GRUPO 4

Lucía Muñoz Espinosa, Daniel Amorós Nadal, Iván García González y Juan Manuel Olivares
Guerrero

METODOLOGÍA: CLASE INVERTIDA E INVESTIGACIÓN

BLOQUE 1: ACTUALIDAD DEL DISEÑO GRÁFICO Y ÁREAS PROFESIONALES

¿Cómo ha evolucionado el diseño gráfico en los últimos años y cuáles son las áreas
profesionales más comunes en las que trabajan los diseñadores gráficos actualmente?

La evolución del diseño gráfico en los últimos años ha sido marcada por avances tecnológicos
significativos y cambios en las tendencias estéticas. Desde sus inicios en el siglo XX, el diseño
gráfico ha experimentado varias etapas, desde el Art Deco en los años 20 hasta el minimalismo
digital en los años 90 y 2000. Sin embargo, en los últimos años, ha habido un retorno al
minimalismo, con un enfoque renovado en la claridad y la simplicidad en la comunicación visual.

A medida que la tecnología digital ha avanzado, las herramientas y técnicas utilizadas en el diseño
gráfico han evolucionado enormemente. Desde la introducción de los ordenadores en la década
de 1980 hasta la evolución del software especializado como Adobe Photoshop y Adobe Illustrator,
los diseñadores ahora tienen acceso a una amplia gama de herramientas digitales que les
permiten crear de manera más eficiente y precisa que nunca.

La llegada de Internet y la explosión de las redes sociales también han tenido un impacto
significativo en el diseño gráfico. Ahora, los diseñadores deben considerar cómo sus trabajos se
verán en una variedad de plataformas digitales, desde sitios web hasta aplicaciones móviles y
perfiles de redes sociales.

En cuanto a las tendencias estéticas, si bien el minimalismo ha sido dominante en los últimos
años, también ha habido un creciente interés en la tipografía personalizada y la jerarquía visual.
Los diseñadores están explorando nuevas formas de comunicar mensajes de manera clara y
efectiva, utilizando tipografías únicas y diseños audaces.

Sin embargo, a pesar de todos estos avances tecnológicos, los fundamentos básicos del diseño
gráfico siguen siendo los mismos. El objetivo principal sigue siendo comunicar de manera clara y
efectiva un mensaje visual, y los diseñadores deben asegurarse de no perder de vista estos
principios básicos mientras exploran nuevas técnicas y tendencias.

Basándonos en los datos estudiados, las áreas profesionales más comunes en las que trabajan
los diseñadores gráficos actualmente serían:
1. Diseño publicitario: Creación de piezas visuales con fines publicitarios, como anuncios en redes
sociales, gigantografías y vallas publicitarias, entre otros.
2. Ilustración digital: Creación de imágenes digitales a partir de ideas preconcebidas, con
aplicaciones en el mundo editorial y en la creación de material multimedia.
3. Branding: Desarrollo de la identidad visual de una marca, desde el diseño del logotipo hasta
manuales de uso, para reproducirla en cualquier medio.
4. Diseño editorial: Maquetación, ilustración y animación de libros, revistas y periódicos, así como
la creación de portadas y distribución de textos e imágenes.
5. Diseño web/móvil: Concepción visual de sitios web y aplicaciones móviles, asegurando una
experiencia de usuario intuitiva y amigable.
6. Diseño de packagings: Diseño de envases y etiquetas para productos, con el objetivo de
hacerlos atractivos y persuadir a los clientes para que compren.
7. Diseño de identidad corporativa: Creación de todos los aspectos visuales relacionados con el
branding de una empresa, desde el logotipo hasta la selección de colores corporativos.
8. Diseño técnico o educativo: Creación de esquemas, proyectos, planos, mapas y materiales
didácticos visuales para facilitar el aprendizaje.
9. Diseño en señalética: Creación de manuales, paneles y circuitos informativos para orientar o
advertir a los usuarios, utilizando pictogramas y otros elementos visuales sencillos.
10. Diseño multimedia: Creación de bibliotecas virtuales, publicaciones electrónicas, vídeos y
animaciones para hacer el contenido más accesible e interesante.
Estas áreas reflejan la diversidad de aplicaciones y demandas del diseño gráfico en la actualidad,
desde la creación de identidades visuales hasta la comunicación efectiva a través de diversos
medios.

FUENTES:

¿Cómo ha evolucionado el diseño gráfico? (2020, mayo 7). artesvisuales. https://

artesvisuales.com/blog/como-ha-evolucionado-el-diseno-grafico/
Comunicación Grupo Esneca. (2023, enero 3). Evolución e Historia del Diseño Gráfico. Escuela
ELBS; ELBS. https://escuelaelbs.com/historia-diseno-grafico/
CRIAFAMA. (2019, noviembre 20). EVOLUCIÓN DEL DISEÑO GRÁFICO: HISTORIA Y
TENDENCIAS. CRIAFAMA; CRIAFAMA | branding - diseño -webs. https://criafama.es/
evolucion-del-diseno-grafico/

BLOQUE 2: HERRAMIENTAS PARA EL DISEÑO GRÁFICO

¿Qué fundamentos rigen el diseño gráfico? ¿cuáles son los principios rectores en los que
se basa? ¿qué herramientas digitales son esenciales para un diseñador? y ¿cuál es el rol
del diseñador gráfico en la sociedad actual?

Los principales fundamentos que rigen el diseño gráfico son:

- Rellena los huecos: Nuestro cerebro reconstruye el todo a partir de las partes que forman este
logotipo de una exposición. Philippe Apeloig
- Privar de contacto visual: Los ojos ocultos generan una sensación de borrado psicológico. Paula
Scher, Pentagram.
- Simplicidad: Distinguimos dos círculos en lugar de tres formas irregulares.
- Similitud: Distinguimos dos grupos en función del tamaño de los elementos.
- Proximidad: Distinguimos dos grupos en función de la cercanía espacial de
los elementos.
- Clausura: Cerramos el hueco de esta forma abierta.
- Continuidad: Distinguimos dos líneas largas que se cruzan, en lugar de
cuatro líneas cortas convergentes.
- Simetría: Tendemos a cerrar mentalmente la formas simétricas para formar
un único objeto.
- Agrupar: En la percepción humana, agrupar sirve tanto para combinar como
para separar. Como proceso de combinación, agrupar es un modo de transformar elementos
múltiples en unidades superiores, ya sea en función del tamaño, la forma, el color, la proximidad u
otros factores. Por ejemplo, podemos agrupar tres círculos azules y tres círculos amarillos en dos
conjuntos. En el diseño de interfaces se suele usar el principio de agrupar por colores botones con
funciones relacionadas (por similitud), así como por la posición que ocupan en la pantalla (por
proximidad).
- Proyecto: seis formas de agrupar Los psicólogos han identificado varios principios de agrupación
(los seis más comunes se muestran en los diagramas de arriba). Los diseñadores suelen
manipular uno o más de ellos para crear imágenes y composiciones que resulten nítidas y estén
bien enfocadas, o bien que sean sorprendentes e inquietantes. Cuando usamos nuestros poderes
perceptivos para recombinar líneas, formas o imágenes que han sido descompuestas o
interrumpidas se producen interesantes resultados. Las agrupaciones incitan al observador a
construir conjuntos a partir de piezas sueltas. Este proyecto retaba a los diseñadores a crear una
serie de diagramas que usaran un lenguaje común de líneas, formas, escala o colores para
mostrar seis principios de agrupación. Como punto de partida, tenían que familiarizarse con los
diferentes tipos de diagrama empleados habitualmente por los psicólogos para mostrar estos
principios, como los que

se pueden ver arriba. Alumnos: Nick Fogarty, Laura Brewer-Yarnal, Angel

Kim, Trace Bird. Asignatura: Tipografía II. Profesora: Ellen Lupton.
- Proximidad: Las letras desordenadas se agrupan para formar palabras.
Devon Burgoyne.
- Continuidad: Las palabras convergentes se leen como si fueran dos líneas
que se entrecruzan. Laura Brewer-Yarnall.
- Clausura: Nuestro poder perceptivo completa los huecos de las formas de
estas letras. Angel Kim.
- Proyecto: Agrupación + Tipografía En su nivel más básico, toda tipografía
emplea principios de agrupación. Las letras se agrupan formando palabras (proximidad). Las
variaciones en grosor, estilo o cuerpo indican diferencias y jerarquías (similitud). Cuando creamos
“líneas” de texto con letras y palabras, explotamos el poder de la continuidad, que es lo que
mantiene la ilusión de un gesto o una dirección únicos. Este proyecto anima a los diseñadores a
experimentar con los principios básicos de la tipografía. Cada alumno tiene que crear múltiples
interpretaciones de un texto dado usando para ello el espaciado, la composición y la alineación.
Así, el diseñador puede explorar el impacto de principios como los de proximidad, similitud,
continuidad y clausura para crear nuevos patrones de significado que exploten la habilidad de la
mente para reconectar fragmentos y construir “todos” a partir de “partes”. El texto de este proyecto
procede de la Declaración de Derechos Humanos. Asignatura: Tipografía II. Profesora: Ellen
Lupton.
Los principios rectores que rigen el diseño gráfico son: La proximidad, alineación, repetición y
contraste.
Los diseñadores gráficos cuentan con una serie de herramientas digitales que les ayudan a crear,
editar y gestionar sus diseños de manera eficiente. A continuación se muestran algunas
herramientas esenciales para los diseñadores gráficos:
- Adobe Creative Cloud (Photoshop, Illustrator, InDesign, etc.): Adobe Creative Cloud ofrece una
gama de programas diseñados específicamente para diseñadores gráficos. Adobe Photoshop se
utiliza para editar imágenes y crear gráficos rasterizados. Adobe Illustrator es excelente para crear
logotipos y gráficos vectoriales. Adobe InDesign se utiliza para patrones de diseño y diseños de
páginas, especialmente para impresión.
- Figma: Figma es una herramienta de diseño colaborativo basada en la nube que permite a los
diseñadores crear, colaborar y crear prototipos de manera eficiente. Es ideal para proyectos de
diseño de interfaz de usuario y experiencia de usuario y admite la colaboración en tiempo real
entre varios miembros del equipo.
- Adobe XD: Adobe XD es una herramienta de creación de prototipos y diseño de experiencia de
usuario que permite a los diseñadores crear rápida y

fácilmente estructuras alámbricas, prototipos interactivos y diseños de

interfaz de usuario. Es parte de la suite Adobe Creative Cloud.
- Affinity Designer: Affinity Designer es una alternativa a Adobe Illustrator que
proporciona potentes herramientas de diseño vectorial.
Por último, los diseñadores gráficos desempeñan un papel importante en la sociedad actual como
comunicadores visuales, creadores de conciencia, facilitadores de información y constructores de
identidad de marca. Su capacidad para crear diseños impactantes y significativos puede influir en
las percepciones, actitudes y acciones de las personas y contribuir al bienestar general de la
sociedad.

FUENTES:

Villafane, J. (1999). Introduccion a la teoria de la Imagen. Piramide Ediciones.

BLOQUE 3: DISEÑO GRÁFICO PUBLICITARIO Y SU LENGUAJE

Definir qué es el diseño gráfico publicitario y a qué nos referimos cuando hablamos de que
requiere “doble creatividad”.
Explicar su importancia en el contexto de la información pública.
Mencionar cómo refleja la estética de cada época.
Describir el lenguaje visual utilizado en la publicidad. Nombrar los 3 principios de acción
más
importantes y las leyes o normas básicas del diseño publicitario.
El diseño gráfico publicitario es una disciplina dentro del ámbito del diseño gráfico que se enfoca
en la creación de piezas visuales destinadas a promover productos o servicios. Esta forma de
diseño requiere una "doble creatividad" en el sentido de que no solo es necesaria la habilidad para
generar ideas y conceptos originales, sino también la capacidad de aplicar esos conceptos de
manera efectiva y atractiva en un formato visual para comunicar un mensaje específico al público
objetivo. En otras palabras, el diseñador debe ser creativo tanto en la idea como en su ejecución
visual.
La importancia del diseño gráfico publicitario en el contexto de la información pública radica en su
capacidad para captar la atención del público y transmitir mensajes de manera clara y efectiva.
Actualmente, vivimos saturados de estímulos visuales y el diseño gráfico publicitario juega un
papel crucial en destacar un producto o servicio entre la competencia y persuadir a los
consumidores para que tomen una acción deseada, como comprar un producto o contratar un
servicio. Además, en el ámbito de la información pública, el diseño gráfico publicitario puede
utilizarse para promover causas sociales, sensibilizar sobre temas importantes o informar al
público sobre políticas gubernamentales.
El diseño gráfico publicitario refleja la estética de cada época al adaptarse a las tendencias y
estilos visuales dominantes en un momento dado. Por ejemplo, los diseños publicitarios de la
década de 1950 pueden caracterizarse por colores llamativos, ilustraciones simplificadas y
tipografías audaces, mientras que en la actualidad es común ver diseños más minimalistas, con
colores más sutiles y un enfoque en la fotografía de alta calidad. Estos cambios estéticos no solo
están influenciados por las preferencias del público y los avances tecnológicos, sino también por
los cambios culturales y sociales que ocurren en cada época.
El lenguaje visual utilizado en la publicidad comprende una variedad de elementos que se
combinan para crear piezas visuales impactantes y efectivas. Estos elementos incluyen la
tipografía, el color , las imágenes y la composición. La combinación y el equilibrio de estos
elementos son fundamentales para crear una pieza publicitaria efectiva que atraiga la atención del
espectador y comunique el mensaje deseado de manera clara y memorable.
Los tres principios de acción más importantes en el diseño publicitario son: la atención, el interés
y el deseo. En cuanto a las leyes o normas básicas del diseño publicitario, estas incluyen
principios
como la simplicidad (mantener el diseño simple y claro), la coherencia (mantener una identidad
visual consistente) y la relevancia (asegurarse de que el diseño sea relevante para el público
objetivo y el mensaje que se desea transmitir). Estas normas son fundamentales para garantizar
que el diseño publicitario sea efectivo y tenga el impacto deseado en la audiencia.

FUENTES:

Frascara, J. (1998). Diseno grafico y comunicacion. Ediciones Infinito.

Lupton, E. (Ed.). (2011). Graphic design thinking: Beyond brainstorming. Princeton Architectural
Press.

BLOQUE 4: PROCESO DE CREACIÓN GRÁFICA.

Describe las etapas del proceso de creación gráfica y explora los diferentes enfoques
dependiendo de quién defina esas etapas.
Cada uno de estos autores define las etapas de este proceso e una forma diferente aunque
con un resultado muy similar

Según Jorge Frascara:

Defendía que era complicado establecer unos pasos a seguir que siempre fuesen los mismos,
debido a que las características de áreas de trabajo distintas requerían un tratamiento diferente,
aun así, el proceso que solía seguir, era lo siguiente:
1. Encargo del trabajo por el cliente. Presupuesto. Primera definición del problema: el cliente da
al diseñador referencias sobre lo que quiere conseguir. Define el problema de diseño, identifica
una necesidad, desarrolla un objetivo y contacta al diseñador. A partir de ahí será el diseñador
quien compare las posibles soluciones y le aconseje las mejores o desarrolle otras más
 adecuadas. El presupuesto suele dar un cliente aunque seguirá reconsiderando conforme
avance el trabajo
2. Recolección de información sobre el cliente, el producto, la competencia y el público: El
objetivo de esta fase es desarrollar el producto de forma coherente a otros y a la imagen del
cliente, obteniendo sus objetivos generales y representando sus valores socioculturales.
3. Análisis, interpretación y organización de la información obtenida. Segunda definición del
problema: la información que obtengamos será solo una materia prima para desarrollar una
estrategia, pero no solucionará por si misma el problema del diseño. Los dos requisitos
específicos para manejar de la información estadística de forma correcta son saber claramente
qué es lo que se está midiendo y conocer que muchos casos, aunque se busque una
respuesta, lo que se encuentra es una tendencia. Además, en este paso, se llevará cabo una
segunda definición del problema, de forma que la solución desarrollada se ajuste más a los
deseos realesdel cliente
4. Determinación de objetivos. Especificación del desempeño del diseño: se plantea el objetivo
general de forma más detallada y algo diferente de la versión inicial proporcionada por el
cliente. También se definen los objetivos subordinados. En este proceso se determinarán el
canal, el estudio de alcance, contexto y mensaje, el análisis de requerimientos y sus
interacciones, se determinarán prioridades y jerarquías y se llegará al estudio preliminar de
implementación
5. Especificaciones para la visualización. Tercera definición del problema: En esta etapa, el
objetivo principal es dar a los visualizador información suficiente para que puedan trabajar con
los objetivos claros y marcos de referencia precisos que ayuden a seleccionar y organizar los
elementos visuales en el desarrollo del proyecto
6. Desarrollo de anteproyecto. Consideraciones de forma, tema, código y técnicas dentro del
presupuesto, acordado. Bocetos terminados: con la información de la que ya se dispone,
programa una solución que se ajuste al presupuesto existente. Aquí se deciden la forma, el
tema y el código del mensaje
7. Presentación al cliente: se presenta el resultado al cliente de la forma más persuasiva posible
para así convencerle con nuestra propuesta
8. Organización de la producción. Preparación de diseño listo para producir. Coordinación de
recursos económicos, técnicos y humanos. Especificaciones técnicas y arte terminado:
conocer la tecnología y recursos disponibles para preparar el trabajo
9. Implementación. Supervisión de producción industrial, difusión o instalación: el criterio de
evaluación de la calidad de un diseño debe ser tanto comunicacional como funcional
10. Evaluación del grado de alcance de los objetivos establecidos: comprobar si se han cumplido
los objetivos iniciales y si, por tanto, el resultado ha sido satisfactorio y se ha ajustado a la
propuesta del cliente

Según Ellen Luton:

Luton resumía el proceso en diferentes fases que iban desde la documentación e investigación del
problema hasta las fases de generación de ideas y formas. Estás partes eran:
1. Definir el problema a través de recursos como mapas mentales, lluvias de ideas, entrevistas,
grupos de discusión… y matrices de posicionamiento de marca
2. Generar ideas que pudiesen llegar a resolver los problemas planteados con un volcado visual
de datos
3. Definir la forma a través de maquetas, por ejemplo
4. Llevar a cabo el proyecto

Según Ambrose y Harris:

El proceso de diseño lo conforman siete fases, todas ellas necesarias para conseguir un buen
resultado. Este proceso implica un gran grado de creatividad de forma controlada y dirigida por el
propio proceso. Las siete fases serán las siguientes:
1. Definición: establecer cuál es el problema a resolver. Suele implicar generar o recibir un
encargo normalmente a través de un briefing en el que se establecerán los objetivos a
conseguir
2. Investigación: recopilar información previa a través de investigaciones tanto primarias como
secundarias para obtenernos datos sobre el feedback, el público objetivo, el mercado en el
que nos moveremos…
3. Ideación: crear posibles soluciones. Decidir qué métodos se utilizarán para la generación de
ideas. El equipo de diseño recurrirá a los datos recopilados y a las restricciones impuestas en
la fase de definición
4. Prototipo: proponer soluciones. Se genera una serie de posibles soluciones para el briefing de
diseño. Se puede usar un prototipo para probar si la idea de diseño es técnicamente viable y
además, dará al equipo de diseño y al propio cliente la opción de visualizar y manipular un
concepto de diseño, tener una idea clara de cómo será su apariencia física y cuáles serán sus
cualidades táctiles
5. Selección: hacer elecciones. Se escoge una de las soluciones de diseño propuestas para
llevarla a cabo. Algunos de los factores que determinan esta elección son el coste, el tiempo,
la segmentación de mercado… Al final, el diseño seleccionado será el que más se acerque al
briefing de diseño dentro de las restricciones establecidas
6. Implementación: llevar a cabo la solución para el briefing de diseño. El diseñador entrega el
material gráfico de diseño y las especificaciones de formato a aquellos que producirán el
diseño final
7. Aprendizaje: recibir el feedback. Fase de retroalimentación en la que el cliente y la agencia de
diseño tratan de identificar qué funcionó de formá correcta y que aspectos se podrían haber
hecho mejor

FUENTES:

Frascara, J. (1998). Diseno grafico y comunicacion. Ediciones Infinito.

Lupton, E. (Ed.). (2011). Graphic design thinking: Beyond brainstorming. Princeton Architectural
Press.

Ambrose y Harris. (2015). Metodología del diseno. Parramón arquitectura y diseño