Lo que el viento se llevó (película)

Para la novela en la que está basada la película, véase Lo que el viento se llevó.

Gone with the Wind

Título Lo que el viento se llevó

Ficha técnica

 Victor Fleming
Dirección
 George Cukor

 Sam Wood

Producción  David O. Selznick

Guion  Sidney Howard

 Ben Hecht

 Jo Swerling

 John Van Druten

 Margaret Mitchell
Basada en Lo que el viento se llevó de Margaret Mitchell

Música  Max Steiner

Fotografía  Ernest Haller

 Lee Garmes

Montaje  Hal C. Kern

 James E. Newcom

Protagonistas Clark Gable

Vivien Leigh
Leslie Howard
Olivia de Havilland

Ver todos los créditos (IMDb)

Datos y cifras

País  Estados Unidos

Año 1939

Género romance, drama y cine histórico

Duración 238 minutos

Idioma(s)  Inglés

Compañías

Productora  Metro-Goldwyn-Mayer

 Selznick International Pictures

Distribución Loew's Inc.n 1

Óscar a la mejor película

You Can't Take It

Rebecca
With You Gone with the Wind
(1940)
(1938)

Ficha en IMDb
Ficha en FilmAffinity

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Lo que el viento se llevó (título original en inglés: Gone with the Wind) es
una película estadounidense de cine épico, histórico y romántico de 1939, adaptación de la
novela de 1936 de Margaret Mitchell del mismo título, producida por David O. Selznick y dirigida
por Victor Fleming.
Situada en el sur de Estados Unidos con el telón de fondo de la Guerra de Secesión y
la reconstrucción, la película narra la historia de Scarlett O'Hara, la resuelta hija de los
propietarios de una plantación de Georgia, desde su romántica persecución de Ashley Wilkes,
prometido con su prima, Melanie Hamilton, hasta su matrimonio con Rhett Butler. Los
protagonistas están interpretados por Vivien Leigh (Scarlett), Clark Gable (Rhett), Leslie
Howard (Ashley) y Olivia de Havilland (Melanie).
La producción fue difícil desde el principio. El rodaje se retrasó durante dos años por la
determinación de Selznick por asegurar a Gable para el papel de Rhett Butler, y por la búsqueda
de actriz protagonista para el papel de Scarlett, que llevó a entrevistar a 1400 mujeres antes de
tomar la decisión. El guion original fue obra de Sidney Howard, pero sufrió numerosas revisiones
en un intento de reducir el metraje. El director original, George Cukor, fue despedido poco
después de iniciarse el rodaje y fue reemplazado por Fleming, quien a su vez fue sustituido
brevemente por Sam Wood, mientras que Fleming se tomó un tiempo de descanso a causa del
agotamiento.
La película recibió críticas positivas tras su estreno en diciembre de 1939, aunque algunos la
encontraron carente de dramatismo y de duración excesiva. El reparto recibió numerosos
elogios y muchos críticos cinematográficos consideraron a Leigh especialmente adaptada a su
papel como Scarlett. En la 12.ª edición de los Premios Óscar, de sus trece nominaciones recibió
diez galardones (ocho competitivos, dos honorarios), incluidos los de mejor película, mejor
director (Fleming), mejor guion adaptado (otorgado póstumamente a Sidney Howard, fallecido
seis meses antes de la ceremonia), mejor actriz (Leigh) y mejor actriz de reparto (Hattie
McDaniel, convirtiéndose en el primer actor de raza negra en ganar un Óscar), estableciendo
récords por el número total de galardones y nominaciones en aquel momento. La película fue
inmensamente popular, convirtiéndose en la película más rentable hasta aquel momento,
manteniendo esa posición durante más de un cuarto de siglo. Si se ajustan sus ingresos de
acuerdo a la inflación, sigue siendo la película de mayor éxito en taquilla de la historia.
Ha sido criticada como revisionismo histórico alabando la esclavitud, aunque también se le ha
atribuido el haber provocado cambios en la forma en que los personajes de raza negra se
representan en el cine. Fue reestrenada en numerosas ocasiones desde su estreno y tiene gran
arraigo en la cultura popular. Está considerada como una de las mejores películas de todos los
tiempos; aparece entre las diez primeras de la lista del American Film Institute con las 100
mejores películas estadounidenses desde su creación en 1998; en 1989 la película fue
considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de
Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry.

Argumento
Primera parte
En vísperas del inicio de la Guerra de Secesión en 1861, Scarlett O'Hara vive con sus padres y
dos hermanas en «Tara», la plantación de algodón de su familia en Georgia. Scarlett se entera
de que Ashley Wilkes, del que está enamorada en secreto, se va a casar con su prima Melanie
Hamilton y el compromiso será anunciado al día siguiente en una barbacoa que se va a celebrar
en la casa de Ashley, la cercana plantación «Los doce robles».
En la fiesta en «Los doce robles», Scarlett declara privadamente sus sentimientos a Ashley,
pero él la rechaza respondiendo que él y Melanie son más compatibles. Scarlett se enoja cuando
descubre que otro invitado, Rhett Butler, ha oído su conversación. La celebración se ve
interrumpida al anunciarse la declaración de guerra y los hombres se apresuran a alistarse.
Mientras Scarlett ve a Ashley besar a Melanie, el hermano menor de Melanie, Charles, le
propone matrimonio y, aunque ella no lo ama, Scarlett consiente y se casan antes de que él se
vaya al frente.

Póster con Scarlett y Rhett en el baile benéfico.

Scarlett queda viuda cuando Charles muere de un episodio de pulmonía y

de sarampión mientras sirve en el ejército confederado. La madre de Scarlett la envía a la casa
de Hamilton en Atlanta para alegrarla, aunque la franca criada de los O'Hara, Mammy, le dice a
Scarlett que sabe que sólo va con la idea de esperar el regreso de Ashley. Scarlett, que no debe
asistir a una fiesta mientras está de luto, asiste a una fiesta benéfica en Atlanta con Melanie,
donde se encuentra de nuevo con Rhett, que ahora es un contrabandista que utiliza una
pequeña flota de barcos para burlar el bloqueo naval al que han sido sometidos los
confederados por parte de la Armada de los Estados Unidos. Celebrando una reciente victoria y
recaudando fondos para el esfuerzo bélico confederado, los caballeros son invitados a hacer
una oferta para que las señoras bailen con ellos. Rhett hace una oferta excesivamente generosa
por Scarlett y, a pesar de la desaprobación de los huéspedes, ella acepta.
El curso de la guerra se vuelve contra la Confederación tras la Batalla de Gettysburg, en la que
mueren muchos de los hombres de la ciudad de Scarlett. Scarlett hace otra petición sin éxito a
Ashley mientras él está de visita durante una licencia de servicio navideña, aunque comparten
un apasionado beso en privado el día de Navidad, justo antes de que él vuelva a la guerra.
Ocho meses más tarde, mientras la ciudad está sitiada por el Ejército de la Unión durante
la Campaña de Atlanta, Scarlett y su joven sirvienta Prissy deben asistir a Melanie sin ayuda
médica cuando a ella entra en parto prematuro. Después, Scarlett pide a Rhett que la lleve a su
casa en Tara con Melanie, el bebé y Prissy; los recoge en un carro tirado por caballos, pero una
vez que sale de la ciudad, decide irse al frente, dejando a Scarlett y el grupo para que sigan
ellos solos. Al regresar a casa, Scarlett encuentra Tara desierta, excepto por su padre, sus
hermanas y dos antiguos esclavos: Mammy y Pork. Scarlett se entera de que su madre acaba
de morir de fiebre tifoidea y su padre se ha vuelto incapaz. Con Tara saqueada por las tropas
de la Unión y los campos desatendidos, Scarlett promete que hará cualquier cosa por la
supervivencia de la familia y de sí misma.
Segunda parte
Mientras los O'Hara trabajan en los campos de algodón, el padre de Scarlett muere al caerse
del caballo mientras intenta arrojar a un scalawag de sus tierras. Tras la derrota de la
Confederación, Ashley regresa, pero ve que es de poca ayuda en Tara. Cuando Scarlett le
ruega que huya con ella, Ashley confiesa su deseo hacia ella y la besa apasionadamente, pero
dice que no puede dejar a Melanie. Incapaz de pagar los impuestos sobre Tara implementados
por las leyes de Reconstrucción, Scarlett engaña al prometido de su hermana menor Suellen,
Frank Kennedy, hombre de mediana edad y rico empresario, para que se case con ella,
diciéndole que Suellen se cansó de esperar y se casó con otro pretendiente.
Frank, Ashley, Rhett y otros cómplices hacen una incursión nocturna en un pueblo de chabolas
después de que Scarlett fuera atacada mientras conducía sola través de él. En la incursión
muere Frank; apenas terminado el funeral, Rhett le propone matrimonio a Scarlett y ella acepta.
Tienen una hija a la que Rhett pone el nombre de Bonnie Blue, pero Scarlett, que sigue añorando
a Ashley y se siente asustada por la pérdida de su figura, le hace saber a Rhett que no quiere
más hijos y que ya no compartirán lecho.
Un día, India, la hermana de Ashley, ve a Scarlett y Ashley abrazados y, como siente una intensa
aversión hacia Scarlett, rápidamente empieza a propagar rumores. Esa misma tarde Rhett,
después de oír los rumores, obliga a Scarlett a asistir a una fiesta de cumpleaños de Ashley;
incapaz de creer nada malo de su querida cuñada, Melanie está al lado de Scarlett para que
todos sepan que ella cree que los chismes son falsos. Después de regresar a casa de la fiesta,
Scarlett encuentra a Rhett borracho y discuten sobre Ashley. Rhett besa a Scarlett contra su
voluntad, declarando su intención de mantener relaciones con ella esa noche, y la lleva a la
fuerza a la habitación. Al día siguiente, Rhett se disculpa por su comportamiento y le ofrece a
Scarlett el divorcio, que ella rechaza, diciendo que sería una vergüenza. Cuando Rhett vuelve
de un prolongado viaje a Londres, Scarlett le informa que está embarazada, pero durante la
discusión que sigue a la noticia, ella se cae por un tramo de escaleras y sufre un aborto
espontáneo. Mientras se está recuperando, la tragedia cae sobre ellos cuando Bonnie muere
mientras intenta saltar una valla con su poni.
Scarlett y Rhett visitan a Melanie, en su lecho de muerte tras las complicaciones derivadas de
un nuevo embarazo. Mientras Scarlett consuela a Ashley, Rhett vuelve a su casa en Atlanta; al
darse cuenta de que Ashley sólo amaba realmente a Melanie, Scarlett corre tras Rhett, pero lo
encuentra preparándose para irse para siempre. Ella le suplica, diciéndole que ahora se da
cuenta de que lo ha amado todo el tiempo y que nunca amó realmente a Ashley, pero Rhett dice
que tras la muerte de Bonnie no había posibilidad de reconciliación. Scarlett le pide que se
quede, pero Rhett la rechaza y sale por la puerta perdiéndose en la niebla de la mañana,
dejando a Scarlett llorando en la escalera y jurando que algún día recuperará su amor.

Reparto[editar]
Los créditos de apertura de la película tienen una estructura inusual ya que, en lugar de ordenar
por la posición estelar de cada uno de los actores de forma convencional, el reparto se divide
en tres secciones: la plantación de Tara, «Los doce robles» y Atlanta. Además, los nombres se
ordenan según el rango social de los personajes; así, Thomas Mitchell, que interpreta a Gerald
O'Hara, inicia la lista de reparto como el cabeza de familia de los O'Hara, por lo que Barbara
O'Neil, como su esposa, aparece en segundo puesto y Vivien Leigh, como la hija mayor, el
tercero, a pesar de aparecer en pantalla mucho más tiempo que ellos. Del mismo modo, Howard
C. Hickman, como John Wilkes, aparece antes que Leslie Howard, que interpreta a su hijo, y
Clark Gable, que sólo interpreta a un visitante en «Los doce robles», aparece en un puesto
relativamente bajo en los créditos, a pesar de haber sido presentado como la «estrella» de la
película durante su promoción.2 A la muerte de Mary Anderson (que interpretó a Maybelle
Merriwether) en abril de 2014, solamente vivían dos miembros del reparto acreditados de la
película: Olivia de Havilland que interpretó a Melanie Wilkes y Mickey Kuhn, que interpretó a su
hijo Beau Wilkes.3
Clark Gable

Vivien Leigh

Leslie Howard

Olivia de Havilland

Plantación Tara

 Thomas Mitchell como Gerald O'Hara

 Barbara O'Neil como Ellen O'Hara (su esposa)
 Vivien Leigh como Scarlett O'Hara (hija)
 Evelyn Keyes como Suellen O'Hara (hija)
 Ann Rutherford como Carreen O'Hara (hija)
 George Reeves como Brent Tarleton (realmente Stuart)n 2
 Fred Crane como Stuart Tarleton (realmente Brent)n 2
 Hattie McDaniel como Mammy (criada)
 Oscar Polk como Pork (criado)
 Butterfly McQueen como Prissy (criada)
 Victor Jory como Jonas Wilkerson (field overseer)
 Everett Brown como Big Sam (capataz)

Los doce robles

 Howard Hickman como John Wilkes

 Alicia Rhett como India Wilkes (su hija)
 Leslie Howard como Ashley Wilkes (su hijo)
 Olivia de Havilland como Melanie Hamilton (su prima)
 Rand Brooks como Charles Hamilton (hermano de Melanie)
 Carroll Nye como Frank Kennedy (invitado)
 Clark Gable como Rhett Butler (visitante de Charleston)
En Atlanta

 Laura Hope Crews como tío Pittypat Hamilton

 Eddie Anderson como tío Peter (su cochero)
 Harry Davenport como Doctor Meade
 Leona Roberts como Mrs. Meade
 Jane Darwell como Mrs. Merriwether
 Ona Munson como Belle Watling

Otros actores de reparto

 Paul Hurst como desertor yanqui

 Cammie King Conlon como Bonnie Blue Butler
 J. M. Kerrigan como Johnny Gallagher
 Jackie Moran como Phil Meade
 Lillian Kemble-Cooper como cuidadora de Bonnie en Londres
 Marcella Martin como Cathleen Calvert
 Mickey Kuhn como Beau Wilkes
 Irving Bacon como cabo
 William Bakewell como oficial a caballo
 Isabel Jewell como Emmy Slattery
 Eric Linden como supuesto amputado
 Ward Bond como Tom, capitán yanqui
 Cliff Edwards como soldado nostálgico
 Yakima Canutt como renegado
 Louis Jean Heydt como soldado hambriento que sostiene a Beau Wilkes
 Robert Elliott como comandante yanqui
 Mary Anderson como Maybelle Merriwether

Producción

Antes de la publicación de la novela, varios ejecutivos y estudios de Hollywood, como Irving

Thalberg y Louis B. Mayer de la Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Pandro Berman de la RKO
Pictures y David O. Selznick de la Selznick International Pictures se negaron a rodar una
película basada en ella. A Jack Warner le gustó la historia, pero la mayor estrella de la Warner
Bros., Bette Davis, no estaba interesada, y Darryl F. Zanuck, de la 20th Century-Fox no ofreció
suficiente dinero. Selznick cambió de opinión después de que su guionista jefe, Kay Brown, y
su socio de negocios, John Hay Whitney, lo instaran a comprar los derechos para la película.
En julio de 1936, un mes después de su publicación, Selznick compró los derechos por
50 000 dólares,45 una cifra exorbitada por ese concepto por entonces.6

Casting
Foto publicitaria de Clark Gable y Vivien Leigh.

El casting para los dos papeles protagonistas se convirtió en una compleja tarea que duró dos
años. Selznick tenía claro desde el principio que quería a Clark Gable para el papel de Rhett
Butler, pero Gable tenía contrato en vigor con la MGM y nunca lo habían cedido a otros
estudios.4 Se pensó en Gary Cooper, pero Samuel Goldwyn, con quien Cooper tenía contrato,
se negó a cederlo.7 Warner le ofreció a Bette Davis, Errol Flynn y Olivia de Havilland para
desempeñar los papeles protagonistas a cambio de los derechos de distribución.8 Por entonces
Selznick estaba decidido a conseguir a Gable y finalmente llegó a un acuerdo con la MGM; el
suegro de Selznick, Louis B. Mayer, presidente de la MGM, le ofreció en agosto de 1938 cederle
a Gable y darle 1 250 000 $ por la mitad del presupuesto de la película, pero a un alto precio:
Selznick tendría que pagar el salario semanal de Gable y cederle la mitad de los beneficios a la
MGM, y Loew's Inc., empresa matriz de la Metro, se encargaría de la distribución.47
El acuerdo por el que la MGM se encargaba del lanzamiento de la película supuso retrasar el
comienzo de la producción hasta finales de 1938, cuando finalizaba el acuerdo distribución que
Selznick tenía con la United Artists.7 Selznick aprovechó el retraso para continuar revisando el
guion, preparar la publicidad y, sobre todo, buscar una actriz para el papel de Scarlett. Inició
un casting a nivel nacional que llegó a entrevistar a 1400 desconocidas; el proceso costó
100 000 $ y, aunque resultó inútil para la película, sirvió para crear un publicidad «inestimable».4
Antes de la compra de los derechos, Selznick consideró a Miriam Hopkins y Tallulah
Bankhead como candidatas; Joan Crawford, que había firmado con MGM, también fue
considerada como posible pareja de Gable. Después del acuerdo con MGM, Selznick mantuvo
conversaciones con Norma Shearer, la principal estrella de la MGM por entonces, pero ello no
consideró la propuesta. Katharine Hepburn estaba muy interesada en el papel, y presionó para
conseguirlo con el apoyo de su amigo George Cukor, que había sido contratado para la
dirección, pero fue vetada por Selznick que no la consideró adecuada para el papel.789
Se consideraron a muchas actrices famosas (o a punto de serlo), pero para el papel de Scarlett
solo se le hicieron pruebas de pantalla a treinta y una mujeres, entre las que estaban Ardis
Ankerson, Jean Arthur, Tallulah Bankhead, Diana Barrymore, Joan Bennett, Nancy
Coleman, Frances Dee, Ellen Drew (como Terry Ray), Paulette Goddard, Susan Hayward(bajo
su nombre real, Edythe Marrenner), Vivien Leigh, Anita Louise, Haila Stoddard, Margaret
Tallichet, Lana Turner y Linda Watkins.5 Aunque Margaret Mitchell se negó a dar a conocer
públicamente su elección, la actriz que estuvo más cerca de ganar su aprobación fue Miriam
Hopkins, al considerar que era el tipo de actriz adecuado para interpretar a Scarlett tal como
estaba descrita en el libro. Sin embargo, Hopkins tenía más de 35 años por entonces y se
consideró que era demasiado vieja para el papel.789 En diciembre de 1938 todavía se estaban
considerando cuatro actrices, entre ellas Jean Arthur y Joan Bennett, pero sólo a dos finalistas,
Paulette Goddard y Vivien Leigh, se le hicieron pruebas en Technicolor, ambas el día 20 de ese
mes.10 Goddard casi consiguió el papel, pero la controversia sobre su matrimonio con Charles
Chaplin hizo que Selznick cambiara de idea.4
Selznick había estado considerando discretamente a Vivien Leigh, una joven actriz británica que
todavía era poco conocida en Estados Unidos, desde febrero de 1938, cuando la vio en Fire
Over England y en A Yank at Oxford. El agente estadounidense de Leigh era el representante
en Londres de la agencia de talentos de Myron Selznick (hermano de David y uno de los
propietarios de Selznick International) y había pedido en febrero que consideraran a su
representada para el papel de Scarlett. En el verano de 1938 los Selznick estaban negociando
con Alexander Korda, con quien Leigh tenía contrato, para conseguir sus servicios ese año.11
El hermano de Selznick los citó para que se conocieran por primera vez en la noche del 10 de
diciembre de 1938, cuando se rodó la escena del incendio de Atlanta. En una carta a su esposa
dos días más tarde, Selznick admitió que Leigh era «la ganadora sorpresa de Scarlett», y tras
una serie de pruebas de pantalla, se anunció su selección el 13 de enero de 1939.12 Justo antes
del rodaje de la película, Selznick le dijo en una carta al columnista Ed Sullivan: «Los padres de
Scarlett O'Hara eran franceses e irlandeses. Idénticamente, los padres de la señorita Leigh son
franceses e irlandeses».5
Guion
La historiadora Joanne Yeck dijo sobre Sidney Howard, que escribió el guion original de la
película: «reducir la complejidad de las dimensiones épicas de Lo que el viento se llevófue una
tarea hercúlea ... y la primera entrega de Howard era demasiado larga y habría requerido al
menos seis horas de película; ... [productor] Selznick quería que Howard permaneciera en el
plató para hacer revisiones ... pero Howard se negó a dejar Nueva Inglaterra [y] como resultado,
las revisiones estuvieron a cargo de una gran cantidad de escritores locales».13 Selznick
despidió al director, George Cukor, tres semanas después de iniciar el rodaje y buscó a Victor
Fleming, que por entonces estaba dirigiendo El mago de Oz. Fleming no estaba satisfecho con
el guion, por lo que Selznick encargó al reconocido escritor Ben Hecht que reescribiera todo el
guion en cinco días. Hecht retomó el borrador original de Howard y al final de la semana había
conseguido revisar la primera mitad del guion. El propio Selznick inició la reescritura de la
segunda mitad, pero se quedó retrasado, por lo que Howard volvió a trabajar en el guion durante
una semana, revisando varias escenas clave de la segunda parte.14

David O. Selznick en 1940.

«En el momento del lanzamiento de la película en 1939, había algunas cuestiones planteadas
sobre quién debería aparecer en los créditos de pantalla», escribe Yeck, «Pero a pesar de la
cantidad de escritores y de cambios, el guion final estaba significativamente cerca a la versión
de Howard. El hecho de que solo aparezca el nombre de Howard en los créditos puede haber
sido tanto un gesto en su memoria como a su escritura, en 1939 Sidney Howard murió a los 48
años en un accidente con un tractor agrícola, antes del estreno de la película».13 Selznick, en
una nota escrita en octubre de 1939, decía sobre los créditos de la película: «Pueden decir
francamente que, de la comparativamente pequeña cantidad de material en la película que no
es del libro, la mayoría es mía personalmente, y las únicas líneas originales de diálogo que no
son mías son algunas de Sidney Howard y algunas de Ben Hecht y unas pocas más de John
Van Druten. En este momento dudo que haya diez palabras originales de [Oliver] Garrett en
todo el guion. En cuanto a la elaboración, aproximadamente el ochenta por ciento es mía, y el
resto se reparte entre Jo Swerling y Sidney Howard, con la contribución material de Hecht en la
elaboración de una secuencia.»n 315
Según el biógrafo de Hecht, William MacAdams, «Al amanecer del domingo, 20 de febrero de
1939, David Selznick ... y el director Victor Fleming despertaron bruscamente a Hecht para
informarle que estaba cedido a la MGM y debía ir con ellos inmediatamente e ir a trabajar en Lo
que el viento se llevó, que Selznick había comenzado a rodar cinco semanas antes». A Selznick
le costaba 50 000 dólares diarios y la película estaba en suspenso esperando una reescritura
final del guion y el tiempo era esencial. Hecht estaba trabajando en la película Una tarde en el
circo de los hermanos Marx. Recordando el episodio en una carta a su amigo guionista Gene
Fowler, dijo que no había leído la novela, pero Selznick y el director Fleming no podían esperar
a que la leyera. Debían representar escenas basadas en el guion original de Sidney Howard
que necesitaba ser reescrito a toda prisa. Hecht escribió: «Después de representar y discutir
cada escena, me senté a la máquina de escribir y lo escribí. Selznick y Fleming, ansiosos de
continuar con su rodaje, me apresuraban. Trabajamos de esta manera durante siete días, entre
dieciocho y veinte horas diarias. Selznick se negó a dejarnos almorzar, argumentando que la
comida nos retrasaría. Nos proporcionaba plátanos y cacahuetes salados ... así, al séptimo día,
había completado, ileso, los primeros nueve rollos de la epopeya de la Guerra Civil.»
MacAdams continúa diciendo «Es imposible determinar exactamente cuánto escribió Hecht ...
En los créditos oficiales archivados por la Screen Writers Guild,n 4 Sidney Howard fue, por
supuesto, el único acreditado en pantalla, pero fueron agregados otros cuatro escritores ... Jo
Swerling por contribuir al proceso, Oliver H. P. Garrett y Barbara Keon a la elaboración del guion,
y Hecht, al diálogo ...»16

Rodaje

El incendio de Atlanta, en el tráiler de la película.

La fotografía principal comenzó el 26 de enero de 1939 y terminó el 1 de julio, y los trabajos

de posproducción continuaron hasta el 11 de noviembre de 1939. El director George Cukor, con
quien Selznick tenía una larga relación de trabajo y que había pasado casi dos años en
la preproducción de la película, fue reemplazado después de menos de tres semanas de
rodaje.8n 5 Selznick y Cukor ya habían discrepado sobre el ritmo de rodaje y el guion,818 pero
algunos apuntan a que la salida de Cukor pudo ser debida al malestar de Gable para trabajar
con él. Emanuel Levy, biógrafo de Cukor, afirmó que Clark Gable había trabajado en el circuito
gay de Hollywood como gigoló y que Cukor conocía su pasado, por lo que Gable usó su
influencia para que le despidieran.19 Vivien Leigh y Olivia de Havilland se enteraron del despido
de Cukor el día en que se filmó la escena de la venta benéfica de Atlanta, y la pareja se dirigió
a la oficina de Selznick con el vestuario de rodaje todavía puesto y le imploraron que cambiara
de opinión. Victor Fleming, que dirigía El mago de Oz, fue llamado por la MGM para completar
la película, aunque Cukor continuó instruyendo a Leigh y De Havilland en privado. Otro director
de la MGM, Sam Wood, trabajó durante dos semanas en mayo cuando Fleming abandonó
temporalmente la producción debido al agotamiento. Aunque algunas de las escenas de Cukor
se volvieron a filmar, Selznick estimó que «tres rollos completos» de su trabajo se mantuvieron
en la película. Al final de la fotografía principal, Cukor había asumido dieciocho días de filmación,
Fleming noventa y tres y Wood veinticuatro.8
Al inicio de la producción Lee Garmes fue el director de fotografía, pero el 11 de marzo de 1939,
tras un mes de rodaje que Selznick y sus asociados consideraban «demasiado oscuro», fue
sustituido por Ernest Haller, que trabajó con Ray Rennahan, como director de fotografía de
Technicolor. Garmes completó el primer tercio de la película (en su mayor parte todo lo sucedido
antes de que Melanie tuviera el bebé) pero no figuró en los créditos.20 La mayor parte del rodaje
se realizó en un plató de Selznick International conocido como Forty Acres, y todo el rodaje de
exteriores se desarrolló en California, principalmente en el condado de Los Ángeles o el
vecino condado de Ventura.21 La residencia principal de Tara, la plantación ficticia del sur de la
plantación, existió solamente como una fachada de madera contrachapada y papel
maché construida en los terrenos del estudio de Selznick.22 Para el incendio de Atlanta se
construyeron fachadas falsas delante de viejos decorados abandonados de otras películas de
los estudios Selznick, y el propio Selznick operó los controles de los explosivos que los
quemaron.4 Algunas fuentes del momento estimaron los costes de producción en 3,85 millones
de dólares, que la convertían en la segunda película más cara hasta ese momento, tras Ben-
Hur (1925).23n 6
Aunque persiste la leyenda de que la oficina responsable del cumplimiento del código
Hays multó a Selznick con 5000 $ por utilizar la palabra «damn» (en la versión en español se
tradujo como «me importa un bledo») en la última frase de Rhett Butler cuando se marcha al
final de la película, en realidad la junta de la MPAA aprobó una enmienda al código el 1 de
noviembre de 1939 que prohibió el uso de las palabras «hell» or «damn», excepto cuando su
uso fuera «esencial y necesario para representar, en el contexto histórico apropiado, cualquier
escena o diálogo basado en hechos históricos o folklore ... o una cita de una obra literaria,
siempre que tal uso no fuera intrínsecamente censurable u ofendiera el buen gusto», por lo que,
con esta enmienda, la oficina de vigilancia del código no tenía ninguna objeción al diálogo final
de Butler.25
Música

La melodía «Tara», del tráiler de la película.

Para componer la banda sonora Selznick eligió a Max Steiner, con quien había trabajado en
la RKO Pictures a principios de los años 1930. Warner Bros., que había contratado a Steiner en
1936, acordó cedérselo a Selznick. Steiner pasó doce semanas trabajando en la música de la
película, el período más largo que había dedicado a escribir una banda sonora, y las dos horas
y treinta y seis minutos de la película era también la de mayor duración que había escrito. Se
contrataron cinco orquestistas: Hugo Friedhofer, Maurice de Packh, Bernard Kaun, Adolph
Deutsch y Reginald Bassett. La banda sonora se caracteriza por dos temas de amor, uno para
el dulce amor de Ashley y Melanie y otro que evoca la pasión de Scarlett por Ashley; es
remarcable que no hay un tema de amor de Scarlett y Rhett. Steiner se basó sobre todo en la
música popular y patriótica, e incluyó temas de Stephen Foster como «Louisiana Belle», «Dolly
Day», «Ringo De Banjo», «Beautiful Dreamer», «Old Folks at Home» y «Katie Belle», que era
la base del tema de Scarlett; otras canciones destacadas son: «Marching through Georgia» de
Henry Clay Work, «Dixie», «Garryowen» y «The Bonnie Blue Flag». El tema que más se asocia
hoy en día con la película es la melodía de Tara, la plantación de los O'Hara; a principios de la
década de 1940, el tema «Tara» conformó la base musical de la canción «My Own True Love»
de Mack David. La banda sonora está compuesta por noventa y nueve piezas musicales en
total. Debido a la presión por completar el apartado musical en plazo, Steiner recibió ayuda en
la composición de Friedhofer, Deutsch y Heinz Roemheld, además de dos entras breves, de
Franz Waxman y William Axt, extraídas de los archivos sonoros de la MGM.26

Lanzamiento

El 9 de septiembre de 1939, Selznick, su esposa Irene, el inversor John «Jock» Whitney y el

editor Hal C. Kern se dirigieron a Riverside, California para el preestreno de la película en el Fox
Theatre. La película todavía estaba en fase de primer corte, le faltaban los créditos y los efectos
ópticos especiales. La proyección duró cuatro horas y veinticinco minutos, pero posteriormente
se redujo a menos de cuatro horas para su estreno. En el cine ese día se proyectaba una sesión
doble con las películas Hawaiian Nights y Beau Geste y no se había informado al público de
que hubiera otra proyección; después de la primera función se anunció que al final se iba a
proyectar un preestreno; se informó al público de que podían irse pero no se les permitiría volver
a entrar una vez que hubiera comenzado la película, ni se permitiría salir a hacer llamadas
telefónicas una vez que se hubieran cerrado las puertas. Cuando apareció el título en la pantalla
el público aplaudió y al finalizar recibió una ovación con la gente en pie.827 En su biografía de
Selznick, el crítico e historiador David Thomson escribió que la reacción del público antes de
que hubiera comenzado la película «fue el momento más grande de su [de Selznick] vida, la
mayor victoria y la redención de todas sus faltas»",28 con Selznick describiendo las postales de
presentación de la película como «probablemente el cuadro más asombroso que nunca hubiera
tenido».29 Cuando durante las entrevistas de prensa a principios de septiembre le preguntaron
que sentimientos tenía sobre la película, Selznick dijo: «Al mediodía pienso que es divina, a
medianoche pienso que es pésima. A veces creo que es la mejor película jamás rodada. Pero
si es sólo una gran película, todavía estaré satisfecho».23

Estreno de la película en el Loew's Grand Theatre, Atlanta.

El estreno de la película en el Loew's Grand Theatre de Atlanta el 15 de diciembre de 1939 fue

espectacular. Fue el clímax de tres días de festividades organizadas por el alcalde de la ciudad,
William B. Hartsfield, que incluían un desfile de limusinas con protagonistas de la película,
recepciones, miles de banderas Confederadas y un baile de disfraces. Eurith D. Rivers, el
gobernador de Georgia, declaró el 15 de diciembre como día festivo en el estado. Unos 300 000
residentes y visitantes se agolparon a lo largo de las calles de Atlanta para ver el desfile de
limusinas con las estrellas de la película desde el aeropuerto. Años después, el
presidente Jimmy Carter calificó el estreno de la película como «el mayor acontecimiento en el
sur de toda mi vida».30 Solamente el actor Leslie Howard y el director Victor Fleming decidieron
no asistir: Howard había vuelto a Inglaterra debido al estallido de la Segunda Guerra Mundial, y
Fleming había discutido con Selznick y se negó a asistir a ese y a posteriores estrenos.2329
Tampoco estaba Hattie McDaniel, ya que ella y los demás miembros del elenco de raza negra
no pudieron asistir al estreno debido a las leyes Jim Crow de Georgia,
normas segregacionistas que les impedían sentarse con sus colegas blancos. Al enterarse de
que McDaniel había sido excluida del estreno, Clark Gable amenazó con boicotear el evento,
pero McDaniel lo convenció para que asistiera.31 A este estreno le siguieron los de Nueva York
(19 de diciembre) y Los Ángeles (28 de diciembre); a este último asistieron algunas de las
actrices que habían sido consideradas para desempeñar el papel de Scarlett, como Paulette
Goddard, Norma Shearer y Joan Crawford.29
Desde diciembre de 1939 hasta julio de 1940, la película solo se proyectó en un número limitado
de cines en los que había que hacer previamente una reserva para asistir y a un precio de más
de 1 dólar, más del doble del precio habitual de un estreno, y la MGM estableció unos derechos
del 70 % de los ingresos de taquilla, algo sin precedentes, ya que lo habitual por entonces era
un 30-35 %. Tras la saturación de este tipo de exhibición en cines, la MGM revisó los términos,
reduciendo los derechos a un 50 % y redujo a la mitad los precios de las entradas, antes de que
finalmente en 1941 empezara a distribuirse a precios «populares».32 Entre costes de distribución
y publicidad, el presupuesto de gastos total de la película alcanzó los siete millones de dólares.29
33

En Uruguay se estrenó el 25 de septiembre de 1940, en Argentina al día siguiente, en Perú el

10 de octubre del mismo año y en México el 22 de enero de 1941.34 Sin embargo, a causa de
la censura, en España fue prohibida y no se estrenó hasta el 17 de noviembre de 1950,34 solo
en Madrid y Barcelona y con una clasificación de la iglesia católica de 3R (mayores con reparo)
y 4 (gravemente peligrosa), calificación que podía suponer riesgo de excomunión para los
creyentes que vieran la película,3536 aunque en febrero de 1943 la película se había proyectado
sin censura previa de forma privada en un cine de Madrid ante algunos espectadores ilustres,
entre los que se encontraba el obispo de Madrid, y en marzo en la propia residencia del
dictador, Francisco Franco.37
Reestrenos

Cartel del reestreno de 1967.

En 1942, Selznick liquidó su compañía por motivos fiscales y vendió su parte de la película a su
socio John Whitney por 500 000 dólares. A su vez, Whitney la vendió a la MGM por 2,8 millones,
con lo que el estudio se hizo con la totalidad de los derechos de la película.33 La MGM reestrenó
inmediatamente la película en la primavera de 1942,14 y de nuevo en 1947 y 1954;8 en este
reestreno de 1954 la película se proyectó por primera vez en pantalla panorámica (cambiando
con ello la relación de aspecto estándar de 1,37:1 establecido por la Academia de Artes y
Ciencias Cinematográficas en 1932), cortando la parte superior e inferior hasta dejarla con una
relación de aspecto de 1,75:1. Con motivo de la celebración del centenario del comienzo de la
Guerra de Secesión, en 1961 se llevó a cabo otro reestreno, que incluyó una gran gala de
«estreno» en el Loew's Grand Theatre de Atlanta, que contó con la presencia de Selznick y
muchas otras estrellas de la película, como Vivien Leigh y Olivia de Havilland; 38 Clark Gable
había muerto el año anterior.39 Para su reestreno de 1967 se pasó al formato 70 mm,8 y se
imprimieron nuevos carteles con Gable, con una camisa blanca abierta, sosteniendo Leigh con
un fondo de llamas naranja.38 En 1971, 1974 y 1989 hubo nuevos reestrenos; en el de 1989 se
celebraba el cincuentenario de su estreno inicial y se realizó una restauración completa de audio
y vídeo. En 1998 se lanzó una vez más en los cines de Estados Unidos.4041 En 2013 se estrenó
una reedición digital con resolución 4K en el Reino Unido para celebrar el centenario del
nacimiento de Vivien Leigh.42 En 2014 se realizaron proyecciones especiales durante dos días
en cines de los Estados Unidos para celebrar el 75 aniversario de la película.43
Televisión y formato doméstico
La película se estrenó por primera vez en televisión en la cadena por cable HBO el 11 de junio
de 1976, emitiéndose en esta cadena catorce veces durante el resto del mes. Hizo su debut en
abierto en noviembre de ese mismo año: la NBC pagó cinco millones de dólares por una única
emisión, realizada en dos partes en noches sucesivas. Con una audiencia del 47,5 % de los
hogares de los Estados Unidos y el 65 % de los espectadores, se convirtió en ese momento en
el programa de televisión de mayor audiencia jamás emitido en una sola cadena. En 1978
la CBS firmó un acuerdo por valor de 35 millones de dólares para transmitir la película veinte
veces durante varios años.1441 la Turner Entertainment le compró la película a la MGM en 1986,
pero el acuerdo no incluyó los derechos televisivos, que aún estaban en manos de la CBS.
Posteriormente se llegó a un acuerdo por el que los derechos fueron devueltos a la Turner junto
los de El mago de Oz, también propiedad de la CBS;14 este acuerdo se utilizó para lanzar dos
canales por cable propiedad de Turner Broadcasting System: Turner Network Television (1988)
y Turner Classic Movies (1994).4445 Apareció por primera vez en videocinta en marzo de 1985,
situándose segundo en las listas de ventas,14 y posteriormente fue lanzada en
formato DVD y Blu-ray.38

Recepción

Respuesta de la crítica
Tras su estreno, la película cosechó buenas críticas por parte de la mayoría de las revistas de
consumo y prensa en general.8 Sin embargo, aunque la producción, logros técnicos y lo
ambicioso del proyecto fueron universalmente reconocidos, algunos críticos de la época
consideraron que la película tenía una duración demasiado extensa y era poco convincente
desde el punto de vista dramático. Frank S. Nugent resumió en el The New York Times el
sentimiento general al reconocer que si bien fue la producción cinematográfica más ambiciosa
hasta aquel momento, probablemente no fue la mejor película jamás realizada, pero
consideraba que era una «Historia interesante bellamente contada».46 Franz Hoellering opinaba
lo mismo en las páginas del The Nation: «El resultado es una película que supone un
acontecimiento importante en la historia de la industria del cine, pero sólo un logro menor en el
arte cinematográfico. Hay momentos en que las dos categorías se unen con buenos resultados,
pero los grandes tramos entre ellos se rellenan con una mera eficacia espectacular».47

«El resultado es una película que supone un acontecimiento importante

en la historia de la industria del cine, pero sólo un logro menor en el arte
cinematográfico.»
 —Franz Hoellering, crítico de The Nation

Si bien la película fue elogiada por su fidelidad a la novela,46 también se considera que este
hecho fue el principal causante de su excesiva duración.48 John C. Flinn opinaba en Variety que
«En su deseo al parecer de no dejar nada fuera, Selznick ha dejado demasiado» y que, como
entretenimiento, la película habría mejorado si se hubieran recortado algunas escenas y
diálogos redundantes de la última parte de la historia.48 The Manchester Guardian consideró
que el mayor inconveniente de la película era que la historia carecía de la calidad épica
suficiente para justificar el dispendio del tiempo y encontró la segunda parte, que se centra en
los «matrimonios irrelevantes» de Scarlett y las «disputas domésticas», mayoritariamente
superfluas, cuyo única razón para su inclusión había sido «simplemente porque Margaret
Mitchell lo escribió así». The Guardian creía que si «La historia se hubiera acortado y arreglado
en el punto señalado para el intermedio, y si el drama personal se hubiera puesto al servicio de
un tratamiento cinematográfico del tema central —el colapso y la devastación del Viejo Sur—,
entonces Lo que el viento se llevó podría haber sido una película realmente grande.»49 Del
mismo modo, en The Nation Hoellering también consideró que la segunda mitad de la película
era más floja que la primera: la identificación de la Guerra Civil como fuerza impulsora de la
primera parte mientras los personajes dominan en la segunda, llegó a la conclusión de que ahí
es donde se encuentra el principal defecto de la película, comentando que «los personajes por
sí solos no bastan». A pesar de muchas escenas excelentes, consideró que el drama no era
convincente y que el «desarrollo psicológico» se había descuidado.47
La mayor parte de los elogios fueron para el reparto, especialmente para Vivien Leigh que se
destacó por su actuación como Scarlett. Nugent la describió como el «eje central de la película»
y consideró que estaba «diseñada tan perfectamente para el personaje por su destreza y
naturaleza que cualquier otra actriz sería inconcebible para el papel».46 De manera similar,
Hoellering la encontró «perfecta» en «aspecto y movimientos»; consideró que actuaba mejor
cuando se le permitía «acentuar la doble personalidad que ella representa» y creyó que era
particularmente impresionante en algunos momentos de caracterización como la mañana
después de la escena de la violación marital.47 Flinn también la consideró adaptada físicamente
al papel y creía que destacaba en las escenas donde la actriz exhibe valor y determinación,
como la huida de Atlanta y cuando Scarlett mata a un desertor yanqui.48 Leigh ganó con esta
interpretación el galardón como mejor actriz en los Premios del Círculo de Críticos de Cine de
Nueva York de 1939.50 De la actuación de Clark Gable en su papel de Rhett Butler, Flinn
consideró que la caracterización fue «tan próxima a la concepción de la señorita Mitchell —y de
la audiencia— como cabría imaginar»,48 un punto de vista con el que Nugent estuvo de
acuerdo,46 aunque Hoellering opinó que Gable no estuvo convincente en las escenas cercanas,
ya que Rhett deja a Scarlett con disgusto.47 Respecto a los demás miembros principales del
reparto, tanto Hoellering como Flinn encontraron a Leslie Howard «convincente» como el débil
de carácter Ashley, y Flinn consideró a Olivia de Havilland «destacada» en su papel como
Melanie;4748 Nugent también destacó la actuación de de Havilland, describiéndola como
«elegante, digna, tierna gema de caracterización».46 La interpretación de Hattie McDaniel en el
papel de Mammy fue elogiada por muchos críticos: Nugent consideró que ofreció la mejor
interpretación en la película después de Vivien Leigh,46 y Flinn la situaba en tercer lugar después
de las interpretaciones de Leigh y de Gable.48
Premios Óscar
Hattie McDaniel, el primer actor de raza negra que ganó un Óscar.

En el XII Certamen de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas, la película

estableció un récord de premios y nominaciones a los Óscar, al ganar en ocho de las categorías
competitivas en las trece para las que fue nominada. Ganó los premios a la mejor película,
el mejor director, la mejor actriz, la mejor actriz de reparto, al mejor guion adaptado, a la mejor
fotografía, a la mejor dirección artística y al mejor montaje, y recibió dos premios
honoríficos adicionales por su utilización de equipo y color, y también se convirtió en la primera
película a color en ganar el Óscar a la mejor película.5152 Su récord de ocho victorias en
categorías competitivas se mantuvo hasta que Gigi (1958) ganó nueve, y su récord de diez
premios en total fue batido por Ben-Hur (1959), que ganó once.53 Lo que el viento se
llevó también mantuvo el récord de mayor número de nominaciones hasta que All About
Eve (1950) obtuvo catorce.9
Hattie McDaniel se convirtió en el primer actor de raza negra en ganar un premio Óscar,
superando a su compañera de reparto, Olivia de Havilland, que también había sido nominada
en la misma categoría. Al igual que durante el estreno de la película, McDaniel sufrió las
humillantes normas segregacionistas de la época durante la ceremonia de entrega de los
premios en el Coconut Grove del Hotel Ambassador de Los Ángeles, pues mientras todos los
miembros de raza blanca del reparto se sentaron juntos, ella y su acompañante fueron obligados
a sentarse en una mesa separada en la parte posterior de la sala.54
El guionista Sidney Howard se convirtió en el primer ganador póstumo de un Oscar y Selznick
recibió el Premio en memoria de Irving Thalberg por su trayectoria profesional.951
Premios y nominaciones a los Óscar
Premio Nominado(s) Resultado
Mejor película Selznick International Pictures Ganador
Mejor director Victor Fleming Ganador
Clark Gable
Mejor actor Nominado
El ganador fue Robert Donat por Adiós, Mr. Chips
Mejor actriz Vivien Leigh Ganador
Mejor guion
Sidney Howard Ganador
adaptado
Mejor actriz de
Hattie McDaniel Ganador
reparto
 Mejor actriz de
Olivia de Havilland Nominado
reparto
Mejor fotografía
Ernest Haller y Ray Rennahan Ganador
(Color)
Mejor montaje Hal C. Kern y James E. Newcom Ganador
Mejor dirección
Lyle Wheeler Ganador
artística
Mejores efectos Jack Cosgrove, Fred Albin y Arthur Johns
Nominado
visuales Los ganadores fueron Fred Sersen y E. H. Hansen por The Rains Came
Mejor banda Max Steiner
Nominado
sonora El ganador fue Herbert Stothart por El mago de Oz
Thomas T. Moulton (Departamento de sonido del Samuel Goldwyn
Studio)
Mejor sonido Nominado
El ganador fue Bernard B. Brown (Departamento de sonido del
Universal Studio) por When Tomorrow Comes
William Cameron Menzies
Premio especial Por su escepcional utilización del color para la mejora del dramatismo Honorario
en la producción de Lo que el viento se llevó.
Don Musgrave y Selznick International Pictures
Logros técnicos Como pioneros en la utilización de equipos coordinados en la Honorario
producción de Lo que el viento se llevó.

Una larga cola para adquirir una entrada de la película en un cine de Japón en 1952.

Respuesta del público

Tras su estreno, la película batió récords de asistencia. Solo en el Capitol Theatre de Nueva
York, tuvo una asistencia media de 11 000 espectadores diarios a finales de diciembre,32 y en
los cuatro primeros años tras su lanzamiento había vendido unos 60 millones de entradas en
los Estados Unidos, equivalente a casi la mitad de la población del país por entonces.5556 En el
extranjero también fue un éxito de público. A pesar de estrenarse durante el Blitz, en Londres
fue un gran éxito y se mantuvo en cartel durante cuatro años.57 Cuando la MGM la retiró de las
carteleras a finales de 1943, su distribución mundial había obtenido una recaudación bruta (la
parte correspondiente al estudio de la taquilla bruta) de 32 millones de dólares, convirtiéndola
en la película más rentable jamás realizada hasta aquel momento.914
Cola para ver la película en Pensacola, Florida, durante su reestreno de 1947.

Cuando se reestrenó en 1947, ganó 5 millones de dólares en Estados Unidos y Canadá, y fue
uno de los diez estrenos con mayor asistencia del año.3358 Los exitosos reestrenos de 1954 y
1961 le permitieron conservar su posición como la principal fuente de ingresos de la industria
cinematográfica, a pesar de los grandes éxitos de películas más recientes como Ben-Hur,59
aunque finalmente fue superada por The Sound of Music en 1966.60 El reestreno de 1967 la
convirtió en la reposición de mayor éxito en la historia de la industria cinematográfica; generó
una taquilla de 68 millones de dólares, la película más lucrativa de la MGM después de Doctor
Zhivago (1965).61 La MGM ganó 41 millones de dólares con este reestreno,62 El nuevo
lanzamiento de 1971 le permitió situarse brevemente a la cabeza de los récords de taquilla, con
un total bruto a nivel mundial de cerca de 116 millones de dólares a finales de 1971, más del
triple de sus ganancias en su lanzamiento inicial, antes de perder el primer puesto de nuevo al
año siguiente con el estreno de El padrino.4163
Entre su estreno y posteriores lanzamientos, se estima que la película vendió más de 200
millones de entradas en los Estados Unidos y Canadá,55 y 35 millones en el Reino Unido,64 el
mayor número de entradas vendidas cualquier película en esos países.6566 En total, Lo que el
viento se llevóha recaudado en taquilla más de 390 millones de dólares a nivel mundial;67 en
2007 Turner Entertainment estimó los ingresos equivalentes a aproximadamente 3.3 mil
millones de dólares si se ajusta la inflación a los precios actuales, y El libro Guinness de los
récords estimaba una cifra de 3,44 mil millones de dólares en 2014, convirtiéndola en la película
de mayor éxito en taquilla de la historia del cine.68
La película sigue siendo inmensamente popular entre el público en el siglo XXI; ha sido votada
la película más popular entre los estadounidenses en dos encuestas realizadas por Harris
Interactive en 2008 y 2014.6970
Reacción afroamericana
Los comentaristas afroamericanos criticaron la película por su representación de los personajes
de raza negra y como una glorificación de la esclavitud. Carlton Moss, un guionista, actor y
director negro, se quejaba en una carta abierta considerando que mientras que El nacimiento
de una nación era un «ataque frontal a la historia americana y al pueblo negro», Lo que el viento
se llevó era un «ataque por la espalda al mismo». Moss criticó todavía más las estereotipadas
caracterizaciones de los personajes negros, como el «perezoso y torpe Pork», la «indolente y
completamente irresponsable Prissy», la «radiante aceptación de la esclavitud» de Big Sam, o
Mammy con su «constante arenga y mimos para cada deseo de Scarlett».71 Tras la victoria de
Hattie McDaniel en los Premios Óscar, Walter Francis White, líder de la National Association for
the Advancement of Colored People, la acusó de ser un Tío Tom, a lo que McDaniel respondió
que prefería «conseguir setecientos dólares a la semana representando a una criada que siete
dólares siendo una»; también cuestionó la cualificación de White para hablar en nombre de los
negros, ya que él era de piel clara y tenía sólo una octava parte de negro.54
La película ha sido criticada por perpetuar los mitos de la Guerra de Secesión y los estereotipos
sobre las personas de raza negra.72 El historiador británico David Reynolds escribió que en esta
película «las mujeres blancas son elegantes, sus hombres nobles o por lo menos galantes y, en
el otro extremo, los esclavos negros son en su mayoría obedientes y felices, claramente
incapaces de una existencia independiente». Reynolds comparó la película con El nacimiento
de una nación y otras representaciones del Sur durante la era de la segregación, en la que los
habitantes sureños blancos son retratados como defensores de los valores tradicionales y la
cuestión de la esclavitud ha sido ignorada en gran medida.73 La película ha sido descrita como
una «regresión» que promueve el mito del violador negro y el papel honorable y defensivo del Ku
Klux Klan durante la Reconstrucción,74 y como una película de «propaganda social» que ofrece
una visión de la «supremacía blanca» del pasado.72 En su libro American History Goes to the
Movies: Hollywood and the American Experience, W. Bryan Rommel Ruiz ha argumentado que,
a pesar de las objetivamente claras inexactitudes en su descripción del período de la
Reconstrucción, sin embargo la película refleja las interpretaciones que eran habituales a
principios del siglo XX.75
Tras su estreno, la opinión entre en público de la comunidad negra estaba dividida, con unos
calificándola como un «arma del terror contra la Norteamérica negra» y un insulto al público
negro, con manifestaciones en contra llevadas a cabo en varias ciudades,54 mientras que
algunos sectores reconocieron que logros como los de McDaniel eran representativos de un
progreso, y elogiaron la cálida e ingeniosa caracterización de McDaniel, y otros esperaban que
el reconocimiento de su trabajo condujera a una mayor aparición en pantalla de otros actores
negros. En su editorial de felicitación a McDaniel por haber ganado su Premio Óscar, la revista
académica Opportunity: A Journal of Negro Lifeutilizó la película como un recordatorio del
«límite» impuesto en la aspiración negra por viejos prejuicios.5471 El activista radical Malcolm
X recordaba en sus memorias que al ver de niño la película en su pueblo natal en Míchigan «Era
el único negro en el cine, y cuando Butterfly McQueen entró en escena, tuve ganas de meterme
bajo la alfombra».76
Evaluación posterior de la crítica

En marzo de 1973, la revista literaria y cultural The Atlantic publicó una serie de reseñas de
conocidos críticos cinematográficos. En ella, Arthur Schlesinger señaló que las películas de
Hollywood por lo general envejecen bien, pero en el caso de Lo que el viento se llevó el paso
tiempo no le había sentado bien.78 Por su parte, el crítico cinematográfico Richard Schickel
considera que una posible medida de la calidad de una película es preguntarse qué se puede
recordar de ella, y la película fracasa en ese aspecto: carece de imágenes y diálogos
inolvidables.79 Asimismo, Stanley Kauffmann también encontró que la película era una
experiencia en gran medida olvidable, alegando que sólo podía recordar dos escenas de
manera vívida.80 Tanto Schickel como Schlesinger la describieron como «mal escrita», con
diálogos «floridos» y con una sensibilidad de «tarjeta postal».7879 Schickel también consideró
que la película fracasa como arte popular, ya que no la considera una película que apetezca
volver a ver, un sentimiento con el que Kauffmann también coincide, afirmando que tras verla
dos veces espera «nunca volver a verla: dos veces es el doble de lo que necesitas en toda una
vida».7980 Tanto Schickel como Andrew Sarris creen que el principal fracaso de la película radica
en tener la sensibilidad de un productor más que la de un artista: habiendo pasado por manos
de tantos directores y escritores, la película no da la sensación de haber sido «creada» o
«dirigida», sino que emergió como «vapor de una cocina abarrotada», donde la principal fuerza
creativa era la obsesión de un productor por hacer la película tan literalmente fiel a la novela
como fuera posible.7981 Sarris admite que, a pesar de sus carencias artísticas, la película tiene
una consideración en todo el mundo como el «espectáculo más querido jamás producido».81
Judith Crist observa que, kitsch aparte, la película «sin duda sigue siendo la mejor y más
duradera obra de entretenimiento popular que ha salido de las líneas de montaje de Hollywood»,
obra de un showman con «gusto e inteligencia».82 Schlesinger señala que la primera mitad de
la película tiene un «alcance y vigor» que aspira a su objetivo épico pero, de acuerdo con las
críticas contemporáneas de la película, la vida personal toma el relevo en la segunda mitad y
termina perdiendo ese objetivo entre un sentimentalismo poco convincente.78
La percepción de la película por parte de la crítica ha cambiado a lo largo de los años. En la
prestigiosa encuesta de críticos que publica la revista Sight and Sound cada 10 años, se
clasificó en el puesto 235.º en el año 2012,83 y en 2015 sesenta y dos críticos de cine de varios
países encuestados por la BBC la votaron como 97.ª mejor película estadounidense.84
Reconocimiento de la industria cinematográfica
La película ha aparecido en varias encuestas destacadas de la industria cinematográfica: en
1977 fue votada la película más popular por el American Film Institute (AFI), en una encuesta
celebrada entre los miembros de la organización;8 la AFI también clasificó la película en cuarto
lugar en 1998 en su lista 100 años... 100 películas,85 y en sexto lugar en la edición del 10.º
aniversario de la lista realizada en 2007.86 Los directores de cine la clasificaron 322.ª en la
edición del año 2012 de la encuesta decenal de Sight and Sound,83 y en 2016 fue seleccionada
como el noveno mejor «éxito de director» en una encuesta de miembros del Sindicato de
Directores de Estados Unidos.87 En 2014, se situó 15.ª en una extensa encuesta llevada a cabo
por The Hollywood Reporter, que encuestó a todos los estudios, agencias, firmas de publicidad
y productoras de la región de Hollywood.88
Lo que el viento se llevó fue seleccionada para su conservación en el National Film Registry de
los Estados Unidos en 1989.9

Influencia y legado
El primer archivista de los Estados Unidos, R. D. W. Connor, recibiendo la película por parte del senador
de Georgia Walter F. George (a la izquierda) y Gerente de la División Este de Loew, Carter Barron (1941).

En la cultura popular
Lo que el viento se llevó y su producción ha sido explícitamente referenciado, satirizado,
dramatizado y analizado en numerosas ocasiones a través de una gran variedad de medios de
comunicación, desde obras contemporáneas como Second Fiddle, una película de 1939 que
parodia «la búsqueda de Scarlett», hasta programas de televisión actuales como Los
Simpson.728990
The Scarlett O'Hara War, una dramatización televisiva de 1980 del casting de Scarlett,91
Moonlight and Magnolias, obra de 2007 de Ron Hutchinson que dramatiza la reescritura del
guion en cinco días por Ben Hecht,92 o Went with the Wind!, un sketch en el The Carol Burnett
Show que parodió la película tras la repercusión de su primera emisión en televisión en el año
1976, están entre los ejemplos más notables de su imperecedera presencia en cultura popular.14
En el extenso documental de 1988 The Making of a Legend: Gone with the Wind se detalla la
historia de la difícil producción de la película.93 En 1990, el Servicio Postal de los Estados
Unidos emitió un sello que representaba a Clark Gable y Vivien Leigh abrazándose en una
escena de la película.94
Secuela
Tras la publicación de la novela, Margaret Mitchell recibió una lluvia de peticiones de una
secuela, pero afirmó no tener claro lo que le sucedió a Scarlett y Rhett, y que los había «dejado
a su destino». Mitchell resistió la presión de Selznick y la Metro-Goldwyn-Mayer para que
escribiera una secuela hasta su muerte en 1949. En 1975, su hermano, Stephens Mitchell, quien
se hizo cargo del control de sus derechos, autorizó una secuela producida conjuntamente por
la MGM y Universal Studioscon un presupuesto de 12 millones de dólares. Anne Edwards fue
la encargada de escribir la secuela como una novela con la idea de adaptarla posteriormente
en un guion y publicarla al mismo tiempo que el lanzamiento de la película. Edwards presentó
un manuscrito de 775 páginas titulado Tara, The Continuation of Gone with the Wind, situado
entre 1872 y 1882 centrándose en el divorcio de Scarlett de Rhett; la MGM no estaba satisfecho
con la historia y rompió el acuerdo.14
La idea se retomó en la década de 1990, cuando finalmente se produjo una secuela en 1994,
en forma de una miniserie de televisión. Scarlett se basó en la novela del mismo título de
Alexandra Ripley, una secuela del libro de Mitchell. Los actores británicos Joanne
Whalley y Timothy Dalton interpretaron los papeles de Scarlett y Rhett. La serie comienza tras
el traslado de Scarlett a Charleston para intertar recuperar a Rhett y, al no conseguirlo viaja a
Irlanda sin decirle que está embarazada de nuevo.9596

Notas y referencias
Notas

1. Volver arriba↑ Loew's era la empresa matriz de Metro-Goldwyn-Mayer.1

2. ↑ Saltar a:a b Los créditos de apertura de la película tienen un error: George Reeves aparece
como «Brent Tarleton», pero interpreta a Stuart, mientras que Fred Crane aparece en la lista
como «Stuart Tarleton», pero interpreta a Brent.2
3. Volver arriba↑ [Y]ou can say frankly that of the comparatively small amount of material in the
picture which is not from the book, most is my own personally, and the only original lines of dialog
which are not my own are a few from Sidney Howard and a few from Ben Hecht and a couple
more from John Van Druten. Offhand I doubt that there are ten original words of [Oliver] Garrett's
in the whole script. As to construction, this is about eighty per cent my own, and the rest divided
between Jo Swerling and Sidney Howard, with Hecht having contributed materially to the
construction of one sequence.
4. Volver arriba↑ Antigua organización de guionistas de Hollywood establecida como sindicato en
1933.
5. Volver arriba↑ Selznick ya no estaba satisfecho con Cukor («un lujo muy caro») por no mostrarse
más receptivo a dirigir otros encargos de Selznick, a pesar de que Cukor había estado en nómina
desde principios de 1937. En una nota confidencial escrita en septiembre de 1938, Selznick ya
se planteaba la posibilidad de remplazarlo con Victor Fleming.15Louis B. Mayer había estado
intentando que Cukor fuera reemplazado por un director de la MGM desde que se iniciaron las
negociaciones entre los dos estudios en mayo de 1938. En diciembre de 1938, Selznick escribió
a su esposa acerca de una llamada telefónica que tuvo con Mayer: «Durante la conversación, tu
padre lanzó otra pulla para sacar a George de Lo que el viento se llevó». 17
6. Volver arriba↑ Time también decía que Los ángeles del infierno (Hell's Angels, 1930), dirigida
por Howard Hughes, había costado más, pero posteriormente se comprobó que no era cierto.
Se demostró que las cuentas de Los ángeles del infierno indicaban un coste de 2,8 millones de
dólares, pero Hughes la publicitó diciendo que había costado 4 millones de dólares, vendiéndola
así a los medios de comunicación como la película más cara que se había rodado hasta aquel
momento.24