FRANCISCO DE GOYA

Francisco de Goya fue uno de los pintores más célebres que ha dado el
arte español. Precursor del impresionismo y padre del arte moderno, su vida
artística estuvo marcada por el conocimiento pictórico de varios estilos
diferenciados que marcaron al autor durante toda su carrera.
Goya nació en el 30 de marzo de 1746, en Fuendetodos, municipio que
pertenece a la provincia de Zaragoza. Curso desde pequeño estudios de arte
y fue a parar a Roma para mejorar sus habilidades. Dichas habilidades le
valieron para que en 1770 comenzara a trabajar para la corte real española.
Fue un tiempo en el que Goya gozó de gran reputación y retrató a la familia
real, nobles y demás parientes de la alta sociedad de la época, donde fue
famoso por su maestría en el retrato.

ANÁLISIS DE LA OBRA
Título de la obra: La Maja Desnuda

Autor: Francisco de Goya

Antigüedad/ época / año:  1791-1800 (Romanticismo)

Técnica: Óleo

Soporte: Lienzo

Dimensiones: 98cm x 191cm

Ubicación: Museo del Prado, Madrid, España

Reseña histórica.  
La maja desnuda es la primera figura femenina de la historia de la pintura que muestra
el vello púbico, poniendo de manifiesto su originalidad. Además, no es ninguna imagen
mitológica sino una mujer de carne y hueso, una imagen moderna como más tarde haría
Manet en su Olimpia. Por eso, la Maja desnuda tiene tanto éxito entre los numerosos
visitantes del Museo del Prado, junto a su compañera, La maja vestida.

La primera mención de esta obra data de noviembre de 1800, en la descripción del

palacio de Godoy del grabador Pedro González de Sepúlveda, durante la visita que hizo
en compañía de Juan Agustín Ceán Bermúdez y del arquitecto Pedro de Arnal. Colgaba
allí en un "gavinete interior" junto con otras Venus, aunque no hizo de ella gran aprecio
en su Diario: 

“Una [Venus] desnuda de Goya, pero sin divujo ni gracia en el colorido".

 Esa presencia en el palacio de Godoy parece documentarse asimismo en uno de los

Ajipedobes, violentas caricaturas contra el Príncipe de la Paz, de principios del siglo
XIX, en que este cuadro aparece como decoración de sobrepuerta en su gabinete de
trabajo. A La maja desnuda, y a su compañera, La maja vestida, se pudo referir
Gregorio González de Azaola, científico y erudito valenciano, en el artículo sobre los
Caprichos de Goya, publicado el 27 de mayo de 1811 en el Semanario Patriótico de
Cádiz:

 "Todos los amantes de las bellas artes tienen sin duda noticia de nuestro célebre
pintor D. Francisco de Goya y Lucientes, y muchos habrán admirado sus bellos techos
al fresco, sus Venus y sus retratos".

En 1813, el Inventario que recoge los bienes incautados a Godoy, cuando estos aún se
hallaban en el palacio contiguo al convento de Doña María de Aragón, los cuadros se
citaban asimismo como "Venus", identificación que, ya después de la muerte de Goya,
hacia 1830, repetía Javier Goya, hijo del artista, que aludía a "las Venus que pintó para
el Príncipe de la Paz". Junto a estas descripciones tempranas, sin duda acertadas, ya que
el cuadro formaba parte del gabinete reservado de Godoy en compañía de la famosa
Venus del espejo de Velázquez y de otras dos atribuidas a Tiziano, se fueron
incorporando con el tiempo otras identificaciones más pintorescas, la primera en 1808,
del francés Frédéric Quilliet, que a fines de aquel año redactó el inventario de la
colección de Godoy, describiéndolas como "Gitanas".

 Más tarde, en el inventario efectuado en 1814, cuando los bienes incautados a Godoy se
encontraban ya en el Depósito de Secuestros de la calle Alcalá, el denominado "almacén
de cristales", La maja vestida se cita como "una mujer vestida de maja", denominación
que se generalizó a partir de entonces y aque también figura en la reclamación que, a
fines de ese mismo año, el Tribunal de la Inquisición hizo de ambas pinturas por
considerarlas "oscenas:" [la que] "representa una mujer desnuda sobre una cama [...] es
su autor Don Francisco Goya; la mujer vestida de maja sobre una cama es también del
citado Goya". 

También en el siglo XIX se fue abriendo paso, junto a la leyenda de los amores de Goya
con la duquesa de Alba, que la modelo era retrato de esta última, aunque Pedro de
Madrazo pareció identificarla, también sin fundamento, con Pepita Tudó, quien era la
amante de Godoy en los años en que La maja desnuda fue pintada. La suposición, muy
extendida, de que Goya había modificado la cabeza para esconder los verdaderos rasgos
de la modelo ha quedado descartada con la reciente radiografía, que muestra el cuerpo
pintado de una vez y sin alteraciones apreciables en esa zona. Goya dispuso a "La maja
desnuda" con los brazos entrecruzados por debajo de la cabeza, composición que
recuerda a la famosa escultura clásica de la "Ariadna dormida" de las colecciones reales.
Descartó cualquier referencia a Cupido, tradicional acompañante de la diosa, y la situó
provocadoramente en un canapé moderno y no en el lecho clásico de la pintura anterior,
mirando al espectador con leve y sugestiva sonrisa.

La maja desnuda es todavía ejemplo del estilo más dieciochesco de Goya, anterior al
cambio profundo que se produce en sus obras hacia 1797-98, por lo que habría que
pensar en una datación relativamente temprana, en torno a 1795-96, en el momento de
sus primeros contactos artísticos con Godoy. Varios de los dibujos del Álbum A, que se
fechan en esos años, con jóvenes tendidas en el lecho, podrían haber sido hechos como
preparación para este importante encargo de Godoy, que daba pie al artista para tratar de
forma moderna, sin el aditamento clásico de Cupido y otros símbolos de la diosa, uno
de los temas cruciales de la pintura desde el Renacimiento.
Características formales de la obra de arte. 
La mujer, completamente desnuda, aparece en la misma posición que La maja vestida,
sobre un sofá verde recubierto por una colcha y por almohadas de color blanco. Según
Xavier de Salas, las dos majas no fueron pintadas en el mismo momento debido, en
parte, a las diferencias técnicas existentes entre ambas; en su opinión La maja vestida es
posterior a la desnuda. En realidad, la explicación para estas diversidades técnicas es
que Goya pudiese haber sentido la necesidad de afrontar estos dos trabajos con criterios
diferentes. Con la voluntad de recrearse en la captación de las vestiduras de La maja
vestida, el pintor recurrió a pinceladas más sueltas con las que capturar mejor las
diferentes calidades de los materiales que cubren el cuerpo de la mujer. Sin embargo, la
representación de la anatomía de La maja desnuda le suscitó una visión más académica
de la obra en la que el dibujo cobra una mayor relevancia.
Pese a que pudiera ser una Venus, se trata de una mujer original y real, de carne y
hueso. Mira directamente al espectador y se aprecia que no es recatada. Se acentúa con
los brazos bajo la nuca y marcando con el vello púbico el centro del cuadro. Destaca el
gran conocimiento que Goya tenía de la anatomía humana. La maja descansa sobre un
canapé de terciopelo verde cubierto por una sábana y una almohada con encajes en las
que destacan las transparencias y las graduaciones tonales.
El estilo de Goya fue una ampliación del de Velázquez.  Adoptó aspectos fundamentales
para crear su propio estilo. Pintó los retratos con una técnica más firmeza. Su
herramienta principal era la luz con la que resaltaba al individuo y realzaba la expresión
facial reduciendo los elementos secundarios tal y como lo hizo con La Desnuda. Por
ello, el perfil de la modelo aparece se difuminaba en tonos tenues, delicados haciendo
frente a contrastes de luces. El pintor buscaba expansión y difuminación en sus
pincelada y trazos sueltos “las últimas pinceladas”. La   Maja   Desnuda está retratada
con   sombras   moderadas   otorgándole un   aspecto   de ingenuidad    la misma vez
pícara, acompañada con luces frías y trazos sutiles no sólo en su contorno corporal sino
en las telas y almohada en las que reposa.  La coloración se contrasta con tonos blancos,
verdosos y rosados. Se encuentra en un espacio oscuro que ilumina por sí misma,
mediante su brillo y esbeltez. De técnica distinta a la Maja Vestida que parece estar
pintada de forma abreviada y simple. 
Es notable que, aún dentro de la típica fuerza de las pinceladas que caracterizan a Goya,
el artista se ha esmerado en el tratamiento de las carnaduras y sombreados acompañadas
por la figuración sutil de las telas, la coloración se hace con un minucioso juego de
verdes que contrasta con blancos y rosados y de este modo la maja casi parece
suspendida mediante su brillo y delicadeza, suspendida en un espacio oscuro que ella
ilumina.
Interpretación personal de la obra de arte.
En esta obra podemos apreciar que el punto de partida de Goya es la tipología
tradicional de Venus recostada sobre un lecho, fijada en el Renacimiento por los
pintores de la escuela veneciana (Giorgione, Tiziano, etc.), aunque él va mucho más
allá. La figura representada no se corresponde con ninguna imagen divina o mitológica
que, como en épocas pasadas, pudiera justificar el desnudo, sino con la de una mujer
real, de carne y hueso. El pintor ha prescindido de cualquier aditamento mitológico,
como Cupido, tradicional acompañante de la diosa (Venus del espejo, de Velázquez);
sitúa a la mujer provocativamente sobre un canapé o diván moderno y no sobre un lecho
clásico, mirando al espectador y sonriendo, lo que la aleja del tradicional recato de otras
épocas. En esta obra Goya rompe con la tradición iniciada en el Renacimiento, aunque
parta de las referencias históricas: Velázquez, Tiziano, Rubens, etc. nos ofrece una
mirada moderna sobre una mujer de su tiempo, sin idealización alguna, llena de
sensualidad y erotismo; Goya pinta, en fin, el deseo de quien le encargó la pintura, pues
no hay que olvidar que era un encargo privado, y peligroso, aunque hoy cuelgue en las
paredes del Prado.