Histoire de l’art

Pr Moustapha Badiane

Histoire de l’art
Evolution de l’art

Moustapha Badiane
Formateur en histoire de l’art et en arts visuels à l’UVS

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Pr Moustapha Badiane

Plan du cours

Séquence 2 : L’évolution de l’art

I- L’art préhistorique
1- Les théories
2- L’iconographie : signes, faune, figures humaines
3- Les techniques et outils de création

II- L’art de l’Antiquité

1- L’Egypte antique
2- La Grèce antique
3- La Rome antique

III- L’art du Moyen Age

1- L’art byzantin
2- L’art gothique
3- Les formes d’expression : vitraux, mosaïques, enluminures, fresques,
tableaux et retables…

IV- L’art moderne

1- L’art de la renaissance
2- L’art du néoclassicisme
3- L’art du romantisme
4- L’art du réalisme
5- L’art de l’impressionnisme
6- L’art du néo-impressionnisme
7- L’art naïf
8- L’art de l’expressionnisme
9- L’art du fauvisme
10- L’art du cubisme
11- L’art abstrait
12- L’art du dadaïsme
13- L’art du surréalisme

V- L’art contemporain

1- Le pop art
2- Le nouveau réalisme
3- L’art minimal
4- Le land art
5- Le Street art
6- L’art numérique

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I- L’art préhistorique

Il se divise en deux sections correspondant aux deux grandes périodes

chronologiques. D’abord, le paléolithique supérieur (-45 000/-12 000 ans), marqué par
un art pariétal, posé sur les parois des grottes à des dizaines de mètres sous terre et
représentant des animaux principalement. Ensuite, le néolithique (-8 000/-3 000 ans)
avec un art rupestre, dans des abris sous-roches peu profonds et qui représente des
scènes de vie quotidienne et de chasse. Egalement, il faut noter qu’au Mésolithique
(-12 000 à -8 000 ans), les manifestations artistiques figuratives sont très rares.

Art pariétal
1-1 Les théories

-L'art pour l'art : L’'Homme préhistorique qui manifeste un pur plaisir de dessiner et de
peindre, a des préoccupations artistiques. Cette théorie, dont l’un des premiers
défenseurs est Gabriel de Mortillet ne fonctionne pas pour l'art pariétal qui est souvent
dans des grottes sombres ou inaccessibles.
-L'art comme rituel de la chasse magique : Hypothèse développée en 1914
par Salomon Reinach qui imagine que les représentations d'animaux ou de scènes de
chasse donnent aux hommes préhistoriques le pouvoir magique de possession et de
domination sur la bête, leur assurant ainsi une chasse fructueuse. Cette théorie ne
fonctionne pas pour les représentations d'animaux ou d'éléments qui n'ont aucun
rapport avec la chasse.
-L'art comme témoignage de préoccupations religieuses ou mythiques: Les hommes
préhistoriques auraient pu se référer à une puissance divine représentée par les
animaux (dont un cas particulier est le totémisme) ou des esprits surnaturels (théorie
du chamanisme pariétal de Jean Clottes).
-L'art comme témoignage d'une hiérarchie sociale: Cette théorie conçue comme ce qui
permet à une caste de se prévaloir de ses origines mythiques, cette hiérarchie pouvant
être une conséquence d'un début de division du travail (avec notamment des individus
désignés soumis à un apprentissage spécifique, se spécialisant dans la peinture, le

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travail de la pierre ou de l'ivoire, d'œuvres d'art ayant une fonction de prestige) et

d'accumulation des ressources.
-L'art comme une volonté de la part de l'homme moderne: Ici il s’agit d'exprimer une
prise de possession de l'espace face aux Néandertaliens en affirmant graphiquement
ses sentiments, ses croyances.

-Un anti-art : L'art paléolithique non considéré comme de l'art. Cette conception des
préhistoriens anglo-saxons suppose que les hommes préhistoriques ont des
préoccupations non esthétiques mais fonctionnelles (agir sur les esprits, revivifier les
animaux selon les saisons par exemple).
1-2 L’iconographie : signes, faune, figures humaines

-Les Signes: Ils sont de loin les éléments les plus fréquents, les plus divers et les plus
difficiles à interpréter. Ces signes sont des points, des flèches, des mains négatives et
positives, avec un nombre de doigts variables, des quadrillages colorés de différentes
teintes, des sortes de feuilles, etc. La liste est quasiment impossible à établir, tant ils
sont divers.

- La Faune: Les animaux, un thème de prédilection des artistes préhistoriques qui

s'inspiraient visiblement des espèces animales visibles dans leur environnement, mais
pas particulièrement des espèces qu'ils avaient l'habitude de chasser. Le bestiaire
varie selon les régions et selon les époques : toutefois, on trouve en majorité de grands
herbivores (chevaux, bisons, aurochs).

L’aurochs
L’aurochs est l’ancêtre de la plupart des bovins domestiques dont le taureau.

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- Figures Humaines: Les représentations humaines symbolisent une très faible partie
du répertoire.

Tassili vie quotidienne

1-3 Les techniques et outils de création

-Les techniques et outils dans la peinture: La peinture est une forme d'art consistant à
peindre sur une surface en y appliquant esthétiquement des fluides colorés.
Les artistes peintres représentent une expression très personnelle sur
des supports tels que la roche et les parois des grottes. Le charbon et l’oxyde de
manganèse pouvaient offrir le noir, l’ocre donnait le rouge et le brun, le blanc pouvait
aussi provenir de l’argile ou d’os broyés. L’application se faisait avec des sortes de
crayons d’ocre, de soufflage par la bouche et par les doigts.
-Les Techniques et outils dans la sculpture : Les plus anciennes sculptures réalisées
par l'homme et ayant traversé le temps sont de petites figurines taillées, en pierre ou
en os, qui servaient probablement à des pratiques magiques. Il est probable que des
objets modelés, en terre, ont aussi existé, mais en l'absence de techniques de
pérennisation (cuisson), cela reste une hypothèse.

II- L’art de l’Antiquité

2-1 L’art de l’Egypte antique

La civilisation de l'Égypte antique prend forme autour de -3150 ans avec l'unification
politique de la Haute-Égypte au sud et de la Basse-Égypte au nord sous le règne du
premier roi et se développe sur plus de trois millénaires jusqu’ à l’an -30. L’art égyptien
est au service des croyances et des rites. La statuaire est le réceptacle de l’âme du
défunt, les fresques représentent des scènes religieuses et des rites funéraires, la
pyramide est un lieu de seconde vie une maison d’un mort auguste, la momification
est un rituel funéraire (purification du corps, l’extraction du cerveau, l’éviscération, la
déshydratation, le remodelage du corps, le bandage, le sarcophage), les hiéroglyphes
représentent une écriture sacrée.

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Sphinx et Pyramide
2-2 L’art de la Grèce antique

L’art de la Grèce remonte au 1er millénaire avant JC. Il a exercé une influence
considérable sur la culture de nombreux pays. L’histoire avant le XVIIIème siècle est
assez mal connue car elle correspond à l’époque des héros comme le grand Achille,
Ulysse et Agamemnon. Cet art grec exalte le culte du beau et surtout celui du corps et
de l’esprit. Le corps humain est représenté dans la plénitude de la jeunesse et de la
santé. Ainsi, les héros, les hommes de lettres sont figurés de matière presque parfaite.

Céramique grecque
2-3 L’art de la Rome antique

L’art romain s’inspire de l’art grec mais le buste reste quand même une singularité de
la sculpture romaine. La mosaïque, fragments de pierres assemblés à l’aide d’enduit,
est présente aussi dans l’art romain avec l’opus « tessellatum », « vermiculatum », et
« sectile ».

Mosaïque romaine

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III- L’art du Moyen Age

Le Moyen Age se situe chronologiquement entre la chute de Rome en 476 et celle de

Constantinople en 1453. Nous avons le haut Moyen Age avec les barbares comme les
Saxons les Viking et les wisigoths qui excellaient dans le travail des métaux et de la
mosaïque. L’âge féodal est marqué par l’art roman, byzantin et gothique avec des
constructions d’Eglises, des mosaïques, des vitraux, des objets liturgiques en or. Enfin,
le bas Moyen Age est surtout marqué par des épidémies (la peste noire), des révoltes
paysannes (la jacquerie), la guerre de cent ans.
3-1 L’art byzantin

En 330, l’empereur Constantin 1er le Grand choisit comme capitale la petite ville de
Byzance, située au carrefour de l’orient et de l’occident. Il lui donne son nom :
Constantinople, aujourd’hui Istanbul. La nouvelle capitale prend un essor rapide et
devient un foyer vivant d’art et de culture. C’est le début de l’empire chrétien d’Orient.
Soutenu par les empereurs et le clergé. Les artistes byzantins étaient de véritables
bâtisseurs d’églises avec un style original, glorifiant Dieu et l’empereur. De l’orient vient
le goût de la couleur et des techniques traditionnelles de construction ; de la Rome, la
grandeur de l’architecture ; de la Grèce, le goût de l’équilibre. L’Eglise Sainte-Sophie
d’Istanbul est le chef-d’œuvre de l’architecture byzantine.

Sainte-Sophie, IV siècle après JC

3-2 L’art gothique

L’art gothique ou art français est une période artistique s'étendant sur environ quatre
cent ans, qui s'est développée à partir de la seconde partie du Moyen
Age en France puis en Europe occidentale. L'art gothique est d'abord illustré par
l'architecture, mais aussi par la sculpture, la peinture sur bois, le vitrail, et l'enluminure.
La peinture gothique existe sous forme de retables (tableau religieux en polyptyque)
et d’enluminures (illustration d’un livre manuscrit). L’art gothique est surtout marqué
par les premières universités et cathédrales à des hauteurs jamais atteintes.

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La cathédrale Saint-Étienne de Sens (1164)

3-3 Les formes d’expression : vitraux, mosaïques, enluminures, fresques, retables…

 Les vitraux : Les vastes ouvertures des cathédrales gothiques éliminent peu à peu
la peinture murale au profit de la peinture sur verre. Dans les hautes fenêtres, les
vitraux mettent en couleur les grands cycles religieux, les histoires des saintes
écritures, des légendes,…

Vitrail illustrant le roi Franc, Charlemagne

 Les mosaïques
Composée de fragments de pierre, de verre, assemblés les uns aux autres et incrustés
dans un ciment, la mosaïque est une pièce décorative, le plus souvent destinée à
recouvrir un sol : « mosaïque de pavement », aux motifs géométriques ou figuratifs,
conçue pour être vue de face et en trompe-l’œil. Grâce aux couleurs variées des
tesselles, la mosaïque devient une véritable peinture en pierre.

Les noces de cana, Mosaïque de l'Eglise byzantine Saint-Sauveur-in-Chora. Image

de la femme : Détail d'une mosaïque de l'abside (547) de la basilique Saint-Vital.

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Les Noces de Cana, un récit tiré du Nouveau Testament où il est raconté que Jésus a
changé de l'eau en vin.
 Les enluminures
Avant l’imprimerie, les livres étaient écrits à la main, par des copistes, feuillet après
feuillet, sur de la peau de mouton ou de veau mort-né. Destinés à quelques rares
privilégiés, ils sont ornés de peintures, les enluminures, qui mettent le texte en lumière
et donnent des points de repère au lecteur. Les premières lettres du texte, du chapitre
ou du paragraphe peuvent être décorées, ce sont les lettrines. L’enluminure est utilisée
pour décorer le texte d’un manuscrit afin de le mettre en valeur (lettrine), d’illustrer le
thème abordé dans le texte (miniature), ou plus simplement décorer la page
(bandeaux, bordures, bas de page, etc.). Parmi les livres enluminés, nous avons : La
Bible, le Psautier, le bréviaire, l’antiphonaire, l’encyclopédie …

Enluminure miniature Enluminure lettrine Miniature médiévale

 Les fresques
C’est un procédé de peinture qui consiste à utiliser des couleurs à l’eau sur un enduit
de mortier frais : une peinture murale. Selon Grégoire le Grand, Pape de 590 à
604, « L’art de la peinture est utilisé dans les églises pour que ceux qui ne savent pas
lire apprennent sur les murs ce qu’ils ne peuvent apprendre dans les livres ».

Chevaliers partant pour la deuxième croisade

 Les retables

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Outre les grands décors à la fresque et les enluminures, les artistes sont aussi chargés
de peindre des tableaux sur des panneaux généralement en bois. Dans les églises,
les retables, à l’origine de simples panneaux décorés et placés en retrait de l’autel,
connaissent un important développement. Fais souvent de plusieurs panneaux fixes
ou mobiles : ils sont appelés polyptiques.

Retable ouvert Retable fermé

IV- L’art Moderne

4-1 L’art de la renaissance

La renaissance, mouvement artistique qui s'est développé au XVe et XVIe siècle, se

caractérise par l'apparition de nouvelles techniques comme le sfumato, la perspective
et les effets d'ombres et de lumières. Elle est aussi marquée par un renouvellement
des thèmes artistiques après le Moyen Age avec le nu, la liberté, la mythologie, le
portrait, …On note aussi durant cette période, le mécénat avec de riches familles
(Médicis) et personnalités (Laurent le magnifique, Ludovic Sforza) qui commandent
des portraits aux artistes (Léonard de Vinci, Raphael, Michel-Ange, Sandro
Botticelli,…) pour le prestige et aussi encourager la créativité.

La Joconde (1503), Léonard de Vinci

4-2 L’art du néoclassicisme

Le néoclassicisme prône un retour au modèle antique et au « beau » idéal. Fantaisies

et imagination sont abolies au profit de la sévérité, de la vertu et du patriotisme. Il
atteint son apogée entre 1800 et 1820 avec Jacques louis David comme chef de file.

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L’artiste est notamment un vrai patriote au service de la cour impériale (sous l’empire
de Napoléon Bonaparte). Il souhaite aussi éduquer le public et développer son sens
moral et civique en se tournant vers l’antiquité grecque et romaine tant sur le plan des
valeurs esthétiques que celui des valeurs morales. Pour David (1748-1825) : “L‘art doit
être didactique ; le vrai patriote doit saisir avec empressement tous les moyens
d’éclairer ses concitoyens et présenter sans cesse à leurs yeux les traits sublimes
d’héroïsme et de vertu“. Il faut noter aussi que le dessin est l’objet d’un grand soin et
la couleur sert seulement de complément.

Jacques-Louis David, Le Serment des Horaces 1785

4-3 L’art du romantisme

Contrairement à l’académisme, le romantisme utilise un vocabulaire jusqu’alors

inexploré : le rêve, la folie, le doute, la peur, l’angoisse de n’être rien face à une nature
déchaînée, paradoxe d’une époque qui invente la machine pour mieux la dominer. Le
peintre romantique ne cherche plus à répondre à une commande. Il peint son
imagination et son besoin d’expression, dirige son travail, quitte à déplaire et à être
rejeté par les officiels. Le mythe du peintre maudit naît à cette époque : le génie est
incompris car en avance sur son monde, misérable mais libre. Là où le néoclassique
prône une beauté idéale, la vertu, le culte de l’antiquité, le romantisme s’oppose et
prône le cœur et la passion, l’imaginaire et le fantastique, le moi, le morbide, la
contemplation de la nature, l’exotisme, le mystère, la folie, la tragédie et la mort. Parmi
les artistes, on peut citer : Théodore Géricault (1791-1824), Eugène Delacroix (1798-
1863), Gaspar David Friedrich (1774-1840), William Turner (1775-1851).

Gaspar David Friedrich, Le voyageur contemplant une mer de nuages (1818)

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4-4 L’art du réalisme

En voulant être de son temps et en rejetant les sujets historiques, le réalisme

représente la vie quotidienne en France sous la deuxième république (1848) et le
second Empire. Les préoccupations sociales n’épargnent pas les artistes, ils
s’intéressent à la situation des ouvriers et des paysans. Leur véritable ambition est de
peindre les sujets de la vie quotidienne, la réalité qui les entoure plutôt que le spleen,
la tragédie, le fantastique, le culte de l’antiquité. Le réalisme privilégie la représentation
exacte de la nature, des hommes et de la société. Ainsi, Camille Corot disait : « Le
poussin, les grandes lignes, le classique, je m’en fous bien ! Je suis dans les bois
moi ». « Que le sentiment seul vous guide… Il vaut mieux n’être rien que d’être l’écho
d’autres peintres ». Gustave Courbet, lui aussi disait : « Etre à même de traduire les
idées, les mœurs, l’aspect de mon époque ; en un mot, faire de l’art vivant tel est mon
but ». Les Casseurs de pierres, cette toile est traditionnellement considérée comme
l'une des œuvres fondatrices du mouvement

Gustave Courbet, Le casseur de pierre (1849), 46 cm X 55 cm

4-5 L’art de l’impressionnisme

L'impressionnisme est un courant de peinture regroupant de jeunes artistes, en marge

de l’art officiel de la seconde moitié du XIXème siècle, créant en 1863 le Salon des
refusés, qui rassemblent les peintures qui ne sont pas admises au salon officiel. Il est
né sous l'impulsion de Claude Monet (1840/1926), Pierre-Auguste Renoir (1841/1919)
et Frédéric Bazille (1841/1870), un groupe d’amis. Ils ont fait du paysage leur thème
principal et se sont attachés à rendre compte de la moindre variation lumineuse grâce
à la couleur. Ils sont fréquentés plus tard par Cézanne, Gauguin, Pissarro, Van Gogh.
Louis Leroy, critique au journal satirique le charivari, leur donne le nom
d’impressionniste en ces termes : « Que représente cette toile ?...Impression soleil
levant_ Impression j’en étais sûr, je me disais aussi puisque je suis impressionné, il
doit y avoir de l’impression là-dedans ». Le lendemain, il intitule son article
« l’exposition des impressionnistes ». Claude Monet dira sur l’origine du nom en ces
termes « je reste désolé d’avoir été à l’origine du nom donné à un groupe dont la
plupart n’avait rien d’impressionniste ».
La peinture impressionniste remet en cause des siècles de peinture académique et
codifiée. Elle est affranchie du carcan du passé par un mode pictural nouveau qui
devient l’image d’un temps heureux indifférent aux soucis matériels en faisant rejaillir
la joie, la lumière, l’ensoleillement des campagnes,… L’exécution d’un tableau est
rapide, proche de l’esquisse : il s’agit d’une peinture d’un instant. Ce qui provoque le

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rire et l’indignation c’est de retrouver une tache où l’on attend une image nette, de la
peinture où l’on attend une scène en miniature. Les artistes peignent ce qu’ils voient,
rien que ce qu’ils voient et presque tout ce qu’ils voient. Ils ont comme souci de peindre
la nature telle qu’elle apparaît dans la lumière du moment présent et se prennent les
uns les autres pour modèles. Ils font aussi des autoportraits, des natures mortes, des
scènes d’intérieur, des paysages, … Ils ont fait huit expositions : 1874, 1876, 1877,
1879, 1880, 1881, 1882 et 1886

C. Monet, impression soleil levant, 1872 V. Van Gogh, Nuit étoilée (1889)
Vincent Van Gogh (1853-1890), l’artiste maudit, chaque touche qu’il posait sur la toile
criait l’urgence et la gravité de ses interrogations. Il disait : « souvent, Il me semble que
la nuit est encore plus richement colorée que le jour ».
4-6 L’art du néo-impressionnisme

Appelé pointillisme ou divisionnisme, le néo-impressionnisme est un courant de

peinture qui a débuté vers 1880. Il consiste à peindre sur une toile une multitude de
petits points ou de taches en se servant uniquement de couleurs pures. Ainsi, lorsqu’on
observe l’œuvre à une certaine distance, l’œil perçoit des tons secondaires, grâce à
une illusion d’optique causée par la juxtaposition des points colorés. Le mouvement
apparaît comme une radicalisation de l’impressionnisme avec la division de la touche :
divisionnisme. Ils utilisent le mélange d’optique, le contraste des complémentaires, et
représentent des scènes de loisirs et le monde du spectacle.

Georges Seurat (1859-1891), Un dimanche après-midi à l’île de Jatte (1886)

4-7 L’art naïf

Un style figuratif de la fin du XIXème siècle vers 1870 ne respectant pas les techniques
du dessin.
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Les peintres de l'art naïf sont autodidactes et leurs œuvres sont souvent transcendées
par une sorte de simplicité enfantine. Parce que les règles et les techniques de l’art
sont ignorées, la perspective est généralement absente de la peinture naïve. Les
sujets sont populaires avec aussi des paysages de campagne. Nous avons le costume
folklorique, l’animal domestique ou sauvage, et des thèmes de campagnards. Sur le
plan technique, nous avons avec les naïfs un parfum d’innocence, un certain
infantilisme, une insuffisance, une simplification, un aspect de conteur et des couleurs
vives en aplats sans atténuation à l’arrière-plan.

Moi-même (autoportrait) de Douanier (Henri) Rousseau, 1890

4-8 L’art du fauvisme

Le mot est inventé par Louis Vauxcelles « Donatello chez les fauves ! » et exprime
l’aspect nature, vif, spontané, presque sauvage de l’emploi de la couleur. Les images
figuratives tendent, par la simplification des formes, à une certaine ébauche
d’abstraction : le fauvisme fait l’éloge de l’exaltation de la couleur vive et parallèlement
la simplification du dessin. Les artistes sont influencés par Gauguin, Van Gogh et les
Nabis, ils rejettent la palette impressionniste aux tons doux et miroitants pour les
couleurs pures et vives. Henri Matisse disait : « Je veux faire un art d’équilibre et de
pureté, un art qui n’inquiète ni ne trouble ; je veux que l’homme fatigué, éreinté et
surmené goute devant ma peinture le calme et le repos ».

Henri Matisse, portrait de Madame Matisse, 1905

4-9 L’art de l’expressionnisme

Un courant né en Allemagne en 1905 avec le groupe Die bruke, Max Ernst, Emil Nolde,
Marc Franz.

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L’expressionnisme ne cherche pas à montrer le monde tel qu’il est, mais à l’exprimer.
Il s’inscrit dans les pas de Van Gogh qui avait déjà ouvert en son temps les portes
d’une forme de peinture marquée par l'expression. Cet aspect est principalement
exploité à travers le thème du corps ou du portrait, dans lesquels les artistes n’hésitent
pas à aller jusqu’à la distorsion des traits. La caricature des formes humaines montre
la lassitude et la tristesse. Dans un monde hostile, présageant moult inquiétudes, les
expressionnistes cherchent une peinture capable d’exprimer les problèmes humains.
Leur peinture est comme un cri de désespoir lancé en réaction à cette société qui
n’offre qu’angoisse et peur de l’avenir. Les couleurs sont violentes dans la continuité
du fauvisme mais beaucoup plus agressives. Les artistes sont marqués par la précarité
de l’existence, le refus des injustices sociales, la vision pessimiste d’une époque
hantée par la menace de guerre.

Le cri, Edward Munch

4-10 L’art du cubisme

Le cubisme est un mouvement artistique qui a débuté en 1907 et pris fin en 1914. Il
comprend trois phases :
-Le cubisme Cézannien ou précubisme (1907-1909) avec le traitement de la forme
d’après le cube, la sphère, le cône conformément aux principes de Cézanne. Ce
dernier manifeste un intérêt de simplifier les formes naturelles et écrit une lettre à Emile
Bernard « traitez la nature d’après le cylindre, la sphère et le cône, le tout en
perspective, soit que chaque côté d’un objet, d’un plan, se dirige vers un point
central ».
-Le cubisme analytique (1910-1912) dont le but n’est pas de peindre ce que l’on voit
mais ce que l’on sait. Toutes les faces de l’objet sont reproduites sur un même plan
avec une fragmentation extrême, un chromatisme très peu saturé et la lumière qui se
répartit de manière différente sur chaque fragment. Picasso disait : « Que la peinture
vienne à bout de cette infirmité ! Qu’elle dise ce que nous connaissons plutôt que ce
que la vision d’un instant nous concède. Une table, un paquet de tabac offriront au
regard leurs différentes faces en même temps ».
-Le cubisme synthétique (1912-1914) avec une simplification des formes à l’extrême
et un collage abondamment employé (papiers, coupures de presse, tapis, tissu).

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Durant la guerre d’Espagne le 26 Avril 1937, la ville de Guernica fut bombardée et fit
près de 2000 morts. Pablo Picasso, réalise cette œuvre qui s’inscrit dans un contexte
historique particulier, qui retrace l’horrible tragédie de la guerre civile espagnole. Pour
lui, cette peinture n’est pas faite pour décorer les murs, mais c’est un instrument de
guerre. Ce tableau est avant tout marqué par sa dimension. Mesurant 7,52 m de long
sur 3,51 m de hauteur, Guernica est une huile sur toile qui ne passe pas inaperçue.
Visible aux yeux de tous, Picasso a toujours refusé que son œuvre soit publiée en
Espagne, tant que la démocratie ne l’aura pas emporté. Il fut ainsi longtemps exposé
au Musée d’art moderne de New-York, avant de retourner au musée national de la
Reine Sophie à Madrid en 1992.L’œuvre représente un cheval éventré, un taureau,
une mère pleurant son enfant mort, un soldat à l’épée brisée qui sont noyés dans un
océan de douleur et de désolation.

Picasso, Guernica, 1937

4-11 L’art abstrait

L'art abstrait, mouvement de peinture né vers 1910, est un langage visuel de formes,
de couleurs et de lignes créant une composition qui peut exister totalement
indépendamment des références visuelles classiques. Il ne contient aucune évocation
de la réalité observée et ne se soucie guère du monde sensible. L’histoire veut qu’en
observant par hasard l’une de ses œuvres accrochée à l’envers, Wassily Kandinsky
(1866-1944) s’aperçut que celle-ci bien que tout à coup dénuée d’un sujet
reconnaissable, n’en conservait pas moins une grande puissance expressive. Il peint
une aquarelle où toute référence au monde extérieur est délibérément supprimée en
1910. Œuvre considérée comme le premier tableau abstrait. Ce qui aboutit en 1912 à
son ouvrage « du spirituel dans l’art », le livre de base de l’abstraction.

W. Kandinsky, aquarelle, 1910 Piet Mondrian, Composition II, R.B.J,1930

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Pour ce nouveau langage, Mondrian crée le néoplasticisme un principe de

simplification et d’élimination. Le rapport de la verticale à l’horizontale est à l’image de
la dualité et des oppositions qui régissent d’une façon générale la vie et l’univers :
masculin/féminin, extérieur/intérieur, mtériel/ spirituel. Pour lui : « la théorie et le
discours sont indissociables de l’œuvre, sans eux le tableau est inachevé et
disparaît ».

Jackson Pollock, No 5
C’est la peinture gestuelle incarnée par Pollock (1912-1956), elle repose sur le geste
et le corps à corps avec le matériau. Cette forme de peinture est appelée Dripping,
une technique avec la couleur projetée de manière contrôlée sur une toile posée à
même le sol. Alcoolique, l’artiste américain meurt tragiquement dans un accident de
voiture. Il disait : « Le peintre ne peint que ce qu’il est vraiment ».
4-12 L’art du dadaïsme

Le dadaïsme ou Dada est un mouvement né en 1916 à Zurich et qui tente d’abolir le

concept du beau en mettant en avant un monde vide de sens. Tout peut devenir art si
l’artiste le décide, utilisant la révolte ou la dérision. Le mouvement surgit sous
l’impulsion de Tristan Tzara, un jeune roumain qui ouvre les pages d’un dictionnaire et
trouve au hasard le mot Dada qui signifie cheval en langage infantile et en baptise le
groupe. Ce mouvement, qui souhaite détruire systématiquement toutes les valeurs, se
fait remarquer par ses œuvres décalées, tapageuses et spectaculaires. Il rejette l’ordre
établi et le monde bourgeois qui n’ont pas su empêcher le massacre de la guerre. C’est
un mouvement antibourgeois, antinationaliste et provocateur : une entreprise de
négation commune. A la peinture, Dada préfère le montage, à la sculpture
l’assemblage monumental. Ainsi, la création doit être spontanée et abandonnée au
hasard.

Marcel Duchamp, Roue de bicyclette

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4-13 L’art du surréalisme

En 1924, André Breton le définit dans le premier Manifeste du surréalisme comme un

« automatisme psychique pur, par lequel on se propose d'exprimer, soit verbalement,
soit par écrit, soit de toute autre manière, le fonctionnement réel de la pensée. Dictée
de la pensée, en l'absence de tout contrôle exercé par la raison, en dehors de toute
préoccupation esthétique ou morale […] ». Le surréalisme est une puissance créatrice
issue du rêve, du désir et de l’instinct. Il est fasciné par le rêve qui libère l’inconscient
et permettant la création. Il se fonde sur l’onirisme figuratif mais aussi abstrait et pense
que tout le monde peut être peintre ce qui participe à anéantissement du talent : c’est
un mouvement révolutionnaire.

Réné Magritte, ceci n’est pas une pipe (1929)

V- L'art contemporain

Ce que l'on appelle communément l'art contemporain s'appuie sur les nouvelles
technologies en utilisant de nouveaux moyens d'expression. L'art contemporain est,
par définition, l'art qui est en train de se faire, l'art synchronisé avec le moment ultime
de l'avancée du temps. En cela, il est possible de dire que l'art contemporain s'affirme
réellement en tant que tel, au tout début des années 1950. Plusieurs mouvements
s'en dégagent.
5-1 Le Pop Art

Mouvement artistique, apparu en Grande-Bretagne au début des années cinquante et

aux États-Unis au début des années soixante. Le Pop Art utilise et détourne les objets
liés à la société de consommation en utilisant les codes de la publicité et de la culture
populaire. Le Pop Art ne s'approprie pas seulement les thèmes de la culture de masse,
mais également l'idée de la production par séries. Au début des années soixante,
l'Américain Andy Warhol adopte une technique, la sérigraphie, qui permet la
démultiplication et la répétition, se rapprochant ainsi de la production en série de
l'industrie culturelle. Il produit ainsi des centaines de bouteilles de Coca-Cola, des
portraits de Marilyn Monroe, des boîtes de soupe Campbell.

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Histoire de l’art
Pr Moustapha Badiane

Andy Warhol, "Si vous y réfléchissez un peu, vous vous rendrez compte que les
supermarchés sont des sortes de musées".

Marilyn Monroe 1967

5-2 Le nouveau réalisme.

Il est marqué par les accumulations d’Arman, les compressions de César, les
assemblages de Martial Raysse et la dimension métaphysique qu’Yves Klein donne
de l’objet ainsi approprié. Ces formes d’expression sont autant d’exemples de la prise
de conscience d’une modernité nouvelle.

César Baldaccini [César], le Pouce

Réalisé pour une exposition à la galerie Claude Bernard sur le thème de la main,
permettra à César d'expérimenter de nouveaux matériaux, pour un moulage en résine
synthétique de son propre pouce agrandi au pantographe, suivi de fontes métalliques
en différentes dimensions

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Histoire de l’art
Pr Moustapha Badiane

Arman, La rampante 1999

L'art conceptuel rejette l'idée de la matérialisation de l'œuvre par l'artiste.
5-3 L’art minimal

Né aux Etats-Unis au milieu des années soixante, interprété comme une réaction au
débordement subjectif de l'Expressionnisme abstrait et à la figuration du Pop art, le
Minimalisme est caractérisé, entre autres, par un souci d'économie de moyens.
Il hérite de la démarche de Malevitch et reconnaît le peintre abstrait Ad
Reinhardt comme l'un de ses pionniers.

Ad Reinhardt, "L'art en tant qu'art ".

La peinture d'Ad Reinhardt est avant tout le lieu d'une expérience mystique et picturale
très objective. Il se donne des règles et les suit, il est le maître et l'élève : " La seule
œuvre à réaliser pour un artiste peintre, la seule peinture est la peinture usant de la
toile de format identique, le schéma unique, un seul moyen formel, une seule couleur
monochrome, une seule division linéaire dans chaque direction, une seule symétrie,
une seule texture, un seul passage de la brosse à main levée ".
5-4 Le land art

Il se définit par la volonté de soustraire l'art à la matrice commerciale en intervenant

généralement de façon éphémère dans un site naturel. Ces œuvres, ne pouvant être
vendues ni exposées, sont immortalisées sur photographies, cartes ou dans des
comptes rendus écrits.

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Histoire de l’art
Pr Moustapha Badiane

Christo, Il réalise l'empaquetage de plusieurs bâtiments officiels (toile et cordes).

Ses œuvres, qui prennent la forme de véritables événements artistiques, sont célèbres
pour leur caractère grandiose et éphémère. L'empaquetage du Reichstag de Berlin eut
lieu en 1995.
5-5 Le Street Art

Le Street Art, ou Art Urbain, est un mouvement artistique contemporain. Il s’agit de

l’art réalisé dans la rue ou dans des endroits publics et englobant diverses méthodes
comme le graffiti, le pochoir, les stickers, les posters, la projection vidéo, etc.

TAKI est une alternative Grec de son nom Demetrius et le numéro 183 vient de son
adresse. Il est considéré pour certains comme le premier « Street Artiste »

La Petite Fille au ballon, Londres, 2004

Banksy, « Graffiti Artiste » d’Angleterre connu pour son art antiautoritaire, souvent
réalisé dans des lieux publics. En 2002, il réalise le pochoir La Petite Fille au ballon.
Une enfant vêtue de sa robe noire laisse s’envoler un ballon en forme de cœur. « Il y
a toujours de l’espoir » écrit-il. C’est d’ailleurs la version en sérigraphie qui a fait l’objet
d’un grand bruit en 2018. Les œuvres de Banksy sont souvent humoristiques,

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Histoire de l’art
Pr Moustapha Badiane

antimilitaristes et antisystème. Par sa simple identité, le Street-artiste demeure un

profond mystère…

Jean-Michel Basquiat, Peintre américain connu pour son style gestuel avec des
images ressemblant à des graffitis.
5-6 L’art numérique

L’art numérique est une catégorie de création utilisant les spécificités du langage
numérique. On désigne « art numérique », tout art réalisé à l’aide de dispositifs
numériques (ordinateur, interfaces et réseaux). La définition de l’art numérique peut
donner lieu à deux interprétations différentes. L’une est comprise comme si le résultat
des outils numériques était de l’art numérique, l’autre dit que l’art numérique n’est
simplement que le fichier dans l’ordinateur.
Nous avons des sous-catégorie comme la « réalité virtuelle », la « réalité augmentée »,
« l’art génératif », « l’art interactif », "intelligence artificielle" qui viennent compléter les
désignations techniques du Net-art, de l'imagerie numérique ou de l'art robotique.

Détail du collage d’art numérique de l’artiste américain Beeple, qui s’est vendu pour
un montant record de 69,3 millions de dollars le 11 mars 2021. Intitulé « Everydays » :
The First 5,000 Days, l’œuvre est le NFT le plus cher jamais vendu.
«Nous assistons au commencement d’un nouveau chapitre dans l’histoire de l’art», a
commenté l’artiste qui devient le troisième artiste vivant le plus cher du monde.

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