“AÑO DE LA LUCHA CONTRA LA CORRUPCION E IMPUNIDAD”

CONSERVATORIO REGIONAL DEL NORTE PUBLICO CARLOS

VALDERRAMA
CARRERA PROFESIONAL DE MUSICA

ALUMNOS:
OCHOA JASMINE
COSIO GUADALUPE
MENDOZA LEONARDO
ARTURO BENITES
JHERIK ULLOA
DIEGO VILELA

PROFESOR: FABIO FERNANDEZ

CURSO: HISTORIA DEL ARTE UNIVERSAL

AÑO:

2019
 EL ARTE GÓTICO

CONTEXTO HISTÓRICO:
Las denominaciones de estilo gótico vienen de una confusión de ideas iniciada
en tiempo de renacimiento. El que lanzó este adjetivo fue el escritor e
historiador Giorgio Vasari, en el siglo XVI, discípulo de Miguel Ángel, en su
obra de biografías o vidas de pintores toscanos, cuando trata los monumentos
de la edad media, que fueron construidos con un estilo iniciado en Alemania,
estilo que según él inventaron los godos, y por lo tanto debía llamarse gótico.
Según Vasari, aquel estilo es confuso y desordenado, sin la proporción y
medida combinadas que daban los órdenes clásicos. Fueron los románticos del
siglo XIX Chateaubriand y Víctor Hugo, los que iniciaron la defensa de las
catedrales y del estilo gótico. El estilo gótico fue una revolución técnica de las
formas de las escuelas románicas regionales y una derivación de los
procedimientos iniciados en Borgoña y difundidos por los monjes del Císter. Sin
embargo, las regiones en las que el estilo gótico llegó a su perfección fueron
Normandía y la isla de Francia. La arquitectura gótica se formó en el momento
del triunfo de la monarquía sobre el feudalismo. Por ello, en sus construcciones
se desarrollan en los alrededores de la capital y en el corazón de la monarquía.
Desde allí se extendió a todas las comarcas francesas y a mediados del siglo
XIII se posesiona en Alemania y empieza a introducirse en España.  El estilo
gótico comprende desde el siglo XII hasta el siglo XVI y de consolida en el siglo
XIII.El siglo XII supone importantes transformaciones: se produce un aumento
de la producción agrícola gracias a los avances técnicos y a la extensión de las
roturaciones. La generación de excedentes agrarios, reactiva el comercio, y el
crecimiento de las ciudades (burgos). Europa se vuelve a poblar de ciudades.
El gótico se ve favorecido por una intensa actividad urbana y comercial, que
convertirá a las ciudades en potentes focos culturales. Es aquí donde
aparecerán las universidades que poco a poco se liberarán de la tutela de la
Iglesia y se abrirán a todos los ciudadanos.

La actividad comercial es potenciada a partir del siglo XIII, tras las Cruzadas
que permiten abrir nuevas rutas comerciales hacia oriente hasta entonces en
manos musulmanas. Se desarrolla un comercio creciente y una industria
artesanal que se concentra en las ciudades. En ellas se van configurando los
gremios y los burgos.

Aparece una burguesía urbana, una nueva clase triunfante que desarrollará un
arte urbano, de una sensibilidad más realista y más naturalista. El edificio más
emblemático será la catedral.
Con el desarrollo de las ciudades aparece una arquitectura civil. Los edificios
más característicos serán los palacios urbanos y los edificios municipales como
ayuntamientos y lonjas.
Si el románico era agrario, feudal y monástico, el gótico se desarrolla en las
ciudades, muchas de ellas nuevas que crecen sin parar. Teniendo como
génesis la Isla de Francia (París y sus alrededores) el arte gótico se extendió
por Europa Occidental. Es un arte artesanal, burgués y urbano. Este nuevo
estilo va a ser fruto de una sociedad dónde destaca el desarrollo de la
burguesía y de las ciudades. Una sociedad urbana y mercantil que se va a
reflejar en los nuevos edificios; los príncipes levantan sus palacios y castillos;
los gremios sus edificios de reunión; las ciudades sus palacios públicos; los
burgueses sus mansiones y la Iglesia sus catedrales, sus capillas y conventos
urbanos. Su distribución geográfica es más amplia que el Románico, pues las
cruzadas lo difunden por el Oriente hasta Tierra Santa y los españoles hacia el
nuevo mundo.
Los historiadores dividen la evolución cronológica de la arquitectura gótica en
tres grandes periodos.
Periodo inicial (segunda mitad del XII): partiendo de modelos románicos se
desarrollaron las características del nuevo estilo.
Periodo clásico o de plenitud (siglos XIII y XIV): época de expansión del estilo
por Europa occidental.
Periodo final o Flamígero (siglo XV y principios del XVI) la armonía constructiva
fue sustituida por la proliferación de elementos decorativos (siguiendo la
evolución habitual de los estilos artísticos). Para esta época los italianos ya se
habían embarcado en el Renacimiento, pero otros países como España,
Portugal o Inglaterra continuaban fieles a este estilo gótico decorativo.

PINTURA GÓTICA:
La pintura tuvo una gran importancia durante el periodo gótico y muy
especialmente en Italia en donde destaca particularmente por encima de los
otros pintores Giotto di Bondone (1266-1337), quien dejando de lado los
modelos bizantinos e inspirándose por la naturaleza dio nueva vida a sus obras
y composiciones. Las características más importantes de la pintura gótica son:
Valoración del detalle, es decir, será una pintura muy descriptiva.

Valoración de la naturaleza, identificando a Dios con ella.

Valoración de la luz, proliferando las vidrieras y la pintura con fondos

dorados.
Las técnicas empleadas son variadas según los soportes: temple y óleo,
en pintura sobre tabla, y el fresco en las pinturas murales.
Importancia del modelado, desde tonos planos al juego de contraluces

El color es un elemento clave, se utiliza en gamas ternarias, con

frecuencia es un colorido irreal lleno de contenido simbólico
 La composición tiene muy en cuenta el eje de simetría, con los
elementos orientados hacia el centro teórico del cuadro.
Tiene como fin el acercamiento de los fieles al misticismo de la iglesia.

Y llegó a dividirse en tres fases:

1ª Fase: siglo XIII; es la llamada gótico lineal o franco-gótico (por su
aparición en las primeras catedrales francesas) y su mayor característica
va a ser la línea dibujística.

2ª Fase: siglo XIV; se conoce como ítalo-gótico o trecento. Su mayor

preocupación va a estar centrada en la profundidad, en un mayor
acercamiento a la representación de la realidad y en la anatomía, siendo
los dos focos más importantes Siena y Florencia.

3ª Fase: siglo XV; es conocida como estilo internacional o gótico

internacional, siendo su nota más dominante el realismo. También se
pone de manifiesto cierta similitud con el arte flamenco. Presenta colores
brillantes, formas estilizadas y suaves, y cobran importancia la curva, el
arabesco y los ritmos ondulados para plasmar una mayor expresividad.
Este estilo debe mucho a la miniatura.

La pintura gótica en Italia:

Italia marcará una nota fundamental en la pintura de esta época mediante la
búsqueda de una escala de proporciones para transmitir una noción de
tridimensionalidad. La pintura no va a ser lineal ni tampoco va estar localizado
en una zona, sino que va a tener ámbitos diferentes. En general las
características de este país van a ser:
La supervivencia de la tradición tardo-romana.

La influencia bizantina.

Predominio de la pintura mural al fresco.

En el trecento nos vamos a encontrar dos focos:
Florencia: Nos tenemos que detener en un gran maestro que es Giotto. Este
pintor se ha dicho que es el iniciador de la pintura moderna, ya que anticipaba
las figuras del renacimiento. Hará un estudio del hombre confiriendo a los
personajes una gran monumentalidad con una sensación volumetría casi
escultórica. Las características formales son las siguientes:
 La monumentalidad de los personajes (que se ha visto como el
precedente del gigantismo de Miguel Ángel).
 Los ojos van a ser almendrados y alargados.
 Introducción del paisaje en las pinturas, con el que ponía fin a los fondos
planos o neutros.
  Sentido de profundidad, logrando representar las figuras de perfil o de
espaldas, es decir, se descubre el cuerpo humano en su volumen y
relación con el espacio.
 Las figuras van a presentar un cierto sentimentalismo, en la que se
detecta su capaz de amar y sufrir.
 Su obra más importante hecha al fresco es la Resurrección de Lázaro en
la capilla del Arna de Padua.
Siena: Se caracteriza por tener una pintura de marcada influencia bizantina,
muy minuciosa, detallista y decorativa.
Entre los pintores más importantes esta Simone Martini, que es un gran
innovador en paisajes y fondos, aunque sigue utilizando el dorado. Una de sus
características es que a sus personajes los hace con la cara muy pequeña y
ovalada, lo cual queda de manifiesto en sus obras más importantes que es la
Anunciación. También realizó pinturas de carácter social como es el retrato
ecuestre de Guidoriccio da Flogiano, dejando ver de fondo un paisaje urbano.
España y el arte gótico:
Es el segundo país en importancia pictórica después de Italia, la diferencia es
que aquí la pintura mural va a retroceder ante el retablo. Este periodo se divide
en cuatro etapas:
1ª Etapa: Gótico lineal (siglo XIII)

En esta fase vamos a tener figuras recortadas, lineales, muy cercanas

todavía al románico. El ejemplo más importante es el frontal de Aviá,
originalmente en la Iglesia de Santa Maria de Aviá, en la provincia de
Barcelona – España.

2ª Etapa: Ítalo-gótico (siglo XIV)

Las figuras tienden a ser más volumétricas. El ejemplo más destacado lo

tenemos en Cataluña con los hermanos Serra y su retablo del Espíritu
Santo de la Catedral de Manresa.

3ª Etapa: Gótico Internacional (siglo XV)

En esta fase lo pictórico va a predominar sobre lo lineal, para ello nos vamos a
centrar en dos focos: Castilla y Cataluña.
 Cataluña; aquí debido a sus múltiples relacionales comerciales,
se recibe la influencia de la pintura italiana. Como artistas
destacar a Martorell cuya obra más importante es San Jorge.

 Castilla; aquí la influencia italiana es más tardía y es un autor galo,

Nicolás Francés, el que introduce el gusto por lo decorativo y
refinado. A él se debe el retablo de la Virgen del Museo del Prado.
 4ª Etapa: Hispanoflamenca (finales del siglo XV)

Aparece una gran influencia de Flandes a consecuencia de las intensas

relaciones de Castilla y Cataluña. Se empieza a emplear el óleo, dando
a la pintura valores táctiles; se consigue ya la perspectiva con bastante
precisión, la tridimensionalidad y los efectos de profundidad.
Los tres focos principales son:
 Cataluña: donde tenemos a Dalmau y su obra la Virgen del
Consellers.

 Andalucía: destaca la obra de Bartolomé Bermejo, en donde va a

aunar lo dramático y espiritual, tal y como se puede apreciar en el
Retrato de Santo Domingos de Silos.

 Castilla: donde tenemos a Fernando Gallego, que se caracteriza

porque en sus personajes utiliza una serie de pliegues metálicos y
ropa como almidonadas, junto con un canon muy alargado de las
figuras. Su obra más importante es la Piedad.
La pintura gótica en Francia:
En este país la pintura se presenta con cierta tendencia hacia el
naturalismo y la expresividad. En el siglo XIV se empieza a hacer una pintura
móvil de caballete, y en el siglo XV tenemos importantes obras de libros
miniados, que son libros lujosamente decorados y que se empleaban para el
uso personal, destacamos los Libros de Horas del Duque de Berry que son
libros devocionarios para el rezo y están ilustrados por los hermanos Limbourg.
Citar también a la Escuela de Avignon, que entre sus obras más
significativas está la Piedad de Avignon, donde aparecen unas figuras muy
monumentales con un marcado dramatismo.

ESCULTURA GÓTICA:
En cuanto a la escultura, el estilo aplicado dentro del periodo gótico nació en
dos lugares de gran prestigio religioso, político y cultural: la Basílica de Saint
Denis y la catedral de Chartes, ambas pertenecientes a la Isla de Francia.
Evolucionando a partir de la escultura románica, hasta su disolución en lo que
sería escultura del renacimiento y el manierismo.
Responde a una nueva visión del cristianismo más humana y amable
demostrando las siguientes características:
• La escultura como la arquitectura tuvo su origen durante los siglos XII y
XIII en el Norte de Francia, desde donde el nuevo estilo se difundió por
toda Europa dándose una producción escultórica excepcional.
 • Siguiendo la tradición románica, la escultura fue el principal elemento de
decoración de la fachada (tímpanos, archivoltas, jambas, dintel,
parteluz).
• La temática continúa siendo religiosa y didáctica, los temas más
repetidos son el Juicio Final y los temas relacionados con La Virgen
María.
• Nueva visión del cristianismo, más humana y amable.
• Nuevas tendencias:
• NATURALISMO, como inspiración en el mundo sensible.
• HUMANIZACIÓN, en la individualización de los personajes.
• TEMÁTICA, con la decoración y el sentido narrativo en edificios
religiosos.
• En el sig. XIII se generalizan las estatuas columnas, que decoraban las
jambas y el parteluz de las portadas catedralicias.
• En el sig. XIV por fin se independiza la escultura de la arquitectura.

ARQUITECTURA GÓTICA:
La arquitectura, en el periodo gótico, representó la expresión de una actitud
más positiva ante la vida y el presente, frente al énfasis del románico por la
vida del más allá, preferible la vida en este mundo. Caracterizándose por la
altura de sus construcciones, la ligereza de sus muros en los que se abren
grandes ventanales, y por su luminosidad interior.
Se desarrolla una devoción creciente por la Virgen María (nuestra Señora),
como ejemplo de femineidad terrenal y, por consiguiente, una nueva
consideración hacia la mujer en general.
La Iglesia, sigue siendo el agente unificador de Europa. Revigorizada la Iglesia,
se construyen catedrales, monasterios, escuelas, hospitales y universidades.
Los grandes monumentos ahora no son los monasterios aislados, sino las
catedrales urbanas. Siendo la catedral gótica la expresión física de la
reconciliación de la lógica clásica y la fe cristiana; y su innovación espectacular
fue casi total eliminación de los muros de la iglesia, sustituidos por membranas
de vidrio de colores que representaban escenas de las Sagradas Escrituras.
Los caracteres típicos de la construcción gótica fueron:
 El arco apuntado, u ojival;
 La bóveda de crucería;
 El arbotante o arco rampante;
 El pilar fasciculado;
 Las nervaduras;
 El pináculo.
ORFEBRERÍA GÓTICA:
La orfebrería en el transcurso del tiempo va mutando y dejando plasmada en sí
una rica historia de nuestros antepasados donde ellos nos cuentan sus
creencias, vida de día a día, sus recursos el momento y su desarrollo de la
técnica.
En el gótico la orfebrería no fue la excepción ya entrando en el siglo Xll hasta
los comienzos del XVII se desarrollan la orfebrería y la broncería gótica, que se
distinguen de las románicas procedentes en la mayor perfección de las figuras
cinceladas, en los adornos y arcaturas del estilo gótico y especialmente en la
forma de capillas góticas terminadas en crestería, y cuando se trata de
arquetas- relicarios. Desde mediados del siglo XV se recargan excesivamente
de minuciosos detalles decorativos de todos los objetos, se incrementa el amor
por el lujo por parte de los soberanos, de la aristocracia, burgueses y de los
religiosos.
Características:
Esta inspirado en la arquitectura, arbotantes, agujas, tendencia al verticalismo y
a la geometrización. .
La novedad técnica más importante en la orfebrería gótica la constituyen los
esmaltes transparentes o traslucidos.
Los orfebres gozaron de un gran reconocimiento social, su prestigio se debía a
la gran importancia económica que tenía su profesión para las ciudades.
Después de mucho viajar los orfebres se establecían en sus talleres los cuales
mantenían con las ventanas abiertas para que cualquiera pudiera comprobar
que trabajaba con metales preciosos.

Orfebrería parisina: abundó en confección de muebles profanos y labro

preciosos relicarios de oro y de plata con exquisita finura, las cajas relicarios en
forma de edículos góticos, conservadas en diferentes iglesias.
-Santa Gertrudis en Nivelles
-San Taurín
-Saint Germain
Arte Lemosin, que principalmente se ocupo en trabajos de cobre con esmaltes,
pueden verse en muchas iglesias y en los museos numerosas piezas de
carácter religioso, cruces, relicarios, báculos, cofrecillos, etc.
Arte Alemán, que por largo tiempo se conservó reminiscencias románicas
-Preciosa corona del emperador Enrique II el Santo
-La caja relicario de las grandes reliquias de Aquisgan en forma de ojival.
Las precisas cruces cálices, ostentorios y relicarios esmaltados que figuran en
el tesoro de varias iglesias sobre todo en la colonia y Maguncia.
Arte Italiano, cuyos delicados orfebres eran escultores o cinceladores del
Renacimiento se conservan numerosos objetos de mobiliario religioso debidos
al cincel de los Pisanos y sus discípulos y son de ver principalmente en los
tesoros de las catedrales de Milan, Venecia, Florencia, siena y Pisa.

LA MÚSICA EN EL GÓTICO (LA POLIFONÍA) S. XII - XIV  

La cultura del gótico se caracteriza por el nacimiento de las universidades y el

auge de la Escolástica. En este periodo nacieron las literaturas nacionales y las
diversas lenguas romances que habían empezado a formarse en la época
anterior.

La música siguió en los siglos XII y XIII una evolución paralela a la sociedad, a
las letras y a las artes plásticas, también quiso salir de esa línea recta – canto
llano – que en cierta forma la oprimía contra el suelo. Para ello, sobre la base
de la monodia gregoriana, superpuso otra línea melódica y a esta otra.

El movimiento musical que tuvo mayor auge en esta era gótica, fue
la polifonía, el cual inició en el siglo IX y se extendió hasta el siglo XII. Se
caracterizó por los sonidos en simultáneo en los que cada quien expresa una
idea musical formando entre todos, una armonía.

El nacimiento de la polifonía, dio inicio al período de música medieval al que

hoy en día se conoce como Ars Antiqua, donde el uso de textos bíblicos, la
variación de voces entre ritmos y letras y el uso del texto gregoriano, formaban
parte de este estilo musical.

Por esto, el período gótico de la música es objeto de atención desde el punto

de vista técnico y teórico; un momento en el que se desarrolla el
contrapunto. La Catedral de Notre Dame en París sirvió como un espacio
importante para impulsar el ars antiqua; aquí surgió la Escuela de Notre
Dame concibiendo artistas que trascendieron gracias a emplear por primera
vez en las composiciones musicales la polifonía; destacaron Léonin,
considerado en su época como el mejor compositor de órganum polifónico;
y Pérotin, autor de piezas destacadas como Viderunt omnes y el Organum
quadruplum Sederunt.

El Ars Antiqua: Siglo XI – XIV

Todo el proceso que se desarrolló entre los siglos XI y XIV constituye lo que
históricamente se conoce como Ars Antiqua, y se caracterizó por el nacimiento
de la polifonía. La polifonía se originó en la iglesia de la Bienaventurada Virgen
María, predecesora de la catedral gótica de Notre Dame, en Paris.
En esta época se producen los siguientes estilos musicales:

Organum, diafonía o contrapunto (S. IX y X)

Una voz tomada del gregoriano, canto firme o principal – en ella está la firme
creencia de la fe-, se le oponía por debajo, a distancia de cinco notas (intervalo
de quinta), una voz totalmente paralela, llamada voz organal, porque actuaba a
manera de acompañamiento de órgano a la melodía principal

A finales del X apareció la polifonía,  dando lugar a la aparición de la diafonía

en la que  a una voz tomada del canto gregoriano llamada vox principalis, voz
principal  la  acompañaba  otra voz  paralela llamada vox organalis, voz
organal, como si fuera un acompañamiento de un instrumento musical o
de un órgano..

Discantus (S. XI)

En el discantus la voz organal se desarrolla en un movimiento contrario: si la

voz principal sube, la voz organal baja y viceversa. En torno a la iglesia de la
Bienaventurada Virgen María, en París, nació una escuela polifónica en la que
sobresalió el maestro Léonin.

Conductus (S. XIII)

En esta evolución el canto gregoriano continuaba siendo la base musical  y

sobre esta base en el  siglo XII apareció otra forma musical, a la que se  le
llamó  conductus.

La razón de este nombre proviene  de la significación latina de la palabra

conductus del verbo latino conducere, conducir porque se utilizaba en las
procesiones o cuando el leccionario se conducía desde el lugar donde se
encontraba hasta el ambón donde se leían o cantaban las lecturas.

La voz principal o canto firme que se utiliza ahora ya no es extraída del canto
gregoriano, sino que la crea el autor, y sobre ella realiza su polifonía.

Tanto en el discantus como en el conductus el texto de las dos voces era el

mismo aunque con distintas melodías. En el siglo XII, el conductus era
habitual en Santiago de Compostela, donde aparece en el Códice
Calixtino (1140) que contiene 22 obras a dos voces y una a tres voces,
que es considerada como la primera obra de estas características en
Europa.

Motete
Nace como música sacra, generalmente son a tres o cuatro voces, usan textos
de la biblia, el bajo varía un poco, el texto gregoriano es el bajo y el otro texto
es la otra voz.  El motete es posiblemente la última forma musical de la llamada
ars antiqua, arte antiguo y a su vez el principio del ars nova, arte nuevo.

Pérotin  que vivió a finales del siglo XII y principios del XIII  ( c.1180 – c.1220)
es uno de los últimos y más famosos representantes de la ars antiqua, y el más
famoso representante de la Escuela de Notre Dame de París, una de las obras
que ha llegado a nosotros con su notación musical es  Viderunt  omnes ,
gradual  encargado por el  obispo para la misa de la  Noche de Navidad en el
que sirve de base unos versículos del salmo 98 :

Viderunt omnes fines terræ              Verán todos los confines de la tierra

salutare Dei nostri.                               La salvación de Dios.
Jubilate Deo, omnis terra.                   Cantad a Dios, tierra entera
Notum fecit Dominus salutare suum; Dios nos ha dado a conocer su
salvación
ante conspectum gentium                   Ante todos los pueblos
revelavit justitiam                                Reveló
su justicia.

A partir del siglo XIII  tanto el órganum como el conductus serían  el origen de

la forma musical del motete.

Como suele ocurrir en muchas ocasiones el significado etimológico de las

palabras nos sirve de base para entender su significado real. El término 
motete, proviene del francés  mot, que significa palabra,  este significado del
motete está relacionado en el canto gregoriano con el tropo   pues consistía en
añadir un texto  a los melismas  del canto gregoriano  como recurso para
facilitar la memorización de los melismas de ese canto.

Fuera de esta significación etimológica existe otra noción de motete que es la

que nos habla de lo que realmente era el Padre Benedictino Samuel Rubio se
refiere así al motete:

«Pérotín había escrito en el estilo del organum, unas composiciones cortas,

llamadas cláusulas, para alternar con las melodías gregorianas del propio de la
Misa y del Oficio; cláusulas levantadas sobre un fragmento gregoriano, que a la
vez que les servía de sostén, conservaba su propio texto.

Las voces superiores de estas piezas en miniatura eran auténticas

vocalizaciones en el sentido musical, porque constaban de ricos melismas, y
en el literario, porque se limitaban a emitir la vocal correspondiente a las
palabras cantadas por el tenor.

Dándose cuenta los músicos de la belleza de estas pequeñas creaciones,

deciden aplicar a los floreos melódicos de las voces superiores un texto latino
en forma silábica, conservando el tenor por su parte las palabras litúrgicas
propias. Y así nace el motete  cuya esencia es, según los teóricos medievales,
cantar diversos textos a un tiempo» (Cf. S. RUBIO, La Polifonía clasica, El
Escorial 1956.)
El motete es posiblemente una de las formas musicales que más
variaciones ha tenido dentro de la historia de la música. Entre ellas se
encuentran las siguientes:

En sus comienzos el motete no es más que un organum al que se le añade

un tropo, es decir un texto explicativo del texto cantado tanto por la vox
principalis y por la vox organalis. El texto cantado tanto por la voz principal
como por la segunda,  es el mismo y su lengua es el latin. En esta primera
forma el motete en cuanta forma musical añade poco al organum pues en
realidad es más bien un organum tropado.

Posteriormente aparece el motete propiamente dicho y es cuando los textos

cantados son diferentes,  aunque  dentro de mismo sentido del texto
gregoriano cantados aún en latín pero ya  con dos o más voces.

 En otra etapa posterior ya a principios del siglo XIV o finales del XIII ,  las
voces que acompañan a la voz principal además de tener textos distintos  no
usan el latín sino las lenguas vulgares y en muchas ocasiones letras
populares que nada tienen que ver con lo religioso dándose el hecho de
que por un lado en la liturgia aparece un texto latino generalmente sacado
de los salmos y por otro las distintas voces cantan un canto profano y a
veces licencioso, hasta el punto de que el papa Juan XXII en una bula del año
1324 prohibió su canto litúrgico poniendo remedio a los abusos. En esta época
el motete tendría también una dimensión profana.

El Ars Nova: siglos XIV y XV

Se entiende por Ars nova, Arte Nueva,  la música polifónica producida a

primeros del siglo XIV,  relacionándola con  la llamada Ars antiqua, Arte
antigua a la que se quiere contraponer.

La  aparición de esta nueva polifonía es la forma que adoptaría el motete en

su 3ª etapa junto con sus formas subordinadas la Chace y el Lied
monódico o polifónico.

El Arte nuevo presentaba entre otras cosas, una nueva notación, un ritmo

más vivo (aparición de la mínima, análoga a la semicorchea actual). Una
de las innovaciones más importantes del Ars nova es la aparición de notas
rojas junto con las negras  por medio de las cuales se indicaba el cambio de
ritmo o de medida, si  la nota negra marcaba el compás ternario,  la roja
marcaba  el binario y al revés si la negra marcaba el binario la roja marcaba el
ternario.

El poeta, músico, escritor, obispo y diplomático en las cortes de los

duques de su tiempo, relacionado con los papas del cisma de occidente y
hombre de una cultura enciclopédica el francés Philipe de Vitry fue quien dio
el título de Ars nova en uno de sus tratados escritos hacia 1320 a la nueva
polifonía.
A principios del siglo XIV nació una corriente estética que defendía la belleza
autónoma de la música: su justificación era la hermosura que los sonidos en sí
poseen. Es decir, la música tiene como fin el goce sensitivo de los sonidos.

Se produjo casi una total ruptura con el pasado y el consiguiente revuelo que
dio lugar a la condena eclesiástica de la nueva música.

Los dos principales del Ars Nova: Philippe de Vitry y Guillaume de Machau.

Philippe de Vitry (1291 – 1361)

Debe ser considerado como el creador del motete isorrítmico, es decir, del
motete que se divide en varias partes de idéntica duración y con notas del
mismo valor, cuyas partes recibieron el nombre talea.

Solamente seis motetes con música pueden ser atribuidos con relativa certeza
a Vitry, y otros nueve le son adjudicados con cautela. Cinco de ellos se
conservan en el Roman de Fauvel (París, Bibl. Nationale, fr. 146),

Este autor escribirá un libro titulado Ars Nova (1318), nombre con el que se
conocerá después la polifonía de este período. La obra de Vitry contiene las
normas que definen el Ars Nova.

 Mayor fluides y expresión en la melodía

 Nuevos conceptos ritmicos como isorritmia
 Mayor coherencia en la sintaxis musical
 Aparición de la música profana
 Mayor libertad en la conducción vocal.

Guillaume de Machaut (1300 – 1377)

Su obra más importante fue la Misa de Notre Dame escrita para la coronación
de Carlos V de Francia en Reims

Generos del Ars Nova:

Francia: Italia:

Ballada Madrigal

Rondeau Ballata

Virelai Caccia

Lai

Mai
Rock Gótico

Las bandas que comenzaron el movimiento del rock gótico y el deathrock eran
unas pocas en cuanto a número: Bauhaus, Siouxsie & the Banshees, The
Cure, Southern Death Cult, Sex Gang Children, 45 Grave, UK Decay, The
Virgin Prunes, Alien Sex Fiend y Christian Death. Joy Division, Echo & the
Bunnymen, Dead Can Dance, Adam and the Ants y Killing Joke, también han
sido relacionadas con este inicio del género.
A mediados de los años 80, las bandas empezaron a multiplicarse y a hacerse
más populares, entre estos nuevos grupos se cuentan The Sisters of Mercy,
The Mission UK, Xmal Deutschland, The Bolshoi y Fields of the Nephilim. Los
años 90 vieron un crecimiento aún más grande de las bandas de la década de
1980 y el surgimiento de nuevas. Factory Records, 4AD Records y Beggars
Banquet Records lanzaron mucha de esta música en Europa, mientras que
Cleopatra Records entre otros hicieron lo propio en EEUU, donde la subcultura
gótica creció especialmente en Nueva York, Los Ángeles y Orange County,
California, con muchos clubs nocturnos presentando noches
«góticas/industriales». La popularidad de las bandas del sello 4AD resultó en la
creación de un sello similar en EEUU: Projekt Records. Esto produjo lo que
coloquialmente se conoce como «Música Etérea (Ethereal)» un subgénero de
la Darkwave.
A mediados de los 90, los estilos de música que se escuchaban en los lugares
a donde concurrían los góticos variaba desde el gothic rock, el deathrock, la
música industrial, EBM, ambient, música experimental, synthpop, shoegazing,
punk rock y el glam rock de la década de 1970 (no confundir con la posterior
música glam). Esta variedad fue resultado de la necesidad de maximizar la
asistencia de todos fuera de la escena de música alternativa, particularmente
en los pueblos pequeños, y debido a los gustos eclécticos de los miembros de
la subcultura; pero también señaló nuevos cambios en la actitud.
El otro desarrollo significativo de los ‘90s fue la popularidad de las bandas de
electrónica bailable como VNV Nation, Apoptygma Berzerk y Covenant en la
escena gótica. La aparición de lo que ha sido llamado la música y el estilo
Cybergoth (que tiene mucho en común con el techno/synthpop y el EBM,
Electronic Body Music) causó duras divisiones entre sus fans y los que estaban
firmemente sujetados al modelo más guitarrero del rock gótico. Bandas con un
sonido propio de la darkwave o aquellas como The Crüxshadows, las cuales
combinan sonido electrónico y rock gótico, atrajo a ambos lados, hasta cierto
punto.
En años más recientes han visto un resurgir el sonido del punk positivo
(«positive punk») y el death rock. Bandas con un sonido gótico más antiguo
como Cinema Strange, Bloody Dead and Sexy, Black Ice y Antiworld. A su vez
el Drop Dead Festival ha generado muchos fans en todo el mundo.
L'Âme Immortelle, banda austríaca, en vivo en el festival M'era Luna, 2004
Hoy en día, la escena musical gótica ha crecido principalmente en la zona de
Europa occidental, especialmente Alemania, con grandes festivales como
Wave Gotik Treffen, M'era Luna (festival) y otros atrayendo decenas de miles
de fans.

FUENTES
BIBLIOGRAFÍA:
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