“INTERPRETACIÓN Y ANALISIS DE OBRAS PARA

PIANO”
El presente trabajo tiene como objeto, conocer las estructuras, el contexto histórico, de las obras a
ser interpretadas en los recitales de grado. El contenido de este trabajo consiste en un análisis de
obras representativas de los diferentes periodos históricos que la música atravesó, el cual puede
resultar de mucha ayuda para los instrumentistas y estudiantes de música en general.
El trabajo se halla dividido en orden cronológico, con las características más sobresalientes del
contexto social y musical de cada época.
Cada capítulo contiene un análisis esquemático de la estructura formal de la obra, además de un
análisis interpretativo, lo cual será de mucha ayuda para los instrumentistas que deseen un mayor
acercamiento musical a la obra.

Introducción
La presente tesis es un análisis formal de las obras a interpretar en los recitales de Música de
Cámara así como de solista; además de una breve reseña de los rasgos históricos más importantes
que influyeron en lasépocas más sobresalientes como el Barroco, Clasicismo, Romanticismo, y
Siglo XX.

CAPITULO II
Período Clásico
2.1 Generalidades
Contexto Social
Contexto Cultural
Contexto Musical

2.2 Ludwing van Beethoven

Influencias
Periodos Compositivos
Obras Representativas

2.3 Análisis Esquemático de la Sonata Op 10 No 3

2.4 Análisis Interpretativo de la Sonata Op 10 No 3

CAPITULO III
Período Romántico
3.1 Generalidades
Contexto Social
Contexto Cultural
Contexto Musical

3.2 Franz Liszt

Influencias
Periodos Compositivos
Obras Representativas
3.3 Análisis de la obra: Estudio Trascendental No 10, en Fa menor

3.4 Análisis Interpretativo

CAPITULO II
PERÍODO CLÁSICO
2. GENERALIDADES8
El clasicismo abarcó desde la segunda mitad del siglo XVIII hasta el primer cuarto del siglo XIX
(1750-1810).
Contexto Social
Es la época de la ascensión de la burguesía a amplios sectores del poder político y económico, lo
cual tendrá consecuencias en el mundo de la cultura y de la música. En la 2ª mitad del siglo XVIII se
van a dar una serie de acontecimientos históricos importantes y reformas sociales
que darán lugar a violentos movimientos de masas, destacando entre ellos "La Revolución
Francesa" de 1789, hecho que romperá con las monarquías absolutas. El lema revolucionario de
"Libertad, Igualdad y Fraternidad" será llevado a todos los contextos, también al de la música.
Contexto Cultural
El Clasicismo es la época de la Ilustración, un movimiento intelectual promovido por la burguesía y
la pequeña nobleza, cuya principal manifestación fue La Enciclopedia de Diderot y D'Alambert que
divulgará la cultura en amplias capas de la población. En Francia, al movimiento de la Ilustración se
le denomina Enciclopedismo. Este movimiento encabezará la Revolución Francesa. Los artistas,
encontrarán en la burguesía un nuevo público que paga por apreciar sus obras y al que debían
satisfacer con creaciones entretenidas y naturales; de esta forma se van liberar poco a poco de las
obligaciones de trabajar supeditados al gusto de los mecenas, obteniendo así una mayor
independencia creativa pero contando con el reto de tener que depender del público para
rentabilizar sus ingresos.
Contexto Musical
1. Nace la forma de sonata.
2. El antiguo “concerto grosso” da paso al concierto de un instrumento solista acompañado de
orquesta en la forma de sonata de tres movimientos.
3. Melodía, claridad y simplicidad melódicas. Frases melódicas nítidas y más cortas regulares y
cuadradas que en la época procedente (es corriente la frase de ocho compases), las cuales se
abren y cierran con ciertos reposos.
4. Estilo homofonico o vertical. El conjunto aparece como acompañamiento armónico de una
melodía o tema, al que las restantes voces están subordinadas.
5. Desaparece el antiguo bajo continuo.
6. Abandono de las formas contrapuntísticas que utiliza solo esporádicamente, especialmente en
los desarrollos temáticos.
7. Armonía transparente, no cromatizante; menos compleja que la de Bach; a base de acordes
sencillos. Los cambios armónicos relacionan gradualmente temas y secciones en las formas más
variadas (=modulaciones). Las disonancias resuelven satisfactoriamente sin dejar sensación de
aspereza.
8. Sentido tonal muy transparente, sin marcados cromatismos en sus melodías ni en sus armonías.
9. Empieza a perfeccionarse la construcción de los instrumentos de teclado, el piano, que nació a
principios del siglo XVIII.
10. Dinámica (matices y signos expresivos). Atención especial a los contrastes expresivos (nunca
bruscos a base de fuerte y piano y al uso del crescendo y disminuendo, en vez de tratar de obtener
ingeniosamente (como sucedió en el Barroco) efectos expresivos, contrastando grupos de muchos
y pocos instrumentos (por ejemplo, la contraposición del tutti o de toda la orquesta al concertino
o pequeño grupo del concerto grosso).
11. El ritmo es sencillo y regular (cuadratura rítmica), con silencios intercalados como descansos
contrastes entre temas y melodías; por regla general, guarda un movimiento regular a través de
una sección. En el acompañamiento del bajo es frecuente el diseño a base de acordes de tres
sonidos en forma sucesiva, que se repiten como muestra rítmica (llamado “bajo de Alberti”, por
atribuirse a éste su introducción).
2.2 LUDWING VAN BEETHOVEN
Influencias
Entre los compositores que más influyeron en el desarrollo compositivo de las sonatas de
Beethoven se hallan: C. P. E. Bach, Haydn, Mozart. Además, el contacto con otros
compositores como F. Wilhem Rust (1739-1796), fue uno de los que probablemente influyeron en
el estilo compositivo de Beethoven, sin embargo son muy pocas
pruebas que se tienen al respecto. Muzio Clementi también ocupo un importante lugar, ya que el
compositor de Bonn, durante su juventud admiró e interpreto muchas de sus
sonatas, por lo que no es extraño encontrar en las primeras sonatas de Beethoven procedimientos
compositivos muy similares al compositor vienés.
Del mismo modo Bach, fue el compositor preferido por Beethoven el cual en un inicio de su
formación estudio a profundidad el contrapunto del maestro.
Períodos Compositivos
La primera época abarca las composiciones escritas hasta 1800, caracterizadas por seguir de cerca
el modelo establecido por Mozart y Haydn y el clasicismo en general, sin excesivas innovaciones o
rasgos personales. A este período pertenecen obras como el célebre Septimino o sus
dos primeros conciertos para piano. Una segunda manera o estilo abarca desde 1801 hasta
1814, período este que puede considerarse de madurez, con obras plenamente originales en las
que Ludwig van Beethoven hace gala de un dominio absoluto de la forma y la expresión (la ópera
Fidelio, sus ocho primeras sinfonías, sus tres últimos conciertos para piano, el Concierto para
violín). La tercera etapa comprende hasta la muerte del músico y está dominada por sus obras más
innovadoras y personales, incomprendidas en su tiempo por la novedad de su lenguaje armónico y
su forma poco convencional; la Sinfonía n.º 9, la Missa solemnis y los últimos cuartetos de cuerda y
sonatas para piano representan la culminación de este período y del estilo de Ludwig van
Beethoven.
Obras representativas
El maestro de Bonn escribió 58 sonatas y sonatinas,
distribuidas del siguiente modo: 29 sonatas para piano,
incluidas en los “opus” 2, 7, 10, 13, 14, 22, 26, 27 "Claro de
Luna" con su primer movimiento, segundo y tercero, 28
"Pastoral", 31, 53 "Waldstein", 54, 57 "Appassionata", 78,
79, 81, 90, opus 101, 102, 109, 110, 111; diez para piano y
violín; op. 12, 23, 24, 30, 47, 96; cinco para piano y
violonchelo, op. 5, 69, 102; dos sonatas para piano y flauta
(la primera sin número, la segunda, op. 41 es una
transcripción del trío serenata, op. 25); una sonata para
piano y trompa (“corno”), op. 17, y una para piano a 4
manos, op. 6.
Las sonatinas son diez: nueve de piano (dos del op. 49, op.
79 y sin numerar las restantes, cuya autenticidad no
siempre es clara), y una para mandolina y piano, sin
número. La serie de treinta y dos sonatas dedicadas al
teclado consta de las veintinueve mencionadas y las tres
únicas sonatinas que llevan número de “opus” las cuales
figuran con alguna inmodestia al lado de sus hermanas
mayores.
Son las sonatas de piano, los cuartetos y las sinfonías las
grandes series beethovenianas que se extienden a través
de la vida entera del maestro, reflejando sus ensueños y
desdichas. Los tres estilos que indiscutiblemente se
manifiestan en la obra total del gran compositor, dividen las
32 sonatas en los siguientes grupos: once sonatas,
comprendidas en los “opus” 2, 7, 10, 13, 14 y 22 y dos
sonatinas op. 49, cuya composición se extiende entre 1795
y 1800, trece sonatas, contenidas en los “opus” 26, 27, 28,
31, 53, 54, 57, 78, 81 y 90, y una sonatina op. 79 (1801-
1814); cinco sonatas, op. 101, 106, 109, 110 y 111 (1816-
1822).
A través de la vasta serie se advierten las evoluciones que
va sufriendo el género clásico, a impulso del genio
beethoveniano, el cual trasforma la sonata que recogió de
sus predecesores, en un poema musical, de fondo
psicológico más intenso y profundo cada vez, mientras el
molde tradicional se ensancha o se deforma, siempre
dentro de un portentoso impulso creador.
Entre las más curiosas modificaciones de la denominada
“forma de sonata” o sea el primer alegro, figuran las
frecuentes innovaciones del plan tonal clásico, referente a
la tonalidad de dominante en que debe presentarse el
segundo tema, cuando la modalidad es mayor y otros
numerosos detalles. En cuanto al plan general se van
advirtiendo, a medida que el compositor avanza en su
carrera, la fantasía de creación que iremos examinando y el
amplio progreso de la técnica pianística
2.3 ANALISIS ESQUEMATICO DE LA SONTA OP 10 No
3.
Las tres sonatas Op 10, fueron escritas durante el año
1797, las cuales presentan desigualdades entre sí. Las dos
primeras son más sencillas, finas y bellas, mientras que la
los dos primeros movimientos de la No 3 (y en especial el
Largo-2do movimiento), se elevan a alturas jamás
alcanzadas anteriormente, para luego descender hacia la
galantería de la época en sus dos movimientos siguientes,
sin embargo el final que presenta es notablemente original.
La séptima sonata es considerada por muchos
comentaristas como la primera de las grandes obras de
Beethoven –y lo que es, por sus dos primeros tiempos, ya
dignos de la segunda época- vuelve a presentar un plan de
cuatro partes compuestas todas en la tónica: mayor, menor,
mayor.
2.4 ANALISIS INTERPRETATIVO:
Dificultades Técnicas:
Entre las dificultades que presenta en el primer movimiento
son: las terceras ligadas, y sextas arpegiadas (compases
11-14), en las cuales es muy importante la rotación de la
muñeca para lograr un efecto ligero.
El cruce de manos que podemos apreciar en el desarrollo
del primer movimiento es muy importante practicarlo
mediante la técnica de la anticipación, en donde la mano se
ubica anticipada en las teclas de la posición próxima, para
luego ejecutarlas, primero se realiza con movimientos
lentos, y luego se puede aumentar la velocidad. Otra
manera es practicar los saltos de manera mental, se cierra
los ojos, y mediante una visualización interna se memoriza
los saltos que deba realizar en el cruce de manos.
Las melodías anacrúsicas es parte de la dificultad técnica
que presenta a lo largo de toda la obra, ya que este es el
rasgo más característico de la obra, de esta forma la
melodía iniciada en los tiempos débiles, no debe ser
atacada, sino llevada para tomar impulso en los primeros
tiempos que ésta presenta.
En el segundo movimiento el control del peso de los dedos
es muy importante ya que en los acordes iniciales es
importante resaltar la melodía sobre las polifonías que lo
forman.
El tercer y cuarto movimiento presenta similares dificultades
técnicas ya mencionadas como el cruce de manos,
melodías anacrúsicas, que ya han sido descritos
anteriormente.
Tipo de Toque:
Beethoven en esta época, ya tuvo acceso a un piano forte,
que si bien, no es como lo conocemos en la actualidad, le
permitía explotar en un mayor grado la riqueza sonora del
instrumento.
Así la producción de un sonido redondo y lleno de peso es
muy importante, para ello la relajación ocupa un papel
primordial. La posición de los dedos debe ser curva
Expresividad:
Si bien en las últimas sonatas de Beethoven, el
romanticismo es muy evidente, es necesario recordar que
esta sonata al pertenecer a una de sus primeras
composiciones, es fundamental mantener los límites
expresivos del clasicismo, mediante una melodía clara,
sencilla, sin usos exagerados de ritardandos, si bien es
posible usar estos últimos en una pequeña dosis al final de
una sección se debe cuidar mucho de no perder el estilo.
Dinámica:
Los matices que el compositor presenta son muy
contrastantes, por lo cual es fundamental realizar una gran
diferencia de entre los pianos, y fortes que él utiliza, de
igual manera los esforzandos escritos en sus obras
determinan mucho su carácter.
En las escalas que se hallan presente en casi todos sus
movimientos, es importante realizar crescendos o
decrescendos, según sea el caso, así en las escalas
ascendentes se puede realizar crescendos, mientras que
en las escalas descendentes realizar decrescendos.
Además en las reiteraciones motívicas es muy importante
realizar diferencias entre una y otra, así por ejemplo en la
reexposición del primer movimiento el volumen sonoro
puede ser más profundo que en la exposición, y de esta
forma encontrar diferentes colores en temas iguales.

ROMANTICISMO
3.1 GENERALIDADES
Contexto Social
Es un período que va desde 1770 hasta 1810. La revolución industrial inglesa, y francesa, junto con
la revolución americana con su Declaración de Independencia, hace de los derechos del hombre su
centro y establece la república como forma de gobierno y al pueblo como fuente
exclusiva del poder; siendo la tiranía reemplazada por la libertad, se limita el poder absoluto y la
se establece la democracia en el gobierno. Diderot y Rousseau rehabilitan la sensibilidad, la pasión
y el amor por la naturaleza. El romántico concibe para sí y en sí mismo un alma que experimenta
intensamente el amor por la naturaleza, que se consume en sus emociones y en sus dolores, y que
en el fondo siempre se busca a sí misma en todo lo que hace.
Contexto Cultural
El Romanticismo significó un cambio de gusto de la época y de las teorías estéticas de la creación.
Lo moderno frente a lo neoclásico, simbolizado en lo francés y en la imitación de los modelos
antiguos. Lessing ataca el teatro francés clasicista, propone imitar a Shakespeare y crear un drama
nacional. Herder defiende la existencia de un espíritu nacional ligado al idioma cuyo desarrollo es
la historia de cada país; la manifestación de ese espíritu en las creaciones del pueblo y en los
grandes poetas, sobre todo en la Edad Media cristiana. Afirma el nacionalismo y el populismo que
Schiller practicaría en su teatro. En Inglaterra revive el interés por la mitología y tradiciones
medievales escandinavas o celtas y se cultiva un nuevo sentimiento ante la Naturaleza. Goethe, en
Werther, dibuja el "mal del siglo", y en su Fausto, busca un sueño imposible de inmortalidad.

Contexto Musical
• Libertad de expresión en cuanto a la forma predominio de la fantasía y por ello, de la expresión
emocional libre.
• Búsqueda de la unidad de la obra con nuevos sistemas, como el Leitmotiv, la idea fija, o el
sistema cíclico, consistente este último en una idea musical se repita cíclicamente.
• Énfasis en lo lírico, con ricas modulaciones, armonías, cromatismos y fuerte uso de la disonancia.
• La música pasa a ocupar el lugar del arte más sublime y elevado, en contraposición con otras
artes como pintura y arquitectura, que en cierta manera habían triunfado durante el clasicismo.
• En cuanto a las formas, hay una preferencia por la pequeña forma, de la cual ya había sentado
las bases Schubert en sus “Momentos Musicales” e “Impromtus”. Las grandes formas clásicas
decaen.
• Hay un cierto gusto por la creación de páginas programáticas y con alusiones bibliográficas y en
ocasiones “quasi místicas”.
• Hay una pérdida de importancia de la polifonía en beneficio de la armonía vertical, renace un
cierto gusto por el contrapunto polifónico.
• Se crean páginas de extremado virtuosismo, llegando a explotar al máximo todos los recursos de
potencia e instrumentación del piano.
• Se produce un absoluto relegamiento de la forma en beneficio de la expresión. El pensamiento
generalizado del romanticismo era expresar sentimientos sin tener en cuenta la forma, por muy
extravagante que ésta fuese. Es decir prima la idea sobre la forma.
• Otra característica del romanticismo, es que el piano se vuelve sinfónico, es decir, se trabaja el
piano comosi de una orquesta se tratase. Las composiciones de muchos de sus autores, bien
podían ser reducciones de páginas orquestales, cosa que hizo fecundamente Liszt al reducir varias
páginas orquestales. Al contrario que Beethoven, que concebía el piano como una orquesta, los
románticos conciben la orquesta como un piano.
• Por último, se termina de explotar al máximo todos losrecursos técnicos y tímbricos del piano,
que servirán de germen para el pianismo del siglo XX y para el desarrollo constructivo del
instrumento.

ANALISIS DE LA OBRA: Sonata para violín y piano,

K 310, WOLGFANG AMADEUS MOZART
Las sonatas para piano y violín de estilo clásico, solían
otorgar al violín un papel de simple acompañamiento,
Mozart, con su ingenio logró equiparar la importancia del
violín a la del teclado en la interpretación.
Así, la sonata con violín de estilo clásico, solía relegar este
instrumento a un tímido papel de mero imitador de los
diseños de los contenidos en la parte del piano, verdadero
instrumento organizador del discurso, como lo atestiguan
las 16 sonatas mozartianas compuestas entre 1763 y 1766
y publicadas en París como Opus con el expresivo título de
“Sonatas para Piano que pueden tocarse con
acompañamiento de violín”, pero a partir del ciclo de
sonatas palatinas (K 301-306) la importancia del violín se
incrementa hasta llegar a un diálogo equilibrado entre
ambos instrumentos.
La sonata K 301, formada por dos movimientos, se halla
desarrollada en una estructura muy influenciada por el
período Barroco, en donde si bien presenta ya la forma
musical cultivada en el clasicismo como es la forma sonata,
conserva vestigios de las estructuras de la sonata del
barroco (por ejemplo las sontas de Scarlatti), presentando
en su primer movimiento dos partes claramente
diferenciadas, que en conjunto son una, pero que resaltan
la forma bipartita de las sonatas barrocas. De igual modo, el
segundo y último movimiento, a diferencia de los segundos
movimientos muy comunes del clasicismo, corresponde a
una forma rondó, con una sección menor, incluida en la
parte intermedia del mismo. En consecuencia la ausencia
de un tercer movimiento, como es lo común en las sontas
clásicas, nos llevan a pensar, que el compositor todavía
mantuvo las anteriores estructuras compositivas en lo que
se refiere a obras de cámara particularmente.
Anexos
Partituras: las dos partituras ejecutadass 