Dolores

Jiménez Cancu

CRI 1110-55

Víctor A. Cuello Pérez

 Obra de arte
Los términos obra de arte y obra artística son las denominaciones que se dan al producto de
una creación en el campo del arte, creación a la que se atribuye una función estética o social.
Dada la clásica identificación del concepto de «arte» con las bellas artes, suele restringirse el
concepto de obra de arte a los productos de estas: los de las artes plásticas, denominadas
artes mayores (pintura, escultura y arquitectura), las obras literarias y las obras musicales.

El término obra maestra, en el contexto del arte y de la estética, se reserva en general para
aquellas obras, ya sea artísticas o simplemente técnicas, consideradas, por los motivos que
sean, como obras particularmente dignas de admiración. El origen del término «obra maestra»
se remonta a los gremios de la Edad Media en Europa, en referencia a una pieza artesanal
realizada por todo aspirante que en el seno del gremio desease adquirir el título de maestro
[véase Obra maestra (gremio)]. Con el tiempo este término pasó a ser un sinónimo de
magnum opus, es decir la obra considerada como de mayor valor de entre todas las
producidas por un artesano, un artista o un escritor. En el sentido actual del término, «obra
maestra» se usa cada vez más como un término laudatorio, se refiera o no a la mejor obra de
un autor (en este sentido suele admitirse que un artista, un pintor por ejemplo, haya pintado
más de una obra maestra).

Estructura de la obra de arte

Las formas
Las formas adquieren su significado dentro del espacio, estructurándose en una composición.
El artista ha de ordenar, de manera lógica, todos los elementos para que cumplan su función
en el cuadro, siendo esta sabia distribución de formas lo que hará más o menos válida la obra
de arte.

El lenguaje artístico es complejo y cambiante, pero obedece a una cierta lógica compositiva
que, si se transgrede, puede provocar en el espectador una clara sensación de rechazo.
Hablamos de lógica, no de reglas rígidas, ay que estas últimas, por su mala aplicación, han
llevado a resultados francamente negativos.

La perspectiva
Uno de los aspectos principales de la composición pictórica es la distribución de los elementos
en el espacio, para su visión comprensiva para el espectador. El espacio es el marco en el que
el pintor sitúa los personajes, los objetos del tema que desarrolla, y para esto lo estructura de
formas diversas. Insistamos en que lo que nosotros vemos no es la transposición de la realidad
sino una nueva realidad: la plástica.

La perspectiva es la manera que hace posible la visualización del espacio pictórico, según unas
leyes intuidas o experimentales de manera racional. Su formulación a través de los tiempos es
múltiple y tiene diversos condicionamientos, los unos formales y los otros conceptuales -
filosofía, religión, sociedad.

La ordenación
La composición de un cuadro tiene muy en cuenta la ordenación de los elementos en un todo
unitario. El concepto de simetría es uno de los aspectos a valorar. En un primer estadio, el
pintor ordena los elementos en función de un eje -eje de simetría- y los distribuye de manera
 ordenada a su derecha e izquierda. El mundo románico y gótico tiene muy en cuenta esta
organización y repite los elementos de manera idéntica. Sin embargo, el artista renacentista
tiende a la compensación del espacio en función de los grupos, que se apartan de la repetición
estereotipada del mundo medieval. La razón es una mayor individualidad de los personajes y
objetos que adquieren así una personalidad propia.

El Manierismo acostumbra a organizar el espacio de una forma irregular que a primera vista
parece desordenada. Nosotros la calificaríamos de poco ortodoxa en relación al Renacimiento,
aunque en ningún momento es desequilibrada. El eje se desplaza a un lado y los elementos
multidireccionales se equilibran unos con otros. Podríamos hablar de asimetría simétrica. En
definitiva, se trata de una cuestión de equilibrio compositivo, algo consustancial a la pintura y
a todas las artes, aunque sus formulaciones son diversas. Así, si entendemos por asimetría
falta de equilibrio, hemos de afirmar su no existencia a nivel pictórico.

Color y Luz
La obra pictórica no se conforma sólo a través del dibujo y la geometría, sino que tiene en el
color y la luz dos elementos imprescindibles.

Los colores pueden ser de dos tipos: fríos o calientes. Los primeros comprenden la gama de
azules o violetas, mientras que los cálidos van de los rojos a los verdes. Esta dualidad, a través
de la historia, ha sido calificada de distintas maneras. Así, Plinio habla de colores floridos y
austeros, Goethe de positivos y negativos y Fechner de activos y receptivos. El artista tienen en
cuenta el color cuando pretende que la obra penetre en el espectador captándolo o, por el
contrario, distanciándolo. Es lo que MacLuhan define como medios calientes o fríos al referirse
a su grado de captación por el espectador. Los colores fríos son usados de manera intelectual y
se corresponden a momentos en los que la racionalización o cripticismo de las obras es
mayor. Por el contrario, los colores cálidos permiten el acercamiento sensorial a la obra. El
Manierismo y el Renacimiento son dos estilos antitéticos que definen perfectamente esta
dualidad. El primero utiliza colores fríos mientras que el segundo hace uso de los cálidos. No
olvidemos, sin embargo, que lo que convierte un medio artístico en frío o cálido no depende
únicamente del color, sino de su formulación plástica general definida en los términos ya
comentados.

Función
El arte tambien sirve al ser humano para simbolizar ideas y conceptos. A través de la obra de
arte el artista da forma sensible a ideas abstractas que de otro modo no podrían ser
comunicadas. La obra de arte funciona como símbolo que evoca o sugiere ciertas ideas,
significaciones o creencias. De este modo el arte hace posible expresar lo inexpresable.

Antiguamente el arte era utilizado con una finalidad mágica en difrentes rituales. Tanto la
música como la escultura y la pintura han sido fundamentales desde los orígenes de la
humanidad en diferentes tipos de rituales y ceremonias. Las obras de arte tenían entonces
poderes mágicos y sobrenaturales, ponían en contacto con una esfera desconocida.
 La obra de arte como depósito de información
Junto a las compras y donaciones, una importante aportación a la Colección la constituyen los
depósitos-comodatos. Con el fin de mejorar la representación de determinados autores y
tendencias que no se encuentran disponibles en el mercado o difíciles de adquirir por parte del
Museo, durante el período 2008-2018, el Departamento de Colecciones ha fomentado los
depósitos temporales de un significativo conjunto de obras.

Entre los depósitos obtenidos gracias a convenios de colaboración, resultan especialmente

relevantes los de la Fundación Palazuelo, los de la Successió Miró o el de The Easten
Foundation, Nueva York, con una selección de la obra temprana de Louise Bourgeois. En los
últimos años se ha constituido el depósito de 17 obras excepcionales de la Foundation Gandur
pour l’Art, una de las colecciones internacionales más prestigiosas de arte europeo de
posguerra. En 2016 se incorporó un excepcional conjunto de 32 obras pictóricas de la
colección cubista de Telefónica, de autores como Juan Gris, María Blanchard, Jean Metzinger o
Albert Gleizes, entre otros.

Gracias a la generosidad de coleccionistas particulares, destaca el conjunto de 32 obras de arte

latinoamericano procedente de la colección Patricia Phelps de Cisneros o el de una selección
de 16 obras procedentes de la Colección Onnasch. Asimismo, podemos subrayar las cesiones
—promesa de legado— del conjunto de 392 obras de la colección de Soledad Lorenzo, o del
grupo de obras de Enrique Herreros por parte de la Fundación Enrique Herreros.

La colaboración de los familiares de artistas, depositarios del legado de estos, se considera

especialmente significativa. Ejemplo de ello es el depósito de excepcionales conjuntos de
obras de autores como Oskar Schlemmer, André Masson, Luis Quintanilla, Ángeles Santos
Torroella, Manolo Millares o Leon Golub, entre otros.

Como en años anteriores, es necesario destacar los depósitos realizados por la Fundación
Museo Reina Sofia, que ya se acercan a las 385 obras de creadores, principalmente
latinoamericanos, entre los que podríamos citar a Victor Rebuffo, Paolo Gasparini, Felipe
Ehrenberg, Eduardo Gil, Marta Minujín, Oscar Massota o Liliana Maresca. La Fundación Museo
Reina Sofía ha favorecido durante el último año la incorporación de un conjunto de obra de
autores como Allan Sekula, Ibon Aranberri, o Cristina Iglesias.

A todos los depositantes deseamos reiterar nuestro agradecimiento por su valiosa y

excepcional aportación a la Colección y, por extensión, al Museo Reina Sofía.
 La obra de arte como motivación de reacciones estéticas
Si como Lázaro, Rubén Darío fuese resucitado por el señor Jesús; antes de agradecerle, con
seguridad se escandalizaría al advertir los niveles de decadencia a los cuales ha llegado a
convertirse el Arte, no es un descubrimiento reciente lo señalado por mi persona, ya desde las
primeras alteraciones zascandiles de Marcel Duchamp se podía augurar la decadencia
moderna, que han llegado a su máxima expresión en las galerías de Arte Moderno, con las
susodichas “instalaciones” o el así llamado “arte conceptual”.

Lo moderno a veces suele ser innovador y hasta ingenioso, por desgracia la modernidad va
acompañada de los tropiezos y la esclavitud monótona con tanta falta de imaginación artística
que suelen brindar las facilidades tecnológicas, pues la cultura a veces también puede delatar
la involución que ha tenido el ser humano, pues la cultura no es más que el reflejo mismo de la
sociedad que la crea, es por ello que como alguna vez se señalara casi siempre cuando un
hombre se jacta de ser moderno suele ser también un poco torpe; pues es usual que su afán
enérgico desaparezca cuando este movimiento ordinario pase de moda y se deje de sumar a la
multitud, es así que se puede calificar con sinfín de pruebas a este grupo de deslucidos
admiradores e ídolos de Duchamp, quien creyó ver en un urinario una obra maestra de él, creo
que como artista era un gran ajedrecista. “instalaciones” era la justificación para tales
adefesios, no obstante para la plena visión de esto debemos antes diferenciar dos aspectos
fundamentales que hacen que los conceptos sobre lo que es una obra de arte en nuestros días
se encuentre en un retraso exacerbado.
No se debe confundir el arte con la moda pues la moda a diferencia del arte no es más que
publicidad y propagandas penetrantes en la caja negra del potencial consumidor y esto solo
tiene un solo propósito; hacer más dinero aunque para ello se deba corromper la expresión
estética de las mayorías. Otro punto es que como en el ser humano la obra de arte también
posee vida, al igual que este para su pleno desarrollo tiene que pasar por distintas etapas
hasta llegar a su madurez, la obra de arte posee algo que la razón y las metodologías escolares
carecen algunas veces, esto es la sensibilidad, pero de esto nos ocuparemos luego. Es así que
puedo afirmar que el arte como un ser con vida depende del artista o autor que posea dicho
aliento, por supuesto para ser excepcional no solo basta tener vida, sino tenerla en
abundancia.

Creo que cuando observamos una obra de arte, en la mayoría de los casos no conocemos cuál
fue su proceso exacto de formación a menos que examinemos científicamente la obra,
sabemos que una obra de arte se compone de ámbitos materiales e inmateriales, objetivos y
subjetivos. Para desarrollar con mayor agudeza el tema que nos ocupa definamos un concepto
sobre lo que es arte, ya que suele estar tan íntegramente distorsionado por los movimientos
de moda muchas veces alejados de un juicio racional.
 Clasificación de las artes
 Clasificación y definición de las Bellas artes
La clasificación de las artes se ha encontrado sujeta a fuertes debates debido a que existen
algunas actividades que según un grupo de personas deberían ser consideradas arte pero otras
personas se oponen a ésta descalificación de la actividad. . Existen varias formas de clasificar el
arte, sin embargo la más conocida y utilizada es la que otorga a siete oficios bajo el nombre de
Bellas artes.

 Las Bellas artes:

Las Bellas artes son 7 diferentes oficios: Literatura, escultura, arquitectura, pintura,
música, danza y cine.
 La Arquitectura
La arquitectura consiste en el arte y la técnica de construir viviendas, edificios, etc. Al
principio la arquitectura fue un motivo de debate ya que dentro de esta actividad
predominan las ciencias exactas como es el caso de la física y las matemáticas.
Tomando en cuenta que emplea la imaginación, la estética, el dibujo y produce
emociones, la arquitectura es considerada un arte.
 La Literatura
Literatura viene del latino Litterae la cual se usaba para nombrar al conjunto de
saberes necesarios para saber leer y escribir. La literatura es el arte de saber manejar
de forma adecuada la gramática, la retórica y la poética
 La Escultura
La palabra escultura tiene sus raíces en la palabra sculpere que en latín significa
esculpir. Una escultura es la obra de arte, producto de esculpir, moldear formas que
posean relieve y bulto ya sean abstractas o figurativas. Las esculturas ocupan un
espacio tridimensional, tienen un volumen y pueden ser mediadas en alto, ancho y
profundidad.
 La Música
La música es el arte de poder organizar el sonido, en la cual pueden combinarse
diversos recursos como es el caso de los sonidos disonantes, consonantes y elementos
aleatorios.