El Arte
El Arte
El Arte
Catedrático:
Rubén Peralta
Alumnos:
Camila Grissell Perdomo Zaldívar
Carlos Daniel Escobar Rodríguez
Johan Josué Fúnez Martínez
Asignatura:
Apreciación Artística
Tema:
Representación Gráfica del Arte
*Que es el arte
*Importancia del arte
*El Arte en Honduras
Arte Precolombino, Colonial
Arte en el periodo Republicano
Arte en el siglo XIX y XX
Grado:
11 de BCH, Vespertino Sección 1
Fecha de Entrega:
21 de Febrero del 2018
INTRODUCCION
3. EL ARTE EN HONDURAS
El Arte ha sido un dinosaurio que ha existido con la
presencia misma del ser humano en nuestro territorio, lo
cual podemos ubicar con la llegada de migraciones de
grupos humanos cazadores recolectores que llegaron al
istmo a finales de la última era del hielo, evidencia de la
presencia del ser humano tenemos en la región de La
Esperanza en el departamento de Intibucá, La Cueva
del Gigante en La Paz, las Pisadas del Diablo en
Talanga en el departamento de Francisco Morazán.
Estos grupos se asentaron y formaron zonas culturales, siendo al momento de la
llegada del europeo a finales del siglo XVI, dos son las zonas o regiones
geográfico culturales que tuvieron la mayor influencia en lo que es el actual
territorio del país y casi diferenciadas dentro del territorio nacional por la GDTH
(Gran Depresión Transversal de Honduras) las cuales podemos señalar a grandes
rasgos como:
Arte Precolombino
Arte Colonial
Una vez que España sometió y
conquisto a los pueblos indígenas
de Honduras procedió a eliminar
sistemáticamente las
manifestaciones culturales de los
pueblos hondureños y en su lugar
se implanto en definitiva, el
elemento social y cultural de
España en el ¨nuevo país
descubierto.
Como mencionamos anteriormente, durante el periodo colonial, la iglesia católica
fue la más poderosa en la transmicion de valores culturales. Su influencia se
denotaba fuertemente sobre el mundo artístico en intelectual ya que controlaba la
enseñanza formal y dominaba todos los instrumentos de expresión cultural.
Durante la colonización española florecieron nuevas artes y técnicas en el país,
muchas de estas obras se encuentran preservadas en la Galería Nacional de Arte.
Estimulados casi todos por el artista Obed Valladares, surge en la década de los
noventas una promoción de creadores que elaboran escultura -que dejan sus
primeras huellas en la terracota. Alex Geovany Galo, Rossel Barralaga, Daría
Rivera y Dylber Padilla, entre otros, integran este grupo. Hoy la mayoría se ha
dedicado a la pintura, sin embargo, no todos han tenido la posibilidad de desplegar
sus capacidades con la contundencia que sí se dejaba entrever en sus esculturas.
La experiencia en el género inmediato complicó inicialmente -y paradójicamente-
la producción pictórica de gran parte de estos creadores: modelaban las formas
volumétricas dentro de un espacio físicamente plano, es decir, traducían a la
pintura los esquemas tridimensionales, pero no creaban un espacio pictórico.
De estos pintores, el que muy temprano asimiló la especificidad del espacio
pictórico, es Dylber Padilla. Inició su experiencia con la acuarela; para este
momento su mundo referencial es la vida campesina y su obra, por lo tanto, se
convierte en descripción de ese mundo: detalles precisos, un rostro gestual; un
campesino habitando. Luego, cambia de medio -utiliza el óleo-, modificando con
ello su referencia: los seres que habitan sus obras pierden sus rasgos particulares,
y lo genérico toma la dirección de su trabajo; la misma figura humana llega a ser
simultáneamente éste y aquél; el espacio se vuelve dinámico, las figuras
abandonan el hábito de caminar sobre la horizontalidad de la tierra y se dirigen
inevitablemente hacia otros espacios: vuelan y contradicen la fuerza de gravedad.
Así, la realidad representada es definida en función de cualidades no naturales,
sino visuales y rítmicas. Esta apertura hacia espacio fantástico en la que los seres
cambian de color, agudizan sus formas y dilatan sus contornos, es una de las
maneras en que este artista capta lo posible del mundo.
En esta misma dirección, en 1998 desarrolla un trabajo fundamental. Privilegiando
el color en su perspectiva valorista, a saber, utilizando los gradientes de intensidad
y planos articulados en grandes poliedros, consolida una organización simple del
espacio, que le permite definir una visualidad implosiva y -contradictoriamente-
volcada hacia el exterior. Aquí también, Padilla conquista para la pintura un
función dinámica esencial: la dimensión. El paisaje llega ser un inmenso bodegón,
los objetos crecen y una vasija, por ejemplo, ya no se extraña de ser tan grande
como una calle o un pueblo. En definitiva, para este artista la dimensión geográfica
y la de los objetos cotidianos tienen la misma escala; es lo mismo que hacen los
costarricenses Adrián Arguedas en Para acá y para allá y Rodolfo Stanley
en Equilibrista en el parque, o Gelasio Giménez en alguna de sus obras más
recientes.
Hoy, en esta nueva etapa, su producción se desarrolla en dos direcciones aun no
conciliadas, la primera que se orienta en la construcción de bares, y la más
progresiva, que se funda en la definición de espacios interiores construidos a
fuerza de color y densas estructuras tridimensionales, cuyos contornos se
confunden con el aire, ya que se han trasmutado en materia gaseosa y
transparente. En esta obra, la figura humana pierde su límite antropológico y se
vuelve naturaleza original, quiero decir, que tanto ella como el espacio
experimentan a solas un ritmo evidente: ambos interiorizan las mismas conductas;
gozan y mueren inseparablemente. Esta visión plástica entre lo denso y lo liviano,
entre la sustancia espacial y la participación de la figura humana, entre la
profundidad y la presencia cromática frontal es la que garantiza en la pintura de
Padilla una imagen vital de lo real; cuando se olvida de ello su obra se niega a
vivir. Por lo tanto, su lucha cotidiana consistirá en regresar…
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