1 Cuaderno Visuales 1

ESCUELA SECUNDARIA OFICIAL No.
481
“DR. GUSTAVO BAZ PRADA”
15EES0759J
ARTES I “VISUALES”
CUADERNO DE ARTES 1.
1
PRIMER GRADO GRUPO ___________________ N.L ____________
NOMBRE DEL ESTUDIANTE ________________________________
MTRO. RUBEN BERRUN OLASCOAGA
ESCUELA SECUNDARIA OFICIAL NO. 481

CICLO ESCOLAR 2021 – 2022
ESCALA FORMATIVA
ASIG: ARTES GRADO: PRIMERO GRUPOS: “A Y B”
PRIMER PERIODO DE EVALUACIÓN
CICLO ESCOLAR 2022-2022
NOMBRE DEL ESTUDIANTE: ___________________________________ N. l.: ____
RESPONSABLE DE LA ASIGNATURA: MTRO. RUBEN BERRUN OLASCOAGA
HABILIDADES A ELEMENTOS: PORCENTAJE:

EVALUAR:
PROCEDIMENTALES: 1. PROGRAMAS TELEVISIVOS ……............... 20%
2. REGISTROS EN SU CUADERNO DE
NOTAS (fotografías enviadas en Classroom)
…………………………………………………… 40%
3. ACTIVIDADES PROPUESTOS EN LA
CLASE VIRTUAL ………………. ……………. 20%
COGNITIVAS: 4. FORMULARIO AL TÉRMINO DEL

PERIODO DE EVALUACIÓN (cuestionario)
……………. 20%
TOTAL: 100%
5. CALIFICACIÓN OPCIONAL (Ganar o perder

decimos en su calificación final del 100%)
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 PARTICIPACIÓN INDIVIDUAL Y EN
EQUIPO:
 Por cada participación acumulada en su
seguimiento diario (palomita) tendrá un
ACTITUDINALES: valor de +.2 (más dos décimos) a su
calificación final del periodo de (GANAR
evaluación…………………. DECIMOS)
(+.2)
 OBSERVACIONES:
Se les registrará un punto (.) de
observación en su control diario de clase
virtual, de tal manera, que al final del periodo (PERDER
de evaluación se le restará -.2 (menos dos DECIMOS)
décimos) por cada uno de (-.2)
ellos…………………………………………….
Cuando:
a) Falta de cumplimiento de material didáctico

y de apoyo (cuaderno de notas)
responsabilidad y compromiso del
alumno.
b) Falta de respeto así los demás, falta de

atención a las clases virtuales e interrupción
de las mismas.
c) No estar visible en cámara.
d) Pregunta dirigida y no contestar.
e) Rayar la pantalla.
FIRMA DE ENTERADOS Y DE CONFORMIDAD
NOMBRE Y FIRMA DEL ESTUDIANTE NOMBRE Y FIRMA DEL PADRE O

TUTOR
RESPONSABLE DE LA ASIGNATURA
MTRO. RUBEN BERRUN OLASCOAGA
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MODULO 1
“ELEMENTOS BÁSICOS DE LAS ARTES”
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MODULO 1
“ELEMENTOS BASICOS DE LAS ARTES”
Aprendizajes Esperados
* Explora la dimensión y las características del espacio a partir de la interacción corporal
en distintos tiempos.
* Reconoce en su entorno los elementos básicos de las artes, para identificar las
propiedades de la forma.
INTRODUCCIÓN DE LA ASIGNATURA DE ARTES
Arte y Sociedad
La belleza se puede apreciar en las obras de la naturaleza, lo mismo que en las
obras realizadas por el hombre, ya que desde los tiempos más remotos se ha
manifestado artísticamente utilizando muy variados elementos: piedra, sonido,
color, movimiento, palabra; los cuales ha ido transformando al paso del tiempo,
de acuerdo con su voluntad.
Se considera arte a la creación estética realizada por el hombre, se valora
tomando en cuenta el momento histórico en que se efectuó.
Existen artes menores y artes mayores.
Artes Menores:
También conocidas como artes útiles tienen como características: la belleza, y la
utilidad de los utensilios; entre ellas se pueden citar: orfebrería, cerámica,
vidriería, cestería, textil, alfarería, peletería, juguetería. Etc.
A diferencia de las artes menores que pretenden un fin práctico y útil, las artes
mayores poseen valores artísticos desinteresados, no utilitarios; tienen como
objetivo principal el gozo y la emoción estética que plasma el artista y aprecia el
espectador.
Artes Mayores:
Es aquí donde quedan comprendidas las Bellas Artes.
Actualmente estas manifestaciones pueden clasificarse de la siguiente manera:
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Artes Espaciales, Plásticas o Visuales
PINTURA
Representa objetos e
imágenes de líneas, puntos y
colores con una intención
expresiva y comunicativa
que se analiza de acuerdo a
su tema y contenido.
ESCULTURA
Consiste en labrar una obra

de arte en relieve, crear
formas corpóreas, manejar
volúmenes y espacios
utilizando diversos
materiales.
ARQUITECTURA
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Se encarga de proyectar,
construir y adornar casas,
edificios y espacios
exteriores distribuyendo las
áreas de la mejor manera,
utilizando los materiales
apropiados.
Artes Temporales o Fonéticas

MÚSICA
Comunica su mensaje al
combinar los sonidos y silencios
con el tiempo de manera
armoniosa y agradable al oído,
de tal forma que sea grato al
espíritu.
DANZA
Consiste en la coordinación
estética de movimientos
corporales; puede ser
interpretada con o sin
acompañamiento musical. Utiliza
como elementos el ritmo, el
movimiento y la manifestación
de diversos estados de ánimo.
TEATRO
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Es la comunicación del autor
con el público a través de
actores mediante un
espectáculo viviente, donde se
representan dramas.
Artes Mixtas
LITERATURA
Emplea la palabra como
instrumento de expresión
artística despertando
emociones estéticas. Este
arte se vale de elementos
que el autor toma de la
realidad los cuales
adquieren otra dimensión
mediante la imaginación
creativa que el artista
plasma en su obra.
CINEMATOGRAFÍA
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Tiene como función la
reproducción fotográfica de
imágenes en movimiento,
además se encarga de
componer y realizar
películas. El cine posee la
magia de conjugar a todas
las Bellas Artes.
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Actividad diagnostica.
1.- ¿Qué es el arte?
A) Es la representación gráfica utilizando colores mezclados con otras sustancias.
B) Actividad o producto realizado con una finalidad estética para expresar
Emociones.
C)Es la manipulación de materiales con texturas diversas para la creación de
Obras.
D)Es aquella que usa la tecnología para expresar sentimientos.
2.- ¿Qué es la abstracción?
A) Capacidad de separar un elemento de su contexto para analizarlo y hacerse un
Concepto de este.
B) Es la impresión que producen en la retina los rayos de luz reflejados y
Absorbidos por un cuerpo.
C)Es el conjunto de procedimientos o recursos que se usan en el arte, en una
Ciencia o en una actividad determinada.
D)Es la destreza o habilidad de una persona para representar una idea o
Pensamiento.
3.- ¿Qué significa el término composición dentro del arte?
A) Uso de técnicas de pintura, conocimientos de teoría del color y de composición
Pictórica.
B) Proceso para unir trozos de película para crear distintas secuencias
Cinematográficas.
C)Actividad o producto realizado con una finalidad estética y comunicativa, para
Expresar emociones.
D)Colocación y ordenamiento de los elementos que integran una obra de arte.

4.- ¿Cuáles son algunos elementos del arte?
A) Arriba, abajo, atrás
B) Espacio, luz, arriba
C)Figura, espacio y color.
D)Adentro, afuera y color.
5.- Están integradas por medios de producción como la pintura, escultura,
Fotografía, grafiti, fotomontajes, collage, etc.
A) Artes visuales
B) Artes plásticas
C)Arte moderno
D)Museografía
6.- ¿Cuál es el arte donde se representan cuentos, historias, leyendas por
Personas reales?
A) Teatro
B) Danza
C)Pintura
D)Dibujo
7.- ¿Cuáles son las características expresivas de una obra de teatro?
A) Diálogos, luces y escenario.
B) Luces, sillas y ademanes.
C)Personajes, escenario y guion.
D)Movimientos, ademanes y diálogos.
8.- ¿En qué país se originó el teatro?
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A) España B) Grecia C)Italia D)Brasil
9.- ¿Cómo se les llama a las personas que dan vida a los personajes en una
Obra de teatro?
A) Artistas B) Autores C)Actores D)Presentadores
10.- Lo que dicen estos personajes dentro de una obra de teatro constituye el:
A) Parlamento B) Discurso C)Poemas D)Canciones
¿Qué son las artes visuales?
Son expresiones artísticas enfocadas en la creación de trabajos visuales como la pintura, la

fotografía, el grabado, la escultura, la arquitectura, el cine, la serigrafía, el diseño, el videoarte,
la instalación y además en las que se utilizan imágenes como medio de comunicación.
¿Qué es una imagen?
Es la representación visual de un objeto, real o imaginario, que puede ser expresada por
diversos medios, como la pintura, el dibujo, la fotografía, la escultura, el cine, entre otros y
nos brinda conocimiento acerca de nuestro entorno. Está compuesta por puntos, líneas,
planos, textura, dimensión, color y movimiento.
Como seres humanos necesitamos comunicarnos y lo hacemos no sólo por medio de las
palabras, los gestos, los sonidos o la música; también utilizamos las imágenes para expresar
nuestras ideas, sentimientos y mensajes que representen nuestra realidad.
Vivimos rodeados de imágenes, ya sean publicitarias, didácticas, arquitectónicas o de
esparcimiento y los medios por los cuales llegan a nosotros son muy variados: televisión,
internet, libros, videos, revistas, cine, periódicos, historietas o cómics, esculturas,
propaganda, monumentos, videojuegos y anuncios espectaculares. En cada uno de ellos
podemos observar su colorido, su tamaño, su forma y la finalidad con la que fueron hechos,
de esta manera nos permite conocer multitud de cosas; por ejemplo, nos han dado la
oportunidad de conocer los diferentes momentos históricos, ya que son una fuente
documental de gran importancia.
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Clasificamos las imágenes en tres categorías:
SIMBÓLICAS: Son símbolos, representaciones de algo inmaterial.

INFORMATIVAS: Proporcionan información visual sobre el mundo.
ESTÉTICAS: Complacen al espectador y generan sensaciones.
Todo mensaje visual tiene un proceso de comunicación con los siguientes elementos:
EMISOR MENSAJE
El que envía el mensaje Lo que se quiere transmitir
CANAL RECEPTOR
Medio que se utiliza para transmitir el mensaje A quien se dirige dicho mensaje
¿Qué es la percepción?
Es la manera en la que el cerebro interpreta los estímulos que recibe, a través de los sentidos,
para formar una impresión consciente de su entorno. En este proceso, no sólo interviene el
sentido de la vista, sino también la experiencia personal, los gustos, preferencias y
motivaciones.
Todas las imágenes a nuestro alrededor tienen un significado y un fin especifico, según el
mensaje que se busque transmitir; por ejemplo, en publicidad se crean para vender productos
o servicios; en prensa para informar y en el arte para satisfacer al espectador o producir
alguna emoción en él. En general, buscan producir sensaciones en el espectador. Según su
fin, pueden causar: alegría, tristeza, nostalgia, enojo, empatía, etcétera.
ACTIVIDAD 1:
Leen atentamente la siguiente expresión que manifestó el escritor alemán Tucholosky:
“UNA IMAGEN VALE MÁS QUE MIL PALABRAS”

1. ¿qué quiso decir el escritor al mencionar esta frase?
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2. Analiza y describe tu interpretación de la siguiente imagen.
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Las imágenes QUE ME RODEAN
El lenguaje de las imágenes
El ser humano necesita comunicarse, las imágenes también nos sirven para
expresar ideas. “Una imagen dice más que mil palabras”
APRENDAMOS
Entorno: es todo lo que rodea a un objeto, a una persona o a un grupo; se trata de un

espacio, lugar o territorio y todo lo que contiene.
Fotomontaje: Es una variante del collage, que consiste en hacer una composición con
fragmentos de distintas fotografías. Fuera de su contexto original, estos fragmentos
fotográficos adquieren un nuevo significado.
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Imágenes que nos rodean
En la vida cotidiana estamos rodeados de imágenes, ahora más que nunca

vivimos sumergidos en una cultura visual, en la mayoría de los medios de
comunicación ya sean digitales o impresos, las verás en gran cantidad, pero te
has preguntado: ¿qué importancia tiene en tu entorno y cuál es su significado?
Las imágenes son una forma de representar la realidad, un sistema de
comunicación. Al analizarlas podemos descifrar información acerca de nuestro
entorno.
En el ambiente familiar también estamos rodeados de imágenes que hablan de
nosotros y nuestro alrededor: si las observamos, podemos saber cómo era la
vida en esa época, cuáles eran los usos y costumbres. Revisa tus fotos de
cuando eras bebé o de tu infancia y recordarás cómo eran, tú, tus padres o
familiares o el lugar en el que vivías. Podrás darte cuenta que las fotografías
representan un testimonio histórico de vida.
ACTIVIDAD 2. Busca fotografías familiares, pegalas en tu cuaderno y contesta

las siguientes preguntas
¿Quiénes aparecen?
¿Qué actitud tienen?
¿Cómo están vestidos?
¿Dónde se tomo la fotografía?
Describe cómo es el entorno
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Pega una fotografía familiar
(reciente)
¿Qué actitud tienen?
¿Cómo están vestidos?
¿Dónde se tomo la fotografía?
Describe cómo es el entorno
ACTIVIDAD 3
Observa y analiza la imagen.
¿Te parece conocida?
Describe lo que aparece en la imagen.
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ACTIVIDAD 4
Los temas de la fotografía de prensa pueden clasificarse de diferentes maneras,
te proponemos: sucesos políticos y sociales retratos individuales y colectivos,
imágenes de la vida diaria, naturaleza y medio ambiente, deportes, ciencias y
manifestaciones culturales (artes y tradiciones).
Contesta en tu cuaderno las siguientes preguntas.

¿Qué están haciendo?
¿Te es familiar alguna imagen?
¿Cuál es el tema de alguna fotografía?, ¿Por qué lo dices?
¿Qué pretendía el fotógrafo?, ¿Por qué escogió ese ángulo?
¿Qué fotografías te gustan?, ¿Por qué?
ACTIVIDAD 5
Selecciona una fotografía de periódico de tu interés o de tu agrado y contesta
las siguientes preguntas en tu cuaderno
¿Por qué te gusto?

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¿Es dramática?
¿Sus colores son llamativos?
¿Aparece algún personaje que te agrada?
¿La tomo el fotógrafo en el momento preciso?
ACTIVIDAD 6
Investiga las siguientes palabras aplicadas a la fotografía.
Tono:
Ritmo visual:
Textura visual:
Profundidad de campo:
Tono (contraste de luz y sombra):
Ritmo visual:
Textura visual:
Profundidad de campo:
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ACTIVIDAD 7
Realiza la toma de una fotografía de tu comunidad (actividad cultural,
tradicional) e imprímela, pegala en tu cuaderno y describe la situación, objeto o
lugar que está en tu fotografía
ACTIVIDAD 8
Investiga los siguientes términos (APRENDAMOS).
Interpretación:
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Subjetividad:
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Hiperrealismo:
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Expresionismo Abstracto:
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Volumen:
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ACTIVIDAD 9
Observa con cuidado cada detalle de la pintura; posteriormente, contesta las
siguientes preguntas en tu cuaderno con ayuda de tus compañeros.
¿Qué formas observas?

¿Cómo son las formas?
¿Qué detalles observas?
¿Qué formas de la pintura has reconocido en tu entorno?, ¿Dónde?
¿Qué colores se utilizan en la obra?
¿Crees que corresponden estos colores a tu entorno?, ¿Por qué?
ACTIVIDAD 10
El pintor norteamericano, nacido en Nueva York en 1923. Roy Lichtenstéin es
uno de los representantes más importantes del Pop Art. Inspirado en la
civilización industrial urbana, retoma es estilo de los cómics y la mitología de
nuestro tiempo. Murió en octubre de 1997.
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Busca la obra óleo sobre tela (Interior with skyline) e imprímela. Coloréala de la
misma manera.
¿Cómo son las formas?
¿Qué colores emplea Roy Lichtenstéin?
¿Corresponden con los que percibes en tu entorno?
¿Qué texturas observas en el cuadro?
ACTIVIDAD 11
Da cuerdo a esta imagen, dibuja y colorea el entorno que te imagines.
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ACTIVIDAD 12
Malcolm Morley es un pintor Hiperrealista estadounidense que trabaja sus
pinturas basándose en una retícula.
Origen de la cuadrícula en el dibujo

Como te mencionamos antes, el método de dibujo en cuadrícula ha sido utilizado por artistas
durante cientos de años como un medio para lograr un dibujo preciso, incluso algunos diagramaron
el proceso. La mayoría de estos artistas consideraban el uso de la cuadrícula como un secreto
comercial. Leonardo da Vinci fue solo uno de los muchos artistas de su tiempo que utilizó la
técnica de la cuadrícula para desarrollar un contorno preciso de sujetos vivos.
1. Elige los materiales adecuados
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Es bastante fácil saber cómo hacer dibujos con la técnica de la cuadrícula una vez que le coges el
truco y tienes los materiales adecuados. Si te estás preguntando qué materiales se usan para hacer
un dibujo en cuadrícula, toma nota de los siguientes elementos:
 Regla
 Lápiz de dibujo
 Goma de borrar
 Impresión de la imagen a recrear
 Soporte: papel, lienzo o cartulina
2. Define el tamaño de tu soporte
Esto dependerá si decides mantener las medidas de la imagen (el soporte medirá lo mismo),
agrandarla o reducirla. Así que ten en cuenta este detalle al momento de hacer un dibujo en
cuadrícula.
Ejemplo de una imagen de 12,5 x 25 cm:

 Si quieres duplicar su tamaño, el soporte debe ser de 25 x 50 cm.
 Si quieres reducir a la mitad su tamaño, el soporte debe ser de 6,25 x 12,5 cm
 3. Dibuja la cuadrícula sobre la imagen a copiar
 Antes de comenzar a trazar la cuadrícula debes decidir cuál será la distancia entre las líneas
que la formarán para saber la medida de las celdas.
 Cuantas más celdas tengas, más fácil será reproducir el dibujo en cuadrícula con
precisión, pero ¡cuidado! más trabajo te llevará dibujar la imagen elegida. Por eso, lo
recomendable es elegir la cantidad de celdas de acuerdo a tus habilidades y a la dificultad de
la imagen a copiar.
 Con la ayuda de una regla y un lápiz suave, para luego poder borrar sin problemas, marca los
puntos de referencia desde donde dibujarás las líneas horizontales y verticales de la
cuadrícula.
 Proporción de las cuadrículas
 Recuerda que la distancia entre líneas debe ser la misma en toda la rejilla para obtener
cuadrados exactos. Adicionalmente, debes tener en cuenta que las cuadrículas deben tener
una proporción de 1:1. Esto es muy importante; de lo contrario, tu dibujo en cuadrícula se
distorsionará.
 Básicamente, una proporción de 1:1 significa que tendrás exactamente el mismo número de
líneas en tu lienzo que en tu foto de referencia, y que en ambos casos, las líneas deben estar
igualmente espaciadas: cuadrados perfectos.
4. Traza la misma cuadrícula sobre el soporte

En este paso de cómo dibujar en cuadrícula debes tener en cuenta si vas a mantener o no las
dimensiones de la imagen original.
Si la imagen copiada va a tener el mismo tamaño que la original, solo debes copiar la cuadrícula
con las mismas medidas.
Si la imagen copiada va a ser más grande o más pequeña, debes dibujar la cuadrícula más grande o
más pequeña de forma proporcional.
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LA FOTOGRAFÍA PERIODÍSTICA
¿Qué es la fotografía Periodística y cuáles son sus características?
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Como sabemos, la fotografía tiene muchos ámbitos para explorar y entre ellos está el
fotoperiodismo. Si recién estás iniciando en esto, seguro te preguntas ¿qué es la fotografía
periodística?, pues es aquella que nos comunica sobre un hecho real que está sucediendo
en la sociedad.
Su objetivo es contarles a las personas, mediante imágenes, lo que se está viviendo en el

mundo; además de transmitir las emociones del momento, lo cual logre concientizar sobre un
tema en específico, teniendo en cuenta que todo lo que se puede abordar es innumerable.
Las principales características de la fotografía periodística que

debes saber
Como todo tipo fotográfico, ésta también tiene que cumplir con ciertos detalles para
denominarse como tal y comunique lo que el fotógrafo a querido mostrar y no caiga en
convertirse en una imagen sin significado alguno. Es por eso que ahora te indicaremos
las principales características de la fotografía periodística
 Una de las características de la fotografía periodística es la actualidad
Como ya se había explicado antes, el fotoperiodismo tiene ciertas reglas. Entonces,

debemos saber que la primera característica de la fotografía periodística es que debe
retratarse un hecho actual. Sino, no habrá relevancia para contar la historia que deseas y
perderá toda la importancia de ser vista.
Siempre tengamos presente que lo que se busca es comunicar al mundo lo que está
sucediendo, entonces este profesional tiene que estar siempre atento a todo lo va pasando
día a día y estar en el lugar preciso en el que la noticia está pasando.
Otra característica del fotoperiodismo es ser objetiva
Este punto es importante, ya que podríamos caer en no cumplir esta regla La característica
del fotoperiodismo es que debe ser objetiva. Es decir, que la situación que se presenta en
la fotografía tiene que ser fiable para que los espectadores vean la realidad de la noticia. El
fotógrafo puede tener una apreciación personal sobre el hecho a retratar, sin embargo, esto
no puede afectar al resultado final, ya que el objetivo principal es de comunicación para que
cada espectador sea libre de sacar sus conclusiones.
También, otra característica de la fotografía periodística es la narrativa La lectura de la

foto es otro punto importante para contar una historia. Por eso una característica de la
fotografía periodística es la narrativa. Lo que quiere decir que debemos encontrar
elementos que ayuden a la comprensión del mensaje. Debemos dejar bien en claro qué se
está contando para que el espectador no quede en duda o que no desconfíe de lo que se
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trata la historia. Si bien es cierto, se pueden tomar varias fotos para entender el contexto,
pero qué rica es una imagen cuando tiene todo lo necesario para contar absolutamente todo.
Por último, la fotografía periodística se caracteriza por la estética
Último punto, pero no menos importante es cómo se ve la foto. La fotografía periodística se

caracteriza por la estética. Puede ser que pensemos que como estamos capturando en un
momento inesperado, no importa si la composición tenga errores, sin embargo, no caigamos
en este error. La iluminación, el brillo, contraste, encuadre y todo tiene que jugar un rol muy
importante. Debemos lograr que la foto se vea bien, que se pueda leer. Tienes que ser
preciso, poder captar el mejor momento y éste se vea bien compuesta. Es por eso que quien
se encargue de hacer este tipo de fotos, debe tener rapidez con su cámara y a la vez un ojo
crítico para capturar lo mejor que pueda.
Actividad comprensión lectora. Después de leer correctamente el texto anterior

deberás seleccionar ideas principales y realizar un organizador grafico que sea de tu
agrado pídele a tu maestro que te ayude con dicha acción.
ACTIVIDAD 13
Busca Imágenes informativas en periódicos y revistas en tu cuaderno realiza
una tabla como esta y describe que sucede en las fotografías.
Imagen Deportiva Imagen de Nota Roja
Imagen de Entrevista Imagen Documental
Símbolo
Es una herramienta universal de comunicación y señalización, uno de los

elementos más importantes de cualquier lenguaje, ya que sirve para comunicar,
pero sin necesitar grandes textos o palabras.
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Los símbolos, en la comunicación visual, son representaciones graficas de un
concepto, idea o valor a través de una analogía; es decir por asociación. La
imagen se simplifica hasta lograr una sencillez estructural que sea fácilmente
percibida y memorizada.
Tiene la capacidad de comunicar conceptos sin necesidad de parecido físico,
utilizando la abstracción y esquematización. Comunica un concepto, idea o valor
a un grupo con un contexto cultural en común.
Son muy utilizados por grupos, asociaciones o individuos, para representarlos.
¿Qué es un símbolo?
Es una herramienta universal de comunicación y señalización, uno de los

elementos más importantes de cualquier lenguaje, ya que sirve para comunicar,
27
pero sin necesitar grandes textos o palabras.
Los símbolos, en la comunicación visual, son representaciones graficas de un
concepto, idea o valor a través de una analogía; es decir por asociación. La
imagen se simplifica hasta lograr una sencillez estructural que sea fácilmente
percibida y memorizada.
Tiene la capacidad de comunicar conceptos sin necesidad de parecido físico,
utilizando la abstracción y esquematización. Comunica un concepto, idea o valor
a un grupo con un contexto cultural en común.
Son utilizados en grupos, asociaciones o individuos, para representarlos.
ACTIVIDAD 12 dibuja en tu cuaderno 4 símbolos de que observes

constantemente en tu comunidad o la escuela ay escribe una breve explicación
sobre cuál es su uso y su importancia.
APRENDAMOS
Composición: Acomodo o agrupación de formas con una idea determinada.
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Siniestro: Malo o con mala intención. Desgraciado o de suerte contraria a lo que se desea.
Estética: Ciencia que trata de la belleza y de la teoría fundamental y filosófica del arte.
LECCIÓN: 3 Collage
Es una técnica artística que consiste en pegar y combinar diversos materiales

sobre un papel, lienzo o tablero. Se pueden utilizar infinidad de materiales y
combinaciones para expresarse de manera creativa, como periódicos, revistas,
papeles de colores, fragmentos de fotos, materiales sólidos como telas, cartón,
pintura, incluso objetos con volumen como prendas de vestir, cajas, objetos de
metal. Es un medio de expresión que te permitirá dar rienda suelta a tu
imaginación.
LECCIÓN 3.1 Antecedentes del Collage
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Fue creado en 1912 por los cubistas Picasso y Braque. Significó un “boom” en
el siglo XX, ya que fue la técnica representativa del arte más usada por
corrientes vanguardistas como: el futurismo, cubismo, dadaísmo, surrealismo y
constructivismo.
Con el paso del tiempo y los avances tecnológicos ha evolucionado
considerablemente; gracias a internet y a los programas informáticos de
manipulación de imágenes logró adaptarse a la era digital y actualmente en el
arte contemporáneo esta técnica tiene más vigencia que nunca.
ACTIVIDAD: realiza en tu cuaderno un ejemplo de collage, para ello deberás

utilizar recortes de periódicos o revistas, de imágenes que expresen ideas
similares.
LECCIÓN: 4 Encuadre
Es la distancia que existe entre el objeto o sujeto representado y el observador.

El encuadre nos genera la impresión de estar cerca o lejos del motivo principal
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de la imagen. Es la porción de la escena que el artista elige plasmar en su obra.
Encuadre Abierto o Encuadre Medio Encuadre Cerrado

General Es aquel en el Nos muestra lo que está Sólo nos muestra una
que los espectadores cerca del motivo o parte de la imagen, el
podemos observar un sujeto, es decir, nuestro campo visual es más
gran campo visual, por campo visual de ha estrecho que en el plano
ejemplo, en una reducido; es una mezcla medio, debido a que el
panorámica de algún del plano abierto y el artista sólo busca
paisaje, ya sea natural, cerrado, muestra más destacar ciertos detalles
urbano o industrial. El detalles del contorno del o características.
propósito de esté es objeto representado,
presentar el entorno pero no tantos que
completo en el que se distraigan nuestra
encuentra el objeto o atención del objeto
sujeto que se presenta. central y sus detalles
particulares.
ACTIVIDAD: Realiza 3 dibujos donde representes los encuadres de las imágenes

y la fotografía, además en casa con ayuda de tus padres o algún familiar que
tenga celular o cámara fotográfica toma tres fotografías donde se aprecien los
tres tipos de encuadre imprímelas y pegalas en tu cuaderno.
Composición
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Se refiere a la disposición equilibrada de los elementos y sujetos dentro del
cuadro, incluye los siguientes aspectos a considerar: tono, textura y color.
Es una herramienta muy potente a la hora de transmitir sentimientos, es un
factor importante para comprender la imagen, cada elemento que se incluye en
una composición se utiliza para transmitir el mensaje de la mejor manera.
Equilibrio Simetría
Es cuando el peso visual de los elementos está
Es la distribución y repartido de modo equivalente con respecto a uno de
compensación los ejes principales, vertical u horizontal.
correcta del peso Asimetría
visual y de la dirección Cuando el peso visual de los elementos de la imagen
de los elementos en se reparte de modo desigual con respecto a uno de
una imagen. los ejes principales, vertical u horizontal.
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ACTIVIDAD (producción de textos)
Realiza una toma fotografía donde reflejes múltiples composiciones imprímela y
pegala en tu cuaderno
LECCIÓN:6 Elementos importantes de una imagen
TONO RITMO
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Es el contraste de luz y de sombra; es Se representa con la repetición de
decir, la brillantez visual de alguna determinados elementos.
zona, que se distingue de otras más
oscuras.
TEXTURA COLOR
Se reconoce como está formada la El color es el que provoca mayor
superficie de los objetos si son lisos, respuesta emocional en el espectador.
arrugados, suaves o ásperos. Por medio de éste una foto se puede
percibir emocionante, alegre,
melancólica, misteriosa o triste.
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ILUMINACIÓN CONTRASTE
Es el conjunto de técnicas, mariales y Se refiere a la diferencia en la
efectos utilizados para iluminar una tonalidad que existe entre un color y
escena o sujeto. La luz es el factor otro, a la de intensidad de iluminación
más importante y determinante para el entre blanco y negro o en la de
resultado final de una fotografía. colores de una imagen fotográfica.
La fotografía.
Origen de la fotografía
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La cámara fotográfica es la aplicación de la óptica a la química. Su precedente remoto es la cámara
oscura, fenómeno conocido por los chinos hace dos mil quinientos años y que tomó cuerpo en el
siglo XVI. A finales de la Edad Media, el sabio árabe Al-hazen observaba los eclipses de sol a través de
una cámara oscura que describe así en pleno Renacimiento Leonardo da Vinci: “Si un rayo de sol
penetra en una cámara oscura a través de un agujero proyectará sobre el lado opuesto una imagen
invertida”.
Para inventar la cámara fotográfica y obtener una imagen bastaba con sustituir ese agujero por
una lente. Cosa que hizo el italiano Aniello Barbaro en 1568, introduciendo una lente convergente
para mejorar la nitidez de la imagen. Sólo faltaba una cosa, y era encontrar un método para poder
fijar la imagen de forma natural, sin recurrir al lápiz o el pincel.
La reproducción invertida y reducida de una imagen a través de una lente convergente es un

fenómeno denominado cámara oscura, nombre que alude a una habitación pintada de negro con
un agujero que deja pasar el rayo de luz que da lugar a una imagen invertida en la pared interior
opuesta. De este modo, al interponer entre la pared y el haz luminoso un papel o cualquier otro
soporte es posible dibujar en él la imagen expuesta. Este procedimiento fue usado por los artistas
para obtener imágenes según cuenta el físico napolitano Giambattista della Porta en su Magia
naturalis (1569), el primero en utilizar la cámara obscura con aquel fin.
Para reproducir la imagen era necesario un soporte sensible, y se dio con ese elemento
accidentalmente a principios del XVIII. Cuando el alemán Johann Heinrich Schulze descubrió que un
frasco de sales de plata mezcladas con tiza y ácido nítrico adopta en los sitios expuestos a la luz una
coloración púrpura, a la vez que deja en blanco las zonas no expuestas.
Este fenómeno interesó a otro sabio, Carl W. Scheele, que observó cómo las bandas del espectro solar
no oxidan con la misma rapidez el nitrato de plata; sino que lo hacen gradualmente, observaciones
que quedaron en el olvido. De haber estado el mundo de la química tan avanzado como el de la
óptica, la cámara fotográfica la hubiera inventado en 1685 Johann Zahn o Athanase Kircher,
fabricantes de cámaras oscuras portátiles.
En 1801 y 1802, Johann W. Ritter y Thomas Wedgwood intentaron obtener sin éxito una imagen
sobre papel sensible en una cámara oscura. Wedgwood quería copiar los dibujos de las cerámicas de
su padre colocando una pantalla de nitrato de plata al fondo de la cámara oscura. En 1802, Humphrey
Day publicó el experimento en el Journal of the Royal Institution, en Londres. Las pálidas y efímeras
imágenes de Wedgwood fueron sin embargo las primeras fotografías de la historia.
Quién inventó la fotografía
36
Tal y como hoy la entendemos, la fotografía fue inventada por Joseph Nicéphore Niepce que
captó en 1816, una imagen sobre papel impregnado en cloruro de plata al fondo de una cámara
oscura: era el primer negativo, pero tan efímero que servía de poco.
Joseph Nicéphore Niepce, padre de la fotografía
Este litógrafo aficionado francés, para prolongar la duración de la imagen, recurrió al betún de Judea,
que se endurece y torna blanco si le da la luz, y en una placa recubierta con esta sustancia Niepce
reprodujo unos grabados en 1822: los antepasados de la fotografía. En 1826 Niepce captó, tras ocho
horas de exposición sobre una placa recubierta con betún de Judea, el primer positivo de una
imagen. Acababa de nacer la fotografía como hoy la conocemos.
El motivo fotografiado desde las ventanas de su casa de campo de Gras fue el tejado y el granero, y
ésa es en puridad la primera fotografía sobre soporte de metal. Poco después, en 1826, el pintor
francés Louis J.M. Daguerre, especialista en realizar dioramas, escribió a Niepce, que aquel año
obtenía la primera fotografía, informándole de que andaba detrás de conseguir imágenes
permanentes con una cámara oscura.
Niepce no hizo mucho caso, pero tres años después se asociaron. Diez años más tarde vendieron los
derechos del invento que Niepce llamó heliografía, al gobierno francés, teóricamente propietario de
los derechos del invento de la fotografía. Los daguerrotipos (1835) fueron fruto de la unión de
Niepce y Daguerre, que sustituyeron la placa de Niepce por otra de metal. La imagen obtenida era
de una asombrosa perfección y la daguerrotipia se apoderó de Europa: en sólo un año se vendieron
en París más de medio millón de placas y en Estados Unidos más de tres millones en 1853.
La fotografía quedó definitivamente perfilada, tras los trabajos del matemático inglés Henry Fox
Talbot e Hipólito Bayard, cuyas investigaciones, al margen de los trabajos de Niepce,
posibilitaron fijar imágenes sobre papel. Usaba para sus experimentos unas cajas pequeñas
cuadradas de seis centímetros cuadrados que su mujer llamaba ratoneras con las que obtenía
negativos en miniatura.
La primera imagen fotografiada por Talbot fue una celosía en 1835, y no le dio el nombre de
fotografía sino el de dibujo fotogénico, hoy llamado calotipo. Las fotografías así conseguidas fueron a
la primera exposición de fotografía celebrada en el mundo en París, en 1839. Uno de sus logros
estribaba en que se obtenían tras quince minutos de exposición, tiempo que pronto se vio superado,
ya que en 1849, Talbot lo redujo a treinta segundos recurriendo al revelado de los negativos, sistema
creado por él.
Evolución de la fotografía
Desarrollos posteriores hicieron de la fotografía lo que es hoy. A ello contribuyó George Eastman,
que en 1888 desarrolló su famosa cámara kodak, permitiendo hacer cien fotografías gracias a
un rollo de papel fotosensible que permitía una exposición a la luz de fracciones de segundo.
37
Pero aquella máquina tenía una servidumbre: aunque utilizó por primera vez el rollo de celuloide era
preciso enviar la cámara a su fabricante para que la recargara: era hermética. La publicidad vino a
finales del XIX en auxilio de la fotografía con el eslogan: «Usted aprieta el botón; nosotros hacemos lo
demás».Los primeros ensayos de fotografía en color datan de 1840, pero se basaban en colorear
los daguerrotipos. No eran fotos en color conseguidas por la cámara, sino manipuladas sobre el
blanco y negro. Gabriel Lippmann (1891) fue el primero en obtener imágenes en color: aquello le
valió el Nóbel de Física en 1908.
Y en 1895, el francés Luis Amadeo Mante inventó un procedimiento de fotografía en color que daba
resultados: el mantocromo. Una de las primeras fotografías en color fue la de este inventor pionero
en el mundo de la entonces llamada cromofotolitografía.
La palabra era enrevesada, y se simplificó en cromo tras la siguiente anécdota: La señorita Josephine
Desvilliers, rica heredera de Burdeos, estaba en París y se hizo una cromofotolitografía que envió a su
pretendiente, y éste, que hacía tiempo que no la veía y había olvidado los detalles de su cara, al
recibirla exclamó:» ¿Esto es un cromo…?».
Desde luego, era una de las primeras fotografías en color. La primera reproducida por los medios
fue la de la pareja reinante danesa en el verano de 1907. La cámara fotográfica se hizo tan popular
que había letrillas y canciones, alusivas, muchas a la impericia de los fotógrafos aficionados.
Actividad: REALIZA UN MAPA MENTAL CON LA LECTURA DEL TEXTO

ANTERIOR, UTILIZA COLERES Y PALABRAS CLABE.
Ángulos de visión
Es el punto de vista del que el artista, más frecuentes son: Frontal, Aéreo,
Picada y Contrapicada.
38
Normal Picado Contrapicado
El nivel de la toma La cámara inclinada La cámara inclinada
coincide con el centro hacia el suelo. Sirve para hacia arriba.
geométrico del objetivo o describir un paisaje o un Físicamente alarga a los
bien con la mirada de la grupo de personajes, personajes, crea una
figura humana. La expresa la inferioridad o visión deformada;
cámara está situada a la la humillación de un expresa exaltación de
altura de los ojos de los sujeto, o la impresión de superioridad, de triunfo
personajes, pesadez, ruina, … El eje óptico puede
independientemente de fatalidad… El eje óptico llegar a ser totalmente
su postura Puede llegar a ser perpendicular al eje
totalmente perpendicular horizontal, mirando la
al eje horizontal, mirando cámara hacia arriba
la cámara hacia abajo (“vista de gusano”)
(“vista de pájaro”)
LECCIÓN: 8 Imagen Figurativa

39
Son aquellas representaciones que tratan de mostrar la realidad. Este interés de
mostrar el entorno y la vida cotidiana es muy antiguo, data desde los orígenes
del hombre, las podemos encontrar en las pinturas rupestres o en las figuras de
cerámica elaboradas por nuestros antepasados prehispánicos.
La manifestación artística más antigua del mundo de las que se tiene constancia
es la pintura rupestre, se han encontrado testimonios hasta de 40,000 años de
antigüedad.
Con el paso del tiempo, las manifestaciones artísticas fueron evolucionando y
perfeccionándose, además de que se crearon nuevas técnicas para realizarlas.
Las culturas antiguas como los Egipcios, Griegos, Romanos, Chinos, Persas e
Hindúes basaron sus representaciones tanto escultóricas, como pictóricas en la
figura humana.
En el arte Medieval predominaron las figuras religiosas y en el Renacimiento la
figura humana se convierte en centro y medida de todas las cosas. El estudio de
la anatomía, ayuda a los artistas a comprender la realidad del cuerpo humano y
plasmarlo.
La preocupación por lograr que las representaciones de la realidad fueran lo
más parecido a ésta fue una de las constantes en el arte.
En el siglo XIX aparece la fotografía y esta expresión artística se tuvo que
transformar debido a este gran avance tecnológico que implico la máxima
expresión del realismo.
Cada etapa en la historia de la humanidad aportó elementos artísticos y su
particular estilo de plasmar la belleza. En cada una los artistas se esforzaron por
conocer y perfeccionar las técnicas, formas, colores, texturas, planos y
espacios.
Imagen figurativa Realista

Una imagen es realista cuando intenta representar, de manera detallada, la
apariencia externa de los objetos, los lugares o las personas, tratando de imitar
sus rasgos, proporciones, colores y texturas; es decir, busca que la
representación de la imagen sea fiel, lo más parecida a la realidad.
Representan de manera detallada la apariencia externa de los objetos, los
lugares o las personas, tratando de imitar sus rasgos, proporciones, colores y
texturas.
Imagen Figurativa No Realista

Las imágenes figurativas no realistas representan las características generales
de las cosas, sintetizan los elementos visuales y los deforman, distorsionan o
estilizan de manera intencional con la intención de transmitir la esencia del
objeto representado.
40
LECCIÓN: 9 Estilización
Es cuando las figuras no se presentan como las vemos, sino de manera

diferente: alargadas, achatadas, aumentadas en volumen, deformadas en
algunas de sus partes o por completo.
Imagen Realista Imagen No Realista
41
ACTIVIDAD 18
Dibuja los siguientes ejercicios:
Imagen Realista Imagen No Realista
LECCIÓN: 10 La forma
Llamamos a la forma a la apariencia exterior de una figura. Cuando estamos

frente a una obra de arte, lo primero que observamos es un conjunto de formas,
esta se refiere a la manera en que se organizan los elementos que constituyen
una obra de arte.
LECCIÓN: 10.1 Clasificación de las formas

Formas Regulares
Son figuras geométricas como el círculo, el cuadrado y el triángulo, hexágono,
etcétera. Tienen sus ángulos y lados iguales con sus respectivos tamaños,
alturas, volúmenes y longitudes.
Formas Irregulares
Son todas las demás formas las que no usan figuras geométricas, por lo que
tienen más libertad y flexibilidad y su variedad es infinita.
Formas Orgánicas
Predomina la línea curva sobre la línea recta. La podemos observar sobre todo
en elementos de la naturaleza. Se caracterizan por su contorno irregular y
caprichoso.
42
LECCIÓN: 11 Equilibrio en la pintura
Es la distribución y compensación correcta del peso visual y de la dirección de

elementos en una obra, el equilibrio visual te hace sentir que los elementos han
sido bien distribuidos, mientras el desequilibrio causa una sensación de
inquietud.
Equilibrio Simétrico
Es cuando el peso visual de los elementos está repartido de modo equivalente
con respecto a uno de los ejes principales, vertical u horizontal. Existe un
elemento central, que divide la imagen en dos partes; y elementos que se repiten
a uno y otro lado.
Equilibrio Asimétrico
Cuando el peso visual de los elementos de la imagen se reparte de modo
desigual con respecto a uno de los ejes principales, vertical u horizontal. Rompe
la formalidad estática del centro y representa la alternativa para crear un efecto
dinámico en la composición.
43
LECCIÓN: 12 El Formato
Se refiere a las dimensiones de la obra que pude variar desde una miniatura
hasta un mural, también al soporte en la que se realizó la obra bidimensional.
Formatos Regulares
Son aquellos que se derivan de figuras geométricas como:
 Rectángulos horizontales o apaisado
 Cuadrado
 Circular
 Ovalado
 Acartelados (su nombre proviene de la definición de “cartel” y son
rectángulos verticales)
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LECCIÓN: 12.1 Formatos Irregulares
Se conforman de dos o más figuras geométricas o tienen más de tres lados con
diferentes medidas.
 El tipo de formato a utilizar es el primer elemento que define el artista, ya
que así determina el encuadre y la composición de la obra.
45
Actividad: 19
Diseña unos marcos y realiza algunas imágenes que pudieran encajar en ellos.
46
LECCIÓN: 13 El color
El uso del color es primordial, en las imágenes realistas, los colores son tal
como aparecen en la vida real, sin embargo, la combinación que de ellos hacen
los artistas plásticos, nos sugieren diferentes planos o momentos de la realidad,
todos ellos válidos.
LECCIÓN 13.1 Clasificación de los Colores
Primarios
Amarillo, rojo y azul. Son colores que se consideran absolutos y que no puedan
crearse mediante la mezcla de otros colores, es decir, no se basan en algún otro
color. Puedan combinarse para crear cualquiera de los otros colores del círculo
cromático. La mezcla de pigmentos de los tres colores primarios forma el color
café.
Secundarios
Naranja, verde y violeta. Se crean mediante la mezcla en cantidades iguales de
dos colores primarios. Aparecen en el círculo cromático entre los dos colores
primarios que lo componen.
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Colores Terciarios
Son los colores obtenidos de la mezcla de un primario y un secundario.
Neutros: Negro y Blanco
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49
LECCIÓN: 13 .2 Colores Cálidos, Fríos y Neutros
Los colores despiertan respuestas emocionales específicas

Colores Cálidos Colores Fríos Colores Neutros
Son el rojo, amarillo y Son el verde, azul y Son el blanco, negro,
naranja, se asocian con violeta, son colores que gris y café que sirven
los estados de ánimo producen una sensación como un balance entre
como alegría o enojo y relajante, por ende, se los colores cálidos y los
con sensaciones como asocian con la reflexión, fríos.
el calor y la luz. meditación y la
tranquilidad.
Contrastes
Colores claros: Sirven para dar luz y ayudan a resaltar algo a lo que se le quiere
otorgar importancia.
Colores oscuros: Sirven para dar profundidad. Crear sombras o darle sentido de
oscuridad a una obra.
50
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ACTIVIDAD 20
Mándalas para colorear utiliza únicamente colores cálidos
52
53
para colorerar el siguiente mandala debe combinar colores fríos y neutros
LECCIÓN: 14 Representaciones visuales
Bidimensional
Son aquellas figuras que tienen como característica dos dimensiones: ancho y
largo, por ejemplo: el dibujo, la pintura, la fotografía etc.
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Tridimensional
Son las obras trabajadas en volumen, en el espacio real, tienen tes dimensiones:
alto, largo y ancho, por ejemplo: la escultura, la arquitectura etc.
Frontales y planas
Se presentan con una sola vista, ya sea de frente o de perfil, las figuras
representadas no tienen profundidad, es decir, carecen de volumen y son
planas.
Este tipo de representaciones son comunes en las diferentes culturas antiguas:
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Griegas, Romanas, Egipcias, Prehispánicas, etcétera. Tomemos por ejemplo las
Egipcias, en ellas plasmaban su temática de frente o de perfil, de manera que se
veían planas, y sus imágenes respondían, generalmente, a intereses religiosos,
ellos no pretendían retratar la realidad de forma fiel y realista, sino sintética y
simbólica.
En estas imágenes los creadores representaban la realidad por medio de
pictogramas y símbolos.
Las imágenes, al no tener profundidad, no presentan una relación proporcional
de tamaños. Las personas, ahí dibujadas, eran representadas en distintos
tamaños según su jerarquía.
ACTIVIDAD 21. Realiza en tu cuaderno representaciones bidimensionales de la

imagen de tu preferencia.
Actividad. Realizar una escultura en jabón

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-Vas a necesitar:
– Una barra de jabón
– Un lápiz
-Objetos que te ayuden a definir la figura, como: pelapapas, tijeras, cuchara, clip,
entre otros
1. Dibuja en un papel la figura que quieras tallar y recórtala.
2. Calca tu dibujo sobre el jabón utilizando la punta del lápiz o un clip.
3. Pide a un adulto que te ayude en este paso. Con mucho cuidado, quita las partes de jabón que estén fuera de tu
dibujo. Puedes utilizar el pelapapas, una cuchara u algún otro objeto que te funcione.
4. Utiliza la cuchara o el pelapapas para darle la forma redonda o recta según sea el caso de tu figura.
5. Los detalles como ojos, líneas, etc, se pueden hacer con la ayuda de un clip, la parte superior de la cuchara y/o el
lápiz.
6. Este es el resultado final para una ballena, puedes detallar tu escultura tanto como quieras.
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58
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Escalas a evaluar Primer Grado Modulo 1
Materiales (criterios) Valor Numérico
Cuaderno de Trabajo:
(Elementos, Medios y Materiales)
En ella se tiene un registro teórico de esta asignatura y que

comprenden los temas de este módulo. Así como también las 30
imágenes (ilustraciones). Presenta en tiempo las tareas y ejercicios
para su registro. El alumno identifica las imágenes de su entorno.
Técnica de Danza:
(Expresividad)
Adquiere los conocimientos y habilidades plásticas. Reconoce el 60

lenguaje ilustrativo a través de la imagen, identifica las características
principales (Representación) a través de las técnicas prácticas.
Examen Teórico:
(Comprensión y Aplicación)
Expresa y describe los conocimientos aprendidos de manera clara y 10

precisa. Identifica las diferentes formas de una expresión a través de
nuestro entorno. Al igual que sus ilustraciones (imágenes) de este
60
módulo.
Calificación Final (total) 100
Primer Grado Grupo _____ Alumno (a) _________________________________________________ N.L _____
Observaciones:_____________________________________________________________________________________
__________________________________________________________________________________________________
_______________________________________________________________________________________________
MTRO. RUBEN BERRUN OLASCOAGA.
Firma de enterado: ___________________________________________________________________________
MODULO 2
“EL ARTE EN MI ENTORNO”
61
62
FELIPE SANTIAGO GUTIERREZ
Nació en Texcoco, el 20 de mayo de 1824, ingreso a la Academia de San Carlos,

donde fue discípulo de los pintores Miguel Mata y Pelegrín Clavé. Fue maestro
de dibujo en el Instituto Literario, poco después de que este plantel fuera
reinstalado por el gobierno de Olaguíbel.
Perfecciono su estilo de gran observador de los hombres y de la naturaleza

viajando por Europa y Estados Unidos. En Bogotá fundó una academia gratuita
de pintura y en 1881 se hizo cargo de la Escuela Oficial de Pintura, recién
fundada por el gobierno colombiano.
En México provocó alarma su Amazona de los andes, un desnudo integral que

preconiza el florecimiento del arte realista en Latinoamérica, bajo la influencia
del francés Coubert.
Dedico sus últimos años a la pintura natural de temas religiosos, a la enseñanza

y a la critica periodística, dando a conocer la importancia de algunos pintores de
su época como su discípulo José María Velasco. Murió el 4 de abril de 1904 en
su población natal.
MODULO 2: “APRECIACIÓN ESTÉTICA y CREATIVIDAD”
63
Explica las ideas y sentimientos que le provocan experimentar y observar diversas
manifestaciones de artistas visuales mexicanos.
Reconoce manifestaciones de las artes plásticas y visuales de distintas épocas y lugares,

para reconocer la diversidad creativa.
LECCIÓN: 15 El Muralismo
La pintura mural es una de las primeras manifestaciones artistas colectivas.

Existen antecedentes de pinturas murales rupestres hasta de 40,000 años de
antigüedad. Es éstas, el hombre de las cavernas se expresaba y narraba sus
vivencias.
En las culturas de la Antigua Grecia y Roma se representaba parte de la vida,
cultura, creencias, personajes, dioses y situaciones importantes sobre paredes
de los templos. Son múltiples culturas antiguas con ejemplos de pintura mural,
dada la necesidad del hombre de expresarse a través del arte y contar su
historia, su cultura y sus tradiciones con los murales que nos representan.
En la actualidad, entre los artistas contemporáneos, en una actividad muy
utilizada, incluso el grafiti, en sus expresiones más artísticas y monumentales,
ya es considerado como pintura mural.
LECCIÓN: 15.1 Pintura mural prehispánica
Nos muestra la cultura, historia y tradiciones de los pueblos de Mesoamérica.

En nuestro país, existen zonas arqueológicas con murales que se encuentran en
excelente estado de conservación, como las pinturas murales de Bonampak (800
DC); los murales de Teotihuacán o los de Cacaxtla.
LECCIÓN: 15.3 El muralismo en México
64
Más que una manifestación artística, significó un movimiento social y político de
resistencia e identidad nacional y uno de los logros más destacados del arte
público del siglo XX que alcanzó gran reconocimiento.
El objetivo de las obras del muralismo mexicano era difundir la identidad
nacional y los logros de la revolución mexicana; por esto fue declarado el arte
oficial de la revolución. Surgió a raíz de un proyecto cultural impulsado por el
entonces Secretario de Educación Pública, José Vasconcelos, quien buscaba
acercar el arte a todos los grupos sociales y para lograrlo convocó a jóvenes
artistas a crear una serie de murales en las paredes de la Escuela Nacional
Preparatoria y otros edificios públicos. Los representantes más reconocidos
son: Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros, entre otros.
Los murales tenían la función social del arte público, en ellos se plasmaban
hechos históricos para hacerlos fácilmente comprensibles al público en general.
Los temas que más se tocaban eran, por ejemplo, la historia del mundo
precolombino, sus tradiciones, la Conquista española, el comienzo de la época
moderna, la Revolución, la lucha de las clases, el pasado y presente de la
sociedad mexicana.
Sus integrantes rechazaban la pintura tradicional de caballete, así como
cualquier otra obra procedente de los círculos intelectuales; se expresaban a
través de la monumentalidad con un fuerte contenido social a la vista de todos.
Orozco, Rivera y Siqueiros creían en un arte colectivo que pudiera ser disfrutado
por gran parte de la sociedad, por lo que tenía que estar en espacios públicos.
Los muralistas mexicanos perfeccionaron las técnicas utilizadas en el
Renacimiento para los murales (óleo y fresco), debido a que la mayoría de sus
obras se hacían en exterior, comenzaron a desarrollar la pintura acrílica que
permanecía estable ante cambios climáticos y sacaba rápidamente.
LECCIÓN: 16 Diego Rivera

65
Fue un muralista exitoso, reconocido a nivel
internacional, de procedencia mexicana con una
ideología comunista, este muralista es conocido por
plasmar sus increíbles y maravillosos y grandes
trabajos en edificios públicos.
Nació el 8 de diciembre del año 1886 en la ciudad de
Guanajuato- México, lo registraron con el nombre de
Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno
Estanislao de Rivera
En el año 1896 empezó a tomar clases en la Academia

de San Carlos de la capital mexicana y en el taller de
José Guadalupe Posada, quien fue una gran influencia
para Rivera, en contra de los deseos de su padre.
En el año 1917, se interesó por el post impresionismo

gracias a las pinturas realizadas por Paul Cézanne, con
este tipo de pintura, Diego Rivera logró captar la
atención debido a sus acabados y colores llamativos,
por lo que su popularidad fue en ascenso. Volvió a México en el año 1921, donde comenzó a
participar en lo que fue el renacimiento de la pintura mural, abandonando así las corrientes
artísticas que estaban de moda en el momento para dedicarse a reflejar la historia de su
pueblo desde la época precolombina hasta la revolución. Este hecho fue iniciado por otros
artistas y fue patrocinado por el gobierno realizando campañas emprendidas por
Vasconcelos, y en las que participó junto a otros muralistas mexicanos como José Clemente
Orozco, David Alfaro Siqueiros y Rufino Tamayo y junto con el francés Jean Charlot.
Inició a pintar su primer mural en el año 1922, el cual llamó «La creación», el cual plasmó en el
interior del Anfiteatro Simón Bolívar de la Escuela Nacional Preparatoria, que para ese
momento se llamaba Universidad Nacional de México. Para este mural contó con el apoyo de
Carlos Mérida, Jean Charlot, Amado de la Cueva y Xavier Guerrero. En este mural quiso
plasmar la idea de la formación de la raza mexicana. Donde se observa la figura de un hombre
que nace del árbol de la vida. Esta obra dio fue un factor fundamental dentro del movimiento
muralista tanto de México, como de Latinoamérica.
En septiembre del año 1922, se dice que también inicio la pintura en la Secretaria de

Educación Pública, llegó a ser el cofundador de la Unión de Pintores, Escultores y Artistas
Gráficos Revolucionarios. También se afilió al Partido Comunista Mexicano. Así mismo, le
otorgaron algunos permisos para que pudiera llevar a cabo las pinturas y murales del Palacio
Cortés, la Escuela Nacional de Agricultura, y en el Palacio Nacional.
En diciembre de ese mismo año, 1922, Diego Rivera contrajo matrimonio con Guadalupe
Marín o conocida también como “La Gata Marín”, estos dos se conocieron gracias a Julio
Torri, mientras realizaba el mural. De este matrimonio tuvo dos hijas: Lupe, quien nació en el
año 1924 y Ruth, nacida en el año 1926.
Desde un principio buscó, y logró, una expresión libre y moderna que sería al mismo tiempo
comprensible. Tenía un enorme talento para estructurar sus obras y una gran mano para el
color, pero sus dos características más pronunciadas eran la inventiva intelectual y la
sensualidad refinada.
66
Su primer mural fue una alegoría en sentido filosófico. Las pinturas de Diego Rivera y su
significado se pueden ver en sus trabajos posteriores, desarrolló varios temas históricos,
sociales y críticos en los que la historia y la vida de los mexicanos aparecen como una
epopeya y como un ejemplo específico de ideas universales.
Una de sus características es que disfruto de su soledad y prefirió trabajar solo. Necesito
tiempo para contemplar sus ideas sin la intrusión de los pensamientos de otras personas. Fue
un lobo solitario y una persona que vivió por sus propias ideas y métodos.
Uno de los logros de Diego Rivera es que llegó a ser uno de los artistas con más aceptación
del público, tanto nacional como internacionalmente, tanto que resultó ser el pintor favorito
de Abby Rockefeller. Por eso los Rockefeller deciden encargarle a Rivera la realización de un
gigante mural para así decorar el inmenso vestíbulo del Rockefeller Center que tenía poco de
haberse construido en la ciudad de Nueva York.
Los Rockefeller, tenía la intención de que, con este mural, los visitantes tuvieran la necesidad
de parar allí a admirar la obra y a pensar.
Todo esto plasmado en la entrada del cuartel general, el cual se considera uno de los más
grandes íconos del capitalismo. Los mecenas le pidieron a Rivera que quitara la cara de Lenin
y que colocara la de un trabajador anónimo, pero Diego se negó a hacer tal cosa y respondió:
“Prefiero estar muerto que mutilar mi obra, pero le propongo una salida ecuménica: ¿Por qué
no ponemos del otro lado a alguna especie de héroe para Estados Unidos y el mundo
capitalista como puede ser Abraham Lincoln?
Romance Tormentoso con Frida Kahlo
Frida y Diego se conocieron mediante Tina Modotti, Kahlo ya había observado anteriormente
cuando Rivera llevaba a cabo su primer mural en la Escuela Nacional Preparatoria, y también
se habían encontrado en algunas reuniones y veladas a las que Frida iba en compañía de Tina
Modotti, pero nunca habían tenido la oportunidad de hablar directamente.
67
Un día Frida Kahlo decidió ir a visitarlo sorpresivamente,
mientras este hacia una serie de murales para la
Secretaria de Educación Pública, para así mostrarle el
trabajo que ella hacía. Diego tuvo una buena percepción
del trabajo de la mujer, quedó impresionado y la alentó a
seguir con su trabajo de pintora. A partir de allí era
invitado constantemente a la casa Kahlo.
El 21 de agosto del año 1929, Frida y Diego contrajeron

matrimonio. La relación de estos dos personajes,
consistió en amor, aventuras con terceros, vinculo
creativo, odio.
Diego Rivera y el muralismo
Entre los logros de Diego Rivera, se puede ver que fue un artista fundamente en el
movimiento muralista perteneciente al arte nacional, su madurez como pintor la alcanzó entre
los años 1923 y 1928, en esa época hizo varios murales como, por ejemplo, la elaboración del
fresco para la Secretaria de Educación Pública, en la capital de México, y también el de la
Escuela Nacional de Agricultura en Chapingo.
En los murales llevados a cabo en el año 1927 en la Escuela Nacional de Agricultura, en

las pinturas de Diego Rivera plasmó lo que fue la revolución agraria de México a su parecer,
guiándose y extrayendo algunos pequeños detalles de las obras de arte religiosas. Estos
hechos los podemos ver en la “Alianza obrero-campesino”, “El reparto de tierras o
Revolución-Fructificación”.
El Cubismo
Mientras el artista Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de Rivera y

Barrientos Acosta y Rodríguez (Diego Rivera nombre completo) se encontraba establecido en
París, estudiando aquello que tanto le gustaba, la pintura, se desarrollaba profesionalmente
en su pueblo natal México La Revolución.
El personaje que lo mantenía informado de dichos sucesos fue Martín Luis Guzmán un
escritor de la época que estaba exiliado de España para ese entonces. Este le hace una visita
a Diego Rivera a Francia. Y gracias a esa visita Diego llevo a cabo su obra del estilo cubista
más importante llamado «Retrato de Martín Luis Guzmán». Se puede decir que para Diego
Rivera características de sus obras esta el cubismo, pues para la época era uno de los estilos
que más se destacaban en el movimiento artístico.
En la actualidad, la obra «Retrato de Martín Luis Guzmán» se puede apreciar como parte de
una muestra de obras llamada Pinta la Revolución como un arte moderno mexicano.
Esta obra de Diego Rivera nos muestra que en la población mexicana hubo expresiones de
vanguardia por parte de sus artistas, con la particularidad de que estos buscaban adaptarles
un poco de su nación.
68
Mural en Palacio Nacional
Algunos de los muros del Palacio Nacional de México fueron cubiertos por obras de Diego
Rivera, que buscaban reflejar la identidad mexicana de ese entonces, 1929. En estos murales
Diego Rivera ilustra lo que fue la historia de México desde los tiempos precolombinos, está
plasmada en unas tres paredes que se ubican frente a la escalinata principal del Palacio.
Estos murales realizados por él, donde plasma y enfoca los acontecimientos importantes en
la historia de México, están basado en la liberación colonial, las imágenes reflejan de manera
clara la opresión que existía en los indígenas y en los campesinos, y también hace una clara
crítica a las clases dominantes. Plasma en representación de la época pre hispana, al
indígena como un símbolo de todas las virtudes nacionales, haciendo gran contraste con lo
que fue el mundo de los conquistadores y colonizadores europeos.
Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central
En el año 1947 realizó una en el Hotel Prado de la capital mexicana, hotel construido
recientemente en la época. La pintura llevó el nombre de “Sueño de una tarde dominical en la
Alameda Central”.
La ubicación original de la pintura era en el restaurante Versalles perteneciente al Hotel
Prado, pero este fue dañado a consecuencia del terremoto de México en el año 1985, pero
luego fue restaurado y ahora la obra reposa en el Museo Diego Rivera murales desde el año
1987. El mural consta de un Diego Rivera de niño, paseando por la Alameda Central, y allí
coincide con una numerosa cantidad de personajes emblemáticos a lo largo de la historia
mexicana, desde la época colonial hasta la revolución.
Diego Rivera temática de sus obras: El personaje central de la obra es La Catrina, portando
una golilla que representa a Quetzalcóatl, del brazo de José Guadalupe Pasada, y de la otra
69
mano tiene a Diego Rivera joven, así mismo detrás de esta está Frida Kahlo quien sostiene un
ying y yang.
En la parte izquierda se encuentran personajes pertenecientes al tiempo colonia,

representantes de la conquista, la independencia, la invasión de Norteamérica y la
intervención de Europa. Entre esos personajes están Hernán Cortés, el emperador
Maximiliano y su esposa Carlota, el Fray Juan de Zumárraga, Sor Juana Inés de la Cruz, entre
otros muchos personajes más.
En el lado derecho de la obra se encuentran personajes que representan la época de la
revolución, del movimiento campesino, como Porfirio Díaz, Francisco I. Madero, Emiliano
Zapata. También aparecen personajes como José Martí, Manuel Gutiérrez Nájera, Ricardo
Flores Magón, etc. Cabe destacar que esta obra causo polémica ya que Diego ilustró en ella
Ignacio Ramírez, “El nigromante” con su frase “Dios no existe
Vendedora de flores
En el año 1949, Diego Rivera pintor realizó la obra titulada “La vendedora de flores”, esta obra
fue de estilo indigenista y social, y tuvo bastante
popularidad, con esta obra quiso revivir el pasado, hacia
las épocas precolombinas, un momento importante en la
historia de México, en esta obra refleja la opresión del
campesino. Hace un vistoso contraste entre las
campesinas con la belleza y blancura de las flores y dicha
acumulación de flores, hace que el espectador de la obra
sienta la opresión.
El cargador de flores
70
“El cargador de flores” fue una obra, que realizó en una tabla de macos al temple y óleo. En
esta imagen se puede observar a un hombre, campesino, que portaba sombrero y huaraches.
Este estaba de rodillas, mientras carga una canasta enorme de flores, y una mujer grande, lo
ayuda a levantar esta canasta, también se observan hojas de un bonito verde y un piso de
tierra labrada.
La creación
En las características de las obras de Diego Rivera, en específicamente esta obra, se puede

localizar en el interior del Antiguo Colegio de San Ildefonso, este mural es muy relevante ya
que representa el primer trabajo muralista de Rivera hecho en México, este fue pintado a la
encáustica, esto quiere decir que se usó cera caliente para así fijar los pigmentos.
Para llevar a cabo esta obra, Diego empleó elementos naturales como símbolos. En esta obra
se puede visualizar un hombre, con los brazos extendidos hacia los lados y mucha flora y
fauna.
Gloriosa victoria
La obra de la “Gloriosa Victoria”, fue una de las pinturas de Diego Rivera que hizo como

encargo de un grupo de pintores de nacionalidad mexicana, con el fin de mediante el arte dar
apoyo a la nación de Guatemala, la cual había sido recientemente, invadida por los Estados
Unidos, Pero estos al ver el resultado de la obra decidieron no tomar la obra, ya que en esta
se mostraba a Dwight Eisenhower, el presidente de Estados Unidos en ese momento.
71
Diego Rivera pintor, añade que esta obra no fue llevada a cabo para México, si no que esta se
iba a incluir en una exposición de obras mexicanas en Varsovia, Polonia, de donde fue
excluida.
Pero para ese momento los estudiantes de la ciudad de Varsovia se dan por enterados acerca
de esta obra de Diego, por lo que se comunican con él mediante una carta diciéndoles que les
gustaría exhibir su obra. Esta fue exhibida un año después en una exposición de arte
organizada por los estudiantes de Varsovia.
A esa exposición asisten una serie de obreros rusos, los que le piden a Diego su obra, y
ciertamente Diego se las obsequia y esta es entregada al Museo Pushkin de Moscú.
La piñata Esta es una de las obras más importantes de

Diego Rivera, fue pintada en el año 1953 en el Hospital
Infantil de México. La piñata es una tradición en
México a la hora de celebrar un cumpleaños.
En la pintura se puede observar a un grupo de niños

recogiendo los dulces que caen la piñata, tras haber
sido rota por un niño con un palo y los ojos cubiertos,
que era quien había estado pegándole a la
piñata.
Naturaleza muerta
La naturaleza muerta, se podría decir que es una

serie de obras realizada por el pintor Diego
Rivera, en esta serie de pinturas se puede
visualizar que las características de las obras de
Diego Rivera fue el cubismo. A raíz de esto
Diego creo una galería impresionante, donde
72
incluyo algunas cosas mexicanas en un modo que solo permitía al parecer cosas y detalles
europeos.
Otra de las obras más importantes de Diego Rivera es también la naturaleza muerte con
botella, que la realizó en el año 1914, en esta le da paso a nuevas técnicas que pertenecen al
cubismo, estas técnicas son la de collage y el papier collé, que se utiliza para llegar o
adherirse a la realidad. Pero, sin embargo, la ilustración de la botella mediante el cubismo
hace que el artista se acerca a lo teórico de la realidad, pero también la aplicación del papel
tapiz lo hacer ir más allá, a una realidad externa dentro del cuadro. Dos cosas opuestas pero
que en este cuadro conviven.
El guerrero indio
En estas obras de Diego Rivera y su significado refleja un antiguo episodio de la historia de
México, en el Museo de Arte Moderno se encuentra esta pieza, que está basada en la época de
la conquista española en el siglo XVI.
Diego Rivera temática de sus obras: en esta obra se puede ver el hombre azteca vestido de
jaguar, pertenecía a Los Caballeros Jaguares, que eran una élite de militares aztecas,
reconocidos por su gran desempeño en las luchas. Según las leyendas el estar vestido de
algún animal durante una batalla, le transmitían el poder de dicho animal.
Esta obra resulta casi una copia
de una escena del mural que se
encuentra en el Palacio de Cortés,
que también fue hecho por
el pintor Diego Rivera, que
muestra una feroz batalla entre
los españoles y los aztecas, todo
porque los españoles buscaban
tomar la ciudad de los aztecas,
Tenochtitlán.
Diego Rivera características: Esta
obra, nos permite ver que Diego
poseía muchos conocimientos
acerca de la cultura de los
aztecas en ese entonces. Para
Rivera la historia y el indagar en
ella, era fundamental para así
lograr pinturas que convencieran
al público de la factibilidad de sus
declaraciones en cuanto a la
política.
Atardecer en Acapulco
Esta fue una de las obras que hizo Diego Rivera antes de morir, cuando volvía de haber sido
sometido a hacerse una cirugía tumoral en Moscú, este es uno de los cuadros que pintó
desde su casa en Acapulco.
El Arsenal
Esta pintura, la realizó Diego Rivera en el año 1928 durante un movimiento político de
revolución. Allí se ve plasmado a alguno de sus amigos, como por ejemplo el artista David
73
Alfaro Siqueiros, el cubano y comunista Julio Antonio Mella, a Tina Modotti una fotógrafa, y a
su amada y artista Frida Kahlo.
Este mural representa la idea de Zapata de luchar con armas para así liberar a su país de la
opresión que estaban sufriendo en ese momento. Aquí queda esclarecido el hecho de la
relación que existía entre el Estado, el pintor y su obra. Ya que en esta se ve reflejada la idea
de una revolución proletaria, en donde ciudadanos mexicanos de la clase trabajadora, con la
intención de alzarse ante el Estado, para así defender sus derechos, usando armas de fuego
que las personas relacionadas con Diego, es decir, sus amigos, les estaban dando.
Museo Anahuacalli
En la Coyoacán de la Ciudad de México este museo, Diego, lo diseño con la finalidad de darle
alojamiento a su gran colección de obras precolombinas, una colección considerada la más
grande de México. Esta colección la fue recolectando desde el momento en el que volvió de
Europa en el año 1920.
74
Diego Rivera fallece el día 24 de noviembre del año 1957 a los 71 años de edad, en San Ángel,
sitio ubicado al sur de la ciudad de México, en su casa estudio, que en la actualidad se
conoce como Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo.
A pesar de que el pintor espero descansar en el Museo Diego Rivera obras de Anahuacalli, el

personaje fue cremado y sus cenizas descansan en la Rotonda de personas ilustres en el
Panteón Civil de Dolores, ubicado en la misma ciudad de México.
LECCIÓN: 17 José Clemente Orozco
75
(Zapotlán, actual Ciudad Guzmán, 1883 -
México, 1949) Muralista mexicano. Unido por
vínculos de afinidad ideológica y por la propia
naturaleza de su trabajo artístico a las
controvertidas personalidades de Diego
Rivera, David Alfaro Siqueiros y Rufino
Tamayo, José Clemente Orozco fue uno de los
creadores que, en el fértil período de
entreguerras, hizo florecer el arte pictórico
mexicano gracias a sus originales creaciones,
marcadas por las tendencias artísticas que
surgían al otro lado del Atlántico, en la vieja
Europa.
Orozco colaboró al acceso a la modernidad

estética de toda Latinoamérica, aunque la
afirmación tenga sólo un valor relativo y
deban considerarse las peculiares características del arte que practicaba, poderosamente
influido, como es natural, por la vocación pedagógica y el aliento político y social que informó
el trabajo de los muralistas mexicanos. Empeñados éstos en llevar a cabo una tarea de
educación de las masas populares, con objeto de incitarlas a la toma de conciencia
revolucionaria y nacional, debieron buscar un lenguaje plástico directo, sencillo y poderoso,
sin demasiadas concesiones al experimentalismo vanguardista.
A los veintitrés años ingresó en la Academia de Bellas Artes de San Carlos para completar su
formación académica, puesto que su familia había decidido que aprovechara sus innegables
condiciones para el dibujo en "unos estudios que le aseguraran el porvenir y que, además,
pudieran servir para administrar sus tierras", por lo que el muchacho inició la carrera de
ingeniero agrónomo.
76
El destino profesional que el entorno familiar le reservaba no satisfacía en absoluto las
aspiraciones de Orozco, que muy pronto tuvo que afrontar las consecuencias de un combate
interior en el que su talento artístico se rebelaba ante unos estudios que no le interesaban. Y
ya en 1909 decidió consagrarse por completo a la pintura.
Durante cinco años, de 1911 a 1916, para conseguir los ingresos económicos que le
permitieran dedicarse a su vocación, colaboró como caricaturista en algunas publicaciones,
entre ellas El Hijo del Ahuizote y La Vanguardia, y realizó una notable serie de acuarelas
ambientadas en los barrios bajos de la capital mexicana, con especial presencia de algunos
antros nocturnos muchas veces sórdidos, demostrando en ambas facetas, la del caricaturista
de actualidad y la del pintor, una originalidad muy influida por las tendencias expresionistas.
Katharsis (1934-35)
De esa época es, también, su primer cuadro de grandes dimensiones, Las últimas fuerzas
españolas evacuando con honor el castillo de San Juan de Ulúa (1915), y su primera
exposición pública, en 1916, en la librería Biblos de Ciudad de México, constituida por un
centenar de pinturas, acuarelas y dibujos que, con el título de La Casa de las Lágrimas,
estaban consagrados a las prostitutas y revelaban una originalidad en la concepción, una
búsqueda de lo "diferente" que no excluía la compasión y optaba, decididamente, por la
crítica social.
Puede hallarse en las pinturas de esta primera época una evidente conexión, aunque no una
visible influencia, con las del gran pintor francés Toulouse Lautrec, ya que el mexicano realizó
también en sus lienzos una pintura para "la gente de la calle", lo que se ha denominado "el
77
gran público", y ambos eligieron como tema y plasmaron en sus telas el ambiente de los
cafés, los cabarets y las casas de mala nota.
Orozco consiguió dar a sus obras un cálido clima afectivo, una violencia incluso, que le valió
el calificativo de "Goya mexicano", porque conseguía reflejar en el lienzo algo más que la
realidad física del modelo elegido, de modo que en su pintura (especialmente la de caballete)
puede captarse una oscura vibración humana a la que no son ajenas las circunstancias del
modelo. Conservó este sobrenombre para dar testimonio de la Revolución Mexicana con sus
caricaturas en La Vanguardia, uniéndose de ese modo a la tradición satírica inaugurada, a
finales del siglo XIX, por Escalante y Villanueva.
Una fecha significativa en la trayectoria pictórica de José Clemente Orozco es el año 1922.
Por ese entonces se unió a Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, Rufino Tamayo y otros
artistas para iniciar el movimiento muralista mexicano, que tan gran predicamento
internacional llegó a tener y que llenó de monumentales obras las ciudades del país. De
tendencia nacionalista, didáctica y popular, el movimiento pretendía poner en práctica la
concepción del "arte de la calle" que los pintores defendían, poniéndolo al servicio de una
ideología claramente izquierdista.
Desde el punto de vista formal, la

principal característica de los
colosales frescos que realizaba el
grupo era su abandono de las pautas
y directrices académicas, pero sin
someterse a las "recetas" artísticas y
a las innovaciones procedentes de
Europa: sus creaciones preferían
volverse hacia lo que consideraban
las fuentes del arte precolombino y
las raíces populares mexicanas. Los
artistas crearon así un estilo que se
adaptaba a la tarea que se habían
asignado, a sus preocupaciones
políticas y sociales y su voluntad
didáctica; más tarde (junto a Rivera y
Siqueiros) actuó en el Sindicato de Pintores y Escultores, decorando con vastos murales
numerosos monumentos públicos y exigiendo para su trabajo, en un claro gesto que se
quería ejemplarizante y reivindicativo, una remuneración equivalente al salario de cualquier
obrero.
Orozco era pues un artista que optó por el "compromiso político", un artista cuyos temas
referentes a la Revolución reflejan, con atormentado vigor e insuperable maestría, la tragedia
y el heroísmo que llenan la historia mexicana, pero que dan fe también de una notable
penetración cuando capta los tipos culturales o retrata el gran mosaico étnico de su país.
78
Embajador artístico e incansable viajero
En 1928 el artista decide realizar un viaje por el extranjero. Se dirigió a Nueva York para
presentar una exposición de sus Dibujos de la Revolución; inició de ese modo una actividad
que le permitirá cubrir sus necesidades, pues Orozco se financia a partir de entonces gracias
a sus numerosas exposiciones en distintos países. Su exposición neoyorquina tuvo un éxito
notable, que fructificó dos años después, en 1930, en un encargo para realizar las
decoraciones murales para el Pomona Collage de California, de las que merece ser destacado
un grandilocuente y poderoso Prometeo; en 1931 decoró, también, la New School for Social
Research de Nueva York.
Detalle de Prometeo (1930)
Pero pese a haber roto con los moldes academicistas y a su rechazo a las innovaciones
estéticas de la vieja Europa, el pintor sentía una ardiente curiosidad, un casi incontenible
deseo de conocer un continente en el que habían florecido tantas civilizaciones. Los
beneficios obtenidos con su trabajo en Nueva York y California le permitieron llevar a cabo el
soñado viaje. Permaneció en España e Italia, dedicado a visitar museos y estudiar las obras
de sus más destacados pintores.
Se interesó por el arte barroco y, desde entonces, puede observarse cierta influencia de estas
obras en sus posteriores realizaciones, sobre todo en la organización compositiva de los
grupos humanos, en la que son evidentes las grandes diagonales, así como en la utilización
de los teatrales efectos del claroscuro (aprendido en el estudio de las obras de Velázquez y
Caravaggio, cuya aplicación le permitió conseguir en sus creaciones un poderoso efecto
79
dramático del que hasta entonces carecía, gracias al contraste entre luces y sombras y a las
mesuradas gradaciones del negro en perspectivas aéreas.
Se dirigió luego a Inglaterra; pero el carácter inglés, que le parecía "frío y poco apasionado",
no le gustó en absoluto y, tras permanecer breve tiempo en París para tomar contacto con
"las últimas tendencias del momento", decidió emprender el regreso a su tierra natal. Allí
inició de nuevo la realización de grandes pinturas murales para los edificios públicos.
Con la clara voluntad de ser un intérprete plástico de la Revolución, José Clemente Orozco
puso en pie una obra monumental, profundamente dramática por su contenido y sus temas
referidos a los acontecimientos históricos, sociales y políticos que había vivido el país
(contemplados siempre desde el desencanto y desde una perspectiva de izquierdas
extremadamente crítica), pero también por su estilo y su forma, por el trazo, la paleta y la
composición de sus pinturas, puestas al servicio de una expresividad violenta y
desgarradora.
Dioses del mundo moderno (1932)
Su obra podría enmarcarse en un realismo ferozmente expresionista, fruto tal vez de su

contacto con las vanguardias parisinas, a pesar de su consciente rechazo de las influencias
estéticas del Viejo Mundo; el suyo es un expresionismo que se manifiesta en grandes
composiciones, las cuales, por su rigor geométrico y el hieratismo de sus robustos
personajes, nos hacen pensar, hasta cierto punto, en algunos ejemplos de la escultura
precolombina. Hay que recordar al respecto que Orozco, Rivera y Siqueiros (el "grupo de los
80
tres", como les gustaba llamarse) defendían el regreso a los orígenes (es decir, a la pureza de
formas del arte azteca y de la cultura maya como principal característica de su trabajo
artístico.
Una vastísima obra monumental
Cuando, en 1945, publicó su autobiografía, el cansancio por una lucha política muchas veces
traicionada, el desencanto por las experiencias vividas en los últimos tiempos y, tal vez,
también el inevitable paso de los años, se concretan en unas páginas de evidente cinismo de
las que brota un aura desengañada y pesimista. Europa nunca llegó a comprenderle, porque
sus inquietudes estaban muy alejadas de las preocupaciones que agitaban, en su época, al
continente, y porque no entendía, tampoco, el contexto social en el que Orozco se movía.
Su gigantismo, sus llamativos colores, aquella figuración narrativa que caía, de vez en
cuando, en lo anecdótico, respondían en definitiva a una lucha, a unas necesidades objetivas
que parecieron exóticas en el contexto europeo. Era un arte que pretendía servir al pueblo,
ponerse al servicio de cierta interpretación de la historia, en unos murales de convincente
fuerza expresiva.
Hay que poner de relieve, como muestra del trabajo y las líneas creativas del pintor, las obras
que realizó, entre 1922 y 1926, para la Escuela Nacional Preparatoria de México D. F., entre las
que hay un Cortés y la Malinche cuyo tema pone de relieve un momento crucial en la historia
de México, en trazos transidos de luces y sombras. De 1932 a 1934, realizó para la Biblioteca
Baker del Darmouth College de Hannover (New Hampshire, Estados Unidos) una serie de seis
frescos monumentales, uno de los cuales, La enseñanza libresca genera monstruos, además
de aludir oscuramente a su maestro Goya, supone una sarcástica advertencia en un edificio
destinado, precisamente, a albergar la biblioteca de una institución docente.
Para la Suprema Corte de Justicia de México D. F., Orozco realizó dos murales que son un
compendio de las obsesiones de su vida: La justicia y Luchas proletarias, pintados durante
1940 y 1941. Por fin, en 1948 y para el Castillo de Chapultepec, en México D. F., Orozco llevó a
cabo el que debía ser su último gran mural, como homenaje a uno de los políticos que, por
sus orígenes indígenas y su talante liberal, más cerca estaban del artista: Benito Juárez.
Miembro fundador de El Colegio Nacional y Premio Nacional de Artes en 1946, practicó

también el grabado y la litografía. Dejó, además, una abundante obra de caballete,
caracterizada por la soltura de su técnica y sus pinceladas amplias y prolongadas; sus
lienzos parecen a veces una sinfonía de tonos oscuros y sombríos, mientras en otras
ocasiones su paleta opta por un colorido brillante y casi explosivo.
Entre sus cuadros más significativos hay que mencionar La hora del chulo, de 1913, buena
muestra de su primer interés por los ambientes sórdidos de la capital; Combate, de 1920,
y Cristo destruye su cruz, pintado en 1943, obra de revelador título que pone de manifiesto la
actitud vital e ideológica que informó toda la vida del artista. De entre sus últimas
producciones en caballete, el Museo de Arte Carrillo, en México D. F., alberga
una Resurrección de Lázaro pintada en 1947, casi al final de su vida.
81
En la producción de sus años postreros puede advertirse un afán innovador, un deseo de
experimentar con nuevas técnicas, que se refleja en el mural La Alegoría nacional, en cuya
realización utilizó fragmentos metálicos incrustados en el hormigón. Su aportación a la
pintura nacional y la importancia de su figura artística llevaron al presidente Miguel Alemán a
ordenar que sus restos recibieran sepultura en el Panteón de los Hombres Ilustres.
LECCIÓN: 18 David Alfaro Siqueiros

(José de Jesús Alfaro Siqueiros; Chihuahua, 1898 - Cuernavaca, 1974) Pintor mexicano, figura
máxima, junto a Diego Rivera y José Clemente Orozco, del muralismo mexicano. Tributaria de
la estética expresionista y la retórica declamatoria que le exigía su radicalismo político, su
pintura aunó la tradición popular mexicana con las preocupaciones del surrealismo y el
expresionismo europeos.
82
En 1914, con apenas dieciséis años, se alistó en el ejército constitucionalista para luchar en la
Revolución mexicana, una experiencia que le llevaría a descubrir "las masas trabajadoras, los
obreros, campesinos, artesanos y los indígenas... (y, sobre todo), las enormes tradiciones
culturales de nuestro país, particularmente en lo que se refiere a las extraordinarias
civilizaciones precolombinas."
Pero si importante fue la influencia de este hallazgo en años clave para su formación, no lo
fue menos la huella que dejaron en él los tres años que pasó en Europa, hacia donde partió en
1919. La suma de ambas experiencias determinó por igual su pensamiento artístico, que
cristalizó en el manifiesto que publicó en Barcelona en la revista Vida Americana en mayo de
1921, coincidiendo con los primeros encargos de José Vasconcelos.
Sin embargo, pronto se deterioraron sus relaciones con el gobierno. Su afiliación al Partido
Comunista de México, su decisiva participación en la fundación del Sindicato de artistas y de
su periódico (El Machete), junto a la creciente oposición a la política oficial manifestada a
través de sus artículos, hicieron que dejara de recibir encargos a partir de 1924 y que, al año
siguiente, decidiera dedicarse exclusivamente a las actividades políticas.
Siqueiros reiniciaría su trayectoria artística en los años treinta, pero fue la militancia
ideológica la que determinó el rumbo de su vida. En 1930, tras pasar varios meses en la cárcel
por su participación en la manifestación del 1 de mayo, Siqueiros fue mandado al exilio
interior en Taxco. En 1936 volvió a luchar, esta vez en la guerra civil española, al lado del
ejército republicano. Iniciada la Segunda Guerra Mundial, estuvo desterrado en Chile entre
1940 y 1944 por su participación en el asesinato de Trosky, y en 1960 fue encarcelado de
nuevo acusado de promover la "disolución social". Cuando salió de la cárcel, cuatro años
después, llevaba consigo las ideas de la que sería su última obra: Marcha de la Humanidad en
América Latina hacia el cosmos.
La obra
Para Siqueiros socialismo revolucionario y modernidad tecnológica eran conceptos

íntimamente relacionados. Estaba convencido de que la naturaleza revolucionaria del arte no
dependía tan sólo del contenido de sus imágenes, sino de la creación de un equivalente
estético y tecnológico en consonancia con los contenidos. Toda su vida artística estuvo
presidida por la voluntad de crear una pintura mural experimental e innovadora.
Siqueiros adaptaba sus composiciones a lo que él llamó la "arquitectura dinámica", basada

en la construcción de composiciones en perspectiva poliangular. Para ello estudiaba
cuidadosamente los posibles recorridos de los futuros espectadores en los lugares que
albergarían sus murales y definía así los puntos focales de la composición. Siqueiros llegó a
utilizar una cámara de cine para reproducir la visión de un espectador en movimiento y
ajustar más eficazmente la composición a esa mirada dinámica.
83
Retrato de la burguesía (1939-1940)
Su anhelo por lograr la adecuación entre las técnicas pictóricas y la contemporaneidad

tecnológica le llevó a crear en 1936 un Taller Experimental en Nueva York. Las prácticas del
taller buscaban integrar la arquitectura, la pintura y la escultura con los métodos y materiales
ofrecidos por la industria. Allí se experimentaba a partir de lo que Siqueiros denominaba "el
accidente pictórico", esto es, la práctica de la improvisación mediante técnicas como el goteo
de pintura y las texturas con arena. Los chorreones y salpicaduras dejadas caer sobre el
lienzo, que luego pasarían a ser emblemáticas del expresionismo abstracto americano, fueron
una práctica gestada en el taller de Siqueiros, al que asistieron Jackson Pollock y otros
jóvenes que llegarían a formar la primera generación de artistas estadounidenses con un
lenguaje propio.
El mural que realizó en la sede del Sindicato Mexicano de Electricistas (1939-1940, Ciudad de
México) bajo el título Retrato de la burguesía, recoge el aprendizaje obtenido tras las
investigaciones efectuadas a lo largo de toda la década de los treinta y constituye una de las
obras murales más significativas del siglo XX. Siqueiros eligió para el mural la escalera
principal del edificio.
La primera fase del proyecto, para el que contó con un equipo de ayudantes en el que
figuraban artistas tan significativos como Josep Renau, consistió en un análisis del espacio
arquitectónico. El objetivo era adecuar la composición de modo que las tres paredes y el
techo quedaran integrados en una superficie pictórica continua. Para Siqueiros crear un
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campo visual dinámico y continuo, en sintonía con el del espectador que subiera o bajara la
escalera, era tan importante como el tema representado.
Si en Retrato de la burguesía la utilización de la fotografía documental en el proceso de
elaboración dota al mural de un inequívoco espíritu de contemporaneidad, en Nueva
Democracia (1944, Palacio de Bellas Artes, Ciudad de México) Siqueiros construye un
emblema intemporal del triunfo de la libertad. Aunque la pintura tenía 16 metros de longitud,
para Siqueiros no era más que "un cuadro grande"; las únicas obras que, según él, merecían
el nombre de murales eran las que se articulaban con la arquitectura.
La integración de todas las artes, que Siqueiros anheló a lo largo de toda su vida, pudo
hacerse realidad en el proyecto que ocupó sus últimos años, el Polyforum Cultural Siqueiros
(1967-1971, Ciudad de México). El edificio, concebido por el mismo Siqueiros, posee doce
lados totalmente cubiertos por murales, cada uno con un tema diferente. En el techo
abovedado del piso superior pintó Marcha de la humanidad en América Latina hacia el
cosmos, para cuya contemplación los observadores se colocan sobre una estructura móvil
que gira siguiendo el sentido narrativo de las imágenes y que permite al espectador
"transitar" por el relato mientras un juego de luz y sonido hace más vívida la experiencia. Si
bien la grandilocuencia del proyecto no alcanzó altos niveles estéticos, supuso un gran logro
como empresa colectiva que aglutinó a un equipo enorme de técnicos y artistas a los que
Siqueiros supo infundir el gran ideal de un arte tecnológica y socialmente revolucionario.
85
LECCIÓN: 19 Los Museos
La finalidad de los museos es la de conservar, investigar, comunicar, exponer o

exhibir todo tipo de colecciones, en ellos se preserva el conocimiento del ser
humano, recogen una parte esencial del saber, la historia, el arte y la cultura del
país o del mundo.
Existen muchas clases de museos tanto históricos, artísticos, interactivos, entre
otros y todos representan una forma de aprendizaje y entretenimiento.
Visitar museos, galerías, ferias o lugares en las que se expongan o realicen
actividades artísticas, incrementa tu nivel cultural y te permite conocer lo que se
hace en tu país y en otras partes del mundo. Los museos son espacios de
cultura y conocimiento, tiene un papel importante en la educación formal de la
población. Nos permite conocer el pasado y el presente de nuestro país y del
mundo, sin ellos sería imposible entender el desarrollo del ser humano.
En la actualidad, los avances tecnológicos nos permiten tener acceso a museos
de todo el mundo, a través de recorridos virtuales, por lo que el internet se
convierte en otra forma de expandir el conocimiento y permite trabajar con
personas que no tienen un acceso fácil al museo, ya sea por cuestiones
geográficas o de cualquier otra índole.
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ACTIVIDAD 22
Enlista los museos que existan en el Estado de México.
87
LECCIÓN: 20 Patrimonio Cultural
“Es el conjunto de bienes tangibles e intangibles, que constituyen la herencia de
un grupo humano, que refuerzan emocionalmente su sentido de comunidad con
una identidad propia y que son percibidos por otros como característicos. El
patrimonio Cultural como producto de la creatividad humana, se hereda, se
transmite, se modifica y optimiza de individuo a individuo y de generación a
generación. La pérdida de cualquiera de dichos bienes representaría una
perdida invaluable para la humanidad entera”
“El patrimonio cultural no se limita a monumentos y colecciones de objetos,
sino que comprende también tradiciones o expresiones vivas heredadas de
nuestros antepasados y transmitidas a nuestros descendientes, como
tradiciones orales, artes del espectáculo, usos sociales, rituales, actos festivos,
conocimientos y practicas relativos a la naturaleza y el universo, y saberes y
técnicas vinculados a la artesanía tradicional”
La UNESCO (Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia
y la Cultura) nomina una lista llamada Patrimonio Cultural que incluye un legado
de monumentos y sitios que tengan “una importancia cultural y/o natural tan
extraordinario que trasciende las fronteras nacionales y cobra importancia para
las generaciones presentes y venideras de toda la humanidad”.
Patrimonios históricos
1 Xochimilco y el Centro histórico de México, Ciudad de México
2 Centro histórico de Oaxaca y Monte Albán, Oaxaca
3 Centro histórico de Puebla, Puebla
4 Zona arqueológica de Teotihuacán
5 Zona arqueológica y parque nacional de Palenque, Chiapas
6 Ciudad de Guanajuato y minas adyacentes, Guanajuato
7 Zona arqueológica de Chichén Itzá, Yucatán
8 Centro histórico de Morelia, Michoacán
9 Zona arqueológica El Tajín, Veracruz
10 Centro histórico de Zacatecas, Zacatecas
11 Pinturas rupestres de la Sierra de San Francisco, Baja California Sur
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12 Primeros monasterios del siglo XVI en las laderas del Popocatépetl
13 Zona arqueológica de Uxmal, Yucatán
14 Zona de monumentos históricos de Querétaro, Querétaro
15 Hospicio Cabañas de Guadalajara, Jalisco
16 Zona arqueológica de Paquimé, Chihuahua
17 Centro histórico de Tlacotalpan, Veracruz
18 Ciudad de Campeche, Campeche
19 Zona arqueológica de Xochicalco, Morelos
20 Misiones franciscanas de la Sierra Gorda, Querétaro
21 Casa-taller de Luis Barragán, Ciudad de México
22 Poblado de Tequila, Jalisco
23 Ciudad Universitaria de la UNAM, Ciudad de México
24 Villa protectora de San Miguel El Grande y Santuario de Jesús Nazareno de
Atotonilco, Guanajuato
25 Camino Real de Tierra Adentro
26 Cuevas prehistóricas de Yagul y Mitla, Oaxaca
27 Sistema hidráulico del acueducto del padre Tembleque, Estado de México e
Hidalgo
Patrimonios Naturales
1 Sian Ka’an, Quintana Roo
2 Santuario de ballenas de El Vizcaíno, Baja California Sur
3 Islas y áreas protegidas del Golfo de California
4 Reserva de la biosfera de las mariposas monarca, Michoacán
5 Reserva de la biosfera El Pinacate y Gran Desierto de Altar, Sonora
6 Archipiélago Revillagigedo
Patrimonios Mixtos
1 Zona arqueológica de Calakmul y sus bosques tropicales, Campeche
2 Valle de Tehuacán-Cuicatlán, Puebla y Oaxaca
Patrimonios Culturales inmateriales

1 Las festividades de Día de Muertos
2 Los voladores de Papantla
3 Lugares de memoria y tradiciones vivas de los otomí-chichimecas de Tolimán:
La Peña de Bernal
4 La gastronomía mexicana
5 Los parachicos en la fiesta tradicional de Chapa de Corzo
89
ACTIVIDAD 23
Investiga Patrimonios que existan en el Estado de México.
LECCIÓN: 20.1 Patrimonio Cultural de México

Los sitios considerados Patrimonio de la Humanidad en México, son lugares que
han cumplido los requisitos necesarios marcados por la UNESCO y que han
sido nominados para el programa internacional Patrimonio de la Humanidad
debido a su importancia excepcional cultural o natural. El patrimonio cultural de
México es todo aquello que nos caracteriza como mexicanos.
Nuestro país es rico en zonas arqueológicas, museos, monumentos, tradiciones,
música, etcétera. Esto lo convierte en el séptimo país con mayor cantidad de
sitios inscritos en la lista, por detrás de Italia, China, España, Francia, Alemania,
e India; así como primero en América Latina y Caribe, y también en el continente
Americano, además cuenta con ocho tradiciones y festejos como bien
inmaterial.
Dia de muertos en Pátzcuaro, Michoacán. México.
La región purépecha que rodea el Lago de Pátzcuaro, Michoacán, se llena de

misticismo cuando llega la celebración por Día de Muertos, pero lo mejor se realiza la
noche del 1 de noviembre, cuando los pobladores de los pueblos esperan la llegada de
sus seres queridos.
Desde días antes los lugareños se preparan para recibir a miles de visitantes locales y
extranjeros que se dan cita únicamente para conocer la forma de los michoacanos
para festejar a la muerte.
90
A temprana hora del 1 de noviembre, los indígenas en sus hogares empiezan a
preparar los alimentos que en vida le gustaban al difunto, es cosa de familia, todos
participan con algún proceso de esta celebración.
Ya entrada la mañana de ese día los purépechas llegan a los camposantos cargados
con todo lo que utilizarán en el arreglo de las tumbas. El panteón más visitado se
ubica en Tzurumútaro, población de Pátzcuaro. Las tumbas centenarias reciben la
visita de quienes se encargarán de dejar todo limpio y por supuesto, adornado con la
tradicional flor de cempasúchil y nube.
Pero el arreglo de las lápidas no es común y corriente, se coloca un arco o puerta por
la cual regresarán a festejar los muertos con los que aún están en esta vida, se
colocan velas que iluminarán su camino, y claro, la comida más típica y del gusto de
los fieles difuntos, las bebidas como el mezcal tampoco falta.
Este colorido, constituye la forma de respetar las tradiciones de cómo se celebra a la
muerte, es lo que más atrae a los miles de visitantes, cuyo único objetivo es venir a
Pátzcuaro este 1 y 2 de noviembre.
Ya por la noche del esperado 1 de noviembre, con todo ya listo para recibir al invitado
principal, el difunto, se vela en compañía de quienes lo quisieron en vida, se plática
con él, se comen los platillos preparados y se reza por su eterno descanso.
Sin importar el frío, se quedan toda la noche en el panteón, al medio día del 2 de
noviembre se retiran, en la espera de un nuevo año para convivir con las almas de los
que ya pasaron a mejor vida.
Mientras que en las islas que rodean al Lago de Pátzcuaro como Yunuén, Janitzio,
Urandén y La Pacanda, hacen similares rituales, pero por la noche, las aguas del lago
se iluminan con la tradicional danza de los pescadores quienes así recuerdan a los
que se adelantaron en el camino.
91
LECCIÓN: 21 Manifestaciones de las Artes Plásticas
En el siglo XX, las artes sufren una radical transformación y los artistas buscan
romper con lo establecido desde el Renacimiento sobre la perspectiva y la
representación figurativa; crear un arte radicalmente nuevo y proponer una
forma diferente de expresar la realidad.
92
LECCIÓN: 21.1 El Cubismo
Se conoce con el nombre de cubismo a un movimiento artístico del siglo XX que
irrumpió en la escena artística europea en 1907, marcando un fuerte
distanciamiento respecto a la pintura tradicional y sentando un precedente vital
para el surgimiento de las vanguardias artísticas.
Su estilo característico explora una nueva perspectiva geométrica de la realidad,

mirando los objetos desde todos los puntos de vista posibles, lo cual fue una
ruptura con modelos pictóricos vigentes desde el Renacimiento.
El término “cubismo” no obstante no fue propuesto por los propios pintores,

sino por el crítico Louis Vauxcelles, el mismo que en su momento puso nombre
al fauvismo, quien luego de acudir a una exposición de Georges Braque
(francés, 1882-1963) afirmó que sus obras “reducían el paisaje y el cuerpo
humano a insípidos cubos”, y procedió entonces a hablar del cubismo. Al
respecto afirmaría luego el pintor español Pablo Picasso, considerado máximo
exponente del movimiento, que “Cuando hacíamos cubismo, no teníamos
ninguna intención de hacer cubismo, sino únicamente de expresar lo que
teníamos dentro”.
A pesar de lo que su nombre pueda sugerir, el cubismo no consiste en pintar a

través de cubos. Por el contrario, el cubismo reconoce y abraza la naturaleza
bidimensional del lienzo y renuncia a la tridimensionalidad, tratando más bien de
representar en sus pinturas todos los puntos de vista posibles de un objeto, de
93
manera simultánea. Al hacerlo, revolucionaba los preceptos vigentes en la
pintura desde la antigüedad, razón por la cual se considera al cubismo como la
primera de las vanguardias artísticas.
Las pinturas cubistas, así, carecen de profundidad, ofrecen múltiples puntos de

vista (en lugar de uno único), y suprimen la mayoría de los detalles de los
objetos que representan, a menudo reduciéndolos a un mismo rasgo: los
violines, por ejemplo, se reconocen únicamente por sus colas.
Al mismo tiempo, el género de pinturas del cubismo no podría ser más

convencional: bodegones, paisajes, retratos. Pero a diferencia
del impresionismo y del fauvismo, se los pinta con colores apagados: grises,
verdes y marrones, sobre todo en su primera época.
La dificultad que suponía interpretar ciertos cuadros cubistas, dada su ruptura

con toda forma de naturalidad, ocasionó que fuera necesario acompañar la obra
con un texto explicativo o de naturaleza crítica, gesto que luego se haría común
en las obras de arte de las vanguardias.
LECCIÓN: 21.2 Artistas del cubismo
El máximo exponente del cubismo fue el español Pablo Picasso, a quien se le

asume como fundador de la estética y primer cultor de su estilo.
Sin embargo, otros artistas reconocidos por su obra cubista fueron:
Georges Braque
Jean Metzinger
Albert Gleizes
Robert Delanay
Juan Gris
María Blanchard
LECCIÓN: 21.3 El Surrealismo
94
Con su expansivo imaginario, enfoque experimental, y temas inspirados en el
subconsciente, el surrealismo puede parecer un género difícil de entender.
Después de todo, incluso André Breton, el pionero de movimiento, se refirió a
esta corriente como un “rayo invisible” mientras que el famoso
surrealista Salvador Dalí señaló que “la gente ama el misterio, y por eso aman
mis pinturas”.
Sin embargo, una vez que aprendes sobre sus fascinantes raíces, artistas clave
y obras más conocidas, es fácil darse cuenta de que este enigmático
movimiento es en realidad una forma de arte accesible, y una que continúa
cautivando al público y los artistas de la actualidad.
El movimiento artístico surrealista comenzó en la década de 1920, cuando

artistas visuales como Salvador Dalí, Max Ernst, Man Ray, Joan Miró e Yves
Tanguy adoptaron el automatismo, una técnica literaria que dependía
completamente del subconsciente para la creatividad. Esta herramienta había
sido iniciada y popularizada recientemente por André Breton y otros escritores
surrealistas en París, quienes allanaron el camino para esta forma de arte con
sus textos oníricos y un interés en la experimentación basado en el dadaísmo.
La idea de automatismo atrajo a un grupo de artistas, quienes buscaron

desprenderse del racionalismo para alcanzar una completa libertad creativa en
su trabajo. Por lo tanto, tiene sentido que muchos de los artistas hayan
encontrado inspiración en movimientos con valores similares como
el cubismo, expresionismo y postimpresionismo. Combinando elementos de
cada uno, se decidieron por un enfoque visual que carecía de, de acuerdo con
André Breton en el Manifiesto del surrealismo, “cualquier control ejercido por la
razón, exento de cualquier preocupación estética o moral”. Así fundaron
formalmente el movimiento de art e surrealista.
95
ACTIVIDAD 24
Busca ejemplos de las siguientes manifestaciones artísticas y realiza dibujos
surrealistas y cubistas en tu cuaderno.
Cubismo
Surrealismo
LECCIÓN: 22 Arte Tridimensional
En el entorno natural o urbano encontramos múltiples objetos con estas

características, desde: Forma, Volumen, Textura, Material, Color, Composición y
Ritmo.
Todo objeto tridimensional tiene anchura, longitud y profundidad, las
manifestaciones como la arquitectura o escultura constituyen los ejemplos más
representativos de este arte.
La mayoría de las formas urbanas que apreciamos, sobre todo las
arquitectónicas, son geométricas, pero inspiradas en la naturaleza. La expresión
artística tridimensional por excelencia es la escultura, en la que se manejan las
tres dimensiones: ancho, altura y profundidad. En este caso se ven desde todos
los ángulos, desde arriba, abajo, un costado, adelante y atrás.
Forma: Es la configuración que se reconoce a partir de su contorno o perfil.
Volumen: Es el espacio que ocupa una forma, es decir, el tamaño o dimensión

del objeto. El volumen de los cuerpos es el resultado de sus tres dimensiones:
ancho, alto y profundidad.
Textura: Es la propiedad que tienen las superficies externas de los objetos.

Debemos tomar en cuenta que no solamente la textura es la apariencia externa
de la estructura de los materiales, sino el tratamiento que puede dársela a una
superficie a través de los materiales y su apreciación, corresponden tanto al
tacto como a la visión.
Material: Es con lo que elaboramos el objeto y puede ser de mármol, madera,

barro, vidrio, entre muchos otros.
Color: Es muy variado, puede ser el color original del material empleado, como
sucede en la mayoría de las esculturas o puede una gama más amplia.
96
Composición: Tanto en las representaciones bidimensionales como en las
tridimensionales es el resultado de relacionar y ordenar los elementos de la obra
(líneas, luces, colores, texturas, materiales, etcétera) en forma armónica y
equilibrada con lo que se pretende dar un significado.
Ritmo: Es una secuencia regular que establece una armoniosa sucesión de

elementos.
LECCIÓN: 23 La Escultura
Es la rama de las artes plásticas que se ocupa de la creación de formas

artísticas en tres dimensiones con muy diversos materiales y formas.
Es una de las manifestaciones artísticas más antiguas y desde sus inicios, en
tiempos prehistóricos, prueba de ello son las puntas de flechas elaboradas con
piedras o huesos, las vasijas elaboradas de barro, madera u otros materiales y
las figuras de cerámica propias de las culturas mesoamericanas. En las que
podemos observar que la principal inspiración de los escultores ha sido la figura
humana, aunque con distintas motivaciones o connotaciones.
También la relación del hombre con la naturaleza se ha visto reflejado en esta
rama de las artes y ha impulsado a muchos artistas a representar este tema a
través de la escultura. En casi todas las culturas tradicionales, antiguas y
contemporáneas, podemos encontrar gran variedad de ejemplos que muestran
su interpretación de la naturaleza.
LECCIÓN: 23.1 Escultura Ornamental
Esta embellece un edificio u objeto.

 es auxiliar en la arquitectura
 es la que decora los lugares, la arquitectura y los monumentos
97
LECCIÓN: 23.2 Escultura Estatuaria
Representa figuras humanas, también recibe el nombre de bulto redondo porque

se puede rodear y contemplar desde cualquier ángulo. Según la parte del cuerpo
humano que se representa recibe diferentes nombres. Se llama estatua si
representa una figura humana completa, pero si el personaje es representado en
lo divino o está hecha para culto religioso, se llama imagen. Si sólo representa la
cabeza se llama busto; si carece de cabeza y extremidades se llama torso; si
está sentada recibe el nombre de sedante; si está acostada o tumbada, de
yacente; si esta de rodillas, orante; si va a caballo, ecuestre; y si son varias
figuras humanas, de grupo.
En las culturas antiguas, el concepto de escultura no era el mismo que el actual,
entonces eran obras anónimas y generalmente, de sentido religioso. Con las
divinidades femeninas y con Mictlantecuhtli, dios de los muertos que gobernaba
el Mictlán.
98
99
Materiales
Los materiales empleados en la escultura son muy diversos. Entre ellos
encontramos el barro, la piedra, el mármol, la madera y el bronce, entre muchos
otros.
Barro
Es uno de los materiales más antiguos, en muy usado porque es muy fácil de
modelar con las manos, por lo que no requiere de instrumentos especiales para
su elaboración, al término de la obra, debe coserse y entonces recibe el nombre
de terracota, pero también puede ser usado en la elaboración de moldes para
trabajar, posteriormente, con otros materiales.
Piedra
Usada desde tiempos muy remotos, por encontrarse en la naturaleza, para
trabajarla se requiere instrumentos especiales. Las piedras más usadas en la
escultura son el mármol, material preferido por los artistas del Renacimiento; el
alabastro, que es un mineral de yeso de color amarillento, parecido al mármol a
simple vista, frágil y quebradizo pero fácil de trabajar; la piedra caliza, blanda y
100
fácil de modelar, con el tiempo se endurece y es muy usada en la escultura
monumental.
Madera
Es un material muy apreciado por los escultores, las maderas más usadas son
llamadas nobles como el cedro, el nogal, el roble y la caoba; éstas son
manuables, en general se exponen en su color natural.
Técnicas
Las técnicas usadas en la escultura también son muy variadas, entre ellas
tenemos:
Esculpido: Consiste en golpear un bloque de piedra, con cincel y martillo, para

retirar partículas hasta lograr la figura deseada.
Moldeado: Es dar a una pasta la forma deseada, añadiendo o quitando pociones

de masa.
Vaciado: Se elabora una forma en hueco o vacío, la cual se llena con metal
fundido o con otro material.
Cincelado: Consiste en retocar con el cincel las figuras obtenidas por medio del
vaciado.
Repujado: Se produce, en una lámina de metal, a fuerza de golpear con el

martillo la lámina, los relieves y huecos necesarios para reproducir la figura que
se desea.
Grabado: Consiste en fijar, por incisión, sobre un material duro un dibujo

cualquiera, para realizarlo es necesario el uso de cincel y buril.
Estampado o troquelado: Consiste en imprimir sobre una lámina de metal o de

pasta, un cuño o troquel con las figuras en hueco para que éstas resulten de
relieve.
Embutido: Es aplicar sobre un molde duro una delgada chapa de metal precioso
para que a fuerza de golpes tome sus formas y después, quitar la chapa y unir
sus bordes, y que así quede una estatua u objeto artístico hueco, pero de
apariencia maciza.
101
Realiza un acordeón (creativo) de repaso del módulo I y pégalo aquí.
102

para su registro. El alumno identifica las manifestaciones visuales de
artistas mexicanos.
103
Técnica de Danza:
(Expresividad)

principales (Representación) a través de las técnicas prácticas en
México.
Examen Teórico:

precisa. Identifica las diferentes formas de una expresión a través
manifestaciones plásticas en México. Al igual que sus ilustraciones
(imágenes) de este módulo.
Observaciones:_____________________________________________________________________________________
__________________________________________________________________________________________________
_______________________________________________________________________________________________
MATRO. RUBEN BERRUN OLASCOAGA
104
Examen
Modulo 2
(pegar)
MODULO 3
“EL ARTE EN MI ENTORNO”
105
106
LUIS NISHISAWA FLORES
De padre japonés y madre mexicana, nació en la Hacienda de San Mateo en

Cuautitlán, Estado de México, en 1918. Después de aprender el oficio de joyero
ingresó, en 1942, a la Academia de San Carlos, donde sería alumno de Benjamín
Coria, Julio Castellanos, Alfredo Zalce y Antonio Rodríguez Luna, entre otros
artistas.
Su primera exposición individual ocurrió en 1951 en el Salón de la Plástica

Mexicana y fue a partir de entonces que destacaron sus exposiciones en el
Museo de Arte Moderno de México, El Taller-Museo Nishizawa de Nagano, Japón
y la exposición-homenaje Cuatro décadas en el Museo del Palacio de Bellas
Artes, México. Tiempo después, en 1955, inició su labor docente en la Escuela
Nacional de Artes Plásticas.
Nishizawa participó en la Bienal Internacional de Tokio, Japón; la Trienal de

Grabado en Buenos Aires; la Bienal de Sao Paulo en Brasil y el Salón Nacional
de Artes Plásticas en México, entre más de 100 participaciones colectivas.
En sus 13 obras murales sobresalen las ubicadas en el Centro Médico Nacional

en México, el metro de Tokio, Japón, la unidad del ISSSTE en Celaya y el Centro
Cultural Mexiquense en Toluca, Estado de México. Entre sus trabajos más
importantes se encuentran las pinturas de paisajes mexicanos, especialmente
de volcanes, que lo relacionan con paisajistas como el Dr. Atl (Gerardo Murillo).
En 1984, Luis Nishizawa recibió la Presea Estado de México 1984 en el área de

Ciencias y Artes, en la modalidad de Artes Plásticas “José Velasco”.
En la Colección MACG se resguarda una importante cantidad de trabajos sobre

papel, realizados en la década de los años sesenta, en pequeño y gran formato.
MODULO 3: “PRACTICA ARtÍSTICA”
107
ELABORA EJERCICIOS ARTÍSTICOS EXPLORANDO LOS ELEMENTOS BÁSICOS

DE LAS ARTES, (MATERIALES-TÉCNICAS) DE LAS ARTES VISUALES.
Identifica las tareas y acciones necesarias en la planeación y realización de una exhibición

artística.
24 El Paisaje
Es un espacio conformado por elementos naturales y sociales con diferentes

características, como formas, tamaños, colores, texturas, luces, vegetación,
animales, personas, etc. El lugar (espacio) que rodea la casa donde habitas es
un ejemplo de paisaje.
Estos se clasifican en diferentes tipos considerándolos elementos que
observamos en ellos.
Paisaje Natural: Sus elementos no han sido transformados por el ser humano,
aquí encontramos bosques, desiertos, mares o lagos etc.
Paisaje Urbano: Se compone por muchas casas o edificios, unas cercas de

otros; zonas comerciales, calles con abundantes medios de transporte y
algunas áreas verdes.
Paisaje Industrial: Se caracteriza principalmente por contar con construcciones

como fábricas y bodegas en zonas extensas de una ciudad, o bien en los
llamados “parques industriales”, que se edifican fuera de las ciudades. Es
común que estos paisajes presenten contaminación ambiental.
Paisaje Rural: Se caracteriza por tener pocas construcciones arquitectónicas.

Además, se aprecian las transformaciones del paisaje natural por las actividades
de producción que se desarrollan en él, como las ganaderas y agrícolas.
108
109
ACTIVIDAD: 25
Observa el cuadro de Jean Francois Millet, “El Angelus”
110
¿Qué escena está representando el cuadro?
¿Cómo son los personajes que aparecen?
¿Qué características tiene el paisaje”
ACTIVIDAD: 26
Observa la serie en la que Pablo Picasso explora la representación y la forma de
un toro “Metamorfosis”
111
¿Cuáles imágenes son figurativas realistas? ¿Por qué? Márcalas con un color.
¿Cuáles son imágenes figurativas no realistas? ¿Por qué?
En los paisajes encontramos distintos tipos de formas: regulares o irregulares,

simples o complejas, geométricas u orgánicas.
Existen varias maneras de representar un paisaje, modificando o estilizando sus

formas y usando colores que no coinciden con el paisaje real, por lo tanto, sus
figuras no siempre son realistas, encontramos también interpretaciones
abstractas de paisajes; tratando de representaciones en las que el artista de más
importancia a los aspectos conceptual y emotivo.
En general, un paisaje, como toda obra de arte, puede transmitirnos
sensaciones, provocarnos sentimientos, o recordarnos experiencias a partir de
lo que observamos, en él, por ejemplo: sentir la frialdad de un paisaje al
112
observar la nieve, recordar unas vacaciones o algún momento especial de
muestra vida.
_____________________________
113
______________________________________
________________________________________
114
__________________________________
Aprendamos
Acentos Visuales: Son recursos con los que el artista marca la importancia de
los elementos, señalando mediante el color un ritmo visual.
Tonalidad: Es la valoración de tonos de un mismo color; por ejemplo, un verde

puede ser más claro u oscuro que otro.
Luz: Se habla de luz una imagen cuando en ella se aprecian efectos como
reflejos, transparencias o iluminaciones falsas.
Arte Contemporáneo: Se define como el arte elaborado después de la segunda

guerra mundial.
115
LECCIÓN: 25 Escultura y Naturaleza
En nuestro entorno hay una gran variedad de esculturas de diferentes formas,

tamaños, colores, materiales, etc. Estas esculturas acompañan a construcciones
que tienen una utilidad y funcionalidad para quienes viven en un lugar
determinado, por ejemplo. Las plazas o los mercados, que son puntos de
reunión de los habitantes.
En las obras escultóricas existe una gran diversidad de temas, pero la mayoría
están hechas con base en la observación de la naturaleza. A partir de ella, se
116
transforma y se estiliza el material, para sintetizar y abstraer la esencia del tema;
por ejemplo, una flor, un animal o una persona.
En muchas civilizaciones antiguas encontramos gran variedad de esculturas y
temas.
117
118
LECCIÓN: 26 Land Art
Como reflejo de la preocupación de muchos artistas por el medio ambiente

surge el Land Art. Es una tendencia artística contemporánea que utiliza los
materiales de la naturaleza como medio de expresión (madera, tierra, paisajes,
arena, piedras, rocas, etcétera). Las obras se realizan en exterior, ahí se quedan
expuestas y sometidas a la erosión natural; así pues, algunas desaparecen,
quedando de ellas sólo el recuerdo fotográfico.
Las primeras obras se realizaron en los paisajes desérticos del Oeste
estadounidense a finales de los años sesenta.
El principio fundamental del Land Art es alterar, con un sentido artístico, el
paisaje, para producir el máximo de efectos y sensaciones al observador. Se
pretende reflejar la relación entre el hombre y la tierra, el medio ambiente y el
mundo, expresando al mismo tiempo el dolor, debido al deterioro ambiental del
clima que existe hoy en día. Este movimiento artístico explora la relación del ser
humano con la naturaleza.
Como en el arte primitivo, los diseños del Land Art usan un mínimo de
elementos expresivos y parten de trazos primarios: línea recta, zigzag, circulo,
cuadrado, espiral, cruz. A través de la simplicidad, estos artistas exponen
reflexiones profundas sobre la relación entre el ser humano y la naturaleza,
entre el mundo trascendente y el mundo natural. La mayoría de las obras del
Land Art transmiten un sentido místico o misterioso.
119
LECCION: 27 Instalación Artística
El género de instalación artística ha evolucionado hasta convertirse en una

manifestación artística tridimensional que transforma el espacio de exposición
en un entorno envolvente.
Una instalación artística es un género de arte contemporáneo que comenzó a
tomar un fuerte impulso a partir de la década de 1970.
La instalación es un arte efímero; es decir que dura poco tiempo y al igual que el
Land Art, su permanencia es la memoria, fotografía o videos. Propone un
dialogo entre la obra y el espectador y se involucran los sentidos. Las
instalaciones incorporan cualquier medio para crear una experiencia visceral o
conceptuales un ambiente determinado; los artistas de este género por lo
general utilizan directamente el espacio de las galerías de arte, pero pueden
incluir cualquier otro espacio; los materiales que utilizan son muy variados
puede ser desde los naturales hasta los más nuevos medios de comunicación
como video, sonido, computadoras, internet, etcétera. El objetivo de las
instalaciones artísticas es: impactar al espectador haciendo que participen en
todos sus sentidos.
120
121
LECCIÓN: 28 Perspectiva
Del latín perspectiva, y del verbo perspicere, "ver a través de". La perspectiva se
define como el arte de representar los objetos en la forma y la disposición con
que se aparecen a la vista. También, como el conjunto de objetos que se
visualizan desde el punto de vista del espectador.
Mediante esta técnica, los artistas proyectan la ilusión de un mundo

tridimensional en una superficie de dos dimensiones. La perspectiva nos ayuda
a crear una sensación de profundidad, de espacio que retrocede.
Las técnicas fundamentales utilizadas para obtener perspectivas son: controlar

la variación entre los tamaños de los sujetos u objetos representados,
superponiendo algunos de ellos, y colocando los que están pintados en el
terreno que se representa, más abajo cuando están más cerca y más altos
cuando están más lejos.
La perspectiva, entonces, es un sistema que permite representar tres

dimensiones sobre una superficie plana de dos dimensiones; por lo tanto, es
una simulación de lo visible de la naturaleza que permite figurar el efecto
volumétrico de los objetos, colocados éstos, a su vez, en un ambiente de falsa
profundidad.
El ojo estima la distancia en base a la disminución de tamaño de los objetos y al
ángulo de convergencia de las líneas (perspectiva lineal). Del objetivo y de la
distancia dependerá el que la imagen tenga más o menos profundidad. La
sensación de profundidad es puramente ilusoria, pero forma parte una técnica
de composición muy importante.
La perspectiva también es la estructura sobre la cual se apoya la forma de visión

del hombre moderno, a partir del Renacimiento, que es cuando se instaura
definitivamente en la plástica.
122
LECCIÓN: 28.1 Punto de Fuga
Punto de fuga situado en el horizonte. Un punto de fuga, en un sistema

de proyección cónica, es el lugar geométrico en el cual las proyecciones de
las rectas paralelas a una dirección dada en el espacio, no paralelas al plano de
proyección, convergen. Es un punto impropio, situado en el infinito. Existen
tantos puntos de fuga como direcciones en el espacio. Un punto de fuga
correspondiente a una dirección dada en el espacio queda definido mediante la
intersección entre el plano de proyección y un rayo con dicha dirección trazado
desde el punto de vista
Un ejemplo intuitivo de punto de fuga es el lugar donde "veríamos confluir" los
dos rieles de una vía rectilínea de tren dispuesta sobre un terreno plano infinito.
123
124
125
126
127
Realiza un acordeón (creativo) de repaso del módulo 3 y pégalo aquí.
128
“DR. JORGE JIMÉNEZ CANTÚ”

para su registro. El alumno identifica las manifestaciones artísticas
mexicanas.
Técnica de Danza:
(Expresividad)

principales (Representación) a través de las técnicas prácticas en
México.
Examen Teórico:

precisa. Identifica las diferentes formas de una expresión artística
plástica mexicana. Al igual que sus ilustraciones (imágenes) de este
módulo.
Observaciones:_____________________________________________________________________________________
__________________________________________________________________________________________________
_______________________________________________________________________________________________
L.E. A. JAIME LÁRRAGA OTERO
Vo Bo REVISÓ:
_______________________________________________ ____________________________________________
MTRA: TEODORA GARCÍA GONZÁLEZ MTRA: BELINDA HEREDIA ALONSO
129
DIRECTORA ESCOLAR SUBDIRECTORA ESCOLAR
Examen
Modulo 3
(pegar)
130
131
132
133
134
135
136
137
Ejercicio de Habilidades Matemáticas
y Comprensión Lectora.
138
139
140
141
142
143
144
145
HIMNO DEL ESTADO DE MÉXICO
146
BIBLIOGRAFÍA
Alicia Carrera Tovar, Artes Visuales. 1

Artes Visuales. 1
Cuaderno de trabajo Artes visuales 1
Lola Galaviz García Artes Visuales 1
Paginas de Internet
147
148
149
150

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ESCUELA SECUNDARIA OFICIAL No.

MTRO. RUBEN BERRUN OLASCOAGA

ESCUELA SECUNDARIA OFICIAL NO. 481

NOMBRE DEL ESTUDIANTE: ___________________________________ N. l.: ____

RESPONSABLE DE LA ASIGNATURA: MTRO. RUBEN BERRUN OLASCOAGA

HABILIDADES A ELEMENTOS: PORCENTAJE:

PROCEDIMENTALES: 1. PROGRAMAS TELEVISIVOS ……............... 20%

COGNITIVAS: 4. FORMULARIO AL TÉRMINO DEL

5. CALIFICACIÓN OPCIONAL (Ganar o perder

a) Falta de cumplimiento de material didáctico

b) Falta de respeto así los demás, falta de

c) No estar visible en cámara.

d) Pregunta dirigida y no contestar.

FIRMA DE ENTERADOS Y DE CONFORMIDAD

NOMBRE Y FIRMA DEL ESTUDIANTE NOMBRE Y FIRMA DEL PADRE O

INTRODUCCIÓN DE LA ASIGNATURA DE ARTES

Consiste en labrar una obra

Artes Temporales o Fonéticas

D)Colocación y ordenamiento de los elementos que integran una obra de arte.

¿Qué son las artes visuales?

Son expresiones artísticas enfocadas en la creación de trabajos visuales como la pintura, la

¿Qué es una imagen?

SIMBÓLICAS: Son símbolos, representaciones de algo inmaterial.

“UNA IMAGEN VALE MÁS QUE MIL PALABRAS”

Las imágenes QUE ME RODEAN

El lenguaje de las imágenes

Entorno: es todo lo que rodea a un objeto, a una persona o a un grupo; se trata de un

En la vida cotidiana estamos rodeados de imágenes, ahora más que nunca

ACTIVIDAD 2. Busca fotografías familiares, pegalas en tu cuaderno y contesta

¿Qué actitud tienen?

¿Cómo están vestidos?

¿Dónde se tomo la fotografía?

Describe cómo es el entorno

¿Qué actitud tienen?

¿Cómo están vestidos?

¿Dónde se tomo la fotografía?

Describe cómo es el entorno

¿Te parece conocida?

Describe lo que aparece en la imagen.

Contesta en tu cuaderno las siguientes preguntas.

¿Por qué te gusto?

Tono (contraste de luz y sombra):

¿Qué formas observas?

¿Qué colores emplea Roy Lichtenstéin?

¿Corresponden con los que percibes en tu entorno?

¿Qué texturas observas en el cuadro?

Origen de la cuadrícula en el dibujo

1. Elige los materiales adecuados

Ejemplo de una imagen de 12,5 x 25 cm:

4. Traza la misma cuadrícula sobre el soporte

¿Qué es la fotografía Periodística y cuáles son sus características?

Su objetivo es contarles a las personas, mediante imágenes, lo que se está viviendo en el

Las principales características de la fotografía periodística que

 Una de las características de la fotografía periodística es la actualidad

Como ya se había explicado antes, el fotoperiodismo tiene ciertas reglas. Entonces,

Otra característica del fotoperiodismo es ser objetiva

También, otra característica de la fotografía periodística es la narrativa La lectura de la

Por último, la fotografía periodística se caracteriza por la estética

Último punto, pero no menos importante es cómo se ve la foto. La fotografía periodística se

Actividad comprensión lectora. Después de leer correctamente el texto anterior

NOMBRE DEL ESTUDIANTE: _______________________________ N. l.:

Primer Grado Grupo _ Alumno (a) _________________________________________ N.L _