Dossier Dibujo Artistico I

Curso académico 2018/2019
CONTENIDOS Y CRITERIOS DE EVALUACIÓN
BLOQUE I: EL DIBUJO COMO HERRAMIENTA
1. El lenguaje de la imagen como medio de comunicación.

El alumnado deberá ser capaz de indagar sobre los contenidos propuestos en clase dominando y enriqueciendo su
vocabulario con los conceptos empleados en la ESO y de enriquecer su vocabulario con los conceptos de nueva
incorporación.
REQUISITOS MÍNIMOS APRENDIZAJE COMPLETO
• Introducción a la terminología, materiales
y procedimientos de dibujo. • Los diferentes campos en los que se trabaja la
imagen: publicidad, arte, audiovisuales, etc.
• El lenguaje de la imagen como medio de
comunicación. Desarrollo del lenguaje de • Funciones de las imágenes: informativa,
la imagen. expresiva y estética.
• Búsqueda y selección a través de • Investigación y ampliación del glosario

diferentes fuentes de información, relacionado con los temas de estudio.
incluidas las tecnologías de la
información y la comunicación. • Profundización en la indagación y recopilación
de información relativa a las nuevas tecnologías
• Herramientas digitales de búsqueda y de la información. Herramientas digitales de
visualización. búsqueda y visualización.
• Búsqueda en redes sociales, blogs, • Análisis de las imágenes.

wikis, foros, páginas web especializadas,
diccionarios y enciclopedias on-line y
bases de datos especializadas.
• Repaso de la ESO: Análisis de las

imágenes.
EL LENGUAJE DE LA IMAGEN COMO MEDIO DE
COMUNICACIÓN
PERCEPCIÓN VISUAL
Es la capacidad de interpretar la información y el entorno de los efectos de la luz
visible que llega al ojo. También es conocida como visión.
Para que exista comunicación a través del sentido de la vista deben participar al menos
tres elementos:
-Emisor: el que muestra el mensaje.

-Mensaje: que es la imagen o el gesto.
-Receptor: Quien observa el mensaje y le da significado.
LOS LENGUAJES VISUALES

Son todos aquellos que utilizan imágenes o gestos para comunicar; sin embargo
no existe solamente uno, sino que el lenguaje visual se ha especializado en diferentes
campos (T.V., CINE, PUBLICIDAD…) produciendo lenguajes visuales específicos, cada
uno con sus propias normas.
LAS FUNCIONES DE LA IMAGEN:
-INFORMATIVA: Nos proporciona información y conocimiento sobre algo.

-EXPRESIVA: Transmite emociones y sentimientos con voluntad de
emocionarnos y se utiliza en la publicidad.
-ESTÉTICA: Su fin es agradarnos con su armonía y su belleza.
PRINCIPIOS PERCEPTIVOS
Relaciones entre figura-fondo: Se percibe la que más destaca por su tamaño, color
o posición. No se pueden percibir al mismo tiempo la figura y el fondo.
Terminación o principio de cierre: Aunque una figura no esté completa la vista tiende a
completarla.
Otros principios perceptivos:
La luz sobre la figura para separarla de un fondo en sombra.
Las formas simples se perciben antes.
Percibimos primero las imágenes que pertenecen a nuestro campo de experiencia.
Está demostrado en estudios recientes que no somos capaces de percibir en un único golpe
de vista más de cuatro elementos de una imagen.
Las imágenes que se perciben y llegan al cerebro no son estáticas en sí mismas, sino que
permanecen en movimiento.
Hay una serie de artificios perceptivos que favorecen la acción de ver, es decir, de
interpretar las imágenes como el claroscuro, el solapamiento de los objetos del fondo por
otros situados en primeros planos, la perspectiva, etc. (libro de dibujo artístico).
La teoría de la Gestalt. Esta teoría defiende la idea de que le ojo humano sólo puede
percibir un número limitado de elementos, si este fuera excesivo, el mecanismo
perceptivo del ojo no es capaz de construir una imagen y por tanto, rechaza la impresión
por desordenada y poco congruente.
Cuando los elementos se organizan y configuran una imagen figurativa ésta es reconocida
de manera instantánea, incluso antes de que el observador sea consciente de cuáles son
los elementos que la forman y del método empleado para su ordenación.
De sus teorías se desprende que nuestro sistema de visión, con el fin de crear una unidad
en la perspectiva información visual, percibe en un primer momento una imagen que
aglutina el conjunto y posteriormente pasa a analizarla para reconocer todas y cada una
de las partes que la componen.
La percepción trata de completar aquellos objetos que permiten dar definición,

uniformidad y rigor a los estímulos que percibimos.
La teoría de la Gestalt estableció una serie de leyes que explican cómo se llevan a cabo
los agrupamientos. Entre las más significativas están la ley de la proximidad, la ley de la
semejanza y la ley de la continuidad.
• Ley de la proximidad: Los elementos que se encuentren próximos entre sí se
perciben como correspondientes a la misma figura.
• La ley de la semejanza: Los elementos similares, tienda a agruparse
perceptivamente, es decir, son visualizados como pertenecientes a la misma
figura.
• Ley de la continuidad: Los elementos que producen líneas curvas o rectas, al ser
cortados por otros elementos siguen percibiéndose de forma agrupada. Por tanto,
los que están ordenados en una misma dirección se estructura de una forma
concreta.
2. El dibujo artístico.
El alumnado deberá ser capaz de comprender y diferenciar los campos de uso que tiene el dibujo: el dibujo como
herramienta o el dibujo como medio de expresión autónomo y valorar sus cualidades expresivas así como la
evolución en sus diferentes campos de uso, por ejemplo en dibujo lineal y la importancia del surgimiento de las
normas de perspectiva o las claves utilizadas en el lenguaje del dibujo artístico para recrear el volumen de los
objetos en la realidad.
• Introducción a la terminología, materiales • Ampliación del glosario relacionado con el
y procedimientos de dibujo. dibujo artístico.
• Estudio de la gran variedad de enfoques • Indagación sobre un artista.

que puede tener cualquier objeto al ser
dibujado. • Exposición del trabajo.
El dibujo artístico.
El dibujo como herramienta:

Plasman ideas gráficamente.
Concretan pensamientos y proyectos.
Herramientas al servicio de las creaciones.
Manifestaciones según su ejecución y acabado.
Tipos de dibujos:
Esbozo:
Rápido y poco elaborado: Imagen global: Idea.
Trazos sueltos y poco detallados.
Base: Bocetos.
Punto de partida: Imágenes realizadas por ordenador.
Apuntes.
Boceto:
Es una guía para la obra definitiva.
Elementos: Forma, composición, entonación.
Más elaborado y diferentes niveles de acabado.
Estudio:
Ejecución muy precisa. Preparación de una obra definitiva.
Conocimiento de la realidad: Investiga, experimenta, estructura…
Ejercicio creativo.
Aspectos parciales: Obra.
El dibujo como medio autónomo:

Creación de obras a través del trazo.
Dos tipos de dibujos según la intención creativa:
Intención estética: Pintura o escultura.
Intención informativa: Dibujos para zoos, libros…
Procesos de trabajo:
Composición:
Estudiar la manera de integrar los elementos.
Estructura expresiva idónea en conjunto al fondo.
Reglas compositivas.
Encajado:
Definir los contornos lineales: Imagen.
De lo general a lo particular.
Primero: Los volúmenes del conjunto. Corrigiendo y concretando.
Entonación:
Estudio: Contrastes, matices y claroscuro.
Definir zonas claras y oscuras: Incrementar tonalidades.
Cuanto más realista sea la obra, mayor trabajo de entonación.
Acabado:
Efectos de trazo y textura: Expresividad.
Textura: Cualidades particulares de la superficie.
Valores de intensidad y degradación de la luz.
Géneros. Variedad de enfoques que puede tener un objeto al ser dibujado.

Dibujo artístico: retrato, paisaje, etc.
Cómic
Dibujo técnico
Diseño Industrial
Diseño Gráfico
Animación
3. Materiales e instrumentos utilizados en dibujo.
El alumnado deberá ser capaz de identificar los diferentes materiales e instrumentos utilizados en dibujo y describir
la evolución de los materiales y su aplicación a lo largo de la historia.
• Materiales e instrumentos utilizados para • Ampliación del glosario relacionado con los
el dibujo artístico. materiales e instrumentos utilizados en dibujo
en general y en el dibujo artístico.
• Indagación sobre los materiales e instrumentos
utilizados por un artista.
• Exposición del trabajo.
• Indagación y experimentación con los
materiales.
• Indagación y experimentación con las
herramientas empleadas para el dibujo artístico.
Materiales e instrumentos utilizados en dibujo.

Evolución de los materiales y su aplicación a lo largo de la historia.
Técnicas y materiales empleados en el dibujo artístico.
Técnicas artísticas tradicionales
El carboncillo: Se obtiene de la combustión lenta de bastoncillos de madera. Se
comercializa en forma de lápiz y de barritas de formas tan irregulares como las ramas de
vid o cedro, que son las maderas más utilizadas para fabricarlos (pág. 6 EPV 4º J. Ricart).
Para poder corregir los posibles errores se utilizará un trapo blanco de algodón, miga de
pan o gomas moldeables. Estas últimas sirven, además, para sacar toques de luz (pág.16
EPV diagonal).
Las barras y los lápices compuestos tienen la mina de carbón mezclada con un aglutinante
que le da mayor fijeza sobre el papel. Son materiales tradicionales de dibujo se pueden
presentar en forma de lápiz o barra. Los colores clásicos son el negro, blanco, sanguina,
biste y sepia. Permiten crear diferentes matices tonales y de textura. Se utilizan
principalmente para el estudio del claroscuro y la creación de volúmenes.
El grafito: Es un mineral que se suele emplear comúnmente; está formado por una mezcla
de grafito y arcilla, que se endurece después de cocerla al horno. Se fabrica en forma de
barritas de distinto grosor y dureza, denominadas minas.
Usualmente el grafito se utiliza con un revestimiento de madera, pero también se emplean
las barritas o minas con un portaminas adecuado a su grosor.
La dureza de un lápiz viene determinada por el grado de cocción del grafito y el porcentaje
de sus componentes. (Pág.7 EPV 4ºEso J. Ricart).
Los lápices de grafito vienen graduados según su blandura o dureza en una escala que va
desde el 8B hasta el 8H; La letra B designa la blandura y la H la dureza. El número
antepuesto a dichas letras indica el grado de blandura o dureza relativos. Así, un lápiz 7B
será más blando que un 5B o un 3B. La misma relación numérica se utiliza para señalar
la dureza. (Pág. 16. EPV, Diagonal).
Entre los dos grupos anteriores encontramos los lápices HB, que tienen una dureza media
y son los más comunes. (Pág. 7, EPV, 4º ESO, J. Ricart).
Las sanguinas: Se componen de una mezcla de arcilla y mineral de hierro o una mezcla
de carboncillo y creta blanca, (pág. 17, EPV, Diagonal), que le da un color rojizo. También
puede tener un color terroso si la mezcla contiene menos hierro, y puede encontrarse de
color negro intenso. Es mucho más blanda que el grafito y se comercializa en forma de
lápiz y de barritas. (Pág. 8, EPV, 4º ESO, J. Ricart).
La tinta: Se aplica sobre papel de superficie lisa, con poca o ninguna porosidad para que
la tinta no se escurra. Para dibujar con tinta china, se puede emplear distintos utensilios:
plumas y plumillas, pinceles, estilógrafos…
Según la densidad de la tinta y el instrumento que se utilice, se usará una técnica u otra.
Tarda en secarse sobre todo cuando se trabaja sobre soportes poco absorbentes. Las
plumas y plumillas pueden tener distintos tipos de puntas, que permiten trazar líneas de
grosores variables. Según la presión se obtendrá un trazo más o menos grueso. (Pág. 8,
EPV, 4º ESO, J. Ricart).
La tinta aplicada con pincel se denomina aguadas. Los rotuladores y los estilógrafos son
adecuados para tomar apuntes por la versatilidad de su trazo. Se utilizan con papeles
satinados que permiten trazos rápidos y fluidos.
El papel: Las cualidades del papel, que es el soporte natural del dibujo, determinan el
comportamiento del material utilizado. Las principales características del papel son:
El gramaje: Se expresa en gramos por metro cuadrado. Cuanto más alto sea el gramaje
del papel, mayor será su grosos y firmeza.
La textura: El papel está formado por fibras de celulosa desmenuzadas y prensadas.
Cuanto más desmenuzadas estén las fibras menos textura tendrá la superficie del papel.
(EPV, 4º eso, pág. 26. Santillana).
Procedimientos secos:
Lápiz de color: Se fabrican del mismo modo que los de grafito. Las barras o minas,
revestidas de madera, se componen de pigmento en polvo y un aglutinante (caolín). Se
clasifican también según su dureza.
Pastel: Se compone de pigmentos en polvo y se comercializa en formas de barritas. Estos
pigmentos son sustancias minerales, vegetales, orgánicas o sintéticas de varios colores.
Las barritas de pastel llevan aglutinante para que el pigmento se mantenga adherido.
Pueden ser blandos, semiduras y duras, según el aglutinante añadido. Para trabajar con
pastel se necesita un papel de superficie poroso, ya que retiene mejor el pigmento.
Procedimientos acuosos:
Se incluye las pinturas al agua y el fresco. La pintura está formada por tres componentes
básicos:
Los pigmentos pueden ser naturales o fabricados industrialmente; son polvos de distintos
colores.
Los aglutinantes: Son los elementos que actúan como adherentes.
El diluyente aligera la pintura y le da fluidez.
Acuarela: Se fabrica con pigmentos muy bien molidos y con goma arábiga que actúa
como aglutinante. La goma arábiga se obtiene de diferentes tipos de acacias y de algunos
tipos de árboles frutales, como el cerezo, y es una sustancia que al contacto con el aire se
solidifica. Se disuelve muy bien en agua y se adhiere fácilmente al papel. Además, es un
barniz claro y fino que da brillantez y luminosidad al color.
La acuarela se comercializa en forma de pastillas secas, cápsulas semihúmedas dentro de
tubos.
Su soporte es el papel, existen tres tipos: papel prensado en caliente, papel prensado en
frío y papel áspero.
-aguada: La aguada o gouache, es un procedimiento donde el agua se utiliza de diluyente
y la goma arábiga como aglutinante.
A diferencia de la acuarela, el aglutinante se mezcla con pigmento blanco y por eso la
pintura es opaca. Su soporte es el papel, que ha de absorber bien el agua, tener cierta
firmeza superficial y ofrecer resistencia al frotamiento, de modo que no desprenda pelusa.
Pintura al temple: El pigmento del temple es más fino que el de la acuarela. Hay distintos
tipos según el aglutinante que lleve. Como soporte se utiliza tablas de madera, tela,
algunos tipos de papel y tablas preparados.
Tipos de pintura al temple:
Temple al huevo: Compuesta con yema de huevo de gallina, agua y un poco de aceite.
La albúmina que contiene el huevo es la que hace que, una vez seca y con el paso del
tiempo, sea insoluble con el agua. El aglutinante es huevo puro mezclado con agua, que
forma una sustancia que liga los pigmentos.
Temple de cola: lleva como aglutinante cola de conejo, caseína o colas celulósicas.
Acrílico: Emplea como aglutinante la resina sintética. Cuando se seca, forma una película
plástica resistente al agua. Se adhiere a toda clase de superficies.
Pintura al fresco: Su soporte suele ser muro o una pared rebozada con cal húmeda. Como
aglutinante se usa la cal o el carbonato de calcio, y los utensilios.
Procedimientos grasos:
Óleo: Se emplea como aglutinante aceites vegetales que, al secarse, forman una película
que se adhiere al soporte. En este procedimiento la pintura se seca, a causa de una reacción
química que provoca que el aceite se endurezca cuando entra en contacto con el aire.
Sus soportes pueden ser tela, madera, papel y, en general, la mayoría de las superficies.
La creación de Adán es una de las escenas de los

frescos de la bóveda de la capilla Sixtina pintados por
Miguel Ángel entre 1508 y 1512 en los Palacios
Vaticanos.
Frescos de la Capilla Sixtina.

4. Técnicas empleadas en el dibujo artístico.
El alumnado deberá ser capaz de identificar las diferentes técnicas secas y húmedas usadas en dibujo y aplicarlas
en sus propias obras de manera expresiva.
• Técnicas empleadas en el dibujo • Ampliación del glosario relacionado con las
artístico. técnicas empleadas en el dibujo artístico.
o Técnicas secas. • Indagación sobre las técnicas empleadas de un
o Técnicas húmedas. artista.
• Exposición del trabajo.
• Indagación y experimentación con las técnicas
secas.
• Indagación y experimentación con las técnicas
húmedas.
Técnicas secas y técnicas húmedas.

Aplicación de las técnicas secas y húmedas intervienen en las propias obras de manera
expresiva.
5. Reconocimiento de la huella gráfica en las obras de arte y el trazo como
elemento expresivo y diferenciador de los autores más significativos a lo
largo de la historia. Técnicas utilizadas por algunos autores.
El alumnado deberá ser capaz de reconocer en algunas de las obras de arte la huella gráfica y el trazo como
elemento expresivo y diferenciador de los autores más significativos a lo largo de la historia.
• Características pictóricas en las obras de • Ampliación del glosario relacionado con el
algunos artistas representativos. dibujo artístico.
Encuadre en un período. Técnicas y • Indagación sobre la huella gráfica de un artista.
materiales empleados. • Exposición del trabajo.
Reconocimiento de la huella gráfica en las obras de arte y el trazo como

elemento expresivo y diferenciador de autores más significativos a lo largo
de la historia. Técnicas utilizadas por diferentes autores.
Miguel Ángel
1.Miguel Ángel.
1.1 Características del renacimiento.
1.2 Disciplinas en las que trabajo.
1.3 Características fundamentales en sus obras.
2. Técnicas que ha utilizado.
2.1 Movimiento artístico.
2.2 Temas en el que se centra y ¿por qué?
3. Sus obras más importantes.
Michelangelo Buonarroti, nacido un 6 de marzo de 1475 ó 2 de Abril de 1475,

conocido en España como Miguel Ángel, fue un arquitecto, escultor y pintor
italiano renacentista, considerado unos de los más grandes artistas de la historia,
tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obras arquitectónicas.
Miguel Ángel vivió en la época del Renacimiento italiano, que inicia en un período
de grandes logros y cambios culturales. El resurgir de los valores y la arquitectura
clásica no apareció ya perfectamente formado, sino que se desarrolló
lentamente, primero en Italia y después en toda Europa.
Características generales del Arte del Renacimiento en Italia:
ARQUITECTURA:
• Se sigue construyendo arquitectura religiosa, pero cobra importancia la
civil (palacios, villa…)
• Se utiliza elementos de la Antigüedad Clásica (capitales, columnas,
cúpulas, frontones…)
PINTURA Y ESCULTURA. PROTAGONISMO DEL SER HUMANO:

• El artista refleja el ser humano en la naturaleza.
• Lo humano y lo divino se encuentra en el mismo plano.
• La anatomía humana se presenta de forma perfecta.
• Además de los temas religiosos cobran importancia el paisaje y la
mitología clásica.
• Se utiliza la perspectiva para dar sensación de profundidad y mayor
realidad.
Sus obras se caracterizaron por su perfeccionismo; se centra en

manifestaciones, una notable expresión y deja atrás cualquier principio
renacentista. También manifiesta la gran pasión y fuerza emotiva que imprimía
en sus obras y ejemplo de estos son los esclavos de la tumba y Julio II.
A pesar de no tener el mismo prestigio con la pintura, también creó uno de los
Frescos más influyentes. En la historia del arte occidental: las escenas de
Génesis. ¿Qué es el fresco en el arte? Es una técnica artística en la que se pinta
sobre una capa de estuco húmeda con pigmentos minerales diluidos en agua. Al
secar la cal, con el cambio químico, se aglutinan los pigmentos y se fijan los
colores volviéndose solubles al agua.
La escena de Génesis (en el techo de la Capilla Sixtina) Se trata de unos de los
mayores frescos de la historia y por supuesto de los más logrados.
También hizo otras obras de menores dimensiones y otras técnicas como

Pinturas murales, lo que es una técnica de arte figurativo como en un muro o en
pared, bien sea piedra o algún tipo de construcción. Esta vez el tema elegido del
artista fue la Sagrada Familia.
Miguel Ángel fue un triunfador en todas las artes en las que decidió trabajar; sin
embargo, la escultura siempre fue su predilecto.
Las habilidades y el sentido de perfeccionismo de Miguel Ángel eran inagotables,
tanto que nadie ha podido superar su peculiar manera de expresar la realidad.
Pretendía interiorizar las teorías Neoplatónicas del Amor, haciendo grandes
esfuerzos para conseguir un equilibrio emotivo que pocas veces logró.
Su inclinación por la materia, por las formas físicas. Un escultor de cuerpos,
unida por todo lo joven y vigoroso. El artista creía que la belleza del hombre era
superior a la mujer. (Este pensamiento lo podemos asimilar de dos formas, la
primera: por la época machista hacia la mujer y la segunda: porque Miguel Ángel
tenía tendencias homosexuales).
Sus obras, esculturas y pinturas más importantes:
David, un héroe colosal.

Esta escultura de mármol de unos 5 metros de altura, Miguel Ángel empezó a
esculpir con tan solo 26 años y la terminó 3 años después.
La Piedad del Vaticano, se encuentra en el vaticano, en el interior de la basílica.

En él aparecen encarnados la virgen María y Jesucristo en el momento en el que
este es bajado de la cruz.
Moisés, un imponente profeta. La cabeza de Moisés fue decorada con un par de
cuernos, cuando en realidad debería aportar dos rayos de luz, por falta
económica. A pesar de ello, este personaje no decepciona la vista.
El Surrealismo. Salvador Dalí
El Surrealismo
El surrealismo emerge en París en 1924. Se esparce por Europa a pocos años

de concluida la I Guerra Mundial hasta la llegada de la II guerra Mundial. Por
ende, la influencia de este movimiento ha llegado hasta nuestros días. Es cierto
que el término surrealismo está asociado a André Breton y su manifiesto, pero
fue usado por primera vez por Guillaume Apollinaire (1880-1918), escritor y
crítico de arte francés, en el prólogo de su pieza Las tetas de Tiresias escrito en
1917.
Características. El inconsciente y el automatismo
El Surrealismo pretendía superar esta limitación del inconsciente, permitiendo

que el subconsciente se expresara a través del arte. De esa forma, el
automatismo se convirtió en una de las características del Surrealismo, en
defensa de la expresión artística sin límites y sin el control de la razón. En la
práctica, el automatismo consistía en trasponer en papel, lienzo o cualquier otro
soporte de expresión artística, un pensamiento o sueño directamente del
subconsciente, sin ejercer control estético o moral.
El objetivo era que la creación artística se automatizara (automatismo) tal como

es automática la respiración o la acción del pestañeo. Era así un intento de
protesta contra las normas establecidas, tanto en el arte como en el ámbito
social. Los surrealistas creían que la creatividad que nacía del subconsciente de
un artista era más auténtica y poderosa que la derivada de la consciencia.De
una forma general, se puede decir que la idea era lograr la mayor espontaneidad
posible, algo que se reveló más o menos fácilmente en el dibujo y la escritura,
pero no tanto así en la pintura, pues esta es una disciplina muy compleja que no
permite tanta espontaneidad.
Otras técnicas y procesos creativos
Una de estas técnicas fue el frottage, que consistía en pasar un lápiz, por
ejemplo, sobre una superficie rugosa, creando así formas y texturas en el soporte
para crear una obra nueva a partir de ese material. Otro ejemplo es la
decalcomanía, una técnica en la cual cierta cantidad de tinta es arrojada contra
un lienzo o papel. Esta superficie se dobla por la mitad y al abrirla nuevamente,
muestra un patrón de tinta que sirve de material para crear una obra gracias a lo
que provoca al nivel subconsciente. El cadáver exquisito fue un proceso creativo
basado en un juego, en el cual diferentes artistas creaban dibujos o poemas en
conjunto. Sin ver lo que el otro hacía, la obra iba pasando de uno en uno y cada
artista iba añadiendo un trozo nuevo o palabra nueva. Al terminar se desplegaba
el papel y compartían el resultado en busca de ideas novedosas. Otro proceso
de construcción artística alternativo fue el “objet trouvé” (objeto encontrado),
inventado por Marcel Duchamp (1887-1968). Duchamp fue un pintor, escultor y
poeta francés, una de las principales figuras del Dadaísmo. Esta forma de
construcción artística relacionaba objetos cotidianos que normalmente no tienen
nada que ver el uno con el otro, lo que provoca una perturbación del sentido y
de esa forma, estimula el inconsciente.
Principales artistas: Max Ernst, Salvador Dalí, Joan Miró, René Magritte.
Salvador Dalí
Nacido el 11 de mayo de 1904 en Figueras, fue un

pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor
español del S. XX. Era extremadamente
imaginativo, manifestó una notable tendencia al
narcisismo y la megalomanía cuyo objeto era
atraer la atención pública. Tenía grandes
habilidades pictóricas, puede atribuirse a su
influencia y admiración por el arte renacentista.
Tuvo la capacidad de crearse un estilo muy ecléctico, lleno de innovaciones, una

excelente técnica y una enorme capacidad de trabajo. Estudió en 1921 en la
Escuela de Bellas Artes de San Fernando en Madrid, donde conoció a Luis
Buñuel y a Federico García Lorca.
Técnicas artísticas
Utilizó métodos pre-existentes de pintura en tela, también utilizó algunos

métodos de su propia creación aunque a Dalí le gustaba publicar información
falsa sobre sus métodos, hay algunas técnicas como el óleo.
Óleo
Es una técnica que fue realizada con pinturas obtenidas a partir de la disolución
de pigmentos en una mezcla o gases de aceite. Se suele aplicar sobre tela (por
lo general de algodón o lino), aunque también se puede aplicar sobre madera,
metal o roca y otros materiales.
• OBRAS donde utilizó estas técnicas...
Horizonte olvidado, pintada en 1936. En este trabajo, se utilizaron paneles de

madera como lienzo y se aplicó una imprimación blanca. Después, pintó el fondo
del océano el cielo y la arena. Después de aplicar el fondo agregó las figuras, a
propósito agregó el detalle en sombras de los rotos de las figuras de la izquierda.
En el medio de la pintura hay una figura caminando hacia un barco naufragado.
Témpera
Se realiza con varios minerales, yemas de huevo agua. En 1922, en su cobertura

para el “Fires i Festes de la Santa Creu”, Dalí evolucionó la pintura de témpera
al combinarla con el puntillismo. No es raro que siendo una de las pinturas de
témpera de Dalí, este trabajo fuera realizado originalmente en cartulina.
Técnicas no convencionales
En algunas obras, usó una carga explosiva para literalmente explotar a pintura
sobre un lienzo. Más adelante esta técnica sería llamada “Placas de Tachiste”.
Otra técnica fue apedrear un cuadro con cartuchos de tinta litográfica. Sin
embargo, la más común fue el “Dibujo Automático”. Con esta técnica, afirmaba
que él no era consciente de su pintura, sino que permitía a su subconsciente
crear la obra.
Obras importantes
Llegó a pintar 1500 cuadros aprox., uno de los más importantes es “La
persistencia de la Memoria” o también conocido como “Los Relojes Blandos”.
Pintado en 1931, uno de los cuadros más representativos del artista, tiene unas
dimensiones pequeñas de 24 x 33 cm. Aborda la noción de la temporalidad y de
la memoria.
La persistencia de la memoria, (1931):
Muestra 4 relojes que se encuentran en el desierto. Los relojes representan el

tiempo que transcurre diferente, de forma subjetiva. Posee marcas diferentes
pues sus punteros están derretidos. El tiempo real es el tiempo del inconsciente.
El fondo es un paisaje que corresponde a la vista de su casa en Barcelona. Las
hormigas en el reloj, es el único que no está deformado y que se encuentra hacia
abajo. A Salvador Dalí no le gustaba las hormigas y solía usarlas como símbolo
de putrefacción en sus obras. Esto muestra que el reloj es despreciado por el
pintor. La propia figura del pintor aparece en el cuadro durmiendo debajo de un
reloj derretido. La búsqueda de Dalí por el inconsciente está reflejada en el
cuadro por su auto-representación. La obra lleva al cuestionamiento
metalingüístico, también es un homenaje al tiempo interior del inconsciente, que
tiene su propia forma . El inconsciente es esencial para Dalí, por ello en este
cuadro reluce el uso de los relojes que se derriten al ser expuestos a la
persistencia de la memoria.
Salvador Dalí. La persistencia de la memoria, (1931).

El cómic. Salva Espín
Salva Espín: Nació en Murcia en 1982 y trabaja como ilustrador y

dibujante durante más de 10 años en una de las franquicias de c ómics más
grande del mundo, Marvel. Desde pequeño ha sido aficionando a los cómics,
hasta que un día en una convención de cómics hizo una entrevista para
Marvel.
Salva empezó con comics como Spiderman, Hulk, Capitán América o los
X-men. Hasta que en 2012 le hicieron el dibujante principal del antihéroe
Deadpool, quien en 2016 fue llevado al cine.
En los comics Salva sexualiza sus personajes como Deadpool haciendo
más grandes sus músculos y detallando su cuerpo. Se centra en el personaje,
y lo llena de humor, pero sigue siendo realista. Las historias de Deadpool se
caracterizan por tener un humor negro, mucha sangre y estar lleno de cultura
moderna, y sobre todo por romper la cuarta pared, es decir hablar con el
lector para dar la sensación de que se encuentra fuera del comic.
Las historias más famosas de Salva son; “Deadpool Kills Deadpool”
“Deadpool kills the Marvel Universe” “Deadpool vs Carnage”. Hasta creó su
propia serie de cómics, inspiradas en Murcia,” Superjimbee”.
El manga. Araki
"Manga" es un término japonés cuya traducción literal es la de "dibujos

encadenados", es decir, lo que en el continente americano es conocido como
cómic. En los años 30 aparecieron las primeras revistas infantiles de manga, por
ejemplo, Shonen Club. El manga moderno tal y como lo conocemos surge con
Osamu Tezuka, evolucionó el medio con historias más realistas y personajes
más humanos. Se crearon las llamadas demografías, que indican para que
público objetivo está destinada la obra. El salto a la fama y reconocimiento
mundial del manga y el anime fue en la década de los 80s del siglo XX.
Hirohiko Araki
Hirohiko Araki es un conocido autor de manga japonés, conocido por su longeva

y popular serie JoJo’s Bizarre Adventure. Araki nació el 7 de junio de 1960, en
Sendai, Japón, leía manga a temprana edad. El estilo de Araki es un tanto
peculiar comparado con otros artistas de manga, tiene muchísima influencia
occidental, en un viaje a Italia, Araki quedó maravillado por el arte renacentista y
su exaltación de la belleza humana, una de las características más identificables
de su estilo. También ha nombrado a Paul Gauguin como influencia a la hora de
colorear.
Es conocido que además ha sido influenciado también por otros artistas de
manga como Tetsuo Hara, y su manga “El puño de la estrella del norte” El estilo
de Araki es conocido por cambiar drásticamente con los años. Los personajes
empezaron siendo hipermusculados y muy masculinos, con un aspecto muy
caricaturesco tanto en los rostros como en los cuerpos, inspirado en los héroes
del cine ochentero y otros personajes de los manga del momento. Con el tiempo
fue haciendo cada vez cuerpos y caras más estilizados, delgados y realistas,
conservando aun así la esencia bizarra en el sentido anglosajón de la palabra de
su estilo personal Usa muchísimo las onomatopeyas y las poses extravagantes
para dotar de dramatismo a su obra.
Sus coloreados suelen ser muy vivos, Araki utiliza muchísimos colores y con
poseen mucha personalidad e identidad. Para colorear Araki utiliza acuarelas y
tinta china para hacer las líneas. Las líneas en su dibujo son muy marcadas y
fuertes, para darle intensidad al dibujo, para dibujar utiliza un pertel G. Pen y tinta
china.
6. Conocimiento de la terminología conceptual relacionada con el tema.
El alumnado deberá saber reconocer la terminología conceptual de la asignatura y del nivel educativo y utilizarla
correctamente en actividades orales y escritas del ámbito personal, académico, social o profesional; Saber buscar y
seleccionar información en diversas fuentes de información; Y saber escribir textos con adecuación y coherencia,
cuidando sus aspectos formales y la ortografía.
• Glosario de términos conceptuales del • Glosario de ampliación de los términos
nivel educativo. conceptuales utilizados por el alumno/a en su
trabajo de indagación.
• Buscar y seleccionar información en
diversas fuentes de forma contrastada y • Escribir textos del ámbito personal, académico,
organizar la información obtenida social o profesional en diversos formatos y
mediante diversos procedimientos de soportes, cuidando sus aspectos formales,
síntesis o presentación de los aplicando las normas de corrección ortográfica y
contenidos; para ampliar sus gramatical del nivel educativo y ajustados a las
conocimientos y elaborar textos del propiedades textuales de cada tipo y situación
ámbito personal, académico, social o comunicativa, para transmitir de forma
profesional y del nivel educativo, citando organizada sus conocimientos con un lenguaje
adecuadamente su procedencia. no discriminatorio.
• Escribir textos del ámbito personal,

académico, social o profesional en
diversos formatos y soportes, cuidando
sus aspectos formales, aplicando las
normas de corrección ortográfica y
gramatical del nivel educativo y
ajustados a las propiedades textuales de
cada tipo y situación comunicativa, para
transmitir de forma organizada sus
conocimientos con un lenguaje no
discriminatorio.
• Contribución de la asignatura a la
búsqueda del desarrollo de la
personalidad e impronta personal de
cada alumno/a.
BLOQUE II: LA LÍNEA Y LA FORMA
1. Describir gráficamente objetos naturales o artificiales desde diferentes

puntos de vista, teniendo en cuenta su estructura interna y proporción y
relacionar las formas con la geometría.
El alumnado deberá saber encajar figuras sencillas o composiciones más complejas y deberá saber realizar bocetos
para la elaboración de proyectos.
• Elementos básicos en la configuración
de la forma.
• Realización de bocetos como una de las fases
• La línea como elemento configurador de
de la que consta un proyecto complejo.
formas planas de estructura geométrica
sencilla.
• Encajes en composiciones más complejas.
Referentes de la forma bidimensional:
Análisis formal y estructural de un bodegón
superposición, relatividad del tamaño.
compuestos por varias figuras.
• La línea como elemento configurador de
formas volumétricas de estructura
sencilla. Partes vistas y partes ocultas.
• Análisis del valor expresivo de la línea
mediante la elaboración de bocetos y
encajes de planteamiento subjetivo.
• Realización de bocetos como una de las
fases de la que consta un proyecto
sencillo.
• Encajes en composiciones sencillas.
Análisis formal y estructural de una
figura donde se estudiarán
principalmente los siguientes aspectos:
Encuadre de la figura en relación al
espacio disponible para realizar el
dibujo, relación de la figura con el fondo;
la estructura interna de la figura y las
direcciones y proporciones de las partes
con el todo de la composición.
• Transformaciones de la forma
tridimensional. Espacio interior – espacio
exterior: sus representaciones gráficas.
Repaso de la ESO:
Durante el paso de la ESO hemos aprendido algunas definiciones importantes
de los elementos con los que trabajamos en el mundo de la imagen.
En cuanto a la forma y a la línea tenemos lo siguiente:
Dentro de la imagen, definíamos los elementos configurativos de las
imágenes como los ingredientes que construyen y dan forma a las imágenes.
Punto, línea, forma, color, textura y claroscuro, son los elementos básicos de
los que disponemos para construir una imagen.
FORMA:
Definición: Forma es lo que delimita un cuerpo o figura diferenciándolo del
fondo. Pueden tener 2 dimensiones = planas, o 3 dimensiones = volumen.
Los elementos gráficos y plásticos que permiten representar las formas
son: punto, línea y plano.
Las partes de la forma bidimensional:
• Silueta: Línea de contorno. (Bidimensional). / Superficie: Plano

delimitador. (Tridimensional).
• Figura: Superficie de la forma recortada por la silueta.
(Bidimensional). / Volumen. (Tridimensional).
• La forma está constituida por una estructura donde el esqueleto
geométrico sostiene otros detalles de la misma forma. Es decir, la
estructura nos ayuda a comprender la figura que queremos representar y
a elaborarla. (Bidimensional y tridimensional) /(Bocetos: encajado) y la
composición. (Tridimensionales).
Las formas pueden ser:
Por su origen: Naturales si están creadas por la naturaleza o artificiales si
están creadas por el ser humano.
Por su apariencia:
Orgánicas: Son las que están literalmente elaboradas por los seres vivos y
son de trazado suave, curvilíneo, con ramificaciones o con volúmenes
redondeados. No presentan una estructura geométrica aparente.
Geométricas: Presentan siluetas de trazado técnico, normalmente
rectilíneo, que subrayan una estructura basada en figuras y volúmenes
geométricos.
Las figuras geométricas básicas como son el cuadrado, el triángulo y el círculo,
aparecen como elementos organizadores del espacio y las figuras por ejemplo
en el Renacimiento.
También nos ayudan a organizar y a encajar nuestros dibujos.
Las formas permiten describir y representar objetos junto a otras
cualidades que también los definen, como el color, la textura y el
claroscuro.
En cuanto a los elementos gráfico-plásticos utilizados en la representación
de las formas y los objetos, cabe añadir que en dibujo artístico hablamos de
mancha en lugar de plano en muchas ocasiones, cuando no se tratan de planos
delimitados geométricamente y ortodoxamente, fijándonos más en su cualidad
plástica, su tonalidad y su factura relacionada con la materia con la que está
elaborada.
En 1º de Bachillerato:
Definiciones:
“Una línea funciona como una sucesión continua de puntos trazados. Se suele
utilizar en una composición artística.” (Wiki).
“Figura la posibilidad de hacer marcas o señales sobre algunas superficies.”
(Ecured).
“La forma es la manera en la que se organizan los elementos que constituyen
una obra de arte.” (Wiki).
“Determina distribución y organización de los elementos a la hora de apreciar la
obra.” (Escuela cima).
Cuando nombramos los elementos configurativos de las imágenes, podríamos
añadir que el resultado de la composición dependerá también de otros factores
como el soporte, el formato en el que se trabajaría y el material.
2. Planificar tareas o proyectos, individuales o colectivos, describiendo
acciones, recursos materiales, plazos y responsabilidades para conseguir
los objetivos propuestos, adecuar el plan durante su desarrollo
considerando diversas alternativas para transformar las dificultades en
posibilidades, evaluar el proceso y el producto final y comunicar de forma
creativa los resultados obtenidos con el apoyo de los recursos adecuados.
El alumnado deberá saber planificar individuamente y saber coordinarse con los compañeros para desarrollar un
proyecto.
• Experimentación con los elementos • Experimentación con los elementos gráfico-
gráfico-plásticos como vehículos de la plásticos como vehículos de la expresión
expresión personal para la realización de personal para la elaboración de un proyecto que
actividades. deberá justificar y exponer en clase.
• Estudio del proceso de creación artística • Estudio del proceso de creación artística y
y planificación de sus fases. Evaluación planificación de las fases de un proyecto.
y auto-evaluación de procesos y Evaluación y auto-evaluación de los procesos y
resultados. los resultados obtenidos.
• Estudio de la expresión plástica: • Estudio de la expresión plástica: recursos

recursos gráficos expresivos, gráficos expresivos, transformación y
transformación y manipulación de manipulación de imágenes de composiciones
imágenes. complejas.
3. Crear o reinterpretar obras de arte experimentando con la huella gráfica del

punto y la línea de forma personal para expresar ideas, valores, emociones
y sentimientos según el mensaje que pretendan transmitir.
El alumnado deberá saber reconocer los valores expresivos y posibilidades gráficas del punto y la línea como
elementos configuradores de las composiciones visuales. Saber interpretar una obra artística eligiendo
adecuadamente los materiales y recursos gráficos para llevar a cabo un proyecto y expresar las ideas o
sentimientos que se pretenden transmitir.
• Investigación sobre el empleo del punto • Investigación sobre el empleo del punto y de la
y de la línea como elementos línea como elementos configuradores de
configuradores de imágenes artísticas en imágenes artísticas en las obras de diferentes
las obras de diferentes artistas artistas relevantes.
relevantes. • Exposición del trabajo de investigación.
• Reinterpretación de una obra de un
artista relevante. • Creación de obras tridimensionales complejas
• Creación de obras tridimensionales con materiales blandos como la cartulina,
sencillas con materiales blandos como la cartón, arcilla o poliuretano expandido para
cartulina, cartón, arcilla o poliuretano crear obras personales y expresar ideas,
expandido para crear obras personales y valores, emociones y sentimientos según el
expresar ideas, valores, emociones y mensaje que pretendan transmitir.
sentimientos según el mensaje que
pretendan transmitir.
4. Analizar los soportes, técnicas y materiales en las obras gráfico-plásticas y
realizar proyectos artísticos de manera individual o colectiva,
seleccionando y utilizando con propiedad los recursos técnicos,
tecnológicos y digitales más idóneos para expresar ideas, valores,
emociones y sentimientos según el mensaje que pretendan transmitir.
El alumnado deberá saber reconocer diferentes soportes, técnicas y materiales en las obras gráfico-plásticas.
• Indagación sobre los soportes, las • Indagación sobre algunos de los soportes, las
técnicas y los materiales más empleados técnicas y los materiales empleados en las
en las obras gráfico-plásticas. obras gráfico-plásticas específicos de algunos
• Investigación con las técnicas húmedas períodos, estilo o artistas.
ahondando en su carácter de expresión • Exposición del trabajo de investigación.
subjetiva en la realización práctica de • Investigación con las técnicas húmedas
una actividad individual. ahondando en su carácter de expresión
• Medios digitales. Diferenciar entre las subjetiva en la realización práctica de un
imágenes producidas por materiales y proyecto colectivo.
técnicas convencionales, y las
generadas por medios digitales.
5. Emplear la línea para la configuración de formas con expresividad y

seleccionar los elementos gráficos más adecuados teniendo en cuenta la
función del mensaje que se desea transmitir (analítico o descriptivo, o
subjetivo y expresivo) y el grado de iconicidad de la imagen.
El alumnado deberá saber representar la perspectiva y dibujar de manera proporcionada las figuras y los espacios,
así como representar las figuras con un grado de iconicidad dependiendo del objetivo marcado en un trabajo
analítico o descriptivo o la idea que se pretenda transmitir en imágenes subjetivas o expresivas.
• Repaso de la ESO: • Reconocer en una imagen su función. Explicar
o Reconocer en una imagen su su intención analítica o descriptiva o su
función. intención subjetiva y expresiva.
o Realizar un análisis denotativo
y un análisis connotativo de las Estudio de los siguientes aspectos mediante la
imágenes. elaboración de ejercicios prácticos de dibujo
artístico:
• La perspectiva. Aplicación de la perspectiva
• Repaso de la ESO: Fundamentos básicos cónica al dibujo artístico.
de la perspectiva.
• La proporción. Estudio de la proporción entre las
• La proporción. La proporción entre las partes de una forma tridimensional.
partes de una forma tridimensional.
• El grado de iconicidad en una imagen.

• El grado de iconicidad en una imagen.
La imagen denotativa y connotativa
Las imágenes DENOTATIVAS son imágenes con un grado más cercano a la

realidad que nos puede mostrar una figura. Y una imagen CONNOTATIVA es una
lectura de imágenes donde la subjetividad es el factor más significativo.
Imágenes icónicas y abstractas
El concepto de iconicidad en un dibujo, grabado, etc., se centra en el hecho de

que la obra plástica es la imagen más aproximada a los objetos reales. Como
ejemplo, las imágenes percibidas mediante la visualización de un paisaje so más
icónicas que una fotografía del mismo, y esta a su vez, es más que su descripción
literaria.
Se denominan imágenes abstractas todas aquellas que no reproducen con
exactitud la realidad de las cosas, se fundamentan en la reflexión e investigación
sobre las interrelaciones de las formas y su posterior percepción visual.
1. Las leyes compositivas en la imagen.
El alumnado deberá saber reconocer y asimilar las leyes compositivas para que le permita analizar la composición
en las obras artísticas y de crear imágenes bajo un orden regido por las mismas leyes compositivas, según el
objetivo que se pretenda alcanzar.
• Introducción a la terminología, materiales • Análisis de los elementos generales de la
y procedimientos propios. composición: formatos, esquemas y ritmos
• Repaso de los principios básicos de compositivos, equilibrio visual, en diferentes
composición estudiados durante la ESO. imágenes artísticas.
• Estudio de los diferentes tipos de • Saber identificar las relaciones complejas que
organizaciones compositivas: pueden existir en algunas obras de arte según
geométricas (triangular, cuadrada, los criterios de ordenación de elementos
rectangular, pentagonal, circular); compositivos estudiados: puntos de tensión,
simetría, contraste; tensiones. asociaciones de semejanza o igualdad formal o
• Identificación de los elementos generales cromática.
de la composición: formatos, esquemas • Creación de una imagen siguiendo las leyes
y ritmos compositivos, equilibrio visual. compositivas y según la función que se le
• Desarrollo del concepto real de la atribuya a la imagen y la idea que se intente
composición como orden de los transmitir.
elementos que intervienen dentro del
espacio compositivo, respuesta a una
intención, cumpliendo con su función.
• Criterios de ordenación de elementos
compositivos: puntos de tensión,
asociaciones de semejanza o igualdad
formal o cromática.
Estructura en L
Bartolomé Esteban Murillo. Joven mendigo., hacia 1650. Óleo sobre lienzo.
La composición
La composición es la ordenación de las imágenes, es decir, la ubicación de los
elementos plásticos a través de las posibles relaciones que pueden establecerse
entre ellos.
Podemos decir que la composición es la que dota de organización a las
imágenes.
El orden es el criterio de selección que se aplica a la diferenciación o complejidad
de la composición, sin orden es imposible componer.
La unidad pone en relación lo diferente, le proporciona entidad y lo agrupa en un
todo.
La jerarquía
La jerarquía es una forma de generar orden. Una imagen puede considerarse
ordenada cuando posee una relación concreta de estructuración, es decir,
cuando está dotada de una relación de subordinación o dominación.
Armonía
El concepto de armonía surge cuando las relaciones de unidad y orden están
acopladas en todos los sentidos, de tal modo que se puede definir como la
unificación de lo diferente, sin confundirla con las ideas anteriormente expuestas.
Equilibrio dinámico
El equilibrio es una necesidad innata, tanto en la naturaleza como en el ser
humano, que tiende a un estado de bienestar y armonía.
Una composición equilibrada ofrece al espectador un efecto de “totalidad” o
unidad compositiva, no una suma de elementos colocados sobre una superficie
plástica, pues el equilibrio hace que dichos elementos pierdan su autonomía a
favor de la síntesis visual, ordenada y de fácil lectura. Es decir, al observar un
retrato la lectura global nos hace identificarlo con un personaje, y no como un
conjunto de ojos, orejas, nariz, boca y pelo.
Existen dos tipos de equilibrio.
Cuando un cuerpo está en reposo y permanece en él, después de haber sido
sometido a un sistema de fuerzas, se llama equilibrio estático.
El equilibrio dinámico se da cuando un cuerpo que está en movimiento conserva
su mismo estado dinámico después de haber sido sometido a un sistema de
fuerzas.
Peso visual
Los elementos que configuran toda imagen gráfico-plástica poseen un peso
visual que no es estable y que, como hemos visto anteriormente puede variar en
función de su ubicación en el espacio compositivo. Su forma, tamaño, textura o
color y sus modificaciones son otros aspectos de los que depende en gran
medida, el equilibrio compositivo.
Posición
La colocación de los elementos en distintas zonas del soporte puede aumentar
o disminuir el peso visual de dichos elementos, El espacio compositivo está
sometido a diversas estructuras internas, y cada una de ellas crea diferentes
sensaciones y tensiones.
Tamaño
Un elemento pesa más al aumentar su tamaño o menos al disminuirlo; así,
podemos compensar y variar el equilibrio y estabilidad de una obra,
Cuando existe una relación entre objetos que varían su tamaño de forma
sucesiva se crea una profundidad de campo de forma que los elementos más
pequeños aumentan su peso visual.
El movimiento
El movimiento forma parte de la estructura compositiva de una imagen. Se puede
decir que a todo movimiento se le opone otro en sentido contrario, llamado
contramovimiento; del contraste suscitado.
2. Análisis de las leyes compositivas en las obras de arte.
El alumnado deberá ser capaz de analizar en una obra de arte su estructura, su distribución y orden de los
elementos configurativos y los ritmos compositivos, así como los fundamentos compositivos (peso visual, equilibrio y
ritmo) para subrayar el centro de interés y crear composiciones equilibradas individuales o colectivas que verifiquen
los contenidos asimilados y que comporten una auto-evaluación continua del proceso de realización.
• Aplicación de los siguientes principios • Creación de composiciones complejas
en el análisis de imágenes: equilibradas individuales o colectivas que
o Organizaciones compositivas: verifiquen los contenidos asimilados y que
geométricas (triangular, comporten una auto-evaluación continua del
cuadrada, rectangular, proceso de realización.
pentagonal, circular); simetría,
contraste; tensiones.
o Elementos generales de la
composición: formatos,
esquemas y ritmos
compositivos, equilibrio visual.
o Desarrollo del concepto real de
la composición como orden de
los elementos que intervienen
dentro del espacio compositivo,
respuesta a una intención,
cumpliendo con su función.
o Criterios de ordenación de
elementos compositivos:
puntos de tensión,
asociaciones de semejanza o
igualdad formal o cromática.
• Creación de composiciones sencillas
equilibradas individuales o colectivas
que verifiquen los contenidos asimilados
y que comporten una auto-evaluación
continua del proceso de realización.
Las leyes compositivas
A lo largo de la historia los artistas han conseguido siempre unas pautas

determinadas que les permitían distribuir de manera armónica y equilibrada, las
masas u los pesos sobre la superficie del soporte.
Las reglas compositivas más conocidas son:
• La ley de la balanza
• La ley de composición de masa
• La uniformidad de masas
• La sección áurea
Leonardo da Vinci. La Virgen de las rocas (1483-1486). Óleo sobre tabla.

Tiziano. Asunción, (1516-18), Santa María del Frari.
3. Diferenciar en las obras de arte e imágenes del entorno la simetría axial y

radial describiendo las características propias de cada una de ellas y
elaborar formas simétricas geométricas con rigor, precisión y sentido
decorativo.
Dibujar a mano alzada objetos y espacios o composiciones personales
teniendo en cuenta el concepto de simetría en las formas naturales.
El alumnado deberá ser capaz de dibujar a mano alzada objetos y espacios del entorno cotidiano y representar
composiciones personales teniendo en cuenta el concepto de simetría en las formas naturales.
• Repaso de la ESO. Fundamentos básicos
de la simetría. • Realización de apuntes del natural a mano
• Realización de apuntes del natural a alzada de composiciones complejas formadas
mano alzada de composiciones sencillas por varias figuras u objetos en las que el
formadas por uno o dos objetos en las elemento de ordenación y estructuración
que el elemento de ordenación y destacable sea la simetría.
estructuración destacable sea la
simetría.
4. Detectar ritmos compositivos en la naturaleza y crear esquemas de
movimiento y ritmo ordenando elementos de manera simétrica pero no
rígida, siguiendo las pautas de composición rítmica regular (repetición,
gradación, radiación, polifonía, ondulación), y reflexionar sobre la
importancia de la conservación de las estructuras naturales del entorno.
El alumnado deberá saber reconocer el ritmo en las obras gráficas y utilizarlo con criterio según la idea que se
pretenda transmitir.
• Repaso de la ESO. Fundamentos básicos • Indagación de obras artísticas de autores
de los ritmos compositivos y esquemas conocidos en cuyas composiciones visuales
rítmicos que ordenan obras gráficas. complejas el elemento compositivo destacable
sea el ritmo.
• Análisis a partir de obras artísticas de
autores conocidos de las composiciones • Exposición del trabajo de investigación y
visuales sencillas en la que el elemento explicación de las imágenes mostradas del
compositivo destacable sea el ritmo. trabajo reflexionando y destacando los aspectos
que más le interesa al alumnado (o que no le
• Creación de esquemas de movimiento y interesa) y justificándolo bajo un criterio
ritmo ordenando los elementos visuales personal, utilizando el vocabulario asimilado
de manera simétrica sabiendo emplear hasta la fecha.
algunos recursos gráficos, tales como la
repetición de los elementos, la gradación
etc.
5. Representar volúmenes geométricos y orgánicos dentro de un espacio

compositivo y aplicar las leyes básicas de la percepción visual teniendo en
cuenta las proporciones y la perspectiva.
El alumnado deberá conocer las leyes básicas de la percepción visual. También deberá saber aplicar esas leyes de
la percepción visual teniendo en cuenta las proporciones y las nociones de perspectiva para representar volúmenes
geométricos y orgánicos dentro de un espacio compositivo.
• Repaso de la ESO. Leyes básicas de la • Ampliación de las leyes básicas de la
percepción visual. percepción visual.
• Representación de volúmenes • Representación de volúmenes geométricos

geométricos dentro de un espacio dentro de un espacio compositivo teniendo en
compositivo teniendo en cuenta los cuenta los siguientes aspectos:
siguientes aspectos: o Las leyes básicas de la percepción
o Las leyes básicas de la visual.
percepción visual. o Las proporciones de cada figura entre
o Las proporciones de la figura sus partes y con su volumen general,
entre sus partes y con su la proporción de cada figura con el
volumen general, y su relación resto de figuras del conjunto y su
con el fondo. relación con el fondo.
o La perspectiva de la o La perspectiva de la composición.
composición.
• Representación de volúmenes orgánicos dentro
• Representación de volúmenes orgánicos de un espacio compositivo teniendo en cuenta
dentro de un espacio compositivo los siguientes aspectos:
teniendo en cuenta los siguientes o Las leyes básicas de la percepción
aspectos: visual.
o Las leyes básicas de la o Las proporciones de cada figura entre
percepción visual. sus partes y con su volumen general,
o Las proporciones de la figura la proporción de cada figura con el
entre sus partes y con su resto de figuras del conjunto y su
volumen general, y su relación relación con el fondo.
con el fondo. o La perspectiva de la composición...
o La perspectiva de la
composición.
Rafael Sanzio. La escuela de Atenas (1509).
6. Reconocer en las imágenes visuales y audiovisuales los diferentes tipos

de estructuras compositivas y elaborar espacios visuales personales
experimentando con formas geométricas y orgánicas y teniendo en cuenta
los conceptos de simetría, equilibrio y ritmo visual.
El alumnado deberá saber reconocer en las imágenes visuales y audiovisuales las estructuras compositivas.
El alumnado deberá aprender a organizar espacios visuales con formas geométricas y orgánicas sabiendo aplicar
algunos de los conceptos aprendidos sobre la composición, a la hora de ordenar los elementos visuales en un
espacio, tales como la simetría, el equilibrio y el ritmo visual y los recursos visuales que se emplean para
conseguirlos (repetición, gradación, etc.).
• Reconocer en las imágenes visuales y • Reconocer en las imágenes visuales y
audiovisuales tres estructuras audiovisuales al menos cinco estructuras
compositivas diferentes. compositivas diferentes.
• Creación de espacios visuales con • Creación de espacios visuales complejos con

formas geométricas y orgánicas formas geométricas y orgánicas sabiendo
sabiendo aplicar algunos de los aplicar algunos de los conceptos aprendidos
conceptos aprendidos sobre la sobre la composición, a la hora de ordenar los
composición, a la hora de ordenar los elementos visuales en un espacio:
elementos visuales en un espacio: o La simetría.
o La simetría. o El equilibrio.
o El equilibrio. o El ritmo visual, sabiendo emplear
o El ritmo visual, sabiendo algunos de los recursos que se suelen
emplear algunos de los utilizar para conseguir cada uno de
recursos que se suelen utilizar estos conceptos en las
para conseguir cada uno de composiciones.
estos conceptos en las
composiciones.
7. Elaborar, de forma personal, composiciones analíticas, descriptivas y
expresivas con diferentes grados de iconicidad, para expresar ideas,
valores, emociones y sentimientos según el mensaje que pretendan
transmitir.
El alumnado deberá saber elaborar composiciones visuales analíticas, descriptivas y expresivas con diferentes
grados de iconicidad según la idea o expresión que se pretenda transmitir.
• Conocimiento de los recursos para crear • Elaborar diferentes composiciones según su
interés en el espectador: transmitir intencionalidad: transmitir intranquilidad,
intranquilidad, tensión, dinamismo. tensión, dinamismo.
Planteamiento de los pasos a seguir para
el estudio compositivo de una obra de
arte.
BLOQUE IV: LA LUZ, EL CLAROSCURO

Y LA TEXTURA
1. Analizar los cambios de iluminación en objetos, producciones y espacios

del entorno, y su capacidad para crear ambientes y expresar valores,
emociones y sentimientos.
El alumnado deberá conocer una terminología sobre la técnica del Claroscuro y conocer los materiales y
procedimientos propios de esta técnica del Claroscuro. El alumnado deberá saber reconocer el empleo de
esta técnica en las obras de algunos de los artistas más representativos.
• Introducción a la terminología, materiales • Trabajo de investigación sobre la técnica
y procedimientos propios de la técnica empleada del claroscuro en la obra de un artista
del Claroscuro. relevante.
• La luz, tipos de iluminación, valoración • Exposición del trabajo de investigación sobre un
tonal. artista empleando la terminología aprendida.
• Las sombras en función de la
iluminación.
• Análisis de la técnica claroscuro en las
obras artísticas más influyentes a lo
largo de la historia del arte.
El claroscuro
Es la relación de luces y sombras que nos permite representar y percibir el

volumen, a partir de tres claves lumínicas, que van desde el BLANCO (luz),
pasan por el GRIS y llegan al negro (oscuridad)
Tipos de luces y sombras en la representación del volumen
La luz puede ser directa o reflejada.
Luz directa: Es la zona más luminosa del objeto, donde la luz incide
directamente.
Luz reflejada: Es la zona de la luz suave (indirecta) situada dentro de la zona de
sombra.
La sombra puede ser propia o arrojada.
Sombra propia: Es la zona no iluminada del objeto.
Sombra reflejada: Es la sombra que el objeto proyecta fuera de sí.
2. Representar el volumen de objetos y espacios tridimensionales en soporte

bidimensional mediante la técnica del claroscuro.
El alumnado deberá saber utilizar los recursos básicos que se utilizan para representar volúmenes con la técnica del
claroscuro y saber emplear los materiales y herramientas adecuadas. El alumnado deberá valorar la importancia del
claroscuro para la expresión del volumen y su importancia en el desarrollo de las obras más influyentes a lo largo de
la historia del arte.
• Importancia del claroscuro para la • Elaboración de apuntes de dibujo empleando
expresión del volumen en un soporte los materiales y procedimientos propios de la
bidimensional. técnica del Claroscuro, estudiando los
siguientes aspectos:
• La luz, tipos de iluminación, valoración tonal.
• Las sombras en función de la iluminación.
La luz como recurso compositivo
En las artes plásticas la luz es un agente fundamental que tiene dos objetivos
básicos.
El primer objetivo pretende obtener la sensación de tridimensionalidad en las
formas por medio del claroscuro, y el segundo y no menos importante, va dirigido
a aportar unidad y equilibrio en la composición.
La conexión de todos los elementos que configuran la obra pictórica se logra, en

muchas ocasiones, por una distribución acertada de las luces y sombras.
3. Identificar los tipos de iluminación y la valoración tonal producida por las
diferencias entre la luz natural y artificial.
El alumnado deberá saber reconocer los tipos de iluminación y valoración tonal generadas por la luz natural y la
artificial. El alumnado deberá saber representar figuras con el empleo de la mancha, estudiando la valoración tonal.
• Tipos de iluminación. • Elaboración de apuntes de dibujo en las que se
• La mancha como elemento configurador trabaje la valoración tonal y la mancha.
de la forma. Valoración tonal: La mancha.
4. Realizar apuntes de dibujo teniendo en cuenta la luz natural para distinguir

la clave tonal alta, baja y contrastada al dibujar.
El alumnado deberá saber distinguir entre una clave tonal alta, baja y contrastada y saber elaborar apuntes de
dibujo empleando las diferentes claves.
• Graduación de la luz y la oscuridad • Elaboración de apuntes de dibujo en las que se
iluminando la forma y el espacio: trabaje la graduación de la luz y la oscuridad
modelado y sombreado. iluminando la forma y el espacio: modelado y
sombreado.
5. Identificar la dirección de la luz en una obra pictórica y realizar ejercicios

de claroscuro en obras personales teniendo en cuenta el fundido, las
sombras propias y arrojadas, y utilizando la textura visual con distintos
procedimientos gráfico-plásticos (sombreado, rallado y grisalla) para
expresar ideas, emociones y sentimientos.
El alumnado deberá saber reconocer la dirección señalada por el artista según la intencionalidad comunicativa y
narrativa expresada en la obra artística. También deberá saber manejar los recursos del claroscuro y los materiales
adecuados según las ideas, emociones y sentimientos que se pretendan transmitir.
• Posibilidades de la luz: expresivas, • Elaboración de apuntes de claroscuro teniendo
descriptivas, estructurales, en cuenta los siguientes aspectos:
constructivas. o El fundido, las sombras propias y
arrojadas, y utilización de la textura
• Identificar la dirección de la luz en obras visual con distintos procedimientos
pictóricas de algunos de los artistas más gráfico-plásticos (sombreado, rallado
representativos y pertenecientes a unos y grisalla) para expresar ideas,
estilos artísticos. Por ejemplo, emociones y sentimientos.
Caravaggio.
Michelangelo Merisi "Il Caravaggio". La vocación de San Mateo (1599-1600).

BLOQUE V: EL COLOR
1. Distinguir los colores pigmento primarios y secundarios a partir de la

clasificación de los colores ordenados en el círculo cromático.
El alumnado deberá conocer los fundamentos básicos de la teoría del color. Saber reconocer y saber utilizar los
colores primarios para conseguir los colores secundarios y el simbolismo del color.
• Introducción a la terminología, materiales • El simbolismo del color.
y procedimientos propios del color. La • Artistas españoles: pintores representativos:
mezcla del color: síntesis aditiva (color, Pablo Picasso, Sorolla, Antonio López.
luz), síntesis sustractiva (color
pigmento).
• Naturaleza del color: matiz, brillo, colores

primarios, secundarios,
complementarios, concepto de
saturación, tono, valor. Luz y color. Su
utilización. Simbolismo del color.
Colores pigmento primarios: Magenta, cían, amarillo.

Colores pigmento secundarios:
Magenta + cían = azul violáceo
Magenta + amarillo = rojo
Cían + amarillo = verde
-La suma de los tres colores primarios da como resultado el negro.
Colores luz primarios: Azul violáceo, rojo y verde

Colores luz secundarios:
Azul violáceo+ rojo=Magenta
Azul violáceo+ verde=Cían
Rojo+ verde=Amarillo
-La suma de los tres colores primarios da como resultado el color blanco.
Armonía: Dos colores que no se destacan entre sí están en armonía. Son los
colores que están juntos en el círculo cromático.
Gamas: Hay dos tipos de gamas, la gama fría que son los colores que contienen
el color azul, produce una sensación de frío. La gama cálida que son los colores
que contienen el color rojo, produce una sensación de calor.
Contraste: Dos colores producen contraste cuando se destacan entre ellos, son
los colores que más están separados el uno del otro en el círculo cromático. Se
dice que los colores complementarios son los colores que más contrastan y están
opuestos en el círculo cromático.
Cualidades:
-Tono: Es el propio nombre del color. Decir tono rojo es lo mismo que decir color
rojo.
Podemos nombrar a los colores con nombre y apellidos, por ejemplo, verde
esmeralda.
-Valor o brillo: Es la cantidad de luz o grado de luminosidad que tiene un color.
El grado de luminosidad se mide según se aproxime más al blanco o al negro.
-Saturación: Es el grado de pureza que tiene un color. Un color es puro cuando
no está mezclado con ningún blanco, negro ni está formado por la mezcla de los
tres colores primarios.
2. Analizar las obras de arte y las imágenes visuales de su entorno para
identificar los fundamentos teóricos propios del color como elemento
configurativo y describir las cualidades expresivas y simbólicas que aporta
a las obras para expresar valores, emociones y sentimientos.
El alumnado deberá saber los fundamentos básicos de la teoría del color y crear espacios sabiendo utilizar los
colores en función de la idea que se pretenda transmitir.
• Analizar las obras de arte y las imágenes • Valoración del color como elemento
visuales para identificar los fundamentos fundamental de la vida cotidiana. Semántica del
teóricos del color: color. Creación de un espacio empleando las
o Naturaleza del color: matiz, gamas cromáticas dependiendo del ambiente
brillo, colores primarios, que se pretenda conseguir: escenografía,
secundarios, complementarios, espacio lúdico, presentación de un producto
concepto de saturación, tono, publicitario, etc.
valor. Luz y color. Su
utilización. Simbolismo del
color.
• Valoración del color como elemento
fundamental de la vida cotidiana.
Semántica del color.
3. Analizar las obras de arte para describir las técnicas y estilos pictóricos en
las que el color destaca como cualidad estética (Expresionismo, Fauvismo,
Pop-Art), distinguir las escalas de color y reinterpretar las obras de manera
personal para expresar valores, emociones y sentimientos.
El alumnado deberá saber reconocer el uso del color como cualidad estética que caracteriza a algunos estilos
artísticos, saber distinguir las escalas de color y debe ser capaz de realizar una reinterpretación a partir del estudio
de una ora de arte, según la idea o sentimiento que se pretenda transmitir.
• Reconocimiento del uso del color como • Análisis de obras de arte de diferentes estilos
cualidad estética en diferentes estilos y significativos a lo largo de la historia del arte.
movimientos artísticos. Características Obras significativas y artistas representativos.
básicas de estos estilos: o Impresionismo.
o Expresionismo. o Cubismo.
o Fauvismo. o Realismo, etc.
o Pop-Art. • Reinterpretación de una obra artística.
4. Identificar en las imágenes visuales y audiovisuales los conceptos de tono,
saturación y valor, y describir las gamas cromáticas frías y cálidas y las
relaciones cromáticas de los objetos y espacios que los conforman.
El alumnado deberá saber reconocer las cualidades básicas del color: tono, valor y saturación en diferentes tipos de
imágenes visuales y audiovisuales.
• Repaso de las cualidades básicas del
color: tono, valor y saturación • Repaso de cursos anteriores de las gamas
estudiados en la ESO. cromáticas frías y cálidas y su reconocimiento
• Repaso de cursos anteriores de las en las imágenes visuales y audiovisuales.
gamas cromáticas frías y cálidas y su • Aplicación de los conceptos revisados y
reconocimiento en las imágenes visuales creación de las siguientes composiciones:
y audiovisuales. o Composición pictórica compleja
• Aplicación de los conceptos revisados y realizada con una gama cromática
creación de las siguientes fría.
composiciones: o Composición pictórica compleja
o Composición pictórica sencilla realizada con una gama cromática
realizada con una gama cálida.
cromática fría. • Identificar las relaciones cromáticas de los
o Composición pictórica sencilla objetos y espacios que los conforman y saber
realizada con una gama explicar tales relaciones en diferentes estilos
cromática cálida. artísticos u obras artísticas.
• Reconocer las relaciones cromáticas de
los objetos y espacios que los
conforman.
5. Elaborar obras personales aplicando el color mediante planos y

degradados en la elaboración, teniendo en cuenta las técnicas pictóricas y
los materiales como por ejemplo el uso de aglutinantes.
El alumnado deberá saber crear composiciones de color en los que se trabaje con planos degradados de color.
• Realización de diferentes composiciones • Realización de diferentes composiciones
sencillas en los que se trabajen los complejas en los que se trabajen los planos y
planos y degradados de color y teniendo degradados de color y teniendo en cuenta
en cuenta diferentes técnicas pictóricas diferentes técnicas pictóricas y los materiales
y los materiales más conocidos y más conocidos y empleados a lo largo de la
empleados a lo largo de la historia. historia.
6. Elaborar composiciones personales teniendo en cuenta los conceptos de
armonía, contraste, y teniendo en cuenta los colores complementarios.
El alumnado deberá saber aplicar las nociones básicas estudiadas en la ESO, como son los colores
complementarios y los conceptos de armonía y contraste en las composiciones
• Repaso de los conceptos básicos • Aplicación de los conceptos básicos como son
estudiados en la ESO de los colores los colores complementarios y los conceptos de
complementarios y los conceptos de armonía y contraste en el uso del color en
armonía y contraste en el uso del color. composiciones complejas:
o Composición con una gama armónica
de color.
o Composición con una gama
contrastada de color.
• Relatividad del color.
• Reconocimiento de la aplicación de estos
principios en diversas obras de arte.
7. Organizar un equipo de trabajo distribuyendo responsabilidades y

gestionando recursos para que todos sus miembros participen y alcancen
las metas comunes, influir positivamente en los demás generando
implicación en la tarea y utilizar el diálogo igualitario para resolver
conflictos y discrepancias actuando con responsabilidad y sentido ético.
El alumnado deberá ser capaz de trabajar cooperativamente y de manera coordinada para la realización de un
trabajo de investigación teórico y de un trabajo práctico relacionado con el estudio del color.
• Analizar el uso del color en relación a las • Realización de un trabajo de investigación más
funciones y aplicaciones en los exhaustivo. El trabajo se realizará centrándose
diferentes ámbitos profesionales: diseño, en una de las áreas estudiadas de forma más
publicidad, fotografía, cine, etc. general dentro del boque de requisitos mínimos,
• Repartición de las tareas de por ejemplo, dentro del campo de la publicidad.
investigación sobre las diversas áreas o Breve historia de la publicidad.
donde se aplican los fundamentos del o Indagación sobre un estilo enmarcado
color y exposición en clase del trabajo en una época concreta o sobre un
realizado por grupos. Bibliografía. profesional y su obra. Observación de
Capacidad de evaluación y analizar os las características formales y
posibles errores. tratamiento del color. Técnicas y
materiales. Medios informáticos y
programas informáticos. Bibliografía.
Capacidad de evaluación y corrección
de los errores.
Bibliografía
https://es.gizmodo.com/asi-de-sencillos-eran-los-ingredientes-que-usaba-
leonar-1771866138
https://www.nationalgeographic.com.es/historia/grandes-reportajes/la-capilla-
sixtina_8594/3
https://prezi.com/bxlu9yndrzq0/caracteristicas-de-las-obras-de-miguel-angel/
https://miviaje.com/las-5-obras-mas-famosas-miguel-angel/
https://www.caracteristicas.co/miguel-angel/
https://es.wikipedia.org/wiki/Anexo:Obras_de_Miguel_%C3%81ngel
https://miviaje.com/las-5-obras-mas-famosas-miguel-angel/
https://www.diariodesevilla.es/ocio/Murillo-moderno-resiste-comparacion-
Velazquez_0_1085291949.html
http://masarteaun.blogspot.com/2011/03/tiziano-asuncion-santa-maria-del-
frari.html
https://es.slideshare.net/fdezmarcolain/la-vocacin-de-san-mateocaravaggi

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Curso académico 2018/2019

CONTENIDOS Y CRITERIOS DE EVALUACIÓN

BLOQUE I: EL DIBUJO COMO HERRAMIENTA

1. El lenguaje de la imagen como medio de comunicación.

• Búsqueda y selección a través de • Investigación y ampliación del glosario

• Búsqueda en redes sociales, blogs, • Análisis de las imágenes.

• Repaso de la ESO: Análisis de las

-Emisor: el que muestra el mensaje.

LOS LENGUAJES VISUALES

LAS FUNCIONES DE LA IMAGEN:

-INFORMATIVA: Nos proporciona información y conocimiento sobre algo.

La percepción trata de completar aquellos objetos que permiten dar definición,

• Estudio de la gran variedad de enfoques • Indagación sobre un artista.

El dibujo como herramienta:

El dibujo como medio autónomo:

Géneros. Variedad de enfoques que puede tener un objeto al ser dibujado.

Materiales e instrumentos utilizados en dibujo.

La creación de Adán es una de las escenas de los

Frescos de la Capilla Sixtina.

Técnicas secas y técnicas húmedas.

Reconocimiento de la huella gráfica en las obras de arte y el trazo como

1.2 Disciplinas en las que trabajo.

1.3 Características fundamentales en sus obras.

2. Técnicas que ha utilizado.

2.1 Movimiento artístico.

2.2 Temas en el que se centra y ¿por qué?

3. Sus obras más importantes.

Michelangelo Buonarroti, nacido un 6 de marzo de 1475 ó 2 de Abril de 1475,

PINTURA Y ESCULTURA. PROTAGONISMO DEL SER HUMANO:

Sus obras se caracterizaron por su perfeccionismo; se centra en

También hizo otras obras de menores dimensiones y otras técnicas como

Sus obras, esculturas y pinturas más importantes:

David, un héroe colosal.

La Piedad del Vaticano, se encuentra en el vaticano, en el interior de la basílica.

El Surrealismo. Salvador Dalí

El surrealismo emerge en París en 1924. Se esparce por Europa a pocos años

El Surrealismo pretendía superar esta limitación del inconsciente, permitiendo

El objetivo era que la creación artística se automatizara (automatismo) tal como

Nacido el 11 de mayo de 1904 en Figueras, fue un

Tuvo la capacidad de crearse un estilo muy ecléctico, lleno de innovaciones, una

Utilizó métodos pre-existentes de pintura en tela, también utilizó algunos

• OBRAS donde utilizó estas técnicas...

Horizonte olvidado, pintada en 1936. En este trabajo, se utilizaron paneles de

Se realiza con varios minerales, yemas de huevo agua. En 1922, en su cobertura

La persistencia de la memoria, (1931):

Muestra 4 relojes que se encuentran en el desierto. Los relojes representan el

Salvador Dalí. La persistencia de la memoria, (1931).

Salva Espín: Nació en Murcia en 1982 y trabaja como ilustrador y

"Manga" es un término japonés cuya traducción literal es la de "dibujos

Hirohiko Araki es un conocido autor de manga japonés, conocido por su longeva

6. Conocimiento de la terminología conceptual relacionada con el tema.

• Escribir textos del ámbito personal,

1. Describir gráficamente objetos naturales o artificiales desde diferentes

• Silueta: Línea de contorno. (Bidimensional). / Superficie: Plano

• Estudio de la expresión plástica: • Estudio de la expresión plástica: recursos

3. Crear o reinterpretar obras de arte experimentando con la huella gráfica del

5. Emplear la línea para la configuración de formas con expresividad y

• El grado de iconicidad en una imagen.