EL ACEITE DE LINAZA ESPESADO EN LA PINTURA AL ÓLEO

Por siglos, el aceite de linaza ha sido el medio con el cual se fabrica la pintura al óleo.
Como se mencionó en la publicación anterior sobre aceite de linaza refinado, existen
distintas variantes del mismo aceite que son empleadas en la pintura artística. Aceites de
linaza refinados, prensados en frío, centrifugados, polimerizados, cocidos, espesados “al
sol” y orgánicos, todas estas son algunas de sus variantes. Anteriormente nos enfocamos
en nombrar algunos de los usos más importantes del aceite refinado de linaza, el cual es
el más empleado en la actualidad. Ahora nos enfocaremos en los aceites de linaza
espesados, de los cuales también hay múltiples variables y para los cuales también
existen diversos usos.

Los aceites de linaza espesados, también conocidos como stand oils, han sido
empleados en la pintura artística durante siglos por distintas razones. En la época de los
Van Eyck, los aceites espesados se empleaban en las capas superiores para producir
acabados lisos y sin huellas visibles de pincel. Esto porque los aceites espesados tienen
una tendencia a autonivelarse mientras secan, lo que los hace ideales para realizar
pintura o acabados donde no sean visibles las marcas del uso de pinceles o de espátulas.

De izquierda a derecha: aceite de nuez ttamayo, aceite de linaza refinado ttamayo, aceite
espesado ligero ttamayo, aceite espesado medio (stand oli) ttamayo, aceite espesado
denso ttamayo

El aceite de linaza espesado tradicional

Antiguamente el aceite de linaza era prensado en frío y espesado “al sol”. El proceso de
espesado al sol implica extender aceite de linaza refinado o prensado en frío en
recipientes amplios de fondo plano. Es importante que la mayor superficie de aceite esté
en contacto con oxígeno, por lo que el ancho de la capa de aceite que se coloque en el
recipiente debe ser idealmente de pocos centímetros. Esto es importante debido a que, a
pesar de ser conocido como espesado al sol, lo que realmente espesa el aceite es el
oxígeno.

En el pasado, el aceite prensado en frío se extendía en palanganas y se cubría con paños

ligeros que permitieran el flujo del aire y el paso del sol. Éste debía ser removido todos
los días para evitar que se secara y para permitir que se espesara de manera uniforme. El
resultado de este proceso es un aceite con menor contenido de agua que el aceite ligero
que se obtiene al prensar la semilla. Por lo mismo, se trata de un aceite de mayor
densidad y con propiedades diferentes.

Mezcla de stand oil con pigmento

Los usos del aceite de linaza espesado

Originalmente, el aceite de linaza espesado tenía distintas funciones particulares. Por un

lado, es de suma importancia para pintar con el sistema de magro a graso que hoy en día
se conoce por muchos como el sistema veneciano de pintura. Para poder mantener la
regla de magro abajo y graso arriba es importante engrosar paulatinamente los aceites
que se emplean al pintar. Se deben poner capas de pintura delgadas abajo y manos de
pintura gruesas arriba. Cuidando estos lineamientos se logra un secado estable y que la
pintura no se agriete ni se craquele. Para esto es útil contar con aceites de distintos
grosores.

El aceite espesado también sirve para realizar glaseados en los que no sean visibles las
diferentes capas de pintura, uso que fue sumamente valorado por muchos siglos.
Aquellos pintores que deseaban borrar la huellas del pincel de sus lienzos para producir
efectos más reales empleaban este tipo de aceites en sus veladuras.
En la actualidad, los aceites gruesos incluso son empleados para generar acabados tipo
esmalte. Al adelgazarlos con solventes como aguarrás o trementina, se consiguen
medios muy fluidos que a la vez conservan las cualidades autoniveladoras de los aceites
gruesos. En cierto sentido, las barnicetas tradicionales son de hecho esmaltes de este
tipo. Al ser fluidas permiten trabajar con espontaneidad, mientras que al evaporarse el
solvente no pierden las cualidades que hacen valioso al aceite denso. De esta forma, las
barnicetas permiten hacer medios fluidos como aceites refinados puros, aunque con
cualidades de aceite espesado.

Jean Auguste Dominique Ingres, Princesa Albert de Broglie, nacida Joséphine-

Eléonore-Marie-Pauline de Galard de Brassac de Béarn, 1853.
El nacimiento del impasto

Otro importantísimo uso del aceite espesado en la pintura al óleo es la técnica de

impasto. Aunque uno podría considerar contraintuitiva la relación puesto que el aceite
espesado tiende a autonivelarse, si éste es empleado de cierta forma, deja de seguir su
peculiar comportamiento.

Si revisamos la historia de la pintura al óleo veremos que con el paso del tiempo la
técnica de óleo se fue transformando ampliamente. Al principio se empleaban
principalmente aceites de espesados ligeros. Poco a poco, los pintores comenzaron a
emplear mayores cantidades de aceite y el óleo comenzó a asemejarse más a la técnica a
la que hoy en día damos dicho nombre, alejándose de parecer una forma de temple -
como ya se mencionó en el texto anterior-. El resultado fue que las superficies de los
cuadros se volvieron cada vez mas lustrosas, permitiendo que el impasto hiciera su
aparición.

La pintura de impasto, como hoy la entendemos, surgió a finales del renacimiento.

Durante el período “veneciana” hubo un artista que comenzó a emplear aceites de
mayor calibre en su pintura, dando vida a la técnica que lleva el nombre del mismo
período temporal. Este artista fue Tiziano. Si bien él no fue necesariamente el primer
pintor en trabajar con aceite espesado, si se considera el primero en trabajar con
impastos densos sin pulir. Tiziano empleaba en las capas superiores de algunos de sus
cuadros los aceites de linaza conocidos como aceites espesados al sol. Dichos aceites,
como era aún costumbre en la época, los mezclaba muchas veces con temple y cargas.
De esto forma lograba impastos muy densos que no adelgazaban al secar (gracias al
aceite espesado) y que mantenían su forma debido al temple y a las cargas.

Esta forma de trabajar la pintura al óleo sería sumamente influyente en la obra pictórica
posterior a la pintura de Tiziano. Rembrandt fue el pintor que perfeccionó esta técnica,
haciéndola una pieza fundamental de un sistema de pintura que aún hoy es influyente.
Tiziano Vecellio, Deposizione nel sepolcro (1559), Madrid, Museo del Prado

Tipos de aceites espesados

En el presente existen varios tipos de aceites de linaza espesados. El aceite de linaza

espesado al sol es el aceite tradicional, pero no es el único. También existe, por ejemplo,
el aceite de linaza cocido, que en vez de espesarse al sol es cocinado por muchas horas.
Este aceite, en particular, también es bastante antiguo. El proceso mediante el cual se
espesa ha sido empleado en la producción de medios de pintura desde hace siglos. Un
ejemplo de su uso en la pintura tradicional es aquel que se conoce como aceite negro,
usado desde la Edad Media y hasta principios del siglo XX como medio principal de la
pintura al óleo.

En la industria del presente, el aceite cocido aún se produce calentando aceite de linaza
a altas temperaturas en grandes recipientes abiertos. El aceite pierde agua poco a poco, a
la vez que se oxida y espesa. Por este medio pueden obtenerse distintos grosores de
aceite espesado sumamente estable, con la única desventaja de ser más obscuro que el
espesado mediante otros sistemas. Las cualidades de este aceite lo hacen ventajoso para
impasto, ya que pierde menos agua al secarse que el aceite que se mencionará a
continuación.

Otro aceite espesado contemporáneo es el aceite de linaza polimerizado. Este aceite

nació en el siglo XX, por lo que -naturalmente- no puede encontrarse en la pintura en
épocas previas. El aceite polimerizado es calentado por horas a una temperatura de 300
ºC en un ambiente libre de oxígeno. De esta forma se espesa sin oxidarse, a la vez que
se vuelve más transparente. Es un aceite sumamente estable, viscoso y que con el
tiempo amarillea menos que el aceite de linaza convencional. Es ideal para pintar con
glaceados en los que no se quiere tener visible la huella del pincel. También es
magnífico para aumentar la flexibilidad de nuestra pintura al óleo. Tiende deshidratarse
más agua al secar, por lo que genera impastos que se ven “rechupados”; por lo mismo,
este tipo de aceite de linaza no es ideal para hacer impasto.

De izquierda a derecha: aceite espesado ligero PQ ttamayo, aceite espesado medio

(stand oli) Z5 ttamayo, aceite espesado denso Z7 ttamayo

EL ACEITE DE LINAZA REFINADO EN LA PINTURA AL ÓLEO

La pintura al óleo se ha fabricado con aceite de linaza desde hace varios siglos. A través
del tiempo, este aceite ha sido el más empleado por los pintores por varias razones,
siendo la más importante la flexibilidad que las películas del aceite de linaza mantienen
durante décadas, aún después de secar. Otra razón importante se relaciona con la tela
más empleada para pintar, que es el lino. Esta tela proviene de la planta de lino, al igual
que la semilla de linaza de la cual proviene el aceite en cuestión. Es por esta razón que
ambos materiales comparten muchas cualidades y trabajan en conjunto de forma
insuperable.

Hoy en día existen distintos tipos de aceite de linaza que se emplean para pintar al óleo.
Hay aceites de distintos grosores y espesados mediante distintos procedimientos.
Aceites refinados, prensados en frío, centrifugados, aceites polimerizados, cocidos,
espesados “al sol” y orgánicos, entre otros. Incluso hay muchos aceites de otras plantas
que se usan en la pintura de óleo, como el aceite de girasol, de nuez o de adormideras.
Algunas de estas alternativas también se han utilizado desde hace siglos, mas nunca
como sustitutos de la linaza. Dichos aceites tienen funciones específicas en la pintura.
De la misma manera, los distintos aceites de linaza tienen sus propias funciones
específicas.

Aquí hablaremos de las particularidades del uso del aceite de linaza refinado en la
pintura al óleo. Dentro de los aceites de linaza que se emplean en la técnica de óleo, así
como en la pintura al temple, el aceite refinado es el más fluido de todos. Actualmente
es uno de los más utilizados.
Lino belga y aceite de linaza espesado ttamayo

Antecedentes

La palabra óleo proviene del latín oleum, que originalmente quería decir aceite de oliva
y que luego fue empleada para referirse a otros tipos de aceites. Pintura al óleo, por
consiguiente, quiere decir pintura al aceite.

Se dice que la pintura al óleo comenzó con los hermanos Van Eyck a principios del
siglo XV. Sin embargo, su tipo de pintura al óleo no era idéntica a la actual, pues en
realidad era pintura de temple a la que se le agregaba extra aceite. El aceite de linaza ya
era empleado en la pintura al temple por pintores previos a los Van Eyck, por lo que no
es cierto que fueron ellos quienes inventaron la técnica de óleo. Lo que hace que se use
la obra de estos hermanos como el punto de partida de esta técnica, es que en su pintura
es más obvio el incremento del aceite dentro de la técnica de temple que en la obra de
otros de sus contemporáneos.

El tipo de aceite que se usaba en la época de los Van Eyck para pintar al óleo era aceite
de linaza delgado o de espesado ligero. Este aceite se mezclaba en forma de barniceta
junto con temple. Siguiendo la regla de oro al trabajar la técnica de temple junto con la
de óleo, la forma de trabajar este material era de magro a graso. Más temple aguado en
las primeras capas, agregándole poco a poco a este temple aceite hasta pintar casi
exclusivamente con aceite.
Jan van Eyck, Retrato de la familia Arnolfini, 1434,  Copyright © The National Gallery,
London

Aceite de linaza refinado antiguo y actual

Antiguamente el aceite de linaza era extraído por un sistema conocido como prensado
en frío. Este sistema mantiene intactas las cualidades de la linaza, puesto que no se le
somete a calor ni se emplean otros químicos en la extracción del aceite. Aún hoy se
emplea el mismo sistema para extraer aceite para fabricar pintura y otros medios. Sin
embargo, el aceite que surge de este proceso es principalmente usado en restauración de
obras antiguas al óleo, producidas en su momento con el mismo tipo de aceite.

Para poder ser utilizado, el aceite de linaza prensado en frío requiere ser filtrado. Se le
deben extraer partículas harinosas, provenientes de la semilla, que se conocen cómo
mucílago. Si no se extraen estas partículas, el aceite será propenso a ser comido por
hongos y líquenes, comprometiendo la vida futura de la obra.

Hoy en día el aceite de linaza prensado en frío es empleado principalmente por la

industria alimenticia. Por lo general, los aceites más empleados para la fabricación de
óleo son aceites de linaza refinados de forma mecánica con calor y aceites de linaza
refinados con uso de alquídicos. Hay aceites refinados de distintas calidades; algunos
poseen un mayor grado de pureza que otros e inclusive hay variables en su nivel de
acidez. Lo ideal es emplear aceites de linaza que hayan sido sometidos a procesos
específicos para la fabricación de pintura artística, la cual posee altos estándares de
pureza y es cuidadosa en cuanto al pH del producto final.

De izquierda a derecha: aceite de nuez ttamayo, aceite de linaza refinado ttamayo, aceite
espesado ligero ttamayo, aceite espesado medio (stand oli) ttamayo, aceite espesado
denso ttamayo

Aceite de linaza refinado alquídico

Dentro de la industria de materiales para arte, los aceites alquídicos son los más nuevos
que esta industria produce y utiliza. Los aceites en cuestión son refinados mediante
procedimientos modernos, dentro de los cuales se emplean aceites minerales y recinas
alquídicas además del aceite de linaza. Como ventaja, estos aceites poseen un tiempo de
secado más veloz. Otra ventaja sería que con el tiempo amarillean mucho menos que el
aceite de linaza convencional. Las virtudes que presentan este tipo de aceites se asocian
con su misma cualidad mineral.

A la larga, las películas de pintura alquídicas poseen una estabilidad similar a la del
acrilato, haciéndolas menos duraderas que las del aceite puro de linaza. Sin embargo,
este tipo de óleo es ideal para ser utilizado en técnica mixta de óleo y acrílico. La misma
mezcla de aceites empleada para la fabricación de este aceite lo vuelve mucho mejor
compañero del acrilato que el óleo convencional.

Usos del aceite de linaza ligero en la pintura antigua y actual

La pintura de óleo tiene varias características que la diferencian de la técnica de temple

de la cual surgió. El colorido de la pintura al óleo es más profundo que el de la pintura
al temple, con lo que quiero decir que los colores al óleo, aún secos, aparentan ser un
poco más obscuros que en la técnica de temple. Al permitir trabajar de forma distinta los
contrastes, este aspecto de dicha técnica fue apreciado por los pintores barrocos y
renacentistas. Por otro lado, el acabado del óleo es más lustroso que el del temple.
Además y por si fuera poco, el óleo es un material con mucha mayor resistencia a la
humedad que el temple. Este último es sumamente susceptible a la misma, incluso
llenándose de hongos en situaciones de mucha humedad, pese a estar ya seco.

Hoy en día el aceite de linaza ligero tiene varios usos, tanto en técnica de óleo como en
temple. Es ideal para la fabricación de óleos que serán entubados, ya que su fluidez
permite a la pintura de óleo salir fácilmente del tubo, aún tras deshidratarse debido al
paso del tiempo. A causa de su gran cantidad de agua, este aceite posee un tiempo de
secado más veloz que el de los aceites espesados, permitiendo un ritmo de trabajo más
dinámico. Su delgadez lo hace bueno para trabajar pintura de veladuras, volviendo al
aceite de linaza ligero una adición ideal a la técnica de temple.

Claude Monet, Mujer con Parasol – Madame Monet y su hijo, 1875

Usos pictóricos del aceite de linaza de espesado ligero

Otra cualidad del aceite de linaza refinado, que muchos pintores consideran valiosa, es
la capacidad que tiene de registrar mejor el trazo. Puesto que los aceites gruesos tienden
a nivelarse tras ser untados sobre un lienzo, no son ideales para emplearlos por sí solos
en pintura expresiva. Los aceites delgados, por otra parte, son menos pesados y secan
más rápido. Estas razones los vuelven magníficos para pintura gestual o simplemente
más expresiva.
A pesar de ser ideal para registrar el trazo del pincel, el aceite ligero tiene algunas
desventajas en su uso en la pintura de impasto. Puesto que contiene una gran cantidad
de agua, el aceite refinado con que se fabrica el óleo entubado tiende a encoger cuando
seca. Esto hace que los cuadros empastados y pintados únicamente con este tipo de
aceite se vean “rechupados” con el tiempo. Para contrarrestar este hecho lo ideal es
emplear aceites espesados, ya que mantienen mejor su cuerpo. De este tema hablaremos
más en la próxima publicación.

EL NACIMIENTO DE LA PINTURA ABSTRACTA

Hay quienes dicen que la pintura abstracta nació durante el período tardío del
Impresionismo. Así como hay otros para quienes la abstracción en la pintura surgió con
Picasso durante las vanguardias. Mientras que algunos más encuentran sus orígenes en
la obra de un artista inglés previo al movimiento impresionista.

Se sabe que en Asia existe pintura no representativa desde el siglo XIII. Pero en el caso
de occidente esta tardó varios siglos más en emerger. Cuando finalmente surgió tomó al
mundo del arte occidental por sorpresa. Llegando a ser incluso la única forma de pintura
importante para la crítica especializada de una de las potencias más poderosas del
mundo. Tanto en la pintura estadounidense, como en otras formas de arte del mundo. 
Hasta el día de hoy es posible encontrar las huellas del movimiento expresionista
abstracto neoyorquino, pero también las de las formas de las vanguardias europeas.

La influencia de la pintura abstracta puede ser vista en todas las modalidades

contemporáneas de arte visual. Es posible encontrarla tanto en la pintura moderna
como en la actual. Esta última cambiaría radicalmente a partir de la pintura abstracta,
abriéndose a la posibilidad de repensarse a sí misma. Como resultado, la pintura se
reinventaría una y otra vez durante el siglo XX, y aún más en el siglo XXI.
Ma Jolie. (1911-1912). Pablo Picasso. Óleo sobre lienzo. Tamaño 100 cm x 65.4 cm.
Mueseo de arte moderno de New York.
Los padres de la pintura abstracta

La pintura abstracta nace en occidente -casi oficialmente- con Pablo Picasso y

oficialmente con Malevich (de quien hablaremos ampliamente en otro texto). En la
obra cubista de Picasso es perceptible el punto en que la pintura dejó de interesarse por
su relación con el objeto que representaba y se volcó hacia su interior. De pronto lo más
importante en un cuadro no era lo bien que representaba algo que habitaba en el
mundo.  Sino exclusivamente aquello que la pintura hacía por sí misma. Los elementos
figurativos de algunos cuadros eran cada vez más difíciles de reconocer y de pronto
parecían meros pretextos para simplemente pintar. Fue de esta forma que nació la
pintura abstracta en occidente.

Sin embargo, no puede decirse que la pintura abstracta surgió exclusivamente por el
mérito de Picasso. Hubieron varios sucesos y, así mismo, varios pintores que
marcarían la evolución de la labor pictórica durante los años previos al nacimiento
oficial de la pintura abstracta.

Ma Jolie (Nature Morte, Musique). (1913-1914). Pablo Picasso. Óleo sobre lienzo.
Tamaño 53.7 cm × 65.1 cm. Mueseo de Arte de Indianapolis

Los antecedentes

Quizá el factor que más propició el surgimiento de la pintura abstracta fue el

nacimiento de la fotografía. En Europa la pintura fue vista durante muchos siglos
como una herramienta al servicio del clero y la aristocracia. Era principalmente
utilizada para transmitir mensajes religiosos o para registrar momentos históricos
significativos. La pintura se empleaba como un instrumento para contar historias y no
como un medio con valor independiente de su función social. Fue precisamente por este
modo de entender la pintura que cuando nació la fotografía muchos consideraron que la
pintura había muerto. Y, en efecto, la razón social que a ésta se le había dado hasta ese
momento había llegado a su fin.

L’Atelier de l’artiste (El taller del artista). (1837). Louis Daguerre. Fotografía con
daguerrotipo.

La fotografía y el impresionismo

Puesto que la fotografía era capaz de cumplir muchas de las labores antiguamente
asignadas a la pintura de forma más rápida, precisa y económica, muchos pintores
comenzaron a cuestionar qué otras funciones podría tener la pintura. Algunos de las
pintores más importantes que se hicieron esta pregunta, y que la respondieron de
forma más asertiva, fueron los que hoy llamamos los pintores impresionistas. En
sus obras, muchos de ellos emplearon la pintura para algo más que para contar historias.
Ya que para ellos cumplía la función de registrar instantes sutiles: la temperatura del
ambiente, el colorido de los distintos horarios del día, los brillos de la luz sobre el agua
o el movimiento de las hojas de los arboles con la brisa.

Como resultado de esta búsqueda, la pintura de los impresionistas se volvió más

inmediata y poco pulida. Además de volverse una pintura menos preocupada por la
fidelidad histórica y más por los efectos de la pintura. De brochazos pastosos y
espontáneos, con colores vivos y gestos de primera intención, la obra de estos pintores
marcó la pauta de lo que después se volvería la pintura abstracta.
El impresionismo y la pintura abstracta

La obra de los impresionistas es particularmente significativa para la pintura

abstracta gracias a la mentalidad con la que fue hecha. Los pintores impresionistas
ya no estaban interesados en capturar fielmente las figuras de lo que pintaban. Muchas
veces se contentaban solamente con sugerir con algunos trazos los elementos
representados. No sentían ningún reparo por hacer un rostro con un simple brochazo y
un arbusto con una mancha. Así, este gremio de pintores comenzó a alejar su oficio
de la rígida y estrecha relación con el objeto representado que caracterizaba a la
pintura de épocas previas. Uno de ellos en particular sería quien más impulso daría a
este nuevo tipo de pintura.

Fenaison à Éragny. (1901). Camille Pissarro. Óleo sobre lienzo. Tamaño 53.9 cm × 64.7
cm. Galería Nacional de Canadá, Ottawa, Ontario.

Monet

Claude Monet realizó en su pintura tardía algunos cuadros casi abstractos. Si bien éstos
aún eran pintados a partir de referencias, la apariencia final de los mismos era casi por
completo abstracta. Se trataba de grandes lienzos con vertiginosos manchones de
colores, aplicados directo sobre la imprimatura. Estas obras marcarían, no sólo un hito
en cuanto a la separación entre objeto representado y lienzo. Sino también un
importante antecedente para formas futuras de abstracción. La expresividad del trazo y
la acción del artista, aunadas al carácter del material, remiten sin duda a los
lienzos de los posteriores expresionistas abstractos. Incluso el formato posee
similitud con la obra de los mismos. No obstante, la obra de Monet fue realizada varias
décadas antes, momento en el que las vanguardias ni siquiera vislumbraban lo que la
obra de Monet profetizaba.

Por asombroso que parezca, la obra de Monet tampoco fue la primera en predecir
este futuro pictórico. Varias décadas antes existió otro pintor que produjo en sus telas
y cuadernos imágenes casi tan abstractas como las de Monet y, en ocasiones, incluso
más abstractas. Dicho pintor inglés es considerado por muchos el verdadero padre de la
abstracción occidental.

El puente japonés (acercamiento) . (1910). Claude Monet. Óleo sobre lienzo. Tamaño
89,5 cm x 115,5 cm. Museo de arte moderno, Nueva York,
Lirios acuáticos (mitad de la derecha). (1917 – 1920). Claude Monet. Tamaño 2,005
mm (78.93 ″) x 2,010 mm (79.13 ″). Musée Marmotan.

Turner

William Turner nació en la primavera de 1775 en Chelsea, Inglaterra. Es considerado

el artista que hizo que la pintura de paisaje adquiriera el mismo valor que la
pintura histórica a los ojos del público de su época. Sin embargo, en cierto momento
de su carrera como artista sus paisajes se comenzaron a volver cada vez menos
convencionales. Apenas sugeridos entre manchas, brochazos y colores, los paisajes de
Turner se volvieron un pretexto, un vehículo de las manifestaciones emotivas del artista.
Para la época en la que el impresionismo nació, la pintura de Turner llevaba ya algunas
décadas volviéndose cada vez más sintética. Las fuerzas de la naturaleza eran su
inspiración y probablemente el espíritu romántico del momento lo motivaba a fundir su
sentir con el de dichas manifestaciones físicas. El resultado es una obra única y
completamente novedosa para el momento en que fue producida. Una pintura más
cercana a los intereses y la forma de producir de los artistas taoístas chinos que a la
pintura del momento en Inglaterra.

La abstracción en las obras ocultas de Turner

En realidad, no es sólo en la pintura de caballete donde vemos antecedentes claros de

abstracción en la obra de Turner. Sin embargo, es poco probable que su obra escondida
haya tenido gran influencia sobre pintores posteriores. Entre los cuadernos de apuntes
de William Turner no sólo se encuentran bocetos de paisajes, sino también cuadernos
exclusivos para temas eróticos. Es en estos cuadernos en los que el artista produjo
algunas de sus obras más abstractas, tanto en la forma de representación como en
el manejo técnico y el resultado. Elaboradas con la motivación de que los temas
eróticos solían mostrarse en la época de forma discreta y poco clara, estas piezas llaman
la atención por lo ambiguo de su apariencia. En muchas de ellas es imposible saber qué
es lo representado y lo poco que puede distinguirse es meramente leído entre líneas.
Si bien este gran artista es sin duda uno de los antecedentes más significativos para
la pintura abstracta, no  fue el más influyente para la misma. En este sentido, ni
siquiera lo sería Monet. La realidad es que quien más influiría en la pintura abstracta
“oficial” sería un pintor post impresionista que jugaría con los métodos de
representación y que vería las pinturas, no como ventanas, sino como objetos.

Curtained Bed, with a Naked Woman Reclining, Perhaps with a Companion. (1834).
Willeam Turner. Acuarela y grafito sobre papel. Tamaño 77 mm x 101 mm. Galería
Nacional de Londres
Interior obscuro y figura hincada sosteniendo el pie de una mujer desnuda sentada.
William Turner. Acuarela sobre papel. Tamaño 77 mm x 101 mm. Galería Nacional de
Londres
Fire at the Grand Storehouse of the Tower of London. (1841). William Turner. Acuarela
sobre papel. Tamaño 235 mm x 325 mm. Galería Nacional de Londres

Cézanne

Cézanne cambió la pintura para siempre. No lo hizo con su uso del color ni con la
espontaneidad de su trazo; en todo caso lo hizo con su intelecto y con la reflexión que
para él implicaba el acto de pintar. Artistas que lo vieron trabajando decían que a veces
entre una pincelada y otra podían pasar hasta 20 minutos de intensa contemplación.
Como resultado, la pincelada de Cézanne no era una pincelada espontánea, preocupada
por la emoción del momento o por la sensación de la experiencia. Era una pincelada
intelectual, más preocupada por el lugar que ocupaba sobre la tela y por el carácter de
objeto que el mismo lienzo poseía.

La influencia de Cézanne en las futuras tendencias artísticas

La aproximación de Cézanne al elemento representado abrió un mundo de posibilidades

a la pintura durante las vanguardias. Su uso de múltiples puntos de vista ante un mismo
objeto representado fue una gran influencia que generó movimientos como el cubismo y
el futurismo, que a su vez darían lugar a tantos otros movimientos modernos.

La pintura de Cézanne dio lugar a un sistema de pensamiento con el cual proceder ante
la representación. Fue gracias a él que los pintores de épocas posteriores se plantearon
la posibilidad de nuevas formas de pintar, cuestionándose el acto de pintar en sí mismo.
Así se hizo posible que la pintura se deshiciera poco a poco de la necesidad de
representar, encontrando de esta forma distintas formas de hablar e incluso de
representar, no sólo por medio de la figuración, sino incluso a través del material, la
escala, el efecto, el símbolo y el concepto.
Si te interesa la abstracción y aprender sobre cómo captar los poderes de las fuerzas de
la naturaleza, capturar los humores del mar, el vapor, la luz en movimiento y la
actividad humana dentro de los mismos, te cuento que próximamente se impartirá el
curso “La técnica pictórica de William Turner” en nuestras instalaciones
(Naucalpan). Descarga el temario, conoce si aplicas para un descuento y otros detalles
del curso en el siguiente enlace: https://bit.ly/2xC9t85

The Garden at Les Lauves (Le Jardin des Lauves). (1906). Paul Cézanne. Óleo sobre
lienzo. Tamaño 25.75 mm x 31.88 mm. The Phillips Collection

Mont Sainte-Victoire y Château Noir (Monte Santa Victoria y Castillo Noir). (1904-

1905). Paul Cézanne, . Óleo sobre tela, 66.2 x 82.1 cm, 1904-1905. Bridgestone
Museum of Art, Tokyo, Japan.
 DE MAGRO A GRASO, EL SISTEMA VENECIANO DE PINTURA

Uno de los sistemas más famosos y emblemáticos de la pintura occidental es la técnica

veneciana; tanto así que el sistema veneciano de pintura y sus variantes barrocas
produjeron algunas de las obras de arte más impactantes de todos los tiempos. Con la
característica de ser un sistema de considerable complejidad, dicha técnica es la suma de
varios siglos de información, aunada a las circunstancias de su momento histórico.

La técnica veneciana surgió durante el Renacimiento en el puerto de Venecia. Gracias al

boom comercial y económico del lugar durante la época, muchos artistas tuvieron la
oportunidad de experimentar con materiales y medios que de otra forma no habrían
estado a su alcance. Por si fuera poco, también la mentalidad renacentista influyó de
forma importante sobre la pintura veneciana. Esto provocó que tanto pensadores como
artistas se liberaran del yugo de la iglesia e indagaran por sí mismos en el supuesto
orden de las cosas. En la pintura esta mentalidad se ve reflejada, no sólo en los temas de
las obras y en la forma de abordar las imágenes, sino también en las técnicas que fueron
desarrolladas.

Tiziano, Venus Reclinada, Temple y óleo sobre tela, 1538

Antecedentes técnicos

En su famosísimo Libro dell’arte, Cennino Cennini nos relata como aún a principios del

Renacimiento la pintura respetaba reglas estrictas establecidas por el clero. Por un lado
estaba la temática, puesto que la pintura debía ser exclusivamente sobre aquellos temas
que la iglesia autorizaba, ya fueran pinturas de santos, escenas bíblicas y otros temas
religiosos. Sin embargo, la reglas eclesiásticas no sólo se limitaban a dictaminar los
temas y las imágenes. Cennino Cennini nos permite ver en sus textos cómo la
religiosidad era obligatoria incluso en los procesos técnicos. Por ejemplo, durante la
aplicación de imprimatura debían rezarse cierta cantidad de rosarios entre capa y capa.
Además, se empleaban ciertos aceites en la pintura para que las velas de las iglesias
hicieran desprender olores a los cuadros, habiendo ciertos colores que estaban
reservados para personajes específicos.

Esta forma de pensar obligaba a la pintura a adoptar ciertas formas, incluso

técnicamente, lo que daba como resultado que también estuvieran acotados los efectos
específicos que podían producirse. Con la llegada del Renacimiento, la búsqueda de
sentido y conocimiento permitió -entre otras cosas- desarrollar nuevos sistemas de
pintura. Puesto que los intereses de los pintores variaban, éstos moldearon sus sistemas
de trabajo en direcciones diferentes, una de las cuales se convertiría en lo que ahora
conocemos como el sistema veneciano. Tal sistema, motivado por los nuevos materiales
a los que los pintores del puerto comenzaron a tener acceso, se desarrolló con ciertos
objetivos en mente: uno de los cuales fue enfatizar el efecto del color y el material
pictórico.

Jacopo Tintoretto, La Ultima Cena, Óleo y temple sobre tela,1594

La técnica veneciana

Para lograr los fuertes efectos que la caracterizan, la técnica veneciana emplea varios
recursos pictóricos diferentes. En esta técnica se hace uso de grisallas, veladuras,
temple, óleo, blanco de plomo, aceite negro o megilp, de otros aceites de distintos
calibres y de diversas barnicetas. Sin embargo, unificar todos estos materiales y
procesos técnicos requiere de un sistema específico que fue esencial para la técnica
veneciana. A dicho sistema de trabajo se le llama, aún hoy, de magro a grasso –o graso
sobre magro-.
Tiziano, Baco y Ariadna, Temple y Óleo sobre lienzo, 175 x 190 cm, National Gallery
de Londres.

De magro a graso en la historia

El nombre de magro a graso quiere decir de delgado y seco a grasoso y grueso. Es éste

el sistema de pintura que se utilizó en la pintura al temple desde la Edad Media.
Tradicionalmente, el temple de huevo o barniceta se comienza con aguadas de pintura
con poca grasa (en este caso de huevo), preparando el temple con una mayor cantidad
de volúmenes de agua. La técnica de temple se dice que puede ser trabajada empastada
(de 0 a 3 volúmenes de agua), media (4 a 6 volúmenes de agua) o fluida (de 7 a 10
volúmenes de agua). Para garantizar que lo que sea pintado con temple sea técnicamente
estable es importante comenzar muy fluido y poco a poco ir engrosando el material.
Hacerlo permite, por un lado, que la absorción de las capas de pintura sea la óptima
sobre la imprimatura. Por otro, permite que las capas superiores no sequen antes que las
internas, craquelando u ondulándose como consecuencia.

Conforme a la técnica de temple se le fue agregando poco a poco una mayor cantidad de
aceite de linaza hasta convertirse en óleo, mayor importancia tomó el sistema de magro
a graso. Si en un principio este sistema sólo implicaba añadir mayor o menor cantidad
de agua al temple, con la llegada de la técnica veneciana -y particularmente gracias a
Tiziano- las aplicaciones del sistema cambiarían. Tiziano fue el primer pintor en utilizar
aceite muy espesado en su pintura de óleo y temple. A partir de él distintos pintores
posteriores emplearían aceites de múltiples grosores. El resultado de esta técnica, la cual
inclusive podría ser considerada mixta, es lo que hoy conocemos como técnica
veneciana.

Giorgione, La Adoración de los Pastores, c. 1505 –Galería nacional de Arte.

De magro a graso en la técnica veneciana

La técnica veneciana se comienza en temple de barniceta y se termina con óleo.

Algunos pintores como Rembrandt incluso la terminaban con barnicetas gruesas de
cera.

El método de trabajo desarrollado para aplicar esta nueva técnica era utilizar en las
primeras capas temple con poca grasa (del aceite de linaza) y más huevo. A esta fase del
proceso se le denominó magro (delgado y seco). Progresivamente, en las capas
superiores de pintura se aumentaba más grasa, a lo que se llamó graso o grasoso y
grueso. Del estado graso de la técnica proviene el nombre de óleo, ya que éste es el
material que más abunda en la técnica. La elasticidad y grosor de este material permite
formar capas de pintura mas corpóreas que con el temple. A estas manos gruesas con el
tiempo se les llamó impasto, que produce una tremenda sensación de tridimensión.
Bellini, Giovanni ~ Madonna Willys, 1480-1490, Óleo sobre panel, Museo de arte de
São Paulo

Por qué es importante el sistema de magro a graso.

Comenzar con pintura aguada permite que ésta sea completamente absorbida por la
imprimatura. Como resultado se producen capas de temple y óleo consolidadas desde el
interior de la imprimatura. Esto da profunda estabilidad a las capas superiores y
prolonga la vida de la obra. Por otra parte, trabajar de magro a graso mantiene la
imprimatura absorbente por más tiempo. De esta forma puede trabajarse con gran
velocidad, sin temor a sobresaturar el lienzo de óleo.
Saturar de óleo el lienzo desde las capas internas puede producir craqueladuras u
ondulaciones como resultado, especialmente si no se respeta la regla de graso sobre
magro. Cuando se colocan capas mas delgadas de óleo sobre capas gruesas, las capas
superiores secan antes y por lo tanto craquelan u ondulan. Este percance puede evitarse
recordando pintar siempre de magro a graso, técnica que también se conoce como fat
over lean.

Otro aspecto significativo de la técnica de magro a graso, particularmente a la manera

en que se hizo en la época veneciana, es el tiempo de secado. El temple tiene un tiempo
de secado sumamente veloz. El óleo, en cambio, tiene un tiempo de secado lento. Sin
embargo, al mezclar temple y óleo, el temple tiene la característica de hacer secar más
rápido al óleo. De esta forma la técnica veneciana hace posible utilizar aceites gruesos,
manteniendo a la vez un tiempo de secado considerablemente bajo. Este aspecto del
magro sobre graso, al ser trabajado con temple, es el que permite usar barnicetas de
aceite espesas e incluso ceras. Gracias al tiempo de secado reducido del temple y a la
forma en que pueden fundirse las capas con este sistema, es que la técnica veneciana es
probablemente la técnica mixta más impactante de todos los tiempos.

Paolo Varonese, La Conversión de Maria Magdalena, c. 1548

De magro a graso en la actualidad: ventajas y usos

En la actualidad el sistema de magro a graso, pese a que muchas veces ya no se trabaja

con la técnica de temple, debe considerarse al trabajar en óleo. Como ya mencioné, si se
trabajan capas delgadas de óleo sobre capas gruesas, las películas superiores secan
antes. El resultado de este proceder será que las capas superiores se ondularán o
craquelarán. A menos que eso sea lo que se desea, debe considerarse al trabajar el orden
propuesto en la técnica veneciana.
Otro uso práctico de la técnica de magro a graso es el uso del temple. Trabajar óleo con
temple acelera el secado del óleo. A esto se suma que el temple nos otorga una amplia
gama de recursos y calidades que el óleo por sí solo no puede producir. Lo único que
debe considerarse al trabajar de esta manera es lo que ya se mencionó:

1. Comenzar con temple de barniceta fluido.

2. Disminuir la cantidad de agua en el temple en las capas siguientes.
3. Agregar mayor cantidad de barniceta a las capas superiores.
4. Continuar con óleo mezclado con temple.
5. Disminuir la cantidad de temple y usar medios más gruesos en las últimas capas.

Jacopo Bassano, El Buen Samaritano

 TRUCOS PARA MEJORAR LA CALIDAD DE ACRÍLICOS BARATOS

Alguna vez le enseñé a un amigo pintor cómo hacer para mejorar la calidad de sus
pinturas acrílicas baratas. Por distintas circunstancias, él en aquella época tenía poco
dinero y muchos cuadros que pintar. Si no mal recuerdo, estaba a pocas semanas de una
exposición individual y ya se había gastado todo el apoyo del fonca en fiestas. Gracias a
algunos consejos simples, mi amigo logró hacer que sus materiales tuvieran una mucho
mejor apariencia y la obra final quedó bastante bien, pese a la escasez de capital.

Pasó algún tiempo después de que le di estos consejos y otros pintores se me

comenzaron a acercar con inquietudes similares. Me contaban que habían visto la obra
de este amigo y habían hablado con él. Me pedían que también les mostrara cómo hacer
que sus acrílicos baratos parecieran de Winsor & Newton. He aquí los trucos que les
enseñé, que en realidad son muy simples.

Jackson Pollock en acción.

Diferencias entre acrílicos caros y acrílicos baratos

Hay tres diferencias básicas entre pinturas acrílicas baratas y pinturas acrílicas de
alta calidad. La primera es el tipo de medio acrílico con que fueron hechas. La segunda
es el tipo de pigmento que se utiliza para fabricarlas. Finalmente la tercera es la
saturación de pigmento que contiene la pintura.

En este texto hablaré principalmente de cómo utilizar medios acrílicos de alta calidad
para mejorar la calidad de pinturas acrílicas más baratas.
Medios acrílicos ttamayo

El medio acrílico

El mejor truco para aumentar la calidad de las pinturas acrílicas de baja calidad
es anexarles medio acrílico de alta calidad. Hay marcas especializadas en pinturas
acrílicas para artistas que venden muchos productos diferentes. Por ejemplo: pinturas de
cuerpo grueso, pinturas de cuerpo suave, pinturas de cuerpo fluido, pinturas de cuerpo
muy fluido, pinturas brillantes, mate, entre otras.

Muchos artistas desearían comprar y experimentar con todas estas diferentes pinturas.
El mayor impedimento para hacerlo suele ser el costo. Aunque yo diría que en muchos
casos es innecesario. A menos que produzcas obra de medianos o grandes formatos y a
un ritmo muy acelerado, realmente no necesitas todos esos diferentes productos.

La realidad es que podemos tener acceso a muchas de las posibilidades que esos
materiales nos ofrecen por una fracción de su precio. Lo único que se requiere es tener
unos cuantas pinturas acrílicas de diferentes colores y distintos medios acrílicos sin
pigmento de alta calidad.
Medio acrílico ttamayo para impasto 025

Medios acrílicos de alta calidad

Los medios acrílicos de alta calidad se conocen por distintos nombres. En México
se les conoce generalmente bajo el nombre de Mowilith. Aunque también se les
nombra bases acrílicas. Por supuesto, los hay de distintos precios y distintas calidades.
Las grandes empresas de pintura venden sus versiones particulares, aunque éstos
muchas veces no provienen de las empresas de pintura artística, sino de otras industrias.

En la pintura artística básicamente utilizamos tres tipos diferentes de medio acrílico.

Uno es un medio de cuerpo grueso, al que en ttamayo llamamos 025. Éste es utilizado
por las grandes empresas para hacer pintura acrílica espesa. La cual es ideal para ser
trabajada con espátula o pincel a manera de impasto.

El segundo tipo es un medio acrílico de cuerpo suave al que nosotros llamamos 55. Este

es el medio más versátil. Tal medio es ideal para pintar capas uniformes de color sobre
nuestros lienzos y útil para ser empleado con cargas y texturas. Además, es perfecto
para preparar gesso acrílico.

Por último existe el acrílico muy fluido, que en ttamayo llamamos 771. Tiene la

consistencia de una especie de tinta y es óptimo para trabajar aguadas y a manera de
acuarela.

Lo cierto es que existen otros muchos medios, pero al ser los más comunes de momento
me enfocaré en estos tres únicamente.
Medio acrílico ttamayo de cuerpo suave 55

Cómo utilizar los medios acrílicos para mejorar la calidad de nuestras pinturas

Emplear estos medios junto con nuestras pinturas es muy simple. Sólo se debe tomar un
poco de pintura acrílica y agregarle un poco del medio acrílico seleccionado según sus
características. Si deseamos pintura densa para impasto, se le añade a la pintura un poco
de medio grueso. Si deseamos dar a nuestra pintura fluida una mejor consistencia, es
mejor agregar un poco de medio fluido. En cambio, si deseamos adelgazar nuestra
pintura es necesario agregar un poco de medio muy fluido.

¿Cuál es el secreto, entonces?. Las grandes empresas de pinturas acrílicas venden

distintos medios acrílicos para hacer precisamente lo que acabo de mencionar. El
secreto es simplemente que es posible gastar menos si no pagas la marca. Logrando
conservar la misma calidad y beneficios por una fracción del precio. Como ya
mencioné, este tipo de medios acrílicos son utilizados por muchas industrias. No es
necesario comprarlos a los precios en que los venden las grandes marcas de materiales
de arte. Existen muchas empresas más pequeñas -como nosotros, ttamayo – que venden
la misma calidad a un precio justo.
Medio acrílico ttamayo muy fluido 771

La técnica de acrílico ideal

Más allá de emplear medios acrílicos para dar mejor apariencia a la pintura barata, lo
ideal es lo siguiente:

1. Comprar una buena paleta limitada de pinturas acrílicas con alta

pigmentación. Como anteriormente  mencioné, una de las diferencias entre
pinturas acrílicas buenas y malas es el tipo de pigmento y la cantidad de éste que
contiene la pintura. Una buena pintura acrílica tiene mucho pigmento y, por lo
tanto, es sumamente cubriente.
2. Comprar medios acrílicos con distintos cuerpos: Tener pinturas acrílicas de
alta pigmentación permite mezclarlas con medios acrílicos sin que las pinturas
se vuelvan translúcidas. De esta forma es posible tener muchas calidades
matéricas sin tener que comprar una amplia gama de productos y sin que la
pintura se vuelva transparente.

Si se toman en consideración los dos puntos anteriores, se lograra pintar en acrílico con
magníficos resultados a bajo costo.

Existen otros consejos prácticos para la técnica ideal de acrílico. Por ejemplo, no usar
mucha agua para adelgazar la pintura. Depende del medio acrílico que utilicemos, pero
en general no debemos pasarnos de 30% o 50% de agua en nuestras mezclas. De lo
contrario, las películas de acrílico en nuestros lienzos serán frágiles. Lo ideal para
adelgazar nuestras pinturas acrílicas es emplear medios acrílicos más fluidos y poca
agua.
El último consejo que puedo darles para ahorrar con su pintura acrílica y tener buenos
resultados es: tapen siempre bien sus botes de pintura y sus medios acrílicos.