Introducción a la Historia del Arte __________________________________________

BLOQUE 1. INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE.

ANÁLISIS, COMENTARIO E INTERPRETACIÓN DE LA
OBRA DE ARTE

I.- ¿QUÉ ES EL ARTE?

No es tarea fácil establecer con precisión qué es el arte. Podríamos decir que el
arte es una necesidad esencial del ser humano, un mecanismo de expresión que aparece
en él desde el Paleolítico Superior.
Así como para comunicar nuestras ideas utilizamos de forma principal el
lenguaje oral o escrito, igualmente lo podemos hacer mediante el uso del lenguaje
artístico, pues el arte es un medio de comunicación con el cual el artista expresa
imágenes de la realidad mediante un código que el espectador de cada momento conoce
y sabe interpretar. Por ello, es necesario tener en cuenta los parámetros espacio-
temporales en que la obra de arte nace, para llegar a entenderla en profundidad, y evitar
su descontextualización que en muchas ocasiones, oscurece su interpretación sería
posible entender el por qué de las pirámides de Egipto si no conocemos su organización
social o su religión.
Si hoy en día consideramos como artísticas obras tan dispares como las
producidas por nuestros antepasados del Paleolítico o las creadas a mediados del siglo
XX por el expresionismo abstracto, ¿cuál es el hilo conductor que nos permite
relacionarlas?
En el arte prehistórico se daba prioridad al sentido ritual y a la magia con el de
propiciar la caza. Esto dio lugar a un realismo creativo, cargado de simbolismo, que
todavía nos sobrecoge en la actualidad, dado su alto grado de perfección. Sin duda ahí
reside el origen del arte: se trata del primer lenguaje gráfico que el ser humano
practica con intención de ser fiel al entorno que le rodea ya la vez sentirse parte de él
A mediados del siglo pasado, el artista estadounidense Jackson Pollock sintió la
necesidad de romper con el cuadro a través de la técnica del dripping. El artista corría
con un recipiente de pintura de un lado para otro sobre un lienzo puesto en el suelo de
tal forma que las gotas de pintura calan sobre el soporte sin un diseño previo. ¿Qué
quería demostrar con ello? Deseaba romper con el inmovilismo artístico y abrir un
nuevo camino experimental en el que el soporte se queda pequeño, se utilizan nuevas
técnicas y materiales y queda en entredicho el papel que hasta entonces había
desarrollado el artista al enfrentarse a su obra
La respuesta que en ambos casos se dio -el arte prehistórico y la técnica del
dripping- a pesar de quedar separados por miles de años, fue la misma: la voluntad de
expresarse Por ello se puede afirmar que el arte, más allá de las convenciones
económicas, políticas, religiosas y culturales que cada sociedad establece es el producto
del espíritu, de la inteligencia y de la destreza humanos puestos al servicio de la
colectividad. Se trata de un instrumento primario de comunicación y expresión y por
ello dispone de sus propios signos y códigos.

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I.1.- LA OBRA DE ARTE

La obra de arte tiene la capacidad de transcender los límites de la realidad y

suscitar emociones fuera de su tiempo. Si no, ¿cómo podemos explicar el sobrecogedor
efecto que aún despierta el Partenón, las Meninas o la Esfinge? Esto es así porque por
encima de las fronteras del espacio y del tiempo, el arte aparece como un lenguaje
universal en el que se expresan las dimensiones eternas del espíritu del ser humano.
Umberto Eco, dice que el arte es una actividad por la cual las experiencias
percibidas por los sentidos del artista se incorporan a una materia y son llamadas a
constituirse en el plano material. El artista, por tanto, no se limita a representar la
realidad, ya que esto se convertiría en un simple espejo, sino que transforma los datos
de la naturaleza y los interpreta ordenándolos de manera diferente, es decir, el autor de
una obra es un creador.
La obra de arte es, por tanto, una manifestación del espíritu humano que se
plasma mediante técnicas plásticas Por ello, dependiendo del procedimiento y la técnica
con que se ejecute y de la finalidad que tenga produce distintos efectos a quien la
contempla. Como decíamos anteriormente, si observamos obras de arte de diversos
periodos, se advierten rasgos comunes entre ellas y también importantes diferencias.
Surge así el concepto de estilo, gracias al cual se agrupan las creaciones artísticas según
su homogeneidad y se clasifican de forma diversa (por escuelas, países o periodos)
teniendo en cuenta su evolución dentro de un contexto cultural.
Para facilitar su estudio, los investigadores han distinguido diversas etapas a lo
largo de la historia del arte.
El historiador del arte ha dado preferencia en sus estudios a las artes espaciales.
Estas se agrupan tradicionalmente en artes mayores y artes menores. Aunque esta
división es muy discutida actualmente. Entre las artes mayores se hallan la
arquitectura, la escultura y la pintura, y a las menores pertenecerían las restantes
(cerámica, orfebrería y tejidos). Fuera de esta clasificación quedarían las artes
populares, es decir la fotografía, el cine y otras manifestaciones contemporáneas,
algunas de ellas relacionadas estrechamente con las nuevas tecnologías.

I-2-.- FUNCIÓN SOCIAL DEL ARTE

La obra de arte es un medio por el que acercarnos a la cultura a la que

pertenece, ya que la actividad espiritual humana tiene su reflejo en la obra artística,
La belleza del lenguaje artístico contribuye a la formación estética de la Persona
que contempla la obra y ayuda a enriquecer su personalidad.
Entre las diversas funciones del arte a lo largo del tiempo han estado, por
ejemplo, la de propiciar la fertilidad y la caza en el Paleolítico, contribuir a la exaltación
o divinización de algunos monarcas y también ser un instrumento eficaz para enseñar al
pueblo y hacerle inteligibles determinados mensajes
Sin embargo, desde el siglo XIX, con la Revolución Industrial y el desarrollo del
capitalismo, la obra de arte atenuó su primitiva función y adquirió otros valores,
convirtiéndose en una mercancía en manos de intermediarios, marchantes, casas de
subastas lo que conlleva un mayor distanciamiento entre el creador y el cliente.
En la actualidad, la función de la obra artística obedece también a criterios
especulativos, como la inversión o a afianzar el prestigio del coleccionista.

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I.3.- ARTISTAS, MECENAS Y CLIENTES

El artista se gana la vida con su trabajo, por lo que necesita de una

especialización previa y de una clientela que le haga sus encargos Desde la Antigüedad,
hubo quienes, dotados de una excepcional maestría, gozaron de un reconocimiento y
hasta de un estatus privilegiado. Fue el caso de los escultores griegos Fidias y
Praxiteles, de Leonardo da Vinci y Miguel Ángel o, más tarde, de Goya o Picasso, por
citar solo unos ejemplos
En general los artistas (quienes a menudo no firmaban sus obras) se fueron
desligando lenta pero progresivamente del yugo que los consideraba artesanos que
trabajaban de forma mecánica y sin aspiraciones intelectuales. Sin embargo, no fue
hasta bien entrado el siglo XVl cuando fueron considerados verdaderos artistas
Desde finales de la Edad Media, numerosos tratados vinieron a corroborar que la
actividad artística debía ser considerada merecedora de reconocimiento y admiración

El mecenazgo artístico es un apartado de la creación plástica que ha sido

reivindicado por los historiadores del arte desde hace tiempo Sin la protección de
determinadas instituciones (la Santa Sede o las Monarquías de los Austrias en España y
de los Borbones en Francia) y personalidades de elevada cultura y sensibilidad (como el
emperador Adriano, Lorenzo el Magnifico o el emperador Rodolfo II) difícilmente
podríamos disfrutar en la actualidad de las obras de importantes artistas, ni de los
museos y colecciones que se han convertido en receptores privilegiados de sus obras
maestras. Y es que, coleccionar arte ha sido desde siempre un símbolo de prestigio,
poder y riqueza También es necesario tener en cuenta el papel que ha tenido y tiene la
cliente la privada. En esta se encontraban y se encuentran ricos mercaderes, parroquias
y cofradías, gremios, compañías militares, marchantes, entidades financieras,
industriales, galeristas…
En nuestro tiempo, multitud de galerías, ferias de arte y exposiciones se
encargan de poner a la vista del público las obras pasadas y presentes de artistas
reconocidos o desconocidos que muestran sus creaciones, y al mismo tiempo pueden ser
fácilmente adquiridas por los clientes.

2. LA ARQUITECTURA. EL ARTE DE EDIFICAR

La arquitectura se anticipó a las demás disciplinas artísticas desde la aparición
del Neolítico, y particularmente desde que se construyeron los primeros asentamientos
urbanos. Por consiguiente, de ella han dependido la pintura y la escultura, además de
otras obras muebles. De esta manera, la arquitectura se convirtió en un campo de
experimentación constante que influyó directamente en la evolución del arte en general.

2.1. MATERIALES
Al principio se utilizaron materiales naturales como madera y adobe, más tarde
se usó ladrillo, piedra, yeso, cal, arena… Dependiendo de la zona geográfica, unas
culturas se inclinaron por unos materiales o por otros. Por lo general, las civilizaciones
asentadas a lo largo de los ríos Tigris y Éufrates (en Oriente Próximo) desde el 3000
a.C. emplearon masivamente el ladrillo, lo que les permitió desarrollar la bóveda.
Además, para proteger los paramentos de las inclemencias climáticas cubrieron el
ladrillo con una capa vidriada que a su vez los decoraba.

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Por el contrario, en la misma época en Egipto se explotaron las ricas canteras de

piedra caliza, granito o diorita con las que se levantaron grandiosas pirámides y
sobrecogedores templos.
Desde la época griega a la neoclásica, se han utilizado esta variedad de mate
riales de forma diferente; lo que ha permitido aportar nuevas soluciones constructivas,
ornamentales y espaciales. Estas soluciones pervivieron hasta la aparición de la
industrial, que introdujo nuevos materiales, como el hierro, el acero y el aluminio, lo
cual aportó un giro tanto a las técnicas de edificación como a la estética.

2.2. ELEMENTOS ARQUITECTÓNICOS

Los elementos de la arquitectura se pueden clasificar en dos tipos: los que tienen
función sustentante y los que son sustentados.

- Elementos sustentantes
Su misión principal es la de soportar el peso de la cubierta, pero también la de
dar sentido al espacio construido. De forma resumida, se pueden clasificar en tres:

❖ El muro tiene la función de aislar y, al mismo tiempo, de servir de soporte a la

techumbre. Los muros pueden estar hechos de distintos materiales (adobe,
ladrillo, piedra…), los cuales pueden combinarse entre sí. Igualmente, estos
materiales suelen utilizar conglomerantes que aportan a los paramentos mayor
consistencia y aislamiento. Además, los muros se pueden decorar, para lo que se
preparan previamente con capas de arena, yeso y cal. Dependiendo del tamaño
del muro y del peso sustentado se suelen utilizar contrafuertes que contengan la
presión lateral y eviten su derrumbe.

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❖ La columna sustenta el entablamento y comparte con el muro la carga de la

cubierta. Está compuesta por tres partes básicas: basa, fuste y capitel. Puede ser
de ladrillo y, más habitualmente, de piedra (con frecuencia realizada a piezas).
El diseño varía según la época y el lugar.

❖ El pilar está a medio camino entre los dos anteriores. Se trata de una columna
de sección ortogonal que cuando aparece adosada al muro recibe el nombre de
pilastra.

- Elementos sustentados
Son los elementos que descansan sobre los muros, las columnas y las pilastras.
Hay fundamentalmente dos tipos:

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❖ El entablamento es el conjunto de formas y molduras sustentadas en la

arquitectura adintelada. Se distinguen tres partes arquitrabe, friso y cornisa.

❖ El arco es un elemento curvo que soporta y desvía lateralmente los empujes de

la cubierta abovedada. También se utiliza para aligerar los muros. En un arco se
distinguen el intradós (interior) y el extradós (exterior). Las piezas del arco se
llaman dovelas, y la que se encuentra en el centro se conoce como clave. La línea
de imposta es la que marca el arranque del arco. La luz y la flecha de un arco son
la anchura y la altura del mismo, respectivamente.

2.3. SISTEMAS DE CUBIERTA

La cubierta es la techumbre de un edificio y puede ser de varios tipos:

❖ Cubiertas planas, y las de doble vertiente o a dos aguas. Son las que se utilizan
en la arquitectura adintelada o arquitrabada. Las bóvedas son sistemas más
complejos que los anteriores, tienen forma curva y se apoyan en los arcos. Según
su complejidad y el tipo de arco utilizado, hay distintos tipos de bóvedas: de
cañón, de arista o de crucería. Son las utilizadas en la arquitectura abovedada.

❖ Las cúpulas son una solución constructiva compleja. Se basa en levantar sobre
una planta centralizada o en el crucero que forma la intersección de dos naves
una cubierta en forma de media naranja, rematada o no por una abertura o
linterna.

Por lo general, en los edificios grandes suelen combinarse varios tipos de cubiertas.
A partir del siglo XIX, el uso de nuevos materiales de construcción, como el hierro, el

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acero o el hormigón, dio lugar a un sistema constructivo distinto en el que la estructura

del edificio se sustenta en un esqueleto internos. De esta manera, los muros dejan de
tener su función de sujeción y pueden ser sustituidos por materiales frágiles, como el
cristal, e incluso desaparecer.

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3. LA ESCULTURA: TÉCNICAS Y MATERIALES.

La escultura es otra de las artes mayores y tiene una larga trayectoria, pues existe
desde la prehistoria.
Desde sus comienzos ha estado ligada a la arquitectura y a la pintura, pues los
escultores participaban activamente en In decoración de los edificios y además, muchas
esculturas se pintaban para decorarlos.
Con el paso de los siglos, la escultura se convirtió en una disciplina
independiente, y los escultores formaron a me nude un colectivo diferenciado tanto de
arquitectos como de pintores, hasta el punto de constituir un gremio propio.

3.1. TIPOS DE ESCULTURAS

Las obras escultóricas pueden clasificarse en dos grupos distintos:

• Obras de bulto redondo, también llamadas esculturas exentas. Se trata de obras

aisladas, visibles desde distintos ángulos y que pueden ser rodeadas por el
espectador.
• Relieves. Se trata de esculturas que están adosadas a una superficie y que
sobresalen de ella. Según sobresalgan del plano adquieren distintos nombres
altorrelieve (cuando asoma más de la mitad), mediorrelieve (cuando lo hace
hasta la mitad) y bajorrelieve (cuando destaca menos de la mitad).

Es posible encontrar tanto escenas como figuras aisladas. Generalmente, las

figuras están completas. Cuando se representa solo la cabeza y la parte superior del
tórax de una figura humana decimos que se trata de un busto.
La temática de las esculturas es muy variada y ha ido cambiando a lo largo del
tiempo, pero algunos géneros han tenido gran difusión. Es el caso del retrato, que
representa personas reales con mayor o menor fidelidad, la escultura ecuestre, en la que
una persona aparece montada a caballo, y la escultura funeraria, que decora la tumba de
un difunto.

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3.2. TÉCNICAS ESCULTÓRICAS

Las principales técnicas escultóricas son la talla, el modelado, la soldadura, la

fundición y el ensamblaje. Se utilizan unas u otras dependiendo del material en que se
realicen (piedra, madera, yeso arcilla, alabastro, metal o materiales sintéticos).

- Talla
Se parte de un bloque en bruto de piedra (alabastro, basalto, caliza, granito, diorita,
mármol…) o de madera (nogal, pino, roble…) y se procede a su corte. Después se talla
con diversos instrumentos (cinceles, gubias, brocas…) y se alisa con cepillos, lijas o
limas.
Más adelante, especialmente si es de madera, se le ensamblan las partes que no
pertenecen al bloque original (brazos, manos…) y se le aplica una capa de yeso para
poder pintarla. También se puede pintar directamente, e incluso vestir con telas.

- Modelado
Se trata de una técnica muy rápida sobre materias blandas (preferentemente
arcilla y yeso), lo que permite al es cultor hacer bocetos (fase previa de realización o
diseño de una obra artística) de sus creaciones antes de pasarlas a otro material más
consistente.

- Fundición
La fundición se realiza normalmente con bronce Su utilización se remonta a la Edad
del Bronce, cuando algunas culturas descubrieron este material mezclar el estaño y el
cobre fundidos.

- Soldadura
Esta técnica se asocia con la era industrial y con el uso de materiales metálicos
Consiste en la unión mediante fusión de diversas partes para conformar una obra
artística. La soldadura puede realizarse de forma autógena (con soplete de oxígeno y
acetileno) o eléctrica. Además se puede optar por pulir las soldaduras o por dejarlas
visibles como parte de la escultura.

- Ensamblaje
Se trata de una técnica empleada por la escultura vanguardista, que se interesó
por experimentar con el ensamblado de diversos materiales (cartón, cerca papel yeso 1
coloreados una a partir de una estructura previa.

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4. La pintura y sus modalidades

El arte de la pintura ha evolucionado continuamente, tanto en las formas y el

significado como en los materiales y técnicas empleados. En ocasiones, la pintura se
supedita a la arquitectura y la escultura, a las que ornamenta, pero adquiere cierta
independencia cuando se realiza sobre un soporte exento: el cuadro.

4.1. MATERIALES Y COLORES

La base de la pintura se encuentra en los materiales que utiliza: el pigmento

(color), el aglutinante (sustancia en la que se diluyen los colores) y el disolvente
(encargado de dar consistencia a los mismos).

El pigmento o color es un elemento clave en la pintura. Los artistas utilizan lo

colores para transmitir sensaciones y sentimientos y de esta manera influir en el estado
de ánimo del espectador. Los colores se dividen en:
- Primarios, es decir, aquellos que no se pueden obtener mezclando otros colores.
Son el magenta, el cian y el amarillo.
- Secundarios, que se obtienen mezclando los colores primarios.

A un color se le puede añadir blanco o negro, y de esta manera se obtiene una

variación del mismo, es decir, un tono distinto.

4.2. TÉCNICAS

Existen diversas técnicas según el soporte elegido, los materiales y los efectos que
se pretendan conseguir. Así, podemos hablar de:

- Acrílica: Utiliza pinturas de origen plástico que se secan con rapidez y adquiere
acabado mate o brillante. Su estabilidad y resistencia permiten el añadid otras
capas posteriormente. Su uso se asocia con el arte del siglo XX.

- Acuarela: Los pigmentos se disuelven en agua y se secan rápidamente. De esta

manera se consiguen notables efectos de luminosidad y transparencia, pero
obliga al pintor a ser muy rápido en su ejecución.

- Collage: Es una técnica utilizada en época reciente en la que se mezclan

materiales de uso cotidiano, como periódicos, cartones o plásticos, que se
combinan en ocasiones con la pintura, lo que permite que la propia realidad
forme parte de la obra

- Fresco: Utilizado desde la Antigüedad. Se pinta sobre la superficie de un muro o

bóveda, previamente enlucida con varias capas de arena, cal y yeso mezcladas,
para facilitar la adherencia y resaltar los pigmentos que se aplican posterior
mente Sobre esta preparación aún tierna, se aplica el dibujo mediante un punzón

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y después se le da color Es una técnica que requiere una gran destreza y se

realiza por etapas

- Óleo: Su origen y difusión desde el siglo XV se debe a los talleres flamencos,

los cuales mezclaron los colores con aceite vegetal (por lo general procedente
del lino) Es una técnica que puede combinarse con el temple y realizarse sobre
diversas superficies: lienzo, madera, cobre o un muro, y que permitió consequir
con la pintura un detallismo y una fluidez desconocidos hasta entonces.

- Temple: Su época de esplendor finalizó con el nacimiento del óleo, excepto en

el arte ortodoxo, donde continuó desarrollándose. Se basa en disolver los colores
en cola de origen animal o vegetal, gomas, ceras o huevo como aglutinantes.

4.3. TIPOS O GÉNEROS

Las pinturas reciben distintos nombres según el tema que se represente

-
- Retrato: Es un tipo de pintura realizado desde la Antigüedad. Según las épocas,
los retratados se han representado idealizados a de manera más rea lista,
recogiendo incluso los defectos físicos. Ejemplo: Retrato de Inocencio X de
Velázquez.

- Paisaje. También se desarrolla desde muy antiguo. Se representan escenas del

paisaje natural, como montañas, campos, bosques, ríos, etc. Un tipo especial son
las marinas, en las que podemos ver paisajes marinos playas, acantilados,
olas…Ejemplo: El carro de heno de Constable.

- Bodegón. También se conoce como naturaleza muerta y en él se suelen

representar elementos inanimados, como utensilios de cocina, instrumentos
musicales, flores, frutas, animales de caza…Ejemplo: Bodegón con cacharros
de Zurbarán.

- Pintura histórica. Representa acontecimientos históricos. Durante el Barroco, el

Neoclasicismo y el Romanticismo tuvo gran importancia. Ejemplo: La
coronación de Napoleón de David.

- Pintura de género. Recoge escenas de la vida cotidiana. En estos cuadros

podemos ver fiestas tradicionales, bailes, artesanos realizando su trabajo.
escenas callejeras, etc. Ejemplo: El entierro de Ornáns de Coubert.

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5. LAS ARTES MENORES O DECORATIVAS

Con esta definición se clasifican todas aquellas obras que no son arquitectura,
escultura o pintura, aunque participan de todas ellas: cerámica, muebles, tapices,
cortinas, vajillas, cuberterías y hasta belenes.
Surgen como complemento a la arquitectura y están estrechamente unidas a la
moda (textiles, orfebrería) Algunas de ellas han recibido recientemente más atención
por parte de los investigadores, lo que ha propiciado un mayor conocimiento y aprecio
social.

5.1. CERÁMICA

La cerámica se elabora a base de arcilla modelada y posteriormente cocida. Para

su ejecución se suele utilizar el torno, al que sigue el secado de las piezas, su
impermeabilización, decoración y dosificación de la temperatura durante su cocción)
La función de la cerámica puede variar entre un uso cotidiano (una vajilla, por
ejemplo), un uso ritual (las urnas funerarias, en las que se conservan los restos de los
difuntos incinerados) y un uso simbólico (las estatuillas votivas que muchos fieles
llevan como ofrenda a los santuarios).
La cerámica también puede disponerse sobre los muros Esta técnica surgió en
Mesopotamia, al aplicar al barro cocido, que formaba los muros, una capa lo barniz) de
vidrio, lo que contribuye a su impermeabilización. Los barnices adquirieron una gran
riqueza cromática al utilizar intensos óxidos metálicos.
La continuada utilización de cerámica ha ido perfeccionando sus técnicas y
modificando sus diseños, adaptados generalmente a los diversos estilos que siguen las
artes mayores.

5.2. ORFEBRERÍA

La valoración artística de la orfebrería se ha visto condicionada por la moda

imperante en cada momento. Su uso como aderezo (joyería) y su vinculación al vestido
hacen que, aunque las piezas de orfebrería estén realizadas con materiales preciosos, el
trabajo del orfebre siempre se haya considerado más artesano que artístico.

5.3. TEJIDOS

La elaboración de tejidos no ha sido valorada debidamente hasta época reciente.

A ello ha contribuido su uso cotidiano y su difícil conservación. Sin embargo, las piezas
relacionadas con actos ceremoniales o litúrgicos, por ejemplo, son magníficos vestigios
con los que comprender las diferentes mentalidades de quienes las encargaron y usaron,
y la exquisitez que alcanzaron los talleres textiles.
Además, se da la circunstancia de que muchas de estas vestimentas aparecen con
frecuencia en la pintura y la escultura, por lo que su conocimiento es fundamental a la
hora de contemplarlas e interpretarlas en su contexto histórico.

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