos. Las monarquías intervienen en este proceso
secularizador protegiendo a las Universidades. En éstas se
desarrolla el estudio de la “Ciencia”, como medio de conocimiento
de la obra del Creador, esto es, la Naturaleza. También se
desarrolla el pensamiento de la época: la Escolástica. Las lenguas
romances se configuran alrededor del siglo XIII, aunque el latís
seguía teniendo gran peso.

El Papado está presente constantemente en la Historia del

momento por su papel religioso y político. Es tal su influencia que
logra convocar a los cristianos para recuperar los lugares santos: se
inician las Cruzadas. Este hecho histórico es importante, pues el
estilo gótico se va a expandir a otras zonas de oriente gracias a los
cruzados.

EL ARTE GOTICO 7
 Capítulo II: Origen y
desarrollo del arte Gótico
1.1.- Origen

El gótico es un estilo artístico europeo que va desde el año 1140 y

hasta las primeras décadas del siglo XVI, según el país en que se
desarrolló y el gótico clásico nace en el año de 1194 con la catedral
de Chartres y se entiende que tiene su final hacia el 1210 con la
construcción de la Catedral de Reims. Se practicó en el campo de
la arquitectura religiosa y civil principalmente, aunque también hay
gran número de obras en esculturas, pintura mural, vidrieras y
manuscritos minados y en otras artes decorativas.
El arte Gótico tiene sus raíces en el Románico, por ello en su etapa
inicial aprovecha elementos de este. Desde mediados del siglo XII
y durante cuatro siglos, el nuevo estilo evoluciona y deja sus huellas
por toda Europa. Su nombre se debe al escritor y tratadista Giorgio
Vasari , quien afirmaba que era un estilo iniciado en Alemania por
los godos, y los consideraba como un arte bárbaro, confuso y
desordenado muy alejado de la proporción y la medida propia del
arte clásico.
El término gótico fue empleado por los artistas del renacimiento,
en sentido despectivo, para referirse al arte de la Edad media, al
que consideraban de calidad inferior y bárbaro (gótico viene
de godo) comparado con el arte clásico que se practicaba en la
época. El gótico apareció inmediatamente después del periodo
románico, a lo largo de la baja Edad Media, y hoy día se considera
uno de los momentos más importantes desde el punto de vista
artístico que se ha desarrollado en Europa. En el siglo XIX se

EL ARTE GOTICO 8
produjo una revaloración de este periodo rescatado por los
movimientos románticos.

1.2—Desarrollo
1.2.1.- Gótico Primitivo
(Gótico inicial, primer gótico, protogótico, gótico
primitivo o gótico temprano)
Se da entro el final del siglo XII y comienzos del siglo XII es
caracterizado por la simplicidad formal y decorativa.
El arte cisterciense, asociado al comienzo de la Orden del Císter y
a las teorías estéticas de Bernardo de Claraval son uno de los
ejemplos más evidentes del comienzo del nuevo estilo,
caracterizado por la búsqueda de la luz y la simplicidad;
especialmente en la arquitectura cisterciense.
a) Arquitectura:
En el gótico inicial comienzan a usarse los arcos apuntados,
las bóvedas de crucería, los arbotantes y las lancetas, pero sin la
decoración y el pleno sentido estructural que alcanzarán en el gótico
pleno. Algunos autores critican la calificación de "protogóticas" para
estas estructuras, considerando que no se trata de un estilo de
transición entre el tardorrománico y el gótico (que ha llegado a
denominarse románico ojival), sino de formas románicas y góticas
yuxtapuestas en un mismo edificio (habitualmente una planimetría
y elementos sustentantes románicos y unos arcos y bóvedas góticas),
como consecuencia de lo prolongado de su construcción.
En Francia, a este periodo gótico inicial corresponden la abadía de
Claraval, la de Trois Fontaines y la de Fontenay (fundaciones
cistercienses de Bernardo de Claraval, desde 1117), la catedral de
Sens (desde 1140), la basílica de Saint-Denis (cuya dirección por
el abad Suger de 1122 a 1151 se considera el arranque del estilo
gótico), la catedral de Angers (1149–1159), la catedral de
Laon (1155-1235) y la catedral de Poitiers (1162). Estos edificios

EL ARTE GOTICO 9
son en general austeros, y presentan una altura e iluminación que,
si bien son notablemente más pronunciadas que en el románico,
aún no alcanzan las impresionantes cotas de las fases posteriores: el
gótico pleno de las catedrales de Chartres (1194-1220) y de
Reims (1211), o los prodigios del rayonnant de Beauvais (1225 -de
inigualada altura-) o de la Sainte Chapelle(1241-1248). La catedral
de Notre-Dame de París, por su cronología intermedia (1163-
1267), participa de las características de las tres primeras fases del
gótico francés.
En la periodización del gótico inglés se denomina Early English
Style (por contraposición al contemporáneo French Style -el gótico
inicial francés- y al anterior Norman -"normando", el románico que
la conquista normanda introdujo en Inglaterra desde 1066-) a la
primera fase del gótico (también etiquetada como Early
Plantagenet, Lancet o First Pointed Style),8 ejemplificada la
reconstrucción de la catedral de Canterbury tras el incendio de
1174; aunque también hubo numerosas fundaciones cistercienses,
como la abadía de Rievaulx9 (1132).
En la zona centroeuropea del Sacro Imperio, el término
alemán Romano-Gotik se extiende para aplicarse a edificios de
cronología relativamente tardía, caracterizados por versiones
provincianas y cautelosas del gótico; mientras que los considerados
primeros edificios góticos son la abadía de Eberbach (1136),
la catedral de Magdeburgo (1207) y la Liebfrauenkirche de
Tréveris (1235).
En los reinos cristianos peninsulares el nuevo estilo también se
incorporó a través de las fundaciones cistercienses, a las que
siguieron las más ambiciosas obras catedralicias. En el reino de
Portugal, el monasterio de Alcobaça (1178) fue la primera obra
gótica. En la corona de Castilla, el monasterio de Moreruela (1133),
la catedral de Ávila (1170) y la catedral de Cuenca (1196). En la
corona de Aragón, el monasterio de Poblet (1153), la catedral de
Tarragona (1173) y la catedral de Lérida (1193).
En Italia, la fuerte peculiaridad de su tradición artística no impidió
la llegada de alguna influencia del gótico inicial de origen francés,
perceptible en la abadía de Chiaravalle10 (1135) y la de
Fossanova (1187).

EL ARTE GOTICO 10
b) Escultura:
Las primeras obras de la escultura gótica francesa, que se podrían
llamar arcaicas dentro del estilo, son algunas estatuas de la gran
iglesia de Saint-Denis o de Chartres, con ropajes de pliegues rectos
y pegados al cuerpo, como los de las figuras primitivas del arte
griego. En Amiens, Reims y París, las obras de arte más excelsas
decoran, con simplicidad conmovedora, las fachadas de sus
antiguas catedrales: por ejemplo, la columna o parteluz que divide
la puerta de la catedral de Amiens lleva adosada una estatua de
Jesucristo, esculpida hacia 1230, con su barbilla puntiaguda,
cabellos lacios y ojos que comprende que debían ser azules, es la
representación más excelsa de un gentil hombre del norte de
Francia, culto y civilizado.
La escultura gótica nació estrechamente vinculada a la arquitectura,
como se observa en la decoración de las grandes catedrales y otros
edificios religiosos, pero con el tiempo fue ganando independencia.
c) Pintura:
Los muros dejan de ser los soportes pictóricos casi únicos. Además
de las vidrieras, que por su propia naturaleza siguen dependiendo
de la estructura arquitectónica, comienza a ser muy abundante
el arte mueble pintado, cuyo soporte es la tabla, que forma paneles
en los frentes de altar y en los retablos inicialmente sencillos
(dípticos, trípticos, polípticos -se harán cada vez más complejos a
finales de la Edad Media-) que se disponen sobre los muros, o
piezas devocionales de tamaño más reducido, apropiadas para ser
trasladadas y adaptadas a diversas ubicaciones. Incluso más
facilidad hay para la difusión de los manuscritos iluminados, que
provienen de una tradición altomedieval, pero que se hacen cada
vez más comunes.
Las formas van perdiendo paulatinamente el hieratismo y
la frontalidad propias de la pintura románica, componiéndose
escenas complejas en las que se reflejan actitudes y sentimientos;
aunque todavía se mantenga una característica ingenuidad, y estén
ausentes los conceptos de
profundidad, sombreado o perspectiva de épocas posteriores.
Para la pintura gótica en España se considera "protogótico" el
periodo en que se ha superado los rasgos iconográficos y formales

EL ARTE GOTICO 11
de la pintura románica pero aún no se ha introducido el
denominado "italogótico": la influencia de las
escuelas sienesa y florentina que caracterizan al periodo posterior.
Cronológicamente el protogótico pictórico es más tardío que la
arquitectura del gótico inicial, y, aunque se identifica con la primera
mitad del siglo XIII (reinados de Alfonso VIII de Castilla y Pedro
II de Aragón), se prolonga en el tiempo. También se identifica con
el término "francogótico", mientras que la etiqueta de "gótico lineal"
se aplica al siglo XIV.

1.2.2.- Gótico Clásico

El gótico clásico elimina ciertos aspectos heredados de
la arquitectura románica como la tribuna del segundo piso, además
de que obtiene mayor altura a través de un piso con grandes
ventanales que permite el acceso de luz de manera semi vertical. El
arco apuntado, la bóveda de crucería con nervios y los arbotantes
ya quedan establecidos en el "primer gótico" o "gótico primitivo"
como sistemas constructivos óptimos para alcanzar el objetivo del
gótico. Sin embargo, con el gótico clásico se confirma la tipología
de tres niveles en alzado (arcadas, triforio y claristorio), eliminando
el nivel de la tribuna. Así mismo, las catedrales han de constar,
como mínimo, de tres naves longitudinales (una central y dos
laterales) que en la cabecera se transforman en un ábside (que
cierra la nave central) y en un deambulatorio (uniendo las dos naves
laterales). En este espacio semicircular también llamado girola se
disponen las capillas radiales. El transepto se remarca alargando en
planta el brazo transversal de la cruz latina. El coro se alarga, pues
es aquí donde se juntan el obispo y sus prelados (el obispo se sienta
en la cátedra, su asiento, y de ahí el nombre de "catedral", es decir,
la iglesia que alberga el trono del obispo, y por lo tanto, la iglesia
más importante de la diócesis). Otro de los rasgos más decisivos del
gótico clásico es la creación de la fachada armónica: un cuerpo
central (que corresponde a la nave principal), enmarcado por dos
torres (que sirven de campanarios), y que alberga en lo alto una
ventana de forma circular: el rosetón.

 Catedral Nôtre-Dame de Chartres (todo el templo excepto la

fachada)
 Catedral de Nôtre-Dame de París (únicamente fachada)

EL ARTE GOTICO 12
  Catedral de Saint-Gervais et Saint-Protais de Soissons
 Catedral de Saint-Étienne de Bourges (todo el templo
excepto la fachada)
 Catedral de Nôtre-Dame de Reims (todo el templo excepto
la fachada)

1.2.3.- Gótico Radiante

El gótico radiante Se caracteriza por un cambio de orientación a
partir de la utilización de la gran escala y del racionalismo espacial
del alto gótico (en edificios como la catedral de Chartres o la nave
de la catedral de Amiens) hacia una mayor preocupación por las
superficies y la repetición de los motivos decorativos a diferentes
escalas. Los edificios tienden también a ganar en altura y
verticalidad y se busca un efecto de ligereza y riqueza, superando la
austeridad y cierta pesadez de la etapa precedente. Desde la mitad
del siglo XIV, el radiante se transformó gradualmente en el gótico
tardío, estilo flamígero, aunque como es habitual con este tipo de
etiquetas estilísticas arbitrarias, el punto de transición no está
claramente definido.
Uno de los primeros edificios que sentaron los patrones de este
estilo fue la catedral de Beauvais, que pretendía una altura de las
bóvedas tan imponente (48 metros) que no fue igualada en ningún
otro edificio gótico. La Sainte-Chapelle, en París, concebida como
una especie de relicariode cristal, constituye el paradigma perfecto
del estilo radiante.
En el interior la luz se convierte en el elemento predominante y en
función de ella y de su significado simbólico y espiritual, se
conciben el resto de elementos arquitectónicos. Se intenta liberar
los muros de su función sustentante para
disponer rosetones radiales (de ahí el nombre) y vanos cada vez
más grandes, que se decoran con vidrieras muy decoradas, sobre
todo de color azul oscuro y rojo. Los ventanales y portadas se
estilizan, se hacen más estrechos y apuntados y las decoraciones se
complican a la vez que se hacen menudas y menos naturalistas.
Aparecen elementos predominantemente abstractos, a modo de
tracerías o filigranas, invadiendo los espacios vacíos de los muros.

EL ARTE GOTICO 13
a) Arquitectura:
A medida que aumentaba el tamaño de las aberturas para las
ventanas, el período radiante coincidió con el desarrollo de las
ventanas en banda, en la que una banda central de vidrieras de
colores vivos se dispone entre las bandas superior e inferior de
cristal transparente o grisalla, lo que permitió aún más inundar los
interiores de luz.
A pesar de que los cambios en el diseño de las ventanas son la
característica más frecuentemente citada del estilo radiante, en
realidad eran sólo una parte de un cambio estético más
fundamental. El precursor clave fue el cambio en la construcción
de las tracerías de los vanos; la sustitución de la antigua placa de
tracería (plate-tracery) (en la que las aberturas de las ventanas se ven
como si hubieran sido perforadas en una placa de piedra plana) con
la más delicada tracería de barras (bar-tracery , en la que los
elementos de piedra que separan los paños acristalados en un
hueco son construidos a partir de delgadas molduras talladas, con
interiores redondeados y perfiles exteriores). La tracería de barras
probablemente hizo su primera aparición en las ventanas del
clarestorio en la catedral de Reims y se extendió rápidamente por
toda Europa. Además de ser una manera más eficaz y flexible de
construcción de ventanas, también allanó el camino para el
desarrollo de la tracería ciega (decorando una pared de otro modo
en blanco) y de la tracería abierta, que se usaban generalmente los
mismos motivos decorativos en ventanas contiguas.
La innovación arquitectónica final del estilo radiante en Francia fue
el uso de los triforios acristalados. Anteriormente, el triforio de una
catedral gótica temprana o clásica era una banda horizontal oscura,
que normalmente servía para disponer un pasaje estrecho, que
separaba la parte superior de las arcadas del clarestorio. A pesar de
que estos triforios hacían más oscuros los interiores, eran necesarios
para adaptarse a las pendientes de la cobertura sobre las naves
laterales y las capillas. La solución radiante a esto, tal como se
empleó con un efecto brillante en la década de 1230 en la nave de
la iglesia de la abadía de Saint-Denis, fue utilizar tejados a dos aguas
sobre las naves laterales, con canalones ocultos para drenar el agua
de lluvia. Esto conllevó que la pared exterior del pasaje del triforio
podía ser entonces de vidrio transparente, y que la pared interna
podía quedar reducida a una tracería de barras esbeltas. Los
arquitectos también comenzaron a hacer hincapié en la vinculación
entre el triforio y el clarestorio mediante la prolongación de los

EL ARTE GOTICO 14
montantes centrales desde las ventanas de este último en una
ejecución de molduras continua que va desde la parte superior de
las ventanas hacia abajo atravesando la tracería ciega del triforio
hasta la parte superior de la arcadas.

b) Influencia de la arquitectura radiante:

Los elementos clave del estilo radiante fueron incorporados en la
arquitectura inglesa con la reconstrucción de la abadía de
Westminster que realizó el rey Enrique III de Inglaterra, que había
estado presente en la consagración de Luis IX en la Sainte
Chapelle. La mezcla de estilos en Westminster (un paso crucial en
el desarrollo del gótico inglés decorado) ha sido caracterizado por
algunos historiadores del arte como «arquitectura francesa con un
acento inglés» (French architecture with an English accent). El estilo
radiante también fue muy influyente en el Sacro Imperio Romano,
como muestran las catedrales de Estrasburgo, Colonia y Praga. En
España encontramos los mejores ejemplos en la catedral de León y
la catedral de Burgos, esta última bastante modificada en la época
del gótico flamígero. El estilo llegó incluso hasta Chipre (un puesto
de avanzada cultural francés durante la Edad Media), siendo el
ejemplo más destacado la antigua catedral de San Nicolás en
Famagusta (ahora Mezquita Lala Mustafa Pasha).
Los diversos elementos decorativos empleados en el estilo radiante
(tracería de barras, tracería ciega y abierta, gabletes y pináculos)
tambiénse aplicaban en una escala mucho menor, tanto en la micro-
arquitectura y en las instalaciones y accesorios de la iglesia (tumbas,
santuarios, púlpitos , casas sacramentales, etc.) y también para
pequeños objetos portátiles como relicarios, equipo litúrgico,
dípticos de marfil, etc. Esta combinación de flexibilidad y
portabilidad pueden haber sido un factor clave en la difusión del
estilo radiante y sus diversas ramificaciones por toda Europa a
finales del siglo XIII y principios del siglo XIV.
La transición (en Francia) a partir del radiante al gótico flamígero
fue gradual y evolutiva en las formas, marcadas principalmente por
un cambio hacia nuevos patrones de tracería basándose en las
curvas en forma de S (estas curvas se asemejan a las llamas que
oscilan, de las que el nuevo estilo recibe su nombre). Sin embargo,
dado el caos de la Guerra de los Cien Años y las demás desgracias
experimentadas por Europa durante el siglo XIV, se hicieron
relativamente muy pocas construcciones de gran escala y ciertos

EL ARTE GOTICO 15
elementos del estilo radiante se mantuvieron en boga hasta bien
entrado el siglo siguiente.

1.2.4.- Gótico Tardío

(Gótico tardío, gótico final o tardogótico)
En este periodo, la arquitectura gótica pierde su papel básico de
aglutinador de las artes y pasa a ser menos protagonista. Desde
el siglo XIII las experiencias arquitectónicas se destinan
principalmente al campo de la decoración. Los característicos
calados asimétricos, de formas retorcidas inspiradas en redes de
elementos vegetales, similares a las llamas, llevaron al historiador
francés Arcisse de Caumont a acuñar para esta fase el
término flamboyant ("flamígero" -gótico flamígero-). También se
usa de forma similar el término gótico florido, aunque esta
nomenclatura es de equívoca aplicación.
Como término equivalente para esta fase del gótico se emplea la
expresión "gótico barroco" por los autores que aplican la teoría de
la evolución de los estilos al gótico como cuerpo unitario; del
mismo modo que se identifica el gótico inicial como "gótico
arcaico", el gótico pleno como "gótico clásico" y el gótico
radiante como "gótico manierista"; pero estas denominaciones no
alcanzan mucho uso.

La evolución del gótico no siguió una misma pauta en todos los

países europeos, sino que tuvo variaciones regionales muy distintas:
mientras que en Italia el siglo XV (Quattrocento) es el de la
imposición de los modelos clásicos grecorromanos
del Renacimiento italiano, y al norte de los Alpes (reino de
Francia, Estado Borgoñón, Sacro Imperio) se continúa el
denominado "gótico internacional" (también se utilizan las etiquetas
"gótico cortés" y "estilo dulce" -style adouci, weicher Stil-), en el reino
de Inglaterra y en los reinos cristianos peninsulares se construyeron
estilos con un marcado carácter "proto-nacional" cuyos rasgos
diferenciadores fueron sustancialmente los elementos decorativos.
Thomas Rickman acuñó en 1817 el término "gótico perpendicular"
para aplicárselo a las creaciones arquitectónicas inglesas entre 1350
y 1500, caracterizadas por la bóveda de abanico y su marcada
linealidad, frente al sentido de altura del gótico centroeuropeo. Se
trataría de la más típica creación inglesa, hasta el punto que se

EL ARTE GOTICO 16
llegado a caracterizarlo como un opus anglicanum, opuesto
radicalmente al opus francigenum. El estilo Tudor prolongó estas
formas durante todo el siglo XVI.
Para la Corona de Castilla Émil Bertaux acuñó en 1911 el término
"gótico isabelino", por la influencia como mecenas de las artes
de Isabel I de Castilla. El éxito de la denominación no careció de
críticas y denominaciones alternativas, como la de "gótico
fernandino" (en relación con Fernando el Católico, su esposo y rey
de la Corona de Aragón), o la denominación combinada: "estilo
Reyes Católicos". José María de Azcárate2 propuso la etiqueta
"hispano-flamenco", que aludía a la confluencia de rasgos locales, de
origen mudéjar, con rasgos provenientes del arte flamenco. Para
el reino de Portugal, la denominación "estilo manuelino", mucho
más recargado que el isabelino, con decoraciones de motivos
vegetales y náuticos (en referencia a los descubrimientos que habían
convertido al reino en una potencia), se debe al reinado de Manuel
I (1490-1520).

a) Elementos formales
 Bóveda
Las bóvedas resultan ser los únicos elementos que muestran
carácter novedoso, aunque estas novedades resultan ser más
decorativas que realmente estructurales. Las bóvedas de los
primero tiempos del gótico fueron sexpartitas, a las que siguieron
las cuatripartitas. Desde mediados del siglo XIV los arquitectos
experimentaron nuevas soluciones, aumentando el número de
nervios secundarios, dando lugar a bóvedas mucho más decorativas,
como las de tercelete, las de nervios combados, etc., pero siendo
todas variaciones de la bóveda de crucería, de formas estrelladas.

 Pilar
El pilar también será un elemento que evolucione durante este
período, hacia unas formas más verticales, como un auténtico haz
de columnas, con pilastras adosadas convertidas en baquetones,
muy adelgazados y estilizados, que harán del pilar fasciculado, el
resultante, el más usado durante el siglo XV. El

EL ARTE GOTICO 17
pilar helicoidal también se usará en las salas
capitulares de monasterios, y en habitaciones de planta
centralizada. El pilar pierde el capitel con formas arcaicas, y se
convierte en una línea de imposta de presencia testimonial.

 Arco
Los arcos también evolucionan, siempre de manera decorativa. Se
abandona casi en su totalidad el uso de los arcos de medio punto, y
se potencian los usos de los arcos más decorativos, el conopial, el
ojival, el polilobulado, el carpanel, etc.. Como elementos
decorativos surgen los pináculos, que se colocan casi en cualquier
lugar, y, si son más grandes, pasan a ser tabernáculos. Las frondas,
redes decorativas de elementos vegetales son también otro
elemento muy típico del siglo XV, junto con los gabletes, un
elemento decorativo para ensalzar el arco.

 Torres y agujas
Las agujas y las torres se popularizan durante este período, y
muchos edificios ya terminados añaden éstos elementos, para
ensalzar y dar empaque, para 'vestir a la moda' el templo. Los
cuadernos de dibujos fueron los que difundieron estas ideas; sobre
fachadas de origen francés se añaden pináculos y agujas, propios de
la arquitectura nórdica. (Aparición del Libro de los pináculos) Hay
distintos tipos, que se construyen sobre base octogonal o cuadrada;
poseen ventanas muy caladas, para dar iluminación, y rematan con
formas vegetales. Ejemplos en las catedrales
de Friburgo y Estrasburgo con remates calados, con tracerías.
En España éstas formas se introducen primero en los remates de
la Catedral de Burgos. El obispo de Burgos, Alonso de Cartagena
había viajado por el norte de Europa y había visto las torres caladas
en las iglesias y catedrales del Norte, por lo que llamará a Juan de
Colonia en 1442 para rematar las torres, con un elemento que se
superpone a la obra anterior, y que será imitado posteriormente en
las catedrales de León, Oviedo, Toledo, etc. e influirá en las que se
construyen en esa época, como la de Astorga. Son torres de base
octogonal, y de 70 metros de altura, que estuvieron rematadas por
esculturas de San Pedro y San Pablo, retiradas en el siglo XVIII.

EL ARTE GOTICO 18
1.2.5.- Gótico Flamígero:
El gótico flamígero (flamboyant) fue la última etapa del arte
gótico que se desarrolló en Europa desde la última parte del
siglo XIV y los principios del XV. Se caracteriza por no contar con
un centro difusor, por lo que impera la diversidad. Coincide con el
desarrollo de la escuela flamenca.
Es una época de relativa crisis, por lo que desaparecen las grandes
empresas constructivas del periodo anterior. En la península
ibérica, por el contrario, se vivirá un momento de reconstrucción.
Por otra parte, la arquitectura religiosa cede terreno ante la civil y
militar. Lonjas, ayuntamientos, castillos y palacios serán los
protagonistas.
Se caracteriza por:

 Profusión de lo decorativo sobre lo estructural, como los

arcos decorados con motivos vegetales.
 Uso de curvas y contra curvas.
 Tracería ondulada de los vanos.
 Uso del arco conopial.
 Bóvedas con multiplicidad de nervios, en abanico o
estrelladas.
 Se eliminan los capiteles, las líneas de la bóveda no tienen
solución de continuidad.
 Predominio de las formas pequeñas en las fachadas.
 Torres con chapitel y flechas.

Arquitectura Flamígera en Francia

 1460-1497: fachada occidental de la catedral de

Toul, Toul (Meurthe-et-Moselle)
 1441-inicios del XVI: transepto norte de la catedral de
Évreux, Évreux (Eure)
 1506: fachada de la iglesia abacial de la
Trinidad, Vendôme (Loir-et-Cher)
 1490-1517: transepto sur de la catedral de Saint-Étienne de
Sens, Sens (Yonne)

EL ARTE GOTICO 19
 1509-1523: campanario de la antigua iglesia de Saint-
Jacques de la Boucherie, Paris
 1506-1532: Real monasterio de Brou, en Bourg-en-
Bresse (Ain)
 1506-1538: transeptos de la catedral de Senlis, Senlis (Oise)
 1488-1539: iglesia colegial de St.
Vulfran, Abbeville (Somme)
 1481-1545: basílica de Sain Nicolás, Saint-Nicolas-de-
Port (Meurthe-et-Moselle)
 1379-1552: Sainte-Chapelle, Vincennes (Val-de-Marne)
 Auch (Gers), catedral de Auch (excepto la fachada)
 Beauvais (Oise), coro y capillas de la iglesia de Saint-
Étienne de Beauvais
 Caudebec-en-Caux (Seine-Maritime), iglesia de Notre-
Dame
 Fachada occidental de la basílica de Nuestra Señora de
L'Épine, L'Épine (Marne)
 Louviers (Eure), Notre-Dame de Louviers (fachadas norte y
sur)
 Paris, Iglesia de Saint-Séverin
 Pont-de-l'Arche (Eure), Notre-Dame-des-Arts
 Ruan, Catedral de Rouen (en parte)
 Ruan, iglesia de Saint-Maclou
 Ruan, abbey-church of Saint-Ouen
 Rue (Somme), capilla de Saint-Esprit
 Saint-Riquier (Somme), abadía de San Ricario
 Thann (Alto Rin), iglesia de San Teobaldo

 Tours, catedral Saint-Gatian de Tours

 Catedral de Nantes

EL ARTE GOTICO 20
 Capítulo III: Influencia
del arte Gótico en países
Europeos.
Los comienzos de la arquitectura gótica nos llevan a las afueras de
París, concretamente a la abadía de Saint Denis, donde su Abad,
Suger empezó a acometer obras en el coro de la iglesia. Esta obra,
comenzada el 14 de julio de 1140 pudo ser la primera piedra de un
nuevo estilo arquitectónico, reuniendo todos los elementos
innovadores del nuevo estilo. Sin embargo no debemos olvidar la
gran labor propagandista que llevo a cabo el abad Suger de su nueva
obra. Estos dos los elementos característicos ya utilizados en la
abadía de Saint Denis serán: el arco apuntado y la bóveda de
crucería. La utilización de ésta última dio a la obra posibilidades
técnicas y estéticas que fueron descubiertas casi al unísono en
diferentes zonas europeas como el norte de Italia, Espira, a orillas
del Rhin y Dirham en Inglaterra por donde pasa a Normandia.

El arco apuntado es el otro elemento característico de los Siglos XII

y XIII, en un principio fue equilátero, en todo caso moldurado y
generalmente doblado, es decir, uno dentro de otro. En el Siglo
XIV adquiere un perfil más apuntado y agudo recibiendo el
nombre de lanceado. Finalmente en el S XV se utilizan también
diversos tipos de arcos: conopial, escarzano, rebajado, mixtilíneo, y
otras formas caprichosas.

El modelo de planta de las iglesias, abadías y catedrales góticas es la

planta basilical con girola, salvo en Italia e Inglaterra, con corona de
capillas; ausencia de tribuna o triforio y plena incorporación de las
torres. En alzado se distinguen dos tipos fundamentales: uno, que
se difunde principalmente por Francia, se caracteriza por la gran
altura de la nave central, con lo que se acusa fuertemente su desnivel
respecto a las naves laterales, inscribiéndose, por tanto, en un
triángulo apuntado. El segundo modelo tiende a la igualdad de
altura entre las naves, buscándose la impresión de un gran salón,
unificando la visión de un solo conjunto.

EL ARTE GOTICO 21
a) Desarrollo del arte Gótico en Francia:
A lo largo del S XIII cuando se inician las más importantes y bellas
catedrales de Francia, que serán el foco de difusión por Europa.
Destaca en esta época la catedral de Chartres, cuyo edificio
románico fue destruido por un incendio en 1194, y que constituye
uno de los monumentos señeros de la historia de la arquitectura
puesto que es en ella donde se concretan los ideales y la técnica de
la arquitectura gótica. Son destacables por su gran influencia
europea, sobre todo en España y Alemania, el inicio en 1212 de la
catedral de Reims, conforme a trazas de Juan de Orbais.
Simultáneamente se inicia en 1218, por Robert de Luzarches, la
catedral de Amiens.
Durante el segundo tercio del Siglo XIII el modo gótico triunfa en
los más recónditos lugares de Francia multiplicándose los edificios
inspirados en las grandes catedrales, como la catedral de Bourges,
que recibe influencia de la de París. Se inician por tanto las escuelas
regionales, hecho que provoca una evolución hacia el refinamiento,
la apertura de vanos y estilización de sus elementos, como vemos
en la Saint Chapelle de París, obra de Pierre de Montereau.

a) Desarrollo del arte Gótico en Alemania:

Las formas de la arquitectura Gótica francesa se introducen en
Alemania bien entrado el siglo XIII. A la primera mitad del mismo
corresponde la iglesia de Santa Isabel de Marburgo, ensayo
superado por la gran influencia que ejerce la catedral de Reims.
Son muy características las catedrales de Colonia, Estrasburgo,
Friburgo, Praga, Ulm y la de San Esteban de Viena, entre otras,
donde las formas y estética adquieren un gran desarrollo a pesar de
su cronología tardía. Son destacables los conjuntos urbanos y los
ejemplos de arquitectura civil, como los de Colonia, Nuremberg y
Munich, a pesar de su destrucción durante la II Guerra Mundial

EL ARTE GOTICO 22
a) Desarrollo del arte Gótico en los Países Bajos:
La influencia Francesa es inevitable es estos territorios sobre todo
durante los Siglos XIII y XIV, más adelante se fijará en las formas
de la arquitectura gótica alemana e Inglesa. Las Catedrales más
importantes de son las de Tournai y de S. Gúdula de Bruselas, sin
olvidar San Bavón de Gante.
Como en la arquitectura alemana, destacan los conjuntos
arquitectónicos referentes a la vida civil, las casas de fachada con
piñón escalonado, como el magnífico conjunto de Brujas, las lonjas
de comercio, como las de Brujas e Yprés, y las casas comunales o
de corporaciones, como las de Bruselas, Lovaina y Brujas.

a) Desarrollo del arte Gótico en Inglaterra.

Si la arquitectura gótica en Italia es diferente a la del resto de Europa

es en Inglaterra donde este hecho cobra más fuerza. La evolución
de las formas en las islas británicas es en muchos casos
independiente a la llevada a cabo en el resto de Europa. Los
comienzos se sitúan en la segunda mitad del Siglo XII con el coro
de la catedral de Canterbury y la cabecera de la catedral de Lincoln.

Uno de los elementos más destacables y preciosistas de la

arquitectura inglesa se inicia en el último tercio de este siglo con el
estilo ornamental o decorated style, caracterizado por la abundancia
de molduras sinuosas y la aparición de las características bóvedas
de crucería de abanico, que tiene una de sus muestras más
representativas en el claustro de la catedral de Gloucester.

Mientras en toda la Europa del Siglo XV triunfa el flamígero, el arte

inglés da paso al "perpendicular style", caracterizado por la
proliferación de molduras verticales, que contrastan en su rigidez
con las riquísimas bóvedas de crucería de abanico, cónicas y con
riquísimas claves colgantes, como vemos en las catedrales de York
y de Canterbury. Así mismo son destacables las de la "Lady Chapel"
de enrique VII en la abadía londinense de Westminster.

EL ARTE GOTICO 23
 Capítulo III: Estilos del
arte Gótico y escuelas.
3.1.- Gótico Lineal o Franco-Gótico
En Francia, durante la segunda mitad del siglo XIII y la primera del
XIV se origina la dificultad de desarrollar la pintura mural debido
a la ausencia de muros en las grandes construcciones góticas. Ello
provoca que el interés principal de la actividad pictórica se dirigiera
hacia las vidrieras y las miniaturas.
Es característico de las miniaturas de esta época el empleo de
encuadramientos arquitectónicos, así como el uso abundante
de oro y las orlas vegetales. Entre las obras producidas dentro de
este estilo, cabe citar las Biblias historiadas, como la Biblia
Pauperum, las dos biblias de Pamplona o la llamada Biblia
moralizada de San Luis (catedral de Toledo); otras obras de
devoción fueron el Salterio de la reina Blanca de
Castilla (Biblioteca del Arsenal, París) y el Pasionario de
Cunegunda (Praga), ya del siglo XIV. La obra maestra de la
miniatura española de la época es el Códice de El Escorial de Las
Cantigas, obra del scriptorium de Alfonso X.

Comienza a verse en esta época pintura sobre tabla, pudiéndose

mencionar el Díptico de la Virgen (Museo de Berlín) y numerosos
frontales catalanes y aragoneses, como el de Valltarga o el de Avià.
En España se sigue cultivando la pintura mural en esta época,
destacando la Sala Capitular de Sigena (MNAC) y la capilla de San
Martín, en la Catedral Vieja de Salamanca, obra de Antón Sánchez
de Segovia. En el techo de la catedral de Teruel pueden verse las
pinturas atribuidas a Domingo Peñaflor.

EL ARTE GOTICO 24
3.2.- Gótico Trecentista o Italo-Gótico
Este estilo se fue formando a lo largo del siglo XIII (Duecento)
en Italia. Se fundieron las tradiciones del arte bizantino con los
primitivos estilos clásicos o paleocristianos en pinturas y paneles
de Florencia y Siena. Demostraban más realismo del que se
encontraba en el arte románico y en el bizantino, caracterizado por
una huida de la llamada maniera grecaque dominaba Italia, y que
fue sustituida por un estilo más realista. Se sentía fascinación por
la perspectiva, y por la ilusión de crear espacios que parecieran
reales, con figuras menos rígidas y estilizadas, más anatómicamente
correctas y que presentaran estados de ánimo en sus gestos y
actitudes. Se muestra también un interés por la narrativa pictórica y
una espiritualidad intensificada por influencia franciscana.
En el siglo XIII (Duecento) se distingue la escuela toscana,
particularmente la obra de Giunta Pisano. A esta primera etapa de
la pintura gótica ha de atribuirse igualmente la labor de la escuela
romana de mosaicos y pintural murales, cuyos nombres más
destacados son los de Jacopo Torriti y Pietro Cavallini. Cavallini
fundió la pintura de la tradición local romana (arte romano y arte
paleocristiano) con las convenciones bizantinas; sus vigorosos y
bellos frescos y mosaicos muestran un dominio del naturalismo.

3.2.1.- Escuela Florentina:

Se considera como iniciador a Cimabue trabajó en Roma en 1272,
conociendo allí el mundo clásico y la pintura paleocristiana y
románica, lo que le influyó para abandonar la bidimensionalidad
del estilo bizantino y encaminarse a un mayor realismo. Su obra
más conocida es la Maestà, que estaba en el altar de la iglesia de
Santa Trinità de Florencia. A finales de siglo estuvo trabajando en
la Asís.

El mayor expornente fue Giotto, es quien busca representar el

espacio correctamente, así como adecuar las expresiones y los
gestos en relación con el estado de ánimo del personaje. Dio un
tratamiento revolucionario a la forma y a la representación realista
del paisaje, introduciendo la tridimensionalidad, lo que significó un

EL ARTE GOTICO 25
gran paso en la historia de la pintura. Con él llega a la cumbre la
pintura gótica italiana. En la Capilla de los Scrovegni, en Padua, se
encuentra todo un ciclo de frescos (1305-1306) que mostraron
escenas de la vida de la Virgen. También es importante su
intervención en Asís, con un ciclo sobre la vida de San Francisco.
Giotto tenía un gran poder para organizar toda una escena en torno
a una imagen central, como puede verse en una de sus obras más
famosas, el Beso de Judas. Estuvo en Roma en 1330, donde pintó
un fresco en el palacio de Letrán. Allí conoció las innovaciones
de Pietro Cavallini.
La capacidad de simplificar y ordenar la experiencia de la realidad
para lograr la representación directa de las cosas, junto a la
disposición las historias en compartimentos historiados concebidos
como ventanas donde Giotto sitúa los personajes cargados todavía
de un peso escultórico que contrasta con la elocuencia de sus gestos.
Sobre el fondo de arquitecturas o paisajes dibujados en
complejas perspectivas, Giotto desarrolla el «espacio pictórico», un
ámbito de tridimensional que se extiende en profundidad por
detrás de la superficie pintada en lo que es la principal innovación
de la pintura del Trecento y el más importante avance que se haya
dado en toda la Historia de la Pintura. Con el espacio pictórico nace
la pintura moderna. Seguidores suyos fueron Taddeo
Gaddi y Andrea Orcagna.

3.2.2.- Escuela Sienesa

Se inicia con Duccio. En los siglos XIII y XIV, la ciudad
de Siena competía en el esplendor de su arte con Florencia. Es en
esta ciudad en la que Duccio ejecuta su mayor obra y una de las
más famosas pinturas italianas: la Maestà de la catedral de
Siena. Fue contratada por la catedral de Siena en 1308 e instalada
allí con gran ceremonia en 1311. Posteriormente, la obra fue
desmantelada y vendida, en parte porque no era apreciada. Como
consecuencia, hay paneles de la Maestà en diversas partes del
mundo, como Washington DC, Nueva York y Londres.
La Maestà fue pintada por los dos lados: en un lado la Virgen con
el Niño y en el otro escenas de los Evangelios; revela fuertes lazos
con la tradición bizantina, pudiendo apreciarse la influencia de
Europa Septentrional en las formas graciosas y ondulantes de las

EL ARTE GOTICO 26
figuras. Duccio recibió esa influencia de segunda mano, a través de
las esculturas de Nicola y Giovanni Pisano XXXX.
Los hermanos Lorenzetti difundieron un modelo de Virgen con
Niño en un coloquio impregnado de tristeza. De las obras que
ejecutaron, la obra más destacada de Ambrogio es el fresco que
representaba las alegorías del Buen y del Mal Gobierno, encargado
para el interior del palacio comunal de Siena. Era el primer intento
de mostrar un escenario real con habitantes reales. En la alegoría
de la Paz se encuentra representado el modelo de belleza femenino
de la época. Ambos hermanos murieron de repente en el año 1348,
probables víctimas de la Peste Negra.
Las basílicas de Asís fueron el lugar donde coincidieron los grandes
pintores del final del Ducento con los del Trecento: Cimabue junto
con sus discípulos, pintó en ambas basílicas. Giotto con sus
discípulos, pintó las Historias Franciscanas de la Iglesia Superior,
otros pintores de la escuela florentina así como Duccio di
Buoninsegna, Simone Martini y otros pintores de la escuela
sienesa estuvieron también en Asís. Reinventaron el retablo o la
pintura sobre tabla que decoraba los altares de las catedrales e
iglesias toscanas y continuaron la tradición de la gran pintura mural
que culminará en el Palacio de los Papas de Aviñón.

3.3.- Gótico Internacional

El estilo internacional fusiona, a finales del siglo XIV,
características del gótico lineal propio del Norte de Europa y
la pintura trecentista italiana. Los artistas destacados viajaban
de Italia a Francia y a la inversa, así como por toda Europa, de
manera que las ideas se divulgan y combinan. Los pintores siguen
una técnica minuciosa, representando con gran detalle las
anécdotas, buscando reflejar la realidad con gran naturalismo, pero
sin olvidar el sentido simbólico de lo que se representa. Las figuras
se estilizan, y abundan los plegados en los ropajes. Ahora, los temas,
aunque religiosos, se interpretan como profanos, los santos se
transforman en apuestos caballeros y distinguidas damas, que se
desenvuelven con ademanes exageradamente afectados en
ambientes palaciegos. Obras de este estilo se vieron no sólo en esos
dos países ya mencionados, sino también
en Inglaterra, Alemania, Austria o Bohemia.

EL ARTE GOTICO 27
Francia es el centro difusor de estas tendencias, comenzando por la
influencia de los duques Juan de Berry y Felipe de Borgoña. Aún
prevalecía allí la iluminación de manuscritos como la forma de
pintura predominante. Llegó a nuevas cumbres con la obra de
los Hermanos Limbourg, quienes aún viviendo en los Países Bajos,
trabajaban para la nobleza francesa. Su obra maestra conjunta son
las Muy Ricas Horas, encargo del duque de Berry. Pertenece al
género de los libros de horas, un libro de oraciones ilustrado que
contenía los rezos para cada una de las siete horas canónicas del
día. También incluía un calendario y uno de cada dos meses está
ilustrado con temas profanos referentes a cada estación. La obra
aún estaba incompleta cuando los artistas murieron, posiblemente
debido a la Peste Negra.

Se trató de un estilo verdaderamente internacional, cultivado en

países como Alemania por Conrad Soest, el maestro
Francke o Stefan Lochner. Hubo una escuela de Praga a la que
pertenecieron el Maestro del Jardín del Paraíso y el de Trebon. Un
ejemplo clásico del estilo verdaderamente internacional es
el Díptico Wilton, actualmente en la National Gallery de Londres.
Se pudo pintar en cualquier momento del reinado de Ricardo II de
Inglaterra. Y su autor pudo haber sido de cualquier nacionalidad,
no habiendo consenso sobre la misma, lo que revela el carácter de
esta etapa del gótico.

3.4.- Gótico Flamenco:

Surge en Flandes durante el primer tercio del siglo XV, al mismo
tiempo en que en Italia se encuentran ya en el Renacimiento. Este
estilo se difunde por el resto de Europa, salvo Italia, durante el resto
del siglo. Actualmente, también puede encontrarse que a esta etapa
de la pintura se la llama Prerrenacimiento o también Renacimiento
nórdico, abarcando la obra de los flamencos hermanos Van
Eyck, Rogier van der Weyden, Hugo van der Goes y Memling o
los alemanes Multscher y Witz.
Su principal innovación es la técnica de pintura al óleo, lo que
permite un mayor colorido, sutileza y detallismo. Hay una
minuciosidad absoluta en la representación de los detalles, de las
texturas de las telas, de la forma los objetos y, sobre todo, la
fidelidad de los rostros. Ahora bien, es una pintura repleta

EL ARTE GOTICO 28
de simbolismo, pues con frecuencia, detrás de los objetos más
triviales hay mensajes ocultos, lo que convierte los cuadros en
auténticas alegorías.
A esta última fase del gótico a veces se la conoce también
como prerrenacimiento o renacimiento nórdico, ya que su rico
colorido, su concepción de la perspectiva y su avanzado tratamiento
de la luz permiten considerarlos ya un primer renacimiento. Se
mantienen, no obstante, ciertos convencionalismos heredados de la
tradición anterior que resta veracidad a la escena: composición
confusa, pliegues angulosos, gestos forzados, solemnidad excesiva
(cierto hieratismo, a veces).
La mayor parte de las obras son encargos privados para
la aristocracia o la burguesía, por lo que tienen un fuerte contenido
civil y profano. Predominan los cuadros religiosos aunque, a
menudo, se interpretan como sucesos cotidianos; de hecho, es
común que quien encarga la obra, es decir, el donante, aparezca en
la escena como un personaje más; a partir de la presencia del
donante se desarrolla un nuevo género: el retrato.

EL ARTE GOTICO 29
 Capítulo IV: Personajes
del arte Gótico.
4.1.- Jan Van Eyck:
Fue un pintor flamenco que trabajó en Brujas. Está considerado
uno de los mejores pintores del Norte de Europa del siglo XV y el
más célebre de los Primitivos Flamencos. Robert Campin, que
trabajó en Tournai y los hermanos Van Eyck en Flandes, fueron las
figuras de transición desde el gótico internacional hasta la escuela
flamenca. El estilo flamenco que se dio en los Países Bajos en
el siglo XV se ha considerado tradicionalmente como la última fase
de la pintura gótica. Otra corriente lo enmarca en lo que se ha dado
en llamar Prerrenacimiento. A este estilo pictórico del gótico
tardío en el siglo XV, que anuncia el Renacimiento
Nórdico de Europa, también se le llama Ars nova.
Jan van Eyck fue llamado «el pintor puntero».

Aporte:
 Hojas de Libro de Horas de Turín.
 La Crucifixión y el Juicio Final .
 “Madonna en una Iglesia”
 “Estigmatización de San Francisco”
 “Retrato del Cardenal Niccolò Albergati”
 “El hombre del anillo”
 “Retrato de hombre joven (Timoteo)
 “El Matrimonio Arnolfini”
 “Virgen con el Niño leyendo”

4.2.- Giotto di Bondone

Los primeros frutos de su actividad artística habían surgido en Asís,
a donde Giotto había ido en 1296, invitado por el prior de los
franciscanos, fra Giovanni di Murro della Marca. Sus primeros

EL ARTE GOTICO 30
años de aprendizaje transcurrieron en el taller de Cimabue, y
pronto comenzó a recibir sus propios encargos, la mayoría eran
trabajos religiosos y a los treinta años, fue cuando abandonó Asís,
y desde entonces su actividad no conoció descanso. En 1300 fue
llamado a Roma; después, Enrique Scrovegni le pidió que pintara
en Padua una capilla, que sería considerada como una de las más
extraordinarias realizaciones de la pintura mundial. En esta época
fue reconocido como un maestro, su taller es muy concurrido y ha
alcanzado cierta prosperidad económica. Es el primero de los
pintores toscanos llamados a trabajar en la Italia del Norte. Pinta así
entre 1304 y 1306 en Padua los frescos de la capilla privada de los
Scrovegni llamada de la Arena y otros perdidos. Más adelante,
hacia 1327, terminó las pinturas de las capillas Peruzzi y Bardi, las
de la iglesia franciscana de la Santa Cruz, el políptico franciscano y
la muerte de la Virgen. Recibe encargos en Nápoles del rey Roberto
de Anjou en 1328.

Aporte:
 "Maestà di Ognissanti", El Giotto.
 "Crocifisso di Santa Maria Novella", El Giotto.
 "Aprobación de la orden Franciscana por el papa
Inocencio III", El Giotto.
 "Lamentación sobre Cristo muerto", El Giotto.
 "Huida a Egipto", El Giotto.

4.3.- Simone Martini

Pintor italiano, uno de los más originales e influyentes artistas de la

escuela de Siena, su ciudad natal. Basándose en las técnicas de

EL ARTE GOTICO 31
representación tridimensional del espacio desarrolladas por el
maestro sienés Duccio de Buoninsegna, Simone añadió una
refinada línea de contorno y de gracia y serenidad a la expresión.
Pintó muchos frescos, introduciendo la técnica de esta pintura en la
escuela de Siena. Realizó también paneles para retablos, como el
de La virgen y el niño (1320) para la iglesia de Santa Catalina de
Pisa. Simone vivió en Asís durante un tiempo y realizó uno de sus
mejores frescos, ilustrando algunos momentos de la vida de san
Martín para la capilla del mismo nombre. En 1339, a petición del
papa Benedicto XII, fue a Avignon, donde realizó los frescos del
palacio papal y la catedral. Entre sus obras destacan San Juan
Bautista (Galería Nacional de Arte de Washington) y La
Anunciación (1333, Galería de los Uffizi de Florencia), considerada
como una de las mejores realizaciones de la escuela de Siena.

Aporte:

 Maestà de Siena

 San Pedro
 El sueño de San Martín
 Guidoriccio da Fogliano
 Cargando la Cruz
 El Entierro
 Anunciación entre los santos Ansano y Margarita

4.4.- Robert Campin

Es un pintor flamenco del siglo XV conocido como el Maestro de
Flémalle del que tenemos varias obras reconocidas.
Junto a los hermanos Van Eyck y Roger Van der Weyden, se le
considera uno de los primeros pintores de estilo flamenco y en su

EL ARTE GOTICO 32
taller de la ciudad de Tournai desarrolló una amplia labor como
dorador y pintor. Sabemos por ejemplo allí se formaron otros
artistas importantes como Van der Weyden lo que ha provocado
cierta confusión en la autoría de muchas de sus obras.

El estilo del Maestro de Flémalle evoluciona desde el conocido

como gótico internacional hacia una nueva corriente artística
iniciada en los Países Bajos basada en la introducción del óleo.
Gracias a la mezcla de aceites estos pintores consiguieron una
mayor variedad y calidad cromática que es una de las características
principales de la pintura flamenca del siglo XV.

Además las escenas suelen estar llenas de simbolísmo y cierto

misticismo religioso mediante composiciones en algunas ocasiones
bastante complejas donde se advierte la preocupación por el
tratamiento de la luz, el espacio y la plasticidad de las formas.

Destaca sobre todo en la temática del retrato como en Hombre del

turbante 1430-1434 (National Gallery) o Retrato de mujer, ambas
en la National Gallery de Londres. En ellas además de un intenso
estudio psicológico de los personajes, el artista consigue una gran
calidad técncia en el tratamiento de los paños. La figura ocupa toda
la composición reduciendo al máximo el fondo de la escena y son
consideradas precursoras del retrato moderno.

Aporte:

 Retrato de hombre gordo, 1425 (Gemäldegalerie,

Berlin)

EL ARTE GOTICO 33
 Los Desposorios de la Virgen
 San Juan Bautista y el maestro franciscano Enrique
de Werl, 1438 (izqda) y Santa Bárbara, 1438 (drcha)

EL ARTE GOTICO 34
 Capítulo V: ¿Por qué
dejo de usarse el arte
gótico?
Las formas exageradas, con adornos profusos, su conexión con la
Iglesia (aunque el arte gótico fue el primer estilo que se expandió
hasta otros campos fuera de los tradicionales, habiendo así desde
zapatos a cubiertos con este estilo) Nuevos descubrimientos
(imprenta, América, etc), un cambio social (tímido auge de la
burguesía) y en conclusión el movimiento que llamamos
Humanismo, empezó a llevar a los artistas a investigar sobre la
perspectiva, anatomía humana,...es la época de difusión de la
cultura.

Como menciono arriba, el arte gótico había sido fundamentalmente

un arte reñido con lo religioso; sin embargo el humanismo trajo
consigo un cambio que no podemos llamar estrictamente "laicismo",
pero que sin embargo dio lugar a cierto alejamiento de lo político y
lo cultural con la Iglesia: se empiezan a construir, por tanto, toda
una serie de estructuras de carácter laico según las directrices de
este estilo (como la Ca'd'Oro, en Venecia) Una crisis demográfica,
en parte provocada por la Peste Negra, y una situación social pobre,
preparon a la sociedad para un cambio. Todo ello confluye y lleva
a un cambio de mentalidad, a una búsqueda de otros ideales, que
sería los humanistas...así poco a poco, el gótico va perdiendo
popularidad en lugar del arte renacentista, que es la expresión de
esa serie nueva de ideales de la sociedad del momento.

EL ARTE GOTICO 35
 CONCLUSIONES

Capítulo 1
 El arte Gótico surge con el Renacimiento urbano en
el siglo XI.
 La filosofía de la iglesia, la escolástica, influyo en el
arte Gótico.
 El gótico logra expandirse gracias a las cruzadas.

Capítulo 2
 El arte Gótico tiene sus raíces en el Románico.
 En el gótico inicial comienzan a usarse los arcos
apuntados, las bóvedas de crucería, los arbotantes y
las lancetas, pero sin la decoración y el pleno sentido
estructural que alcanzarán en el gótico pleno.
 El gótico clásico elimina ciertos aspectos heredados
de la arquitectura románica como la tribuna del
segundo piso.
 Mayor preocupación por las superficies y la
repetición de los motivos decorativos a diferentes
escalas.
 En el gótico Radiante los ventanales y portadas se
estilizan, se hacen más estrechos y apuntados y las
decoraciones se complican a la vez que se hacen
menudas y menos naturalistas.
 Los ventanales y portadas se estilizan, se hacen más
estrechos y apuntados y las decoraciones se
complican a la vez que se hacen menudas y menos
naturalistas.

EL ARTE GOTICO 36
  En el gotico tardío la arquitectura pierde
importancia.
 El gótico flamígero fue la última etapa del arte
gótico que se desarrolló en Europa

Capítulo 3
 A lo largo del S XIII cuando se inician las más
importantes y bellas catedrales de Francia, que serán
el foco de difusión por Europa.
 Las formas de la arquitectura Gótica francesa se
introducen en Alemania bien entrado el siglo XIII.
 Uno de los elementos más destacables y preciosistas
de la arquitectura inglesa se inicia en el último tercio
de este siglo con el estilo ornamental o decorated
style, caracterizado por la abundancia de molduras
sinuosas y la aparición de las características bóvedas
de crucería de abanico.

Capítulo 4
 El gótico lineal se origina la dificultad de desarrollar
la pintura mural debido a la ausencia de muros en las
grandes construcciones góticas.
 uso abundante de oro y las orlas vegetales.
 En el gótico trecentista más realismo del que se
encontraba en el arte románico y en el bizantino
 La escuela Florentina tiene como iniciador a
Cimabue y máximo exponente a Giotto.
 La escuela Dienesa tiene como iniciador a Duccio.

Capítulo 5
 Jan van Eyck fue llamado «el pintor puntero».
 Giotto es el primero de los pintores toscanos
llamados a trabajar en la Italia del Norte.

EL ARTE GOTICO 37
  Simone Martini uno de los más originales e
influyentes artistas de la escuela de Siena
 Robert Campin destaca sobre todo en la temática
del retrato como en Hombre del turbante 1430-
1434

Capítulo 6
 Una crisis demográfica, en parte provocada por la
Peste Negra, y una situación social pobre, preparon a
la sociedad para un cambio.
 El gótico va perdiendo popularidad en lugar del arte
renacentista, que es la expresión de esa serie nueva
de ideales de la sociedad del momento.

EL ARTE GOTICO 38
Anexos

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EL ARTE GOTICO 40
EL ARTE GOTICO 41
Bibliografía y linkografia

 Aula siglo XXI: Historia del mundo y de las arte.

 Paramón Historia del arte.
 ENCICLOPEDIA TEMATICA DEL ARTE
 http://www.artehistoria.com/v2/contextos/1360.htm
 http://www.arteguias.com/gotico_castilla.htm
 https://www.definicionabc.com/historia/arte-gotico.php
 https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_gótico
 http://www.historiayarte.net/a-arte-gotico.html

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