TEMA 10: LA MÚSICA INSTRUMENTAL EN EL

ROMANTICISMO
1- Introducción
a) Contexto histórico social y cultural
b) Características generales de la música romántica:
c) Dualidad Romántica:
2- Organología
3- Agrupaciones instrumentales
4- Las formas musicales

1- Introducción
a) Contexto histórico social y cultural
El Romanticismo fue un movimiento cultural y político que se originó en Alemania a
finales del siglo XVIII como una reacción al racionalismo de la Ilustración y el
Neoclasicismo, dándole preponderancia al sentimiento. Se desarrolló fundamentalmente
en la primera mitad del siglo XIX y favorecía, ante todo:
 La supremacía del sentimiento frente a la razón.
 La fuerte tendencia nacionalista de cada país.
 La del liberalismo burgués frente al despotismo ilustrado.
 La de la originalidad frente a la tradición grecolatina.
 La de la creatividad frente a la imitación neoclásica.
 La de la obra imperfecta, inacabada y abierta frente a la obra perfecta, concluida y
cerrada.

El siglo XIX se inaugura bajo el influjo de la Revolución Francesa, las conquistas

napoleónicas. El Congreso de Viena (1815) supuso en principio, el triunfo de la
Restauración y la reconstrucción del mapa de Europa. Es la época en la que la burguesía
alcanza el poder político (revoluciones burguesas – 1830, 1848…), pero también es la
época en la que nacen los nacionalismos y el liberalismo económico, que se traducirán en
dos concepciones económicas contrapuestas.
Los impulsos sociales proceden de dicho liberalismo, de los movimientos democráticos, el
socialismo, y el anarquismo. Al mismo tiempo otro movimiento recorre el continente: el
nacionalismo, que hacia fin de siglo deriva, en algunos casos, en imperialismo colonialista.
Las transformaciones económicas y sociales producidas por la extensión de la Revolución
Industrial contribuyen de forma definitiva a un cambio radical del panorama histórico .

b) Características generales de la música romántica:

El romanticismo musical es un período que transcurrió aproximadamente entre principios
del siglo XIX y la primera década del siglo XX, y suele englobar toda la música escrita de
acuerdo a las normas y estilos de dicho período. Algunas de las características generales
son:
 Gusto por el virtuosismo y los alardes técnicos.
 Melodías bellas y apasionadas. A veces adquieren un sabor nuevo debido a que se
incorporan giros melódicos procedentes de la música popular o tradicional.
 El movimiento musical y la pulsación son muy flexibles (cambios agógicos: rápido –
lento, acelerando, ritardando…).
 Riqueza de contrastes dinámicos. Uso constante del crescendo y diminuendo, junto
con espectaculares contrastes entre pianissimo y fortíssimo.
 Armonías audaces y muy desarrolladas, con cambios constantes de tonalidad, aunque
el ritmo armónico se ralentiza.

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  Aumento de las posibilidades tímbricas (aumenta la orquesta y aparecen nuevos
instrumentos).
 Las formas musicales pueden alcanzar gran duración y se aplican de manera más
libre. Simultáneamente aparecen pequeñas formas que permiten una mayor fantasía y
espontaneidad.
 Todo esto da como resultado una música de gran potencia expresiva y de carácter muy
marcado: tremenda y brillante a veces, recogida y lírica otras, la música romántica
posee una gran capacidad de evocación.

c) Dualidad Romántica:
El conflicto cultural que mejor define esta época viene dado a través de una serie de
contradicciones, ambivalencias, dualidades… que en música se pueden apreciar de la
siguiente forma:
 Conflicto entre la música instrumental pura como forma suprema de expresión de los
sentimientos y la fuerte tendencia literaria de la música del XIX.
 Contraste entre las grandes formas instrumentales para un gran número de
intérpretes y el individualismo reflejado en las pequeñas formas para piano.
 La individualidad del músico (genio incomprendido) frente a la multitud a quien va
dirigida su obra.
 Contraste entre el músico profesional virtuoso reservado a las salas de concierto y el
músico aficionado en torno al piano del salón de su casa.

2- Organología
Durante todo el Romanticismo, los elementos del lenguaje musical se van a utilizar como
recursos expresivos para dar color, crear atmósfera, subrayar los detalles… Y desde el
punto de vista de los instrumentos musicales, hay que tener en cuenta una serie de factores
que influirán definitivamente en el panorama musical romántico:
 Uno de los factores más importantes fue la Revolución Industrial, la cual incidirá en la
transformación, invención y mejora de los instrumentos. De esta forma se adapta un
nuevo sistema de llaves a los instrumentos de madera (Boehm), los pistones al viento
metal, etc. facilitando y mejorando la técnica interpretativa y las posibilidades de los
mismos. Esto de alguna manera respondía a las demandas de los músicos virtuosos.
 La demanda de instrumentos por parte de la sociedad burguesa (aumento de los
músicos aficionados) obliga a la fabricación de instrumentos de manera industrial y “en
serie”.
 La orquesta se amplia de acuerdo a las necesidades expresivas de grandiosidad y
ampulosidad, de acuerdo también a la extensión de las formas y a la ampliación de los
recursos armónicos. Instrumentos que aparecen nuevos en la orquesta: flautín,
clarinete bajo, corno inglés, contrafagot, tuba, gong, campanas, glockenspiel, yunque,
látigo…
 Hay que destacar las dosis de experimentación durante el siglo XIX, con la creación de
nuevos instrumentos, sobre todo con la intencionalidad de crear nuevos registros y
colores. Es el caso de la flauta grave en sol, la invención del saxofón por Adolfo Sax en
1940 (así como el fliscorno y bombardino) y la tuba wagneriana (híbrido entre trompa y
tuba).
 El piano se convierte en el instrumento rey de esta época, ya que se prestaba tanto
para el lirismo subjetivo e íntimo del artista como para la explosión retórica y
virtuosística del mismo. Es decir, conectaba muy bien con los valores estéticos del
Romanticismo: lo intenso, lo exagerado, grandioso, lo íntimo… El piano fue universal
puesto que se adaptaba tanto a los virtuosos como a los aficionados. Algunos de los

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 cambios técnicos que sufrió el piano fueron la utilización de los macillos de fieltro en
lugar de piel, las cuerdas de latón y acero, los bastidores metálicos, la implantación de
pedales para efectos sonoros, etc.

3- Agrupaciones instrumentales
Las agrupaciones instrumentales que se dan durante el Romanticismo se pueden
clasificar en dos grupos dependiendo de si el género es música de cámara o música
orquestal.
Dentro del primero se englobaría tanto la música solística (sobre todo para piano u
órgano) como la de conjuntos vocales o instrumentales. En este último punto cabría
destacar toda la música de cámara con piano y los cuartetos de cuerda. Así pues
encontraremos duos, tríos o cuartetos de cuerda con piano y los cuartetos de cuerda en sí
mismos (Beethoven, Schubert, Mendelssohn, Brahms…).
Por otro lado, también merece la pena mencionar la música de cámara para
instrumentos de viento que aparece de variadas formas: dúos de instrumentos iguales o
diferentes, tríos, cuartetos… hasta llegar al noneto. Como ejemplos destacaremos el
Septimino de Beethoven y el Octeto de Schubert.
En cuanto a las agrupaciones instrumentales relacionadas con la música orquestal
destacamos a la orquesta como un todo en sí mismo y la relación de la orquesta con un
solista en los conciertos, destacando como no, los conciertos para piano.
Queda por lo tanto configurada la orquesta romántica como un conjunto sinfónico
que incluía hacia mediados del siglo XIX, aparte de las cuerdas y timbales, unos 20
instrumentos de viento (dos flautas, dos oboes, dos clarinetes, dos fagotes, cuatro trompas,
dos trompetas, tres trombones y una tuba), es decir, cerca de los sesenta músicos. A finales
del siglo y a principios del XX la orquesta podía alcanzar proporciones formidables,
superando en muchos casos los 100 músicos.

4- Las formas musicales

Durante el Romanticismo asistimos a la continuidad compositiva de algunas formas
ya establecidas durante el Clasicismo y la aparición de otras formas nuevas. Con respecto a
las primeras (sonata, sinfonía, concierto, cuarteto de cuerda), la tendencia es a ampliar la
extensión y la duración de dichas formas siempre por motivos expresivos.
Por otro lado, para clasificar las formas instrumentales de este periodo debemos
entender la dualidad musical del momento en cuanto a la división en música para las
grandes formas (en donde la orquesta es la protagonista), y música para pequeñas formas
instrumentales (donde el protagonista es el piano).
Así pues destacamos dentro de las grandes formas:
 La sinfonía romántica: que experimentará notables cambios. En general aumenta
sus dimensiones, así como el número de temas, cuyo carácter melódico más que
motívico, dificulta su desarrollo. El ritmo armónico se ralentiza y la tonalidad se vuelve
más cromática, original y colorida. Se tenderá a la ejecución sin pausa de los distintos
movimientos (sobre todo del tercero al cuarto) y se concentrará el material temático en
éste último. Se introducen elementos ajenos al medio como son la voz y los coros. Se
distinguen tres periodos:
Dentro de un primer romanticismo sinfónico destacaríamos las 9 sinfonías de
Beethoven, así como las sinfonías de Franz Schubert, Felix Mendelssohn y Robert
Schumann.
En un segundo periodo podemos destacar las sinfonías de Johannes Brahms como
representativas del renacimiento de la música absoluta después de 1860, y Antón
Bruckner cuyas sinfonías destacan por su monumentalidad y sus grandes

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 desarrollos.
El tercer periodo sería el vinculado con el sinfonismo posromántico de Gustav
Mahler y Richard Strauss.
 El concierto: El concierto sigue teniendo tres movimientos aunque se experimentará
con la estructura en cuatro, así como con el enlace entre los mismos. Fueron muy
apreciados los de piano y violín aunque prácticamense se compone para casi todos los
instrumentos de la orquesta. El concierto favorece el virtuosismo del intérprete.
Destacan los conciertos para piano de Beethoven, Schumann y Brahms y los conciertos
para violín de Beethoven, Paganini, Mendelssohn y Saint-Saëns.
 La música programática: se trata de música instrumental, con un “contenido
extramusical”, que se comunica a través de un título o programa. Dicho contenido está
basado en la experiencia vivida por parte de un compositor en la que se desarrollan
acciones, situaciones, imágenes o ideas. Este programa estimula la fantasía del
compositor y orienta al oyente hacia una determinada dirección. Lo opuesto a música
programática es la música absoluta, es decir, aquella que no posee ideas
extramusicales, no se apoya en un texto o en otras ideas secundarias.
Entre la música programática se cuentan:
 La Sinfonía programática: pieza sinfónica para orquesta en varios movimientos,
con un contenido extramusical. Destacan la Sinfonía Fantástica de Héctor Berlioz, la
cual gira en torno a una vivencia amorosa del mismo compositor y la Sinfonía Nº 6
Pastoral de Beethoven.
 El Poema sinfónico: es una obra orquestal en un solo movimiento y de estructura
libre, cuyo desarrollo viene dado por la existencia de un elemento literario previo. El
compositor que más destacó con sus poemas sinfónicos fue Franz Liszt, quien compuso
doce de estos poemas, entre ellos: Los preludios, Hamlet, Orfeo, Mazeppa, Años de
peregrinación…

Dentro de las pequeñas formas destacan todas aquellas piezas breves que crean un
conjunto de literatura pianística como un medio apropiado para la expresión individual del
lirismo y el sentimiento románticos: nocturnos, estudios, baladas, impromptus, preludios,
romanzas, valses, polonesas mazurcas, etc.
Con respecto a la música para piano destacamos a los siguientes compositores:
Fréderic Chopin: representa el genio romántico en estado puro, individualista y
recluido, que busca la evasión con respecto al mundo exterior. Su romanticismo se hace
patente en su sentimiento patriótico, así como en carácter casi abstracto de su música, que
huye de las formas establecidas. Insistimos en sus estudios, sus ciclos de preludios, sus
cuatro baladas y sus polonesas y mazurcas donde muestra su carácter nacionalista del
espíritu romántico.
Franz Liszt: Considerado el pianista virtuoso más genial de todos los tiempos. Sus
estudios supusieron una revolución en la concepción técnica del piano por las
combinaciones sonoras y contrastes inesperados que logró. Destacó también por sus
transcripciones para piano de obras sinfónicas, por incorporar títulos programáticos a sus
obras para piano y por su Sonata en si menor, considerada la obra cumbre de la música
para piano de todo el siglo XIX.
Robert Schumann: de fuerte formación literaria, se dedicó sobre todo a la crítica
musical y a la composición. Su estilo buscó la originalidad y no el virtuosismo. Destacan
sus ciclos de obras para piano: Papillons, Carnaval, Escenas de niños, Kreisleriana, entre
otras.