La influencia de las 1as

vanguardias en la moda
Concepto vanguardia.
Cubismo: características
Sonia Delaunay: Cubismo, Futurismo y Constructivismo

Joel García Pérez

Abstracción Lírica, Kandinsky

Concepto de vanguardia
•  Durante la primera mitad del siglo XX el arte experimenta,
como nunca anteriormente, todo un conjunto de cambios
profundos (rupturas con la tradición anterior) y muy
rápidos protagonizados por las llamadas primeras
vanguardias. La voluntad de ruptura con la tradición
artística anterior y de búsqueda de la innovación y la
modernidad en el arte son su principal característica

•  La primeras vanguardias o vanguardias históricas están

protagonizadas por grupos de artistas que pretenden buscar
nuevos caminos en el arte: nuevas formas de expresión
artística, buscan romper con la tradición anterior porque el
arte debe modernizarse y progresar tal y como lo hace la
sociedad de la mano de la técnica y de la ciencia: si la
sociedad en la que viven es radicalmente distinta de la del
siglo anterior, no tiene sentido seguir realizando arte
fundamentado en los principios del siglo pasado.

•  Ya no tiene sentido continuar manteniendo una

concepción del arte basada en la imitación de la realidad
porque avances tecnológicos como la fotografía o el cine ya
ofrecen esa captación perfecta de la realidad.

•  El arte debe basarse en otros principios distintos de la copia

de la realidad (tendencia objetiva: mimesis). Romper con
la tradición para consolidar la tendencia subjetiva en el
arte: subjetivización de frente a copia (iniciada con el
Romanticismo y continuada por el Impresionismo y el
Simbolismo) y que llegará a la pérdida absoluta del
referente natural: abstracción lírica de Kandinsky
Abstracción geométrica, (Expresionismo) o geométrica de Mondrian
Mondrian (Neoplasticismo) o del Constructivismo Ruso.
 •  Estos grupos artísticos de vanguardia tendrán como elemento común la búsqueda de la modernidad y la
innovación pero esa innovación la buscarán por caminos y desde objetivos distintos. Unos caminos y
unos objetivos que establecerán en manifiestos o en publicaciones diversas.

•  Superan la tradición por caminos distintos y ponen mayor interés en un elemento u otro del
fenómeno artístico (color, geometría, sentimiento, provocación, fantasía, etc.). Generan con ello
un relativización definición de arte: hasta ese momento había dominado el concepto de belleza en
el arte (imitación), ahora en cada una de las vanguardias el arte tiene una finalidad distinta.
Duchamp mejor ejemplo: cualquier objeto puede ser considerado una obra artística (Urinario).

•  Algunas de las vanguardias continúan los caminos de modernidad/subjetividad artística iniciados

en el postimpresionismo pictórico (últimas décadas s. XIX): Cezanne (geometría:cubismo), Gaugin
(violencia y arbitrariedad del color: fauvismo), Van Gogh (arte como expresión de sentimientos:
expresionismo), Simbolismo (generación de realidades fantásticas u oníricas: Surrealismo)

•  Cada uno de estos grupos o tendencias artísticas se suceden con una gran rapidez e incluso se
solapan cronológicamente unas a otras: los estilos ya no se suceden de una forma evolutiva sino
que se desarrollan a la vez. Así es un mismo periodo cronológico se desarrollan distintas tendencias
artísticas. La mayoría de estas vanguardias se denominan en la Hª del Arte con nombres terminados en
“ismo”

Fauvismo: Matisse

Dada:
Expresionismo: Cubismo: Picasso Duchamp
Surrealismo: Rene Magrite
Kirchner: El puente
 Las vanguardias
geométricas
•  De manera general podemos
establecer dentro de las primeras
vanguardias dos grandes
tendencias. Por una parte existen
todo un conjunto de movimientos
Kandinsky, Constructivismo. Golpeen a los que exaltan la ruptura con la
blancos con la cuña roja (1919) mímesis a través especialmente
de la geometría.
Cubismo: Picasso Mondrian, Neoplasticismo

Van
Doesburg,
Elementaris
mo

Balla: Velocidad de automóvil, 1913,

Futurismo •  En él se ubican el Cubismo,
el Futurismo, el Constructivismo Ruso, el Neoplasticismo y el
Elementarismo. En ellos se observa un proceso de síntesis mental del referente figurativo a
través de lo geométrico (Cubismo y Futurismo) que llega a romper con la figuración
desarrollando la abstracción geométrica (Neoplasticismo, Elementarismo y Constructivismo
Ruso).
 Expresionismo: Kirchner: El puente

Las vanguardias irracionales

•  El otro grupo de vanguardias son las llamadas irracionales. Frente a la exaltación
de la geometría siempre relacionada con la parte racional del ser humano, con la
frialdad de la técnica y de la ciencia del grupo anterior, son movimientos que
prefieren el rechazo a lo racional, a la técnica y a la ciencia que ha
transformado la sociedad de principios del s. XX y buscan la inspiración en la
dimensión emocional y espiritual del ser humano.

•  Con el estallido de la 1ª Guerra Mundial la razón entra en crisis en Europa. La

razón, el conocimiento, el desarrollo tecnológico en los primeros años del s. XX
han llevado a Europa a vivir su primera Gran Guerra. Todo el progreso de la
civilización ha desembocado en la Guerra y ello genera una desconfianza
respecto a la razón.

•  Una desconfianza o rechazo que se plasma en el ámbito artístico con una exaltación
de lo no racional como fuente de inspiración del arte: lo emocional (no
sometido a la razón) en el Expresionismo, el azar, lo absurdo o lo improvisado
(antítesis de la razón) en el Dada y la generación de realidades inventadas,
basadas en el subconsciente no reprimido por la razón, como forma de huida
de la realidad en el Surrealismo.

Surrealismo:
Magritte

Surrealismo:
Dalí

Fuente, Dada:
Duchamp
Primeras Vanguardias
y diseño de moda
•  Las vanguardias tuvieron influencia sobre el
diseño de moda pero esta influencia se
produjo no sólo en la época cronológica en
la que éstas se desarrollaron sino también
en diseñadores posteriores como Yves Saint
Laurent que dedicó colecciones a Matisse
(1953), a Mondrian (1965) o a Picasso
(1988) trasladando los valores pictóricos de
éstos a la superficie de la tela con la que
confecciona su indumentaria.

•  No todas las primeras vanguardias han

influido de la misma manera. Su mayor o
menor influencia ha venido determinada por
la posibilidad de combinar o armonizar los
valores rupturistas del lenguaje de
vanguardia con el concepto de la
funcionalidad y usabilidad del diseño de
moda.

•  En muchas ocasiones estos lenguajes

vanguardistas han necesitado de una
adaptación para hacerlos compatibles con
el uso porque la traslación directa de sus
características a la indumentaria hubiese
sacrificado la utilidad en beneficio de la
estética generando el paso desde el diseño
(estética y utilidad) al arte (sólo estética y
autoexpresión).
 •  Este proceso de adaptación se generó, en
algunos casos, en el mismo momento
cronológico de origen de las vanguardias
especialmente en aquellas que tenían una
vocación de transformación social (arte
implicado) como el Futurismo (Balla, Depero,
Tullio Crali o Thayaht

•  o el Constructivismo (Rodchenko, Stepanova

o Popova). Estas vanguardias buscando la
utilidad social del arte adaptaron su estética
al ámbito del diseño. Sociedad más justa e
igualitaria nacida de Rev. Rusa

Popova,
Giacomo Balla, Futurismo Tullio Crali, Futurismo Constructivismo

Stepanova,
Constructivismo
Depero
 •  O vino potenciado por
pintores de vanguardia que se
vincularon directamente al
ámbito de la moda como el
caso de Sonia Delaunay y su
cubismo cromático (orfismo)
llevado al diseño de moda por
ella, con influencias también
del futurismo, a partir de
1920.

•  En otros casos la adaptación

se hizo con posterioridad al
desarrollo de las vanguardias o
se generó de una manera más
superficial: telas usadas como
lienzo (Yves Saint Laurent)
Boutique Sonia Delaunays Sonia Delaunay, pintura y diseños de
moda
 Cubismo
•  Dentro de las vanguardias el cubismo es uno de los nuevos caminos formales por donde discurre la
expresión artística y que supone un alejamiento de la tradicional teoría de la mímesis, o del arte
como copia de la realidad a través de la geometría. Fue desarrollado especialmente por Braque y
Picasso, autor de la que se considera la primera obra cubista: Las señoritas de Avignon (1907).

•  El cubismo supone una crítica al impresionismo. En él la pintura sólo reproduce la impresión visual
mediante manchas de color y luz que se convierten en la información que captan nuestros sentidos
en el proceso de percepción (subjetivización perceptiva: las cosas no tal y como son sino tal y como se
ven).

Monet, Impresión Sol Naciente 1874

•  Frente a esta impresión visual, frente a una pintura
basada en la percepción, en los sentidos, los
cubistas defienden un arte más cerebral o
intelectual (menos perceptivo y más cerebral, más
subjetivizado aún, no en base a la percepción sino
a la razón).

•  Con los datos, con la información de los sentidos

(vista) el artista debe realizar una síntesis mental que
le lleve a destacar lo esencial. En esta síntesis el
elemento clave será la geometría. La geometría es
al arte lo que la gramática a la escritura. Con ello
siguen el camino geométrico iniciado en el
postimpresionismo por Cézanne.

—  El nombre de la corriente es despectivo se debe a un crítico (Louis Vauxcelles) que habló de una
exposición de Braque. Decía que Braque maltrataba las formas o reducía todo a esquemas
geométricos, a cubos. De estas palabras nació el término cubismo como peyorativo para una
pintura cuya principal característica radicaba en la importancia de la geometría en la pintura.
 Cubismo: influencia Cezanne
•  La influencia de Cezanne: reacción contra el Impresionismo. Su separación
de las ideas de los impresionistas se produce porque a Cézanne le
interesa captar:

•  No la apariencia de la cosas o la impresión visual como hacían los

impresionistas (apariencia: visión que nosotros tenemos de las cosas
captada por los impresionistas mediante el color, la luz y la pincelada suelta)

•  Sino la esencia de las cosas, una esencia que según él se encuentra en la

geometría. Busca captar lo que está por debajo de la apariencia visual de
los objetos, lo que permanece inmutable a los cambios que los
elementos atmosféricos pueden provocar en la percepción de un objeto
(cabios de luz según la hora del día).

•  Por eso en su pintura representará los objetos mediante figuras geométricas

(cilindros, pirámides, cubos, esferas, etc). La geometría es para Cézanne
el lenguaje que debe utilizar el arte. Un valor de la geometría que
recoge el cubismo

Cezanne. Bodegón,
Bañistas, Mujer de la
cafetera
Picasso y Braque configuran recursos estilísticos muy afines en un proceso de aproximación
mutua, de diálogo artístico y de intercambio de hallazgos. Picasso y Braque siguiendo
a Cezanne, tras una observación del objeto a pintar en la que recibe información a través de
sus sentidos (forma, color, etc), desarrolla una síntesis o simplificación geométrica de las
formas.

El punto final de Cezanne es el punto de inicio del cubismo. Pero van más allá. La
síntesis geométrica dará lugar, en su evolución estilística, al rompimiento, la
distorsión y el alejamiento del referente figurativo.

Picasso, Paisaje de L’Horta e l’Ebre (1909)

Retrato de Ambrose Vollard 1910

 Protocubismo 1907-09:
Cezanne y primitivismo
•  En 1907, bajo el influjo de Cézanne y del primitivismo
Picasso pinta una obra clave de la Historia de la Pintura
moderna: Las Señoritas de Avignon.

•  Elimina las referencias a la tradición rompiendo con el

realismo (mimesis), abandonando la profundidad
espacial/volumen (gradación) y la perspectiva
(tridimensionalidad) así como el ideal de belleza
femenina tradicional.

•  Es un cuadro sobre el sexo (uno de los temas favoritos de

Picasso) en el cual representa un burdel (de la calle Avignon
de París o de la Calle Avinyó de Barcelona) con las prostitutas
exhibiéndose sin pudor ante el espectador/cliente.

•  Una mujer entra por la izquierda con la mano levantada

como si estuviese corriendo o descorriendo una cortina;
otra en el fondo entre cortinas entra o solo mira. Las
tres del centro nos miran directamente y se exhiben
estableciendo un diálogo visual con el espectador: metido
en la escena y convertido en el cliente del prostíbulo al
que se ofrecen como objetos en un escaparate.

—  Recuerdo compositivo de Las Meninas de Velázquez (mujeres que

descorren cortinas: aposentador de palacio; personajes que miran al
espectador metiéndolo en la escena, realmente miran a los reyes que entran
en la sala). En la fase más madura Picasso es frecuente reinterpretación
de obras de arte en clave cubista.

—  La presencia de un bodegón geométrico, las telas de las cortinas,

sábanas o mantel del bodegón y los cuerpos se geometrizan en
múltiples triángulos nos recuerdan al maestro Cézanne.
Las dos mujeres centrales presentan los brazos detrás de la
cabeza y una pierna cruzada. Una colocación propia una posición
tumbada y que nos recordaría a la Maja desnuda de Goya. Pero
Picasso las coloca de pie utilizando el recurso que será característico
del cubismo de presentar múltiples puntos de vista
simultáneamente en la obra.

La influencia primitiva (período protocubista es conocido también

como el Período Africano, Período Negro o Período Oscuro) se
observa en la mujer del fondo que mira entre cortinas y la que
está en cuclillas que, en vez de rostro, presentan una máscara
africana (predilección Picasso; en ellas simplificación geométrica
del rostro)

Los rostros máscara africanos son los más rotos y

geometrizados. Presentan una apariencia demoniaca o negativa
que podríamos relacionar con el ambiente decadente y denigrante
de los prostíbulos y donde la muerte o la enfermedad puede hacerse
presente (sífilis) o bien con el teatro, la falsedad de una relación
pagada, donde no se conoce la realidad interior de la mujer, oculta tras
una fachada de apariencia y felicidad falsa.
Protocubismo 1907-09:
Cezanne y primitivismo
•  Los rostros de las dos mujeres centrales son más afines
al estilo primitivo (no gradación, no volumen, línea
esquematizadora) y, para algunos, reinterpretan los
frescos medievales románicos o las primitivas
esculturas ibéricas – exposición Louvre de esculturas
ibéricas españolas: Dama de Elche- El rostro de la figura
de la izquierda presenta un perfil que recuerda las
pinturas egipcias.

•  Además la mujer en cuclillas tiene el cuerpo roto: está

de espaldas pero su cara-máscara está de frente.
Además su rostro-máscara está pintada al mismo
tiempo de frente o de perfil. Algo que también ocurre
con los rostros de las tumbadas: ojos de frente,
nariz de perfil; pechos uno de frente y otro de perfil
(distintos puntos de vista a la vez)

•  La belleza ideal del desnudo femenino ha sido

substituida por una visión esquematizada y
geometrizante de unos cuerpos que presentan
simultáneamente diferentes puntos de vista.

•  El espacio se ha vuelto claustrofóbico, plano y la

unidad de la obra ha sido destruida por planos rotos.
 El cubismo analítico (1909-12)
•  El cubismo analítico. En esta fase el pintor, tras una observación del objeto a pintar en la que recibe
información a través de sus sentidos (forma, color, etc), desarrolla una síntesis o simplificación
geométrica: reconstrucción mental de esa observación en base a la geometría.

•  Hasta aquí llega también Cézanne. Pero Braque y Picasso llegan más lejos. Los objetos
representados son analizados desde distintos puntos de vista y cada una de estas vistas se
reproducen simultáneamente en la obra. Algunos dicen que los cubistas buscan con ello una
cuarta dimensión o una percepción total o visión integral del objeto representado.

•  Cada una de estas vistas del objeto se denomina faceta. Las casas de Horta de l’Ebre están vistas
de frente, de lado, desde arriba en lo que supone una ruptura total con el sistema tradicional de
perspectiva. Ejemplos: Braque, Paisaje de L’Estaque (1908) o Picasso, Paisajes Horta de l’Ebre
(1909).
Braque
 El cubismo hermético
•  Un paso más en el desarrollo del cubismo será la fase hermética. En ella una vez geometrizada y
facetada la realidad se fragmenta, se rompe en pedazos y se vuelve a reconstruir
arbitrariamente y provocando un alejamiento muy importante del referente figurativo. El objeto
que ha sido el inicio del cuadro casi desaparece. Símil espejo roto o cristalización mineral.
Líneas negras angulosas: efecto rotura

•  El significado se hace hermético, descompuesto el referente real en facetas rotas y reconstruidas. La

investigación llega a un punto en el que se está a punto de sobrepasar el límite de lo figurativo
hacia la abstracción. Desorganización, afacetamiento, descomposición y colores fríos marcan
esta fase. Ejemplos: Picasso (Retrato de Ambrose Vollard 1910, Ma jolie, El hombre de la pipa).
 Picasso. El poeta. El acordeonista

Braque (el
portugués).
Hombre con
guitarra. Bandola
 El cubismo sintético (1913-17)
•  La última fase se denomina el cubismo sintético. Se desarrolla a partir de 1912. Ahora ya no se
representa el objeto tan fragmentado sino que se tiende a planos geométricos ya no tan
descompuestos. Menor sensación de fragmentación. Planos geométricos rotos pero que permiten un
más fácil reconocimiento de los objetos, del referente real.

•  El objeto ya no es despedazado/analizado en multitud de planos, sino que el objeto empieza a ser

sintetizado en sus formas esenciales y volverá a ser fácil de descifrar.

•  Introducción de tipografía. Picasso introduce letras tipográficas pintadas en principio a mano

alzada o estarcidas por influencia de Braque (ya en el portugués 1911, aún en la fase hermética).
Las letras acentúan el efecto de planitud de la obra
Picasso: Botella de Pernod
Picasso Violin, vaso y pipa sobre mesa

Braque El portugués y mujer con guitarra

 El cubismo sintético
(1913-17)
•  En la fase del cubismo sintético empiezan a introducir nuevos
materiales que se pegan sobre el lienzo como papeles
pintados, periódicos, hules de plástico, cuerdas o
etiquetas. Había nacido el collage. Los cuadros Naturaleza
muerta con trenzado de silla (hule con impresión de rejilla) o
Violín de Picasso. Será aprovechado pocos años después por el
Dadaísmo

•  Tendencia a colores más intensos Ejemplo: Picasso: Botella

Naturaleza muerta con trenzado de silla de Pernod y Violín, vaso y pipa sobre mesa
—  Preocupación por la
Picasso: Botella de Pernod
Picasso Violin, vaso y pipa sobre mesa textura, se simulan
Picasso vetas de mármol, la
, Violín superficie de una chapa
de madera y otras
texturas, particularmente
el granulado y la
rugosidad.

—  A veces se espesa la
pintura mediante la
mezcla del óleo con
otras materias (serrín,
arena) para lograr estos
efectos. Efectos
matéricos que más
adelante desarrollará el
expresionismo
abstracto (2ª mitad s.
XX)
 Los ballets rusos
•  La conexión de la vanguardia cubista con la
indumentaria se generará en el ámbito del ballet,
en los llamados Ballets Rusos de Diaghilev.

•  Una compañía de ballet ruso fundada en 1901 en

París por el coreógrafo ruso Diaghilev que
mantendrá una importante conexión con los
lenguajes de vanguardia que por esos años se
desarrollaba en la ciudad.

•  Diaghilev buscaba una simbiosis del ballet con el

resto de las artes, una fusión o diálogo entre las
artes que conviertan el ballet es una especie de
obra de arte total: las distintas artes plásticas en
armonía estética con lo transmitido por la danza.

•  La estética (indumentaria y decorados) que

domina en un primer momento en los ballets no es
la de vanguardia. Predomina en ella el Modernismo
y el Simbolismo representado por los diseños de
vestuario y escenografía de los creadores rusos Leon
Bakst, Alexandre Benois y Nikolái Roerich.
Leon Bakst, simbolismo, recargamiento ornamental y
dinamismo del Barroco
•  Una estética simbolista que usa símbolos ya existentes o genera nuevos para representar con
ellos los valores emocionales y espirituales del ser humano. Como reacción al Impresionismo,
que había convertido en objetivo del arte el mundo visual y perceptivo, el Simbolismo apuesta
por la subjetivización, por la afloración en el arte de la riqueza interior del ser humano
(antecedente del Surrealismo).
 Nikolái
Roerich,
influencia
oriental

Benois,
influencia
estilo
Versalles

Alexandre Benois, recargamiento Barroco y gusto por

lo oriental

•  La influencia Modernista se obsrva con el gusto por

lo oriental y la atracción por estilos del pasado •  Benois, “Petrouskha”, influencia simbolista:
(tendencia menos avanzada del Modernismo) mundo irreal repleto de símbolos y de
subjetivización de tendencia onírica o
especialmente los recargados (gusto por lo
ornamental) como el Rococó francés, admirado surrealizante.
por Diaghilev.
 Conexión vanguardia:
Parada
•  La conexión con las vanguardias se
produjo con el ballet Parade (1917)
con música vanguardista de Eric
Satie. Trabaja en él también el escritor
Jean Cocteau y el coreógrafo
Léonide Massine, bajo la atenta
mirada de Sergei Diaghilev.

•  El tema es el desfile (Parada) de un

Telón Parade, Picasso circo en el que tres grupos de artistas
circenses intentan atraer audiencia
para la representación.
Picasso etapa rosa
•  El vestuario y escenografía son de
Picasso. El cubismo sale de los
lienzos y se desarrolla en versión
tridimensional.

•  El telón representa una escena

circense y enlaza temáticamente con
las etapas pictóricas de Picasso
previas al cubismo (etapa rosa u
azul) donde es frecuente el uso del
tema del circo para expresar el
pesimismo, la tristeza que se oculta
tras sus brillantes indumentarias
(vida esforzada y creativa pero
miserable: pocos recursos)
 Picasso, El hombre •  En el decorado se observa ya la influencia
de la pipa) del cubismo sintético de Picasso:

•  síntesis geométrica de la realidad,

afacetamiento y representación desde
distintos puntos de vista a la vez.

•  La indumentaria representa el paso del

cubismo pictórico al tridimensional.

•  Síntesis de la figura humana mediante la

geometría desde distintos puntos de
vista (afacetamiento) lo que genera un
aspecto de cuerpo geométrico roto y
fragmentado (cubismo hermético).
Planos geométricos que se cortan y se
ensamblan los unos con los otros y
colores planos que acentúan el
concepto de construcción geométrica

•  La ruptura con facetas se acentúa con

el uso de colores planos y
contrastados.
•  Está elaborado mayoritariamente con cartón. Importantes dificultades para poder bailar con él.
 https://www.youtube.com/
watch?v=_Chq1Ty0nyE

•  En el caballo no se desarrolla un concepto tan rupturista con lo geométrico. Domina una visión
más sintética que permite un mayor reconocimiento del referente figurativo.

•  En uno de los personajes observamos un curiosa fusión entre arquitectura moderna (rascacielos) y
ser humano: es el personaje que anuncia con un megáfono la llegad del circo al que Picasso
geometriza y fusiona el paisaje arquitectónico.
 Leon Baskt, vestuario ballets clásicos

•  La ruptura geométrica del cubismo tiende a dominar a excepción de la indumentaria del

prestidigitador chino en la que Picasso reinterpreta en clave geométrica superficial, no
volumétrica la indumentaria tradicional china (chaqueta y pantalones amplios de remate recto):
anticipada por algunos de los diseños de León Baskt desarrollados dentro del Modernismo más
vanguardista

•  Formas geométricas (diagonales y curvas) con colores muy contrastados y un elemento

simbólico de figuración geometrizada: nubes: referencia posiblemente a la magia. Geometría
volumétrica en sombrero con múltiples picos.

•  Geometría que transmite efecto dinámico referencia clara al ballet.

 Maternidad

Picasso: El sombrero
de tres picos
•  Picasso volverá a trabajar en la escenografía y el
vestuario de los ballets rusos para el montaje de “El
Sombreo de Tres Picos” de Manuel de Falla estrenado
en Londres en 1919.

Flauta
de Pan

•  En esta ocasión ya no es el estilo cubista de Picasso el que

se observa sino su estilo clásico. Tras la primera Guerra
Mundial Picasso se aparta de las violentas rupturas
cubistas (como influencia de la violencia de la guerra) y
vuelve a una pintura más figurativa.

•  Una figuración simplificada con la línea de contorno, en la

que recupera una sutil gradación del color (volumen) pero
muestra poco interés por la profundidad (fondos como
bandas superpuestas de color) y en la que la geometría sigue
estando presente conformando la base de las anatomías.

•  Vuelta al pasado clásico para olvidar la crueldad de la

guerra. Transmite valores de clasicismo modernizado, de
estabilidad, calma y serenidad.
•  Esta vuelta al clasicismo, al orden, se observa también la
indumentaria del Sombrero de tres picos. La indumentaria ya no se
rompe con la violencia de la geometría del cubismo pero ésta sigue
estando presente de una manera más serena y superficial.

•  La geometría reviste (trabajo de superficie y no de volumen) una

reinterpretación de las formas tradicionales de la indumentaria
española con colores intensos y contrastados.

•  Tienden a dominar las geometrías más dinámicas: círculos, líneas

curvas, zig-zag, remates en diente de sierra: dinamismo de la
danza
Leon Baskt La
Bella durmiente

•  Decorado: vuelta al clasicismo.

•  Referente figurativo claro pero
sintetizado y geometrizado con
la línea.
•  No gradación: volumen y
distintos puntos de vista a la
vez: ruptura perspectiva
tradicional.
•  Formas de indumentaria
barrocas recreadas desde un
planteamiento de modernidad
geometrizante y colorista al
que Baskt no había llegado en
su reinterpretación de lo barroco
para La Bella Durmiente
Decoración con
geometría
punzante y zig-
zag
(dinamismo) con
colores muy
contrastados
que se aproxima
a los
planteamientos
futuristas en la
indumentaria

Depero ropa, Futurismo

 https://www.youtube.com/
watch?v=JO76VMryY9U

Formas de indumentaria barrocas

o popular española recreadas
desde un planteamiento de
modernidad geometrizante y
colorista
 Robert Delaunay La tour rouge 1911

Sonia Delaunay pionera

unión vanguardia y moda
•  El traslado del la influencia de la vanguardia cubista a la
moda en las primeras décadas del s. XX está especialmente
representado por Sonia Delaunay.

•  Sonia y Robert Delaunay (matrimonio) en su pintura

parten de una marcada influencia cubista a la que
incorporan una mayor intensidad cromática.

Sonia Delaunay, La villa de Paris

•  Sintetizan con geometría el referente

figurativo y fusionan distintos puntos
de vista a la vez en la obra:
fragmentación pero con
reconocimiento objeto: cubismo
sintético.

•  Pero desarrollan un cromatismo más

intenso por el origen fauvista de
Robert frente a los tonos más
apagados y racionales del cubismo.
Rhytm, Joie de Vivre. Robert Delaunay

•  Robert y Sonia generan entre 1912-14 su estilo más

maduro: el Orfismo o Cubismo órfico.

•  El nombre se lo puso el poeta de influencia cubista

Guillaume Apollinaire vinculando esta estética con
Orfeo, el personaje de la mitología griega que representa
la conjunción de la música y la poesía – tono
dinámico de su pintura-.

•  Su orfismo supone una fusión del gusto del cubismo

por la geometría – que en ellos tiende a ser también
circular-, con la fuerza y la intensidad del color del
fauvismo (Robert procedía del fauvismo) y la búsqueda
del dinamismo que compartirán con la vanguardia
futurista italiana con la que mantienen contactos.

•  Esta fusión la denominó Robert

Delaunay la pintura simultánea o
simultaneísmo.

•  Según él un estilo de pintura basado en

contrastes de color, debía trascender la
pintura y penetrar el mundo de los
objetos, afirmándose en cada área de
la vida.

Sonia Delaunay, Rythmecolore

 Robert Delaunay, rythm

•  Usan la geometría cubista con valores de planitud

y llegan a desarrollar una abstracción geométrica
a la que los cubistas no llegaron.

•  Por influencia fauve dan un marcado protagonismo

al color intenso, cálido y fuerte frente al menor
desarrollo de éste en el cubismo y su carácter
más frío (mental).

Círculo cromático,
Robert Delaunay
Monet, Impresión sol
naciente

•  Robert desarrolló una serie de teorías del color basadas

en la reinterpretación del contraste simultáneo de
Chevreul (usado por Impresionistas y
Neoimpresionistas): los colores se autoinfluyen los
unos a los otros cuando esta cerca.

•  En Robert la influencia no provoca una mezcla de los

colores (mezcla óptica impresionista o neoimpresionista)
sino un contraste intenso.

•  Con este contraste y con el predominio de formas

circulares introduce el concepto de dinamismo/
vibración que les aproxima al Futurismo.
 Patchwork contemporáneo •  Sonia tras casarse con Robert Delaunay siguió el simultaneísmo
pictórico de su marido y empezó a llevarlo a la indumentaria.
Antes de la Primera Guerra Mundial, Sonia y Robert Delaunay
impresionaban a sus amigos luciendo ropa en la que plasmaban
la misma técnica simultánea que empleaban en sus famosos lienzos.

•  Para ellos no había

separación entre la
pintura y las artes
aplicadas, que vieron
como una prolongación
natural de su
exploración en la
esencia del color.

•  Conexión arte con vida

con indumentaria: llevar
la modernidad de las
vanguardias pictóricas a
la vida cotidiana

•  Así es como nació la robe simultané: traslación a la

indumentaria del simultaneismo pictórico

•  En 1911, Sonia Delaunay hizo un manto para su hijo Charles

usando la técnica del patchwork (origen ruso, ella había
nacido en Ucrania).

•  Una técnica que le permitió trasladar a la indumentaria la

geometría fragmentada cubista, el color intenso y
contrastado y el dinamismo que había desarrollado en la
pintura. Por ello este moisés “se convirtió en el modelo
precursor de todos sus objetos simultáneos”.
•  El primer vestido simultaneo lo diseñó en 1913 y se lo puso para
un evento nocturno en el Bal Bullier, lugar de divertimento donde
acudían en París los artistas de vanguardia.

•  En él se observan, mediante el uso del patchwork, las

características del simultaneismo pictórico: la geometría rota
del cubismo generada por los distintos trozos de tela cosidos, el
gusto por los colores fuertes e intensos del fauve y el
dinamismo (costuras diagonales o curva, irregularidad de los
trozos de tela) que comparte con el futurismo.

•  Sus conjuntos generaron un gran impacto en la sociedad francesa

e hicieron que Apollinaire llamase a los Delaunay los
“reformadores del vestido”: traslación del lenguaje rupturista
de vanguardia a la moda.

•  Una de sus pinturas más importantes, Bal Bullier (1913), estará

inspirada en esta sala de fiestas en la que la abstracción
geométrica dinámica y de colores intensos se combina con una escasa
figuración en la que tal vez se pueden reconocer sus vestidos
simultáneos.

Sonia Delaunay le-bal-bullier1931

 •  Como una prolongación de la pintura, los trajes
simultáneos se valían de técnicas pictóricas para
atacar a la moda convencional (antimoda: ruptura
con los gustos dominantes)

•  Los trozos de telas, las combinaciones de color y

el uso de texturas diversas (preocupación por la
textura del cubismo sintético) rompían cualquier
forma de corte bien definido y con las formas de
la moda tradicional.

Papier collé, Picasso 1913 Picasso: Botella de Pernod

•  Las conexiones con

los experimentos
de cromatismo
silmultáneo
Orfistas de Delaunay
en pintura y los
principios cubistas
de collage o papier
collé son evidentes.
•  En otros diseños tempranos se observa un alejamiento del tono rupturista
de la geometría cubista y el desarrollo de un concepto geométrico menos
roto, más constructivo como traslación de su etapa de madurez pictórica
(orfismo).
•  Ejemplo de ello es la
indumentaria de Cleopatra
que desarrolló para los
ballets rusos en 1918.

•  Geometría constructiva
(encaje geométrico) y no
tan rupturista y uso de
telas pintadas a mano.

•  Concepto provocador de
la indumentaria: la
geometría circular y de
intensidad cromática
remarca los pechos.

•  El gran círculo central,

donde combina tonos
intensos y el dorado,
parece inspirado en la
serpiente igual que las
líneas ondulantes que
ascienden desde el bajo del
vestido: influencia del
simbolismo egipcio:
animal protector del
faraón

•  Serpiente/Cobra: con su veneno se suicidó Cleopatra

cuando fue vencida por Roma y su reino convertido en
provincia romana.
 •  El estallido de la Revolución Rusa (1917) hizo que Sonia dejara
de percibir rentas económicas desde Rusia (era de origen
ucraniano) y ello acabó provocando su ruina económica. Para salir
de ella en 1917 empezó a diseñar telas, ropa y objetos con
destino a la venta.

•  El estallido de la 1ª
Guerra Mundial les pilla
entre Portugal y
España.

•  Gracias a las
recomendaciones de
Diaghilev, Sonia fue
contratada para diseñar
túnicas, sombreros de
rafia, y sombrillas para
las cuatro hijas del
marqués de Urquijo.

•  El éxito de estas creaciones y otras, le trajeron una rica

clientela; este patronazgo le permitió abrir la Casa Sonia, una
elegante tienda en Madrid en la Calle Columela. El negocio llegó a
bien y se abrieron sucursales en Barcelona y Bilbao.

•  Cuando en 1920 regresa a París, abrió su famosa Boutique

“Simultané” que pronto se convirtió en el referente de la
moda de vanguardia, de la unión de arte vanguardista y
moda, de la traslación del geometrismo a la moda. Boutique “Simultané”. París
•  Su indumentaria se califica de antimoda porque en ningún momento tuvo la intención de entrar
en el circuito de la moda y del gusto imperante, no intentó crear un tendencia de moda sino
romper con ella mediante la influencia del arte de vanguardia, hacer de la moda arte rupturista.
Hacer arte de vanguardia no sobre el lienzo sino sobre la tela de los vestidos. Robert Delaunay
definía la indumentaria de Sonia como “una pintura viviente, por así decirlo, una escultura de
formas vivas.”

•  Sonia Delaunay afirmaba que “en 1913, los patrones florales más o menos estilizados estaban de moda.
Quería escapar de eso, hacer algo absolutamente nuevo y moderno. Mi punto de partida fueron las leyes
del color. Un vestido, un abrigo y una estrella son todos fragmentos de espacio.”

•  “No estábamos interesados en la moda contemporánea, no intenté innovar en términos de la forma o del
corte sino avivar y animar el arte del vestido utilizando nuevas fibras con una amplia gama de colores”:
vanguardia geométrizante a nivel de superficie
•  El dinamismo, una de las principales
características del Simultaneísmo junto con la
geometría, adquiría un mayor protagonismo al
desarrollarlo sobre las telas de los vestidos puesto
que la cinética/movimiento corporal aumentaba
el efecto dinámico de la composición pictórica del
vestido.
•  Su técnica del patchwork y de las telas pintadas a mano
evoluciona. Empieza a generar diseños geométricos, de
intensidad cromática y dinamismo para convertirlos en
estampados o telas tejidas que aplicó tanto a la indumentaria
como a complementos y objetos.

•  Con ello revolucionó de mano de la vanguardia no sólo la

moda sino también el diseño textil.
•  Tanto en sus diseños de moda como
en sus diseños de estampados
parece seguir dos grandes
tendencias basadas en la
geometría.

•  La primera está representada por

diseños que mantienen el recuerdo
de la geometría rota del cubismo
con los fuertes contrastes
cromáticos del Simultaneísmo.

•  En ellos el rompimiento y el
dinamismo se genera mediante líneas
diagonales, ángulos, formas
punzantes, zig-zag, líneas
quebradas o curvas
 Retrato de
Tristan
Tzara, por
Robert Picasso, Acordeonista
Delaunay.
Bufanda
“simultánea”
. Diseño de
Sonia
Delaunay,
1923.)
 •  En la otra tendencia
sigue jugando con la
geometría de colores
intensos pero ya no con la
tendencia rupturista y
fragmentada de herencia
cubista sino con un tono
más constructivo: la
forma se construye con
piezas geométricas
encajadas.

•  El dinamismo de la ruptura se substituye por el dinamismo de la construcción. El resultado es

más o menos dinámico en base a como se produzca en el encaje de las piezas: si domina la
horizontal mayor estabilidad y si domina la diagonal mayor dinamismo. Un constructivismo que
también aparece en sus obras pictóricas.
Indumentaria de Delaunay ante escultura
constructivista
 Dinamismo generado con la diagonal y con la ruptura
de la serie geométrica

Algunos de sus bocetos al trasladarse a la

realidad deberían haber supuesto un trabajo
volumétrico con la geometría
Picasso: Botella de Pernod

•  Sonia Delaunay fue también pionera en la aplicación de la tipografía, de

las letras a la indumentaria. Su estética proviene del Cubismo y tanto
Braque como Picasso, especialmente en el cubismo sintético, introdujeron
letras estarcidas en sus obras.

•  Con la introducción de la tipografía en su estética conecta con el uso

visual, libre, creativo y expresivo de la tipografía desarrollado en las
vanguardias cubista y futurista en el ámbito de la poesía.

•  En el Cubismo representado por los caligramas de Apollinaire (amigo de

Sonia y Robert Delaunay) y en el Futurismo por las llamadas Palabras en
Libertad del poeta Marinetti, fundador del Futurismo. Se genera así un
puente entre la estética del Simultaneísmo y la poesía visual de
vanguardia.
•  Con los caligramas
Apolinaire busca
transmitir el
concepto poético no
sólo con el
significado de las
palabras que
conforman el poema
sino también con la
forma visual que
éstas generan en su
distribución sobre la
página.

•  El poema genera
una forma figurativa
asociada al
concepto que
transmite.
 •  Un camino visual y expresivo de la tipografía
que será especialmente desarrollado dentro del
Futurismo donde el poeta Marinetti desarrolla
sus llamadas palabras en libertad.

•  La tipografía se distribuye de una manera

absolutamente libre rompiendo con las leyes
tradicionales de la tipografía, posiciones libres
y dinámicas – el dinamismo es uno de los
elementos estéticos fundamentales del Futurismo-,
uso de tipografías distintas y de distintos
tamaños.

•  Con la visualidad tipográfica se transmite un

concepto.

Marinetti poema Les mots en liberté 1919. La mujer lee la carta de su amado en el frente y
sobre ella se desarrolla la evocación de la guerra: el caos, la confusión, el ruido de la guerra
se expresan visualmente con la tipografía dispuesta dinámicamente.

Los sonidos de la guerra generan onomatopeyas con un tamaño de letra mayor para reflejar su
fuerte intensidad
 •  La aproximación de Sonia y Robert
Delaunay a la poesía de vanguardia les
lleva a ilustrar poemas de Apollinaire en
los que generan una fusión entre su estilo
geométrico, dinámico y de cromatismo
fuerte y la tipografía visual, expresiva y
libre de éste y Marinetti.

Sonia-Delaunay.Les-fenêtres-A-Robert-Delaunay-de-
Guillaume-Apollinaire-ca.1912-13.
•  Ilustrarán también, por mediación de
Apollinaire, el libro de poemas del
poeta vanguardista Blaise Cendrars
“Prosa del Transiberiano y de la Pequeña
Juana de Francia” en 1913.

•  En él la geometría dinámica y los

colores contrastados de Sonia se
fusionan con los textos de Cendrars
que adquieren también un tono
rupturista con las normas
tipográficas tradicionales y dinámico
igual que el formato del libro
(plegado en fuelle)
 Sonia Delaunay or Robert Delaunay (or both), 1922, published in Der
Sturm, Volume 13, Number 3, 5 March 1922

•  La aproximación a la poesía provocará la aparición de

tipografías libre, dinámica y visual en su pintura como en la
portada para Der Srum de 1922: combinación del Simultaneísmo
(geometría dinámica y color contrastado) con las palabras en
libertad de Marinetti (variedad de tamaños, de tipos de letra y
distribución que rompe con las leyes tipográficas convencionales
transmitiendo valores expresivos y dinámicos)

•  Y también la incorporación de esta

tipografía visual, dinámica y
expresiva a la indumentaria de
Sonia Delaunay en sus llamados
vestidos poema: vestidos donde
jugaba visual y expresivamente con
las letras de los poemas de sus
amigos vanguardistas y con la
geometría de fuerza cromática.

•  Parece que la inspiración para llevar la

poesía visual a la indumentaria se la
dio el poeta español vanguardista
Ramón Gómez de la Serna que le
regaló un un poema en forma de
abanico siguiendo los caligramas de
Apollinaire.

•  A Gómez de la Serna le gustaba el

concepto del vestido-poema e
imaginaba un poema extenso que
pudriera cubrir dos o tres vestidos o
incluso una serie completa. Sonia
hizo realidad este concepto.
Traslada la fusión de Simultaneísmo
(geometria, color intenso y dinamismo) con la
letra libre, visual y expresiva que había
desarrollado en la ilustración y en la pintura al
vestido.

Nuevo ejemplo del traslado de las

experimentaciones de la vanguardia a la
indumentaria.

A partir de las letras de fuerte cromatismo y

dinamismo se ha generado una tipografía.
Trajes de cartón para la representación
Le Coeur à Gaz de Tristán Tzara, 1923
•  Estableció conexiones con otras
vanguardias además del cubismo y
el futurismo.
•  También durante la década de 1920
conectó con el grupo de los
dadaístas y con los surrealistas,
colaborando con ellos en la
producción de proyectos teatrales
y cinematográficos.
•  Diseñó indumentaria geométrica
con cartón, tanto en el volumen
como en la decoración superficial,
para una obra del dadaísta Tristan
Tzara titulada Le Coeur á Gaz.

•  Elaboró el
vestuario
para la
película
surrealis
ta “Le
P e t i t
parigot
d e L e
Somptier
” 1926.

https://vimeo.com/channels/1326053/246879115