DIAPOSITIVA 1, 2 Y 3

El pensamiento musical en la edad media

El concepto de “Edad Media” fue creado por los humanistas europeos del
Renacimiento. Iluminismo.

Se recupera la “Edad Media” en el siglo xix para darle valor a todos los desarrollos y
avances científicos, artísticos y filosóficos ocurridos en este periodo.

Contexto histórico: el año simbólico que marca el inicio de la edad media es el 476,
aunque fue un proceso que comenzó 2 siglos antes: la ruptura entre el Oriente
romano (Bizantino) y el Occidente Germanizado.

· Constantino decretó el Edicto de Milán (libertad religiosa)

· Beneficio al cristianismo

· Cristianismo como religión oficial ratificada por Teodosio, año 392.

Los primeros siglos de la edad media se denominaron “Alta edad media” (época de
fragmentación) caracterizados por la ruralización y la única institución del imperio
que queda en pie es la Iglesia, con foco en los monasterios que eran las sedes
rurales. La actividad cultural será competencia casi exclusiva de estos monasterios.

Los demás siglos, a partir del siglo xi, se denominan “Baja edad media”,
caracterizados por el proceso de reurbanización, con la creación de Universidades y
Catedrales, con un importante desarrollo cultural que más tarde daría lugar al
Renacimiento.

DIAPOSITIVA 4

En cuanto a lo musical, en la Alta edad media, no hay una ruptura importante con el
pensamiento musical anterior, salvo en la progresiva «cristianización» de sus
teorías. Teoría de la armonía de las esferas y teoría del ethos. El principal
«responsable» de esta continuidad es el filósofo romano Severino Boecio. La
primera cuestión estrictamente medieval, que aparece ya en el siglo iv, es el debate
sobre la conveniencia o no del uso de la música en las ceremonias religiosas: en
principio la postura dominante es contraria, por la sensualidad que aparece en la
música.

Otro debate central durante toda la Edad Media, herencia también del mundo
antiguo, es la oposición entre música teórica y música práctica, definida en la época
medieval con los términos de músico y cantor. El «músico» es el teórico que conoce
los fundamentos de la ciencia musical, especialmente su base matemática; el
«cantor», por su parte, es quien lleva a la práctica la música, como un oficio. El
prestigio de la ciencia y el desprecio por el trabajo manual que caracteriza buena
parte del pensamiento medieval, hacen que se sitúe también por encima el papel del
músico frente al del cantor; la música, por otra parte, será parte de los estudios
superiores de ciencias, junto con la aritmética, la geometría y la astronomía.

Se deja de usar la escritura musical que se usaba en ese momento por lo que se va
a desarrollar en la Alta Edad Media la idea de que la música reside solo en la
memoria. En palabras de Isidoro de Sevilla: “Si los sonidos no se retienen en la
memoria humana, perecen, ya que no pueden escribirse.”

En la Baja Edad Media se le pone atención a la idea de que sería necesario el

desarrollo de la notación musical.

DIAPOSITIVA 5

Guido d’Arezzo (siglo xi) desarrolló un sistema didáctico basado en hexacordos en

que cada nota estaba asociada a una sílaba mnemotécnica (la base del actual
solfeo), así como un sistema organizado de notación musical que se impuso
rápidamente y que evolucionó después hasta el sistema actual.

Los nuevos problemas de la teoría musical

Guido d Arezzo comienza a emerger una conciencia acerca de la fisura existente

entre el plano teórico y el práctico. Define como “bestia” a los cantores que hacen
cosas que no entienden.

Apela tanto a la práctica musical como a la importancia del factor didáctico. En

Epistola de ignoto cantu se formula su fácil sistema mnemotécnico con el fin de
recordar la entonación exacta de cada nota.

También, se citará a Guido por lo que respecta a la distancia del músico al cantor,
pero su discurso se dirigirá cada vez más a los cantores (a pesar de que les diga
bestias despectivamente) y cada vez menos a los filosóficos.

A partir de ese momento la música se organiza de forma progresivamente más

autónoma y más compleja,no sólo en cuanto a la práctica sino también al
pensamiento de los teóricos.

El desarrollo de la polifonía y del contrapunto será un acontecimiento muy

importante para una reflexión más profunda sobre los conceptos tradicionalmente
aceptados hasta entonces.
La música acaba por decantarse como ciencia de los sonidos percibidos por los
sentidos y no como ciencia de los sonidos producidos por el movimiento de los
astros.

DIAPOSITIVA 6

Música primitiva

Resulta totalmente ajeno a aquellos pueblos primitivos considerar la música como

un hecho artístico. Su función es religiosa y social. Es de transmisión oral y su
conocimiento recae a menudo en seres que se proclaman elegidos por medio de
poderes sobrenaturales. El músico es intermediario entre el hombre y los dioses. Es
común que sea ayudado por la comunidad a quien indica previamente cuál es el
campo que corresponde, y allí es donde nace el estilo responsorial. (canto y
respuesta).

La música tiene asimismo un carácter utilitario colectivo, como los cantos de

trabajo, donde el ritmo marca la periodicidad y el grado de lentitud o velocidad de
los movimientos.

Un tercer tipo es el canto individual de expresión psicológica. La música que él

produce está llamada a actuar sobre él mismo, sobre su propio espíritu. La dualidad
artista-público es absolutamente desconocida.

DIAPOSITIVA 7

El Oriente Antiguo: Distingue cuatro grupos de la Música de Oriente:

-Asia Oriental (China y Japón)

- Indochina y el Archipiélago índico
- India
- Cultura arábico-islámica (desde Persia hasta Marruecos).

Entre estos grupos se busca establecer relaciones y diferencias, relacionado a la

génesis del sistema de ordenación de los sonidos dentro de un marco filosófico o de
alta especulación.

La música en el Oriente Antiguo está vinculada directamente con la magia y la

creencia en los demonios. El estado de éxtasis y la creencia en sus efectos
sobrenaturales se encuentran también en la concepción musical.

DIAPOSITIVA 8

Existen documentos iconográficos que dan cuenta de la existencia de instrumentos

(arpas, liras, oboes dobles, tambores, panderetas). La diversidad de instrumentos
hace surgir la hipótesis de una música a dos voces.
La Herencia Griega

Para los griegos la música conduce al perfeccionamiento del alma y al

apaciguamiento de las pasiones, por esto mismo, la música no podía quedar librada
al arbitrio de eventuales intérpretes sino que debía seguir las reglas impuestas por
la política del gobierno. Como era de asunto público, la educación debía ocuparse
de seleccionar melodías, ritmos o instrumentos que despertaran sentimientos
nobles, rechazando aquellas manifestaciones sonoras que incitaban a la violencia y
causaban la decadencia moral de la nación.

DIAPOSITIVA 9

Dentro de la teoría musical griega el elemento primario es el tetracordio. De esas

cuatro notas las dos extremas eran notas fijas y las dos intermedias, móviles. Según
el movimiento de las voces móviles se daba lugar a tres géneros: diatónico,
cromático y enarmónico. (imágenes)

La sucesión de dos tetracordios da lugar a la harmonía.Se reconocían diferentes

escalas cuyos nombres aludían a diferentes regiones del Asia Menor: doria, frigia,
jonia, lidia. Esto constituyó el gran legado de Grecia al mundo Occidental, donde su
adaptación originó la teoría de los modos eclesiásticos medievales. Esto se
transmite por los escritores Boecio y Casiodoro.

DIAPOSITIVA 10

Los Griegos tenían 2 anotaciones simultáneas: una alfabética, para escribir la

música vocal; y otra que combina signos autóctonos para la instrumental.(imagenes)

DIAPOSITIVA 11

La práctica musical griega se da través del canto y de sus instrumentos

fundamentales: la lira propiamente dicha y su variante de mayor tamaño, la cítara; y
por otra parte el aulós, que era el principal instrumento de viento y consistía en un
oboe doble.(imagenes)

A ello se debe añadir la danza, que estaba vinculada con la poesía y la música. Se
dio el nombre de citarodia al canto solista acompañado por cítara y aulodia al
acompañado por aulós.

A estas grandes manifestaciones, se sumaron otras 2: una fue la música puramente

instrumental y la otra una unión de danza con canto coral. En el terreno puramente
instrumental, una de las formas más importantes fue en nómos, que describe
generalmente escenas de la vida de los dioses. En el terreno de la poesía coral,
sobresalió el ditirambo, dedicado al culto de Dionisios (Dios de la fertilidad y el vino),
cuya evolución dio nacimiento a la tragedia. Es un canto de textura monódica, la
melodía está condicionada por los acentos del texto y el ritmo musical se basaba en
la cantidad de sílabas. (EJEMPLO DE AUDIO)

DIAPOSITIVA 12

El gusto Romano por el gigantismo instrumental deriva en los masivos conjuntos de

instrumentos que se veían en Egipto. Se incorporaron gran número de instrumentos
etruscos (pueblo conquistado por Roma), tales como la trompeta recta, la trompa de
campana curva, una flauta de hueso y la flauta traversa.(imagenes).

La práctica musical Romana se había convertido en una manifestación llamada a

menudo a excitar el placer sensorial de uso en la vida social, el trabajo y el ejército.
La música se veía acrecentada por la exaltación del virtuosismo de instrumentistas y
cantantes. Los músicos gozaban de gran popularidad, con adhesión multitudinaria
en el curso de grandiosos festivales y competencias. La gran importancia que se le
concedió a este arte contribuye al perfeccionamiento de la teoría musical griega.

La iglesia cristiana en sus primeros tramos

DIAPOSITIVA 13

La música empleada en el servicio judío se impone como elemento fuertemente

gravitante, ya que los primeros cristianos fueron judíos y adoptaron la liturgia misma
con sus propias manifestaciones sonoras. Característico de la música del Templo
era el canto de los salmos, en los estilos responsorial (cuando alternaba el
sacerdote con la congregación) o antifonal (cuando alternaban 2 coros). Los levitas,
una casta de músicos sagrados, tenían la misión de cuidar la música en los oficios
del Templo.

DIAPOSITIVA 14

Dichos cantos eran acompañados por instrumentos como el kinnor (una lira
pequeña), nevel (arpa grande vertical), címbalos de cobre, trompetas y el shofar
(cuerno).Todos estos instrumentos asociados a las ceremonias del Templo. Aunque
en las sinagogas (lugar de culto judío) se prohibió el uso de los instrumentos, con
excepción del shofar. (imagenes).

La formación del canto cristiano se debe en parte al canto de la biblia judía más que
a prácticas del Templo. Las ceremonias del cristianismo eran más sencillas y no se
usaban instrumentos. La temprana iglesia cristiana se expandió por el Asia menor,
por África y por Europa, acumulando elementos musicales de diversas áreas. El uso
de melodías tradicionales de cada región llevó a que algunas ingresaran
posteriormente al repertorio oficial de cantos. Pero antes de que Roma impusiera su
hegemonía, diferentes liturgias dieron lugar a una disparidad de prácticas musicales:
Bizancio: Capital del imperio romano llamado Constantinopla (hoy Estambul) fue la
sede más importante del gobierno de Europa y centro de un florecimiento cultural.
La música Bizantina incluye expresiones del ceremonial de la iglesia y de la corte. El
emperador reunía la más alta dignidad civil, eclesiástica y el poder. Era el
representante de dios en la tierra.

Las apariciones públicas de este monarca eran acompañadas con fórmulas

cantadas de salutación, que llevaban el nombre de aclamaciones al estilo
responsorial. De esta práctica eclesiástica deriva el estilo melismático, de clara
procedencia Oriental. Se trata de varios sonidos diferentes entonados sobre una
vocal. Algunas veces se cantaban acompañados de órganos.

Liturgias occidentales: La combinación de distintos flujos orientales junto a las

condiciones locales dio como resultado varios tipos de liturgia y asimismo diferentes
repertorios de cantos entre los siglos v y viii. Entre ellas la más importante fue, luego
de la Romana, la Abrosiana en Milan, que incluye melodías monódicas sencillas
pero muy ornamentadas melismaticamente. Ese canto ha sido conservado desde el
siglo iv hasta hoy en dia, a despecho de varios intentos de surpimirlo.

Finalmente, será Roma la que termine por ejercer una dominación excluyente, tanto
en la liturgia como en la música a ella ligada.

El canto Gregoriano

DIAPOSITIVA 15

Alude al alto repertorio de música litúrgica que sirve para unificar la práctica del
canto en todos sus dominios. Su nombre proviene del papa Gregorio I el Grande
(imagen).

Su tarea consistió en recodificar la liturgia a través de la shola cantorum ( escuela

de cantores) para establecer un repertorio uniforme para el uso de todas las
naciones.

El canto era un lenguaje que expresaba la palabra divina. Su primera forma fue la
recitación de textos sagrados, el tipo de canto era monódico y silábico (una sola
nota para cada sílaba generalmente sobre un mismo sonido se denomina
salmódico). El encargo de esta recitación era un sacerdote o un obispo. (EJEMPLO
DE AUDIO)

A esta forma silábica y sencilla se la denominó accentus, en cambio, el concentus

aludía a una forma más elaborada de canto, que consistía en la entonación de
largos pasajes melódicos sobre la vocal de una sílaba, particularmente la última
(kyrie).
La participación de los fieles en la práctica litúrgica se daba a través de expresiones
cantadas como el “amén”, el “Alleluia” y el “gloria patri”, tal es el principio del canto
responsorial en la iglesia cristiana.

DIAPOSITIVA 16

En el siglo IV la recitación salmodica de las plegarias comienza a realizarse entre 2

coros alternados, lo cual significa la adopción del canto antifonal. Posterior a las
recitaciones surge la himnodia cristiana como canto de plegaria o adoración a dios,
para los cuales se escribieron nuevos textos, a los cuales se les aplicó el principio
de la rima y la distribución de los acentos, en lugar de la métrica cuantitativa
(cantidad larga y breve de las sílabas). Ello trajo en consecuencia una
independencia métrica del sonido. San Benito fijó el oficio salmodico dividido en
horas. Más tarde y de manera progresiva, se realiza la ordenación litúrgica de la
misa, y, con ellos, de los pasajes cantados. Esto es: Kyrie, gloria, credo, sanctus,
agnus dei.

Desarrollo del canto después de Gregorio Magno

DIAPOSITIVA 17

Las naciones del Oeste y norte de Europa convertidas al Cristianismo terminaron

por aceptar las doctrinas y ritos de la Iglesia de Roma, y, por lo tanto, el canto
Gregoriano. En el siglo IX ya estaba establecido en el imperio Carolingio, que es en
donde se realizaron las más importantes variaciones en el terreno de la música
Europea.

Uno de los resultados del movimiento Crolingio fue el desarrollo de un número

importante de monasterios, que se convertirían en centros musicales. El más
importante fue el de Saint Gall, en Suiza. (imagen)

Los compositores nordeuropeos no solo crearon nuevas melodías, sino que

imaginaron y crearon nuevas formas de canto que pueden resumirse en: los tropos,
las secuencias y el drama litúrgico.

Se llamó tropo a la amplificación de un canto litúrgico mediante añadidos o

sustituciones no sancionadas por la autoridad oficial. Hay 4 tipos de tropos, el tropo
de adaptación, que consistía en retener las vocalizaciones de los cantos
melismáticos y adaptarles palabras; el tropo de desarrollo, que en lugar de solo
colocar las sílabas bajo las notas desarrollo las células melódicas dotándolas de
cadencias nuevas y una estructura original; el tropo de interpolación, donde no solo
se añade texto sin modificar la música, sino que se intercalan nuevas palabras
dentro del canto ;y el tropo de sustituciones, que es cuando el tropo termina de
desplazar completamente el canto del cual se ha interpolado.
La secuencia es un tropo de desarrollo del alleluia, que luego terminó por perder
todo contacto con el canto religioso y adaptó una fisonomía propia. La secuencia
temprana, también llamada clásica, basa su texto en largos poemas en estilo libre,
que comienzan y terminan con un verso simple en medio de los cuales hay un verso
doble. En París, en el siglo xii, Adam st victor crea la secuencia rimada, al conferirle
al par de versos de cada estrofa una misma longitud y ritmo, con consonancia y
melodías propias. También se crea la secuencia estrófica, que está formada por un
grupo de tres o más estrofas que contiene el mismo número de versos, con igual
rima y métrica. Fue tanto el éxito de las secuencias que el Concilio de Trento las
suprimió en el siglo XVI y sólo se admitieron 4: Victimae paschali laudes, Veni,
Sancte Spiritus, Lauda Sion, y Diesi rae. En 1727 se agregó como quinta secuencia
el Stabat Mater Dolorosa.

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El drama litúrgico es el desarrollo de carácter representativo, que se desprendió

progresivamente para canalizarse en el teatro. Tiene su origen en el tropo y el
comienzo de su historia se ubica en el siglo x. En su desarrollo se distinguen 2
ciclos principales: el de navidad y el de pascua, en los cuales los cantantes
acompañaban sus partes con una adecuada acción dramática. El drama litúrgico fue
sumamente popular en los siglos xii y xiii en todo el oeste y centro de Europa.

DIAPOSITIVA 19

Teoría Gregoriana

DIAPOSITIVA 20

Es en esta etapa cuando se clasifican las melodías gregorianas y se establecen los

8 modos llamados eclesiásticos. Dichos modos corresponden a la escala diatónica,
que es comparable a las teclas blancas del piano. Fueron agrupados en 4
auténticos y 4 plagales, que empiezan una cuarta más baja que el auténtico. Están
caracterizados por la nota finalis (tónica) común al auténtico y a su plagal, y por la
repercussio (nota melódica principal, una especie de dominante). Según su número
de orden latino se llaman: protus authenticos y protus plagalis, deuterus, tritus y
tetrardus. Los nombres de los modos eclesiásticos no concuerdan con los modos
griegos originales, razón por la cual es preferible distinguirlos por la denominación
según su orden. (imagenes)

Uno de los mayores problemas en torno al canto gregoriano es el aspecto rítmico

por cuanto a tempo y ritmo no se anotaban, y dependían del texto, por lo que tenían
un ritmo flexible.

DIAPOSITIVA 21
El canto gregoriano se beneficia a partir del siglo IX con la notación neumática (de
neuma, espíritu) consiste en una serie de signos derivados de acentos de
recitaciones, incluyen una o más notas para cada sílaba y no designan altura de
sonido sino solo direcciones. Los primeros manuscritos con neumas datan de los
siglos viii y ix, y los últimos del siglo xiv. (imágenes)

DIAPOSITIVA 22

A partir del siglo xi, especialmente en Francia e Italia, los neumas ya podían
establecer alturas precisas. Se impuso el sistema del gran teorico Guido d’ Arezzo,
que consistía en líneas trazadas a distancia de una tercera y con coloración de las
líneas de bajo de las cuales se halla situado un semitono: la línea correspondiente al
do en amarillo y al fa en rojo. Este proceso se estabiliza con el uso del
tetragrama.(imágenes)

DIAPOSITIVA 23

Junto con los neumas, se usaron distintas notaciones alfabéticas, de donde nació la
costumbre de indicar un sonido con una letra. Con el objeto de desarrollar un
sistema para cantar a primera vista. Fue así, que Guido asignó sílabas a las notas
del hexacordo, sucesión correlativa de 6 notas, tomando como referencia
nemotécnica un himno a san juan bautista del siglo viii. De allí emanan las sílabas
ut, re, mi fa, sol y la.(imagenes). Entre los siglos xvi y xviii, cuando el hexacordo
cedió definitivamente ante el de la octava, se denominó al séptimo grado si. El uso
de cantar según sílabas correspondientes a las notas se mantiene hasta hoy
(solfeo).

De la música religiosa a la profana: goliardos, juglares, trovadores.

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La historia de la música occidental nos habla del canto de la Iglesia Cristiana,

cuando surgen en los monasterios los diferentes tipos de notación neumática. A
nadie no se le ocurrió pensar que durante los siglos no existió otra música que la
ligada a la liturgia. Afuera del templo latía la vida diaria y el pueblo expresaba su
alegría a través del canto y de la danza, acompañado por instrumentos sonoros. El
pueblo moldeaba su lenguaje sonoro al margen del canto gregoriano. Ese universo
sonoro era protagonizado históricamente por hombres de muy diversa extracción
social y procedencia cultural variada. Se trataba de los goliardos, juglares o
ministriles y hablando de compositores (poetas-músicos) los trovadores, troveros y
Minnesänger.

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Los goliardos: Su nombre podría prevenir de su mítico patrón el Obispo Golias. Eran
estudiantes o clérigos (de la iglesia) vagabundos que migran de una escuela a otra
en la época previa a las universidades. Eran despreciados por la gente respetable a
causa de su estilo de vida. Conocían la ciencia musical. Los temas de sus
canciones giran en torno a las mujeres, el buen comer y beber, con entonaciones a
veces delicadas, y otras mordaz y obscenas. Llegaron a ejercer influjo en la vida
cultural inglesa, francesa, y especialmente germana desde el siglo xiii (Carmina
Burana).(ejemplo de música)

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Los juglares:Tenían canciones con textos vernáculos, de nación o característicos de

algo. Eran cantados en un estilo monódico sencillo, cuyas formas melódicas se
repetían hasta el cansancio con los diferentes versos del poema. Sus intérpretes
eran músicos relativamente profesionales que comienzan a surgir alrededor del siglo
x. Eran hombres o mujeres que vagabundeaban solos o en pequeños grupos, de
castillo en castillo, recibiendo escasos beneficios para subsistir a cambio de cantar,
tocar instrumentos, hacer malabarismos, trucos y exhibir animales. En el siglo xii,
ellos mismos se organizaron en hermandades que llegaron a convertirse en
corporaciones de músicos profesionales. Cantaban canciones creadas por otros
aunque realizaban sus propias versiones. Con la aparición de éstos se produce un
cambio social profundo en la música, que ahora se aparta de toda funcionalidad
mágica, ética o religiosa, para convertirse en entretenimiento en el que aparece la
idea de intérprete y público. Su música parcialmente improvisada, se convierte en
transmisión de cultura.

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Los trovadores:Estamos ante la imagen del caballero que, con un bello instrumento
de cuerdas en sus manos, canta a su amada o exalta las virtudes del heroísmo y el
amor. La palabra trovador se refiere solo a los poetas-músicos que usan la lengua
d’oc (antiguo provenzal) o lenguas asimiladas. Los troveros son los poetas de
lengua d’oil (norte de Loire). Se expresaban en lengua vulgar, a través de canciones
estróficas de formas definidas y en una textura exclusivamente monódica. Los más
antiguos son los trovadores en el sur de Francia, en el siglo xii, y difícil ha sido
encontrar el origen directo de este movimiento. Lo más probable es que el origen del
canto trovadoresco reconozca diversos cauces. Lo fundamental es el tema del amor,
amor sensual y amor simbólico, idealizado. Se crea el mito del amor cortés siendo
una situación poética ideal, estereotipada, en la cual el amante caballero está
enamorado de una joven y bella mujer, casada, y como también la joven lo ama,
quedan ligados por un código minucioso, en el cual uno de los elementos esenciales
es la discreción. Existe un “tercero” un confidente, un amigo o un familiar. A su vez
ese tema se asocia simbólicamente al ciclo de las estaciones, pues nace con la
primavera y se marchita con el otoño. El movimiento incluye tanto a miembros de la
nobleza como a clérigos y burgueses, unificados por su devoción a la poesía y a la
música, al servicio del amor caballeresco. Algunos trovadores que quedaron en la
historia fueron: Guillermo ix, Marcabrú, Bernard de Ventadorn, Rambault de
Vaqueiras, Folquet de Marseille y Guiraut Riquier. En el curso del siglo xiii, los
trovadores pierden algo de su originalidad y se aproximan poco a poco al arte de los
troveros, hasta extinguirse a fines de esa centuria.(imagenes)

Repertorio trovadoresco:

Géneros:

· Canciones sobre temas de actualidad: lamentación por la muerte, canciones

sátiras o sirventés.

· Canciones sobre temas ficticios: amor cortesano.

· Canciones narrativas: vivencias.

· Canciones de discusión: problemas amorosos.

· Canciones de danza: añadido de palabras a danzas instrumentales.

· Canciones piadosas: contrafactum, adaptación de palabras nuevas a una canción

existente, pero de distinto carácter. La mayoría Consagradas a la virgen.

Formas:

· Tipo letanía: forma expositivas en verso que se cantaba sobre la misma melodía.

· Tipo de secuencia: cada dos versos tienen la misma rima y la misma melodía,
con semi conclusión y conclusión definitiva.

· Tipo de himno: cuatro versos con melodía de composición desarrollada (a b c d).

· Tipo de rondel: canción con estribillo o forma fija

La melodía de todo el repertorio es monódica y la participación instrumental

consistía, en caso de estar presente, en la duplicación de una voz al unísono.
Quizás pudo haber desplegado el instrumento algún breve preludio, interludio o
posludio.

DIAPOSITIVA 28

Los troveros: El casamiento de Leonor de Aquitania con Luis vii lleva hacia el norte
de Francia el arte de los trovadores, con el surgimiento de los troveros, en el siglo
xii, y florece en círculos aristocráticos, aunque un artista de nacimiento humilde
podía ser aceptado en una clase social alta gracias a su talento. Esto los separa
socialmente de los juglares o ministriles. Entre los primeros troveros se reconoce a
Blondel de Nasles, Gace Brulé a quienes sigue la generación de Gautier d’Épinal,
Moniot d’Arras, y como figura fundamental Adam de la Halle(imagenes).

DIAPOSITIVA 29

Los Minnesänger: Otro casamiento real, el de Federico Barbossa con Beatriz de

Bergoña en 1156, extiende el arte de trovadores y troveros a tierras germanas. El
estilo de éstos, se adapta a la idiosincrasia germana, de ahí que sus canciones de
amor son más abstractas y con un tinte religioso más pronunciado. La melodía es
sobria; algunas de ellas están elaboradas sobre los modos eclesiásticos, mientras
que otras se aproximan a un sentido de tonalidad. Algunos de los más importantes
son Walther Vogelweide, Tannhäuser, Konrad von Würzburg, etc.

Otras escuelas: Los trovadores huyeron a Italia y España, donde nacieron escuelas.
En España y Portugal la canción toma el nombre de cantiga, término que designa
una canción indiferentemente religiosa o profana, que dio lugar a diversas
variedades.

Los instrumentos musicales medievales y su repertorio

DIAPOSITIVA 30

Se conservan infinidad de referencias documentales. Su instrumental fue bastante

nutrido y timbricamente variado: arpas, viela o fidel (instrumento de cuerda con
arco), organistrum, salterio y laúd, entre los de cuerda más común. Entre los
vientos: flautas, shawms (variedad del oboe), trompetas, cornos, gaita. También
instrumentos percusivos: variedad de tambores y, además del gran órgano de
iglesia dos pequeños tipos de órganos portátiles. Parte de estos instrumentos llegan
a Europa desde Asia, vía Bizancio, pero asimismo, a través de los árabes, por África
del Norte y España. Una especia instrumental en los siglos xiii y xiv es la estampida,
música para acompañar la danza, a veces monódica y otras, polifónica; cuyo
surgimiento y primer florecimiento se produce en la Edad Media. (imágenes)

La polifonía, un nuevo mundo

DIAPOSITIVA 31

No se trata de que la monodia termine y comience la polifonía, no sólo coexisten,

sino conviven y se pueden dar dentro de una misma obra. Lo nuevo no excluye lo
viejo, por el contrario, aquello se alimenta de esto.

Los primeros ejemplos de polifonía datan de fines del siglo ix. De esta manera,
surgen las dos manifestaciones sonoras: canto monódico profano y polifonía, como
expresiones europeas absolutamente definidas.
La conciencia comunitaria de pensamiento, de independencia cultural, acarrea
transformaciones notables para el destino de la música como camino artístico. De a
poco se va abriendo la idea de componer, y para que ello se diera, era preciso el
advenimiento de la notación musical, que fijaría lo creado y le otorgaría realidad. La
notación posibilitará al lenguaje sonoro dar complejidad a sus estructuras
ordenadoras, convirtiendo sus reglas en un verdadero sistema. Solo así era posible
que la polifonía se abriera camino. En el siglo ix aparece el registro de la primera
muestra de lo que sería la forma organum, piedra fundamental. Se basa en el canto
paralelo de dos voces separadas por las consonancias de octava, quintas o cuartas.
La melodía tomada del repertorio de canto gregoriano se llama vox principalis, y su
duplicación vox organalis. El equivalente inglés se llama gymel, en donde las voces
se mueven por intervalos de tercera. La costumbre de cantar polifónicamente no se
aplicaba a todas las partes de la liturgia, sino solo a aquellas como el Kyrie, Gloria o
Benedicamus Domino. Dentro de la liturgia, entonces, se alternaba el canto
monódico y polifónico. Hacia el siglo xii aparece el movimiento contrario entre vox
principalis y organalis, es decir que mientras una voz asciende, la otra desciende y
viceversa. Entre los siglos xi y xii se practica el organum libre y por movimiento
contrario, así como el melismático, caracterizado por el uso de grupos de notas en
la vox organalis contra las notas simples de la vox principalis, que comienza a
llamarse tenor, que lleva la melodía gregoriana.

Se crea el arte del contrapunto, en el siglo xii. Surge para indicar que a un sonido
representado en la notación por un punto, corresponde a otro de igual duración y de
diversa altura, a cargo de otra voz, y que era representado por otro punto. Esta
polifonía contrapuntística dio nacimiento hacia fines del siglo xii y comienzos del xiii
a tres géneros principales: el organum florido o melismático, el motete y el
conductus.

DIAPOSITIVA 32

El organum florido o melismático proviene del desarrollo del discantus, que consiste
en que la vox originalis adquiere una gran extensión al enriquecerse con largos
melismas o vocalizaciones.

DIAPOSITIVA 33

El motete surge de las vocalizaciones del organum florido, a las cuales se le añaden
palabras llamadas motetus (pequeñas palabras), por tanto, en un comienzo, el
término designaba a la vox originalis acompañada de su “palabra”. Las
transformaciones que sufre el motete ya nos ubican en el terreno de la ingeniosa
elaboración técnica artística. El motete del siglo xiii, lleva una segunda voz llamada
duplum y una tercera voz llamada triplum, en relación con la voz del tenor.

DIAPOSITIVA 34
El conductus, nombre que ya se le aplicaba a un género monódico, se definirá ahora
como un canto latino no tradicional, revestido o no de un discantus nota contra nota
que se canta sobre las mismas sílabas. Las voces se movían casi al mismo ritmo, lo
que hoy conoceríamos como movimiento en acordes, esto en contraste con la gran
flexibilidad de las voces del organum y del motete.

Eran textos en latín al comienzo sobre temas piadosos y en el siglo xiii se trataron
además temas de actualidad.

El ARS NOVA

DIAPOSITIVA 35

Periodo de transformaciones del arte sonoro en Francia, entre el 1325 y el 1400.

(Nuevo arte o técnica). Se le debe el nombre al compositor y poeta francés Philippe
de Vitry, obispo de Meaux.

El aspecto técnico primordial de este periodo gira en torno de un nuevo método de

notación del motete. Esto buscaba conquistar nuevos territorios en el terreno del
ritmo y en el metro a partir de la adaptación de valores menores que los de la
antigua notación, que incluía solamente largas y breves. Se suman ahora las
semibreves y mínimas. (figuras rítmicas)

Además, la música del siglo anterior estaba dominada por el principio ternario de la
perfección, ahora se admitiría la división binaria, imperfecta según aquel criterio. De
esta manera, el compositor podía elegir una variedad de metros.

El Ars Nova significó la liberación definitiva de la melodía y también desplazó formas

antiguas a favor del motete. Las melodías aparecen agitadas por el uso de notas
cortas y perturbadas por el efecto del hoquet (hipo), que eran pausas que a su vez
eran llevadas por otra voz. Otro dato importante es el uso de isorritmia (mismo
ritmo).

El papa Juan xxii, emitió una bula pontificia para que frenase todo atentado contra el
tranquilo movimiento del canto llano (gregoriano), pero el empuje del Ars Nova no
pudo ser frenado, porque encontró una fecunda vía de escape en el terreno de la
música profana (fuera de la iglesia).

DIAPOSITIVA 36

Los documentos musicales para el estudio de este periodo son representados por
tres fuentes principales de composiciones: el Roman de Fauvel (1316) poema
satírico en las cuales 33 son motetes polifónicos, al parecer algunos motetes serian
de Philippe de Vitry; el códise de Ivrea ofrece un significativo repertorio de la época,
surgido de un centro religioso importante; y los manuscritos de Guillaume Machaut,
era un músico al servicio de la corte, novedoso en sus baladas polifónicas, rondós y
vireláis, de gran libertad contrapuntística, flexibilidad rítmica y una expresión tan
delicada, sutil, esponánea y un sentimiento muy personal (1300). (imagenes)

A comienzo del siglo xiv bajo el Ars Nova, ya se puede hablar de misas polifónicas
completas, a tres voces, formadas por la reunión de trozos independientes de
distinto origen y autor, como el ejemplo de las misas de Tournai, Toulousse,
Barcelona y Besancon. Machaut fue el primero en la historia de la música en escribir
una misa completa, la Messe de Notre Dame, con cierto motivo musical que
reaparece en diversos moemntos de la obra.(ejemplo auditivo)

El Ars Nova francesa tiene su contraparte en el Ars Nova italiana.

DIAPOSITIVA 37

En la tradición de la música italiana del siglo xiv pueden distinguirse dos escuelas:
una temprana, representada por Magister Piero, Giovanni da Cascia y Jacopo da
Bologna; y otra tardía, constituída por el representante más importante del Ars Nova
italiana Francesco Landini, Paolo Tenorista y Ghirardello da Firenze. La música
italiana es mucho más simple que su equivalente francesa.

DIAPOSITIVA 38

Las formas cultivadas por la escuela temprana son las del madrigal y la caccia,
mientras que en la tardía prevalece la ballata, equivalente al virelay francés.

El madrigal en el siglo xiv era usualmente a tres voces sobre la base de textos
idílicos, pastoriles, amatorios o de poemas satíricos. De las tres voces escritas en
una polifonía modesta, una llevaba la melodía expandida en flexibles
vocalizaciones, mientras que las otras dos, hacían el papel de acompañamiento, a
menudo, reservadas a la ejecución instrumental. Compusieron tempranos
madrigales Jacopo da Bologna y Lorenzo Da Frizenze.

La caccia es un canon escrito en dos partes, una voz imita a la otra en corta
distancia, con la característica de que la segunda voz comienza su imitación seis o
más compases después de la primera. Ambas voces contaban con un soporte de la
línea de tenor de valores largos y movimiento lento, de carácter generalmente
instrumental. El texto describe escenas de caza, de fuego, gritos de vendedores
callejeros, situaciones que pedían un movimiento agitado, que justificaba el uso del
canon.

La ballata, género en que se da la alternancia de refrán que se entremete entre tres

estrofas. Se escribía a tres voces, con preeminencia melódica de una de ellas y las
otras dos tal vez confiadas a instrumentos. Esta forma se repite con modificaciones
en la frottola, una de las más atractivas especies populares italiana del siglo xvi.
Marchetto da Padova, fue un gran teórico del movimiento italiano. Escribió tres
tratados, dentro de los cuales interesa el Pomerium in arte musicae mensurata,
escrito entre 1321 y 1326, donde codifica la práctica de la notación italiana de su
época, de este tratado surge con claridad que en los comienzos del nuevo estilo fue
escasa la influencia francesa.

El Ars nova, tuvo así mismo manifestaciones en Inglaterra y en Alemania.

Una característica común tanto francesa como italiana, es el gusto por los sonidos
cromáticamente alterados.

En el siglo xv se distinguió entre instrumentos altos y bajos, referido a su sonoridad.

Los bajos más usados fueron arpas, vielas, laúdes, salterios, órganos portátiles y
flautas. Los altos fueron los shawms, trompas, trompetas y trombones. La percusión
incluía pequeñas campanas y címbalos. El amplio repertorio de música instrumental
para la danza, se tocaba de memoria o improvisándola. El clavicordio y el clave
fueron inventados en esta época pero se divulgaron más adelante.(imagenes)

DIAPOSITIVA 39

Inglaterra

Los primeros siglos de música en Inglaterra reflejan un fuerte y fundamental flujo

francés. Sobre todo el surgimiento de la escuela de Notre Dame en París tiene
inmediata repercusión en Inglaterra.

El uso de consonancias imperfectas (intervalos de tercera) y otras particularidades

como la fusión de distintas especies, la imitación recíproca de las voces, la plena
sonoridad de los acordes en gran número de voces, confieren a la música inglesa
un aspecto que le es propio.

En el siglo xiv, los contactos culturales con Francia se cortan abruptamente a causa
de la Guerra de 100 años, lo cual significa que el Ars Nova no tuvo su versión
inglesa. Los dos creadores más importantes fueron Leonel Power y John Dunstable.
Cabe destacar que la música inglesa nunca intervino tan profundamente en la
música europea como lo fue a través de estos creadores. Power compuso misas y
motetes con textos a la virgen. Dunstable también escribió misas y motetes, tanto
isorrítmicas como de ritmo libre.

Inglaterra siguió produciendo novedades locales como fue el caso de las antifonías
votivas, en una elaborada polifonía de entre cinco y nueve voces; y del carol que fue
la canción danzable monódica, que más adelante adquiere tratamiento de hasta
cuatro partes, con textos poéticos religiosos.

DIAPOSITIVA 40
Borgoña

Espléndido territorio de arte románico, el centro es Dijón, sede de la corte de vida

refinada y galante. Llegaban a ella artistas de Francia e Inglaterra, lo cual hacía a
Borgoña una centro cosmopolita, pluricultural, con músicos viajeros. El uso del
término “escuela borgoñona” fue establecido por el historiador Paul Henry Lang,
como expresión conveniente para denominar la generación de compositores del
norte, con Dufay y Binchois a la cabeza.

Gilles de Binche, llamado Binchois, estuvo al servicio de Felipe el Bueno de 1430 a

1460. Se destacó en el estilo de la chanson. Sus textos cantan el amor cortés.

Guillaume Dufay formado en grandes centros religiosos de Francia, se

desempeñaba como chantre, dignidad de las iglesias catedrales a cuyo cargo está
la dirección del canto coral. Es en el terreno de la música religiosa donde la obra de
Dufay alcanza sus mayores definiciones. Este músico reinterpreta las formas y
procedimientos heredados de Francia, confiriéndoles nueva y fecunda existencia.

Su repertorio

Los géneros más cultivados en el siglo xv son la misa, el motete y el chanson. Se

generalizó la práctica de componer misas polifónicas con una tendencia a la unidad
entre las diversas secciones musicadas del oficio. Estas mismas se escribían
enteras ligadas por un tema común, que podía ser tomado del repertorio ya
existente sea religioso o profano. También el tema podía ser original del autor. El
concilio de Trento prohibió el uso de melodías profanas.

Tiende a desaparecer la pluritextualidad del motete, y a comienzos del siglo xv, al

motete sacro se contrapone el festivo, profano, destinado a menudo a las fiestas de
casamiento, pero luego la especie es reemplazada por la chanson.

En el siglo xv se difunde la práctica del motete y chanson a tres voces, aunque

después pasaría a cuatro voces con un equilibrio entre ellas y con una pareja
autonomía melódica.

El arte del contrapunto llegará así a su más absoluta plenitud, con los borgoñeses
como dueños de una técnica formidable de composición.

DIAPOSITIVA 41 Y 42

En la composición a 4 voces el punto de partida habría sido la composición a 2

voces de los siglos xi y xii, con el cantus firmus (tenor gregoriano) y voz superior
(discantus), En la composición a tres voces del siglo xii al xv se suma un contratenor
de tesitura de tenor que se cruza con el mismo. Luego, el contratenor se abre en 2
voces, una alta y otra baja, por lo que las 4 voces serian: discantus o sopranus (
voces que conducen la melodía), contratenor altus o contra alto, tenor (voz
conductora de la composición) y, por último, contratenor bassus o bajo, soporte de
la armonía.

En el siglo xv se presta atención al repertorio de la canción popular monódica, se

hicieron colecciones y los compositores las utilizaron para sus creaciones
polifónicas.

La disposición más corriente de escritura es a tres voces. Chailley reconoce varios

tipos: la popular, la popular armonizada, la popular libremente utilizada, la popular
desarrollada, la polifónica libre y la chanson polifónica de corte.

La chanson tiene estructuras fijas con estribillo, ballade, rondeau, y virelais.

Predomina el compás de 6/8.

En este mismo siglo se puede hablar de una incipiente música instrumental, alborea
la composición creada para los instrumentos solos, aunque sigue manteniendo los
caracteres de una transcripción.

La música participa asimismo en formas de teatro religioso y profano (drama

litúrgico). El misterio es una variable derivada del drama litúrgico, su sede ya no es
el templo sino el aire libre, con lo cual pierde sus vínculos con el oficio. La música
vocal e instrumental acompañaba la acción. En el teatro profano a través de
moralidad y farsas se citan canciones.

En Francia la actividad musical conservaba sólidos pilares en la corte y en la iglesia.

Italia se convierte en tierra de promisión para cantores y maestros flamencos

atraídos por la cantoría papal y las capillas de los príncipes.

Dentro del repertorio polifónico profano, se encuentran prominentes las frottolas o

barzalletas, donde se manifiestan la plasticidad melódica y la verticalidad de las
diferentes partes para volar sus melodías con una independencia que hará surgir las
restantes voces en el acorde, el estilo de la melodía acompañada.

Crisis de la teología musical.

Había un escaso interés desde el punto de vista estético como desde el filosófico,
reducían el interés que alcanza la dimensión especulativa y filosófica del fenómeno
musical. En cambio, prestan mayor atención a los problemas reales que suscita la
nueva práctica polifónica. Por lo tanto está la premisa que conlleva la decadencia
progresiva de la concepción teológico-cosmológica de la música y el nacimiento de
una verdadera y acertada estética musical.
Abandonada toda preocupación metafísica, el debate se desvía hacia terrenos
históricos y estéticos. A partir del XIV la música se puede definir como estética, la
belleza de la música.

Este nuevo enfoque recupera una doctrina muy antigua que es la de los efectos de
la música sobre el espíritu humano, como una especie de psicología de la música.
Se despertó un interés por los aspectos estéticos-psicológicos no sólo de teóricos
sino también de poetas y escritores.

El criterio para enjuiciar la belleza es siempre el mismo: la realización de la armonía.

y el concepto en sí de armonía.

Los términos de consonancia y disonancia se formularon en términos psicológicos y

no numéricos, sino en términos de placer y displacer en relación al oído.

Pero toda esta construcción especulativa parece disolverse de modo inconsciente.

Se preguntan si no existía ya la música antes de que el hombre inventara tal ciencia,
por lo tanto se responde que la música habría de existir porque los hombres se
sirven de la naturalidad de los cantos, a pesar de ser del todo inexpertos en materia
de arte, unían sus voces con admirable suavidad.

La música forma parte de la naturaleza del hombre, gracias al placer natural que les
aportan las dulces melodías.

La música se encuentra tan estrechamente vinculada a la naturaleza humana que,

aunque lo pretendieramos, no podríamos subsistir sin ella.

PREGUNTAS PARA EL INSTAGRAM:

1-¿Cuándo comenzó la edad media?

opciones:
a) En el 476
b) Todas son correctas
c) Ruptura entre oriente romano y Occidente germanizado
d) Fue un proceso que se recuperó para darle valor a distintos desarrollos

2- ¿Cómo era la relación entre músico y cantor?

a) Muy buena
b) Problemática
c) De dependencia

3- ¿Cómo se llamaba el poema que utilizó Guido D´Arezzo para nombrar las notas
musicales?
 a) Himno San Juan Bautista
b) Himno San Antonio
c) Himno a Santa Cecilia

4- ¿De qué vivían los juglares?

a) Cantaban para los nobles
b) “Artista callejero”
c) Eran parte de la nobleza

5-¿Que es el canto gregoriano?

a) Un lenguaje que expresaba la lengua divina

b) Todas son correctas
c) Monódico y silábico
d) Canto recitado por un Obispo o Sacerdote

6- ¿Qué es un neuma?

a) Símbolo que representa un sonido

b) Forma musical
c) Una figura musical
d) Un tipo de canto

7-¿Cuál de estas ciencias formó parte del Quadrivium?

a) Música
b) Todas son correctas
c) Matemática
d) Teología

8- ¿Cuál es la primera oración de la liturgia cristiana?

a) Agnus Dei
b) Credo
c) Sanctus
d) Kyrie

10- ¿Qué es la caccia?

a) Un canon escrito en dos partes

b) Duplicación de voces al unísono
c) Un pasaje cantado de la misa
d) Un neuma