Recuerda colocar para cada trabajo portada de identificación: 1.

- Membrete
“centrado” (República Bolivariana de Venezuela. Ministerio del poder
Popular para la Educación, U.E.P. Belagua. Asignatura Arte y Patrimonio.
Año y sección, en mayúscula) 2.- Título centrado (en mayúscula).
Preferiblemente letra adaptada a los espacios que utilices. Para los trabajos
en computadora letra Arial, numero adaptado al espacio que utilices, solo si
utilizas computadora. Si es a mano por favor lápiz de grafito punta oscura o
bolígrafo o marcador negro y letra legible. Marcadores colores llamativos.
Creatividad originalidad. 3.- Nombre del docente; debajo del título, a la
izquierda de la hoja, (Profesora: Carmen Obelmejias). 4.- Nombre y apellido
del estudiante; debajo del título, a la derecha de la hoja a la misma altura
en la línea donde colocas el nombre del docente. 5.- Fecha de entrega del
trabajo según señala la planificación, en el centro de la hoja en la parte
inferior.
Realiza una infografía, en power point, sobre el arte del Renacimiento. -
Concepto etapas o períodos, causas, del renacimiento. - Características
generales, (4 características) - Obras de la arquitectura siglos XV y XVI
nombrar las principales. - características de la escultura, pintura, siglos XV y
XVI, nombrar los artistas y sus obras. - Concepto de Barroco, Características
generales (4 características); Principales arquitectos y sus obras, escultores
y sus obras, pintores y sus obras. en computadora. Investiga en textos
Utiliza fuentes de investigación vía textos bibliográficos sobre el tema y vía
online sobre cómo se realiza una infografía. 30% 6 puntos

¿Qué fue el Renacimiento?

El Renacimiento fue un movimiento artístico-cultural que,
desde Italia, se extendió por Europa Occidental a partir del siglo
XV.
Fue la manifestación cultural de un cambio en la mentalidad
europea que pasó de una concepción de mundo teocéntrica,
propia del periodo medieval, a una antropocéntrica. Este
cambio, manifestado en la corriente filosófica humanista, se
considera el inicio de la Edad Moderna. El pensamiento
antropocéntrico ponía énfasis en la facultad humana para acceder
al conocimiento del mundo a través de la razón. En este sentido,
las personas del Renacimiento se consideraban herederas de los
valores de la cultura griega y romana.

Se suele dividir el Renacimiento artístico en dos momentos:

 El Quattrocento, o Primer Renacimiento: desde 1400
hasta 1480 aproximadamente, tuvo como centro a la
ciudad de Florencia.
 El Cinquecento, o Alto Renacimiento: desde 1480 hasta
1520, que se centró en Roma desde donde se extendió
por Europa
Características del Renacimiento
Entre las principales características del Renacimiento podemos
destacar las siguientes:

 Se desarrolló un espíritu crítico con pretensión

de conocer científicamente la realidad. Esto se
manifestó en todas las artes y en el modo de concebir
la relación de las personas con el mundo.
 Se inició en la ciudad italiana de Florencia y desde ahí
pasó primero a las demás ciudades italianas,
especialmente a Roma y Venecia y luego al resto de
Europa.
 Adquirió gran importancia el concepto de individuo. Se
manifestó mediante la búsqueda de trascendencia
personal a través de las propias obras ya sea como
creador, en el caso de los artistas; o como protector y
brindando apoyo material a los artistas en el caso de los
mecenas.
  El arte fue al mismo tiempo naturalista e idealista. Los
artistas pretendían representar el mundo real tal como se
veía, pero al mismo tiempo querían mostrar solo su
belleza
 Para lograr representar sobre la superficie plana del
cuadro o la pared la tridimensionalidad del mundo real
desarrollaron técnicas, como la perspectiva que daba
sensación de espacio y el claroscuro, que permitía dar
volumen a los cuerpos.
 Los artistas se transformaron en intelectuales con
conocimiento de matemática, geometría y óptica para
resolver los problemas de la perspectiva; de anatomía
para representar el cuerpo humano; así como de
literatura, filosofía y teología para darle interés a los temas
de sus obras.

 En literatura, se tomaron temas y personajes propios de la

antigüedad clásica. Al mismo tiempo, las formas
adquirieron tanta importancia como los temas los temas
tratados.

Causas del Renacimiento

Entre las causas que impulsaron la aparición y la difusión del
Renacimiento se pueden mencionar:

 La expansión del comercio a partir el siglo XIII favoreció

el desarrollo urbano y el surgimiento de una
rica burguesía comercial, financiera e industrial, muy
interesada en la adquisición de conocimientos y en el
consumo de obras de arte.
  La prosperidad de las ciudades italianas, que se
manifestó en la construcción de nuevos edificios y
monumentos.
 La aparición de los mecenas. Estos eran personas
poderosas y adineradas que protegían a los artistas y les
daban apoyo económico. En el período renacentista los
mecenas más importantes fueron la Iglesia católica, los
banqueros y grandes comerciantes italianos y, fuera de
Italia, los reyes y sus cortes.
 El desarrollo de las universidades que estimularon la
recuperación del pensamiento grecolatino y la difusión del
humanismo.
 La invención de la imprenta, que facilitó la difusión de las
ideas humanistas.
- Obras de la arquitectura siglos XV y XVI nombrar las principales.
La arquitectura renacentista nace en Italia durante el Quattrocento.

Sus características más importantes son: Deseo de realizar edificios perfectos desde el

punto de vista de "perfección técnica", basándose en cálculos matemáticos y geométricos,

para obtener la máxima armonía y proporción.

SIGLO XV: LAS OBRAS MAS IMPORTANTES FUERON:
El Quattrocento: el dominio del lenguaje clásico

 Basílica de San Lorenzo de Florencia, reforma iniciada en

1419, Filippo Brunelleschi.
 Capilla Pazzi, 1441, última obra de Brunelleschi.
 Fachada de Santa María Novella, Leon Battista Alberti,
Florencia, 1458-1470.
 Templo Malatestiano de Rímini, Alberti, hacia 1450.

Arquitectura Española en el Siglo XVI

Arquitectura Española en el siglo XVI Con el siglo XVI se llega a la plenitud del
Renacimiento en la arquitectura española. Durante la primera mitad del siglo, coincidiendo
con el largo reinado de Carlos V se percibe una rápida disminución de la influencia
alemana y flamenca con una mayor dependencia de las líneas del Renacimiento italiano,
debida en gran parte a los conflictos religiosos en el Imperio.

A principios del siglo, el plateresco tradicional mantiene todavía su rica ornamentación,

que se aplica tanto a edificios religiosos como civiles. Las mejores expresiones del estilo

plateresco son la fachada de la catedral de Astorga, obra de Gil de Hontañón y la Casa

Ayuntamiento de Sevilla (1527-1564), construida según planos de Diego de Riaño.

Arquitectura
Arquitectura Española en el Siglo XVI
Arquitectura Española en el siglo XVI Con el siglo XVI se llega a la plenitud del Renacimiento en la
arquitectura española. Durante la primera mitad del siglo, coincidiendo con el largo reinado de Carlos V se
percibe una rápida disminución de la influencia alemana y flamenca con una mayor dependencia de las líneas
del Renacimiento italiano, debida en gran parte a los conflictos religiosos en el Imperio.

A principios del siglo, el plateresco tradicional mantiene todavía su rica ornamentación, que se aplica tanto a
edificios religiosos como civiles. Las mejores expresiones del estilo plateresco son la fachada de la catedral de
Astorga, obra de Gil de Hontañón y la Casa Ayuntamiento de Sevilla (1527-1564), construida según planos de
Diego de Riaño.

En este llamado estilo plateresco purista se percibe al mismo tiempo un mayor predominio de las líneas
italianas y disminución de los excesos ornamentales. Es un notable ejemplo de este estilo el Palacio de
Monterrey en Salamanca y la fachada de la Universidad de Alcalá de Henares.

El Palacio de los Momos en Zamora

El portal de la iglesia de San Salvador en Ubeda

n el último tercio del siglo XVI, ya durante el reinado de Felipe II, la influencia italiana triunfó completamente
sobre la exuberante decoración plateresca, buscando compensación a la desnudez ornamental en la masa y
grandiosidad de la obra. El nuevo estilo quedó consagrado con la construcción del monasterio de El Escorial,
por muchos años residencia preferida del monarca y uno de los monumentos más célebres de la arquitectura
española. Su construcción fue ordenada por Felipe II en conmemoración de su victoria sobre los franceses en
la batalla de San Quintín (1557).

El estilo herreriano caracterizado, más que ningún otro, por sus líneas definidas y sin adorno, pero de
grandiosidad monumental alcanzó bastante difusión en España, con obras como la catedral de Valladolid,
nunca acabada, la Lonja de Sevilla y el convento de Santa Teresa en Avila. Sin embargo esta influencia del
estilo herreriano, debida en gran parte a la preferencia mostrada por Felipe II, nunca fue verdaderamente
popular en España.
 
Principales obras del Renacimiento
Algunas de las principales obras del Renacimiento son:
La cúpula de la catedral de Florencia, de Filippo Brunelleschi

Las pinturas de la Capilla Sixtina en el Vaticano.

 La última cena, de Leonardo da Vinci.

Las estancias vaticanas de Rafael Sanzio

 Bibliografía:

 Gombrich, E. H. La historia del arte. London, Phaidon Press Limited, 17.°
ed. 1997.
 Hauser, Arnold. Historia social de la Literatura y el Arte. Buenos Aires,
Debate. 2006.
 Johnson, Paul. El Renacimiento. Buenos Aires, Mondadori. 2005.
 - características de la escultura, pintura, siglos XV y
XVI, nombrar los artistas y sus obras.
Pintura Renacentista de España SIGLO
XV
Pocos épocas en la historia han abarcado un espectro tan amplio de cambios en la sociedad
como el Renacimiento. Fue una ola que empapó la raíz del pensamiento humano, así, se
dieron cambios en arte, ciencia, filosofía, religión y sociedad. Comenzó en Italia a finales de
la Edad Media (s. XV), se propago rápidamente por toda Europa y permaneció durante 2
siglos.
La pintura renacentista es un estilo pictórico caracterizado por haberse desarrollado en el
periodo del Renacimiento y presentar una contraposición total al oscuro periodo precedente, el
gótico. Por primera vez los artistas comenzaron a firmar sus obras y se hicieron famosos,
maestros universales de la pintura provienen de este periodo y sus obras son apreciadas
hasta hoy.

Pintores más importantes:

 Leonardo da Vinci (1452-1519)
 El Greco (1541-1614)
 Alberto Durero (1471-1528)
 Sandro Botticelli (1445-1510)
 Rafael Sanzio (1483-1520)
 Pieter Brueghel (1525-1569)
 Tiziano Vecelli (?-1576)
 Michelangelo Buonarroti (1475-1564)
 Jan van Eyck (1390-1441)
 Giovanni Bellini (1430-1516)

Cuadros renacentistas
Los maestros del renacimiento nos dejaron obras fabulosas, y que permanecen en la
memoria colectiva, entre los cuadros más importantes se encuentran:

"La Mona Lisa"

Es la pintura mejor guardada del mundo, realizada por Leonardo de Vinci en alguna fecha que
aun no se establece con exactitud, entre los años 1503-1519, actualmente se encuentra en
el Museo del Louvre, París. Allí está en una... leer más

"La Virgen del huso"

También conocida como Virgen de la rueca, fue pintada en 1501, por Leonardo da Vinci.

Muestra a un Jesús de niño alejándose de los brazos de su Madre y mirando la cruz, como
signo de su destino ... ver

"El Expolio"

Cuadro al óleo que se encuentra actualmente en la Catedral de Toledo, pintado entre 1577y

1579. Se trata de una obra compleja impregnada de simbolismo cristiano, considerada una de
las obras cúlmenes de El Greco.

"La Verónica"

Esta obra junto a "La Santa Faz", muestran una de las reliquias cristianas más importantes
el paño de la Verónica, pintada en 1580, por El Greco.

"Vista de Toledo"

Lienzo pintado en algún punto entre 1604 y 1614, por El Greco. Se trata de uno de los
primeros paisajes al óleo de la historia, ya que previo al Renacimiento no existía el género
como tal. Aunque a simple vista no muestra un gran detalle ni las figuras iluminadas en el
horizonte, a las que el ojo occidental actual está acostumbrado, la obra se considera genial,
especialmente en el logro del cielo y los altos contrastes utilizados para representarlo.


"El nacimiento de Venus"
 Se trata de uno de los cuadros más representativos del renacimiento italiano, pintado
entre 1484 y 1486, por Sandro Botticelli. Se encuentra actualmente en la Galería Uffizi,
Florencia.


"Adán y Eva"

Obra de grandes dimensiones actualmente en el Museo del Prado, pintada en 1504,

por Alberto Durero.

"Madonna Sixtina"

Obra al óleo de tema religioso. Autor: Rafael Sanzio, pintada por encargo del Papa Julio II
en 1512.


"La Torre de Babel"
 Tela pintada en 1565 por Pieter Brueghel el Viejo, pintor holandés de la escuela flamenca,
considerado como figura destacada del renacimiento temprano desarrollado en el norte de
Europa.... ver


"Venus de Urbino"

Tela al óleo pintada en 1538, por Tiziano, considerado uno de los mayores impulsores del
arte renacentista.


"La creación de Adán"

Trozo de fresco pintado Miguel Ángel (1512) sobre yeso, en el techo de la Capilla Sixtina en

el Vaticano. Lugar donde se encuentran las obras de pintura y escultura, más reconocidas del
Renacimiento.

"La Transfiguración de Cristo"

Esta es la segunda de las 2 obras con la misma temática que pintó Giovanni Bellini.
Realizada en 1480.

La escultura italiana del siglo XV

En la sala están expuestas las copias de las obras más

importantes del Renacimiento Temprano del arquitecto y
escultor Filippo Brunneleschi, y del aprendiz de joyero
Lorenzo Ghiberti, ambos florentinos, así como del maestro
sienés Jacopo della Quercia. La obra de uno de los
escultores más brillantes del Renacimiento italiano, Donatello,
también está bien representada en la colección de copias del
museo. Una parte importante dentro la exposición es ocupada
por las obras del taller de la familia della Robbia.
Filippo Brunelleschi Bronze,goldplating
COLECCIÓN DE COPIAS DE ESCULTURA DE TSVETÁEV

Lorenzo Ghiberti
Bronze,goldplating

COLECCIÓN DE COPIAS DE ESCULTURA DE TSVETÁEV

Donatello
Marble

COLECCIÓN DE COPIAS DE ESCULTURA DE TSVETÁEV

Jacopo della Quercia

Bronze COLECCIÓN DE COPIAS DE ESCULTURA DE TSVETÁEV

Donatello
Marble

COLECCIÓN DE COPIAS DE ESCULTURA DE TSVETÁEV

Pintura Renacentista de España SIGLO
XVI
La pintura renacentista española fue realizada a lo largo del siglo XVI en las Coronas de Castilla y Aragón. El
Renacimiento italiano se difundió por la Península Ibérica a partir del litoral mediterráneo. Así, se aprecian
diferencias entre las regiones a la hora de incorporarse al italianismo: es más rápido en la Corona de Aragón,
más vinculada con Italia, y tarda más en llegar al corazón de la Península. Es característico del Renacimiento
español el predominio prácticamente absoluto de la pintura religiosa, siendo muy ocasionales los temas
mitológicos, históricos, alegóricos, o géneros como el bodegón o el paisaje. También se producen retratos,
especialmente vinculados con la corte.

España, en la época del Renacimiento, recibe la visita de algunos grandes artistas. De todos los pintores que
trabajan en España en el siglo XVI, destaca la figura de El Greco a finales de siglo.

Períodos

El primer tercio del siglo

 
Yáñez de la Almedina: Santa Catalina, 1505-1510, óleo sobre tabla, 212 x 112 cm, Museo del Prado.

En esta época siguen presentes elementos flamencos propios del gótico, incorporando poco a poco
elementos italianizantes. Es decir, que es más bien una época de transición en que se combina lo flamenco
que predominó durante el reinado de los Reyes Católicos con lo italiano. Penetra el Renacimiento en la
Península a través de Valencia, siendo sus primeras figuras Rodrigo y Francisco de Osona, padre e hijo,
llamados por ello «el Viejo» y «el Joven».

En Valencia trabajan dos manchegos que muestran una clara influencia de los cuatrocentistas italianos. Son
Fernando Yáñez de la Almedina y Fernando o Hernando de los Llanos. Juntos realizan una obra
trascendental dentro de la pintura del Renacimiento español: el retablo de la Catedral de Valencia (1507-
1510).
 

El retablo de la Catedral de Valencia

 
Pedro Berruguete: La prueba del fuego, Museo del Prado.

Por lo que se refiere a Castilla, continuaron los modelos flamencos durante más tiempo. Los primeros rasgos
renacentistas aparecen en la obra de Pedro Berruguete (ca. 1450-1504), que estuvo en Urbino (Italia). En su
obra se conservan claros elementos flamencos como los fondos dorados, la atención a los detalles como las
lacerías moriscas en los techos y el gusto en representar las texturas; hay incluso ocasionales rasgos
medievales, como el diferente tamaño de las personas dependiendo de su jerarquía religiosa, con los santos
de mayor tamaño como puede verse en su Auto de Fe presidido por Santo Domingo de Guzmán. Pero es
renacentista en la perspectivas, las formas y la luz, o la incorporación de espacios arquitectónicos. Por todo
ello, sería una figura intermedia entre el estilo gótico flamenco y el renacimiento.

 
Pedro Berruguete:Auto de Fe presidido por Santo Domingo de Guzmán

En Toledo trabaja Juan de Borgoña (h. 1468/1470 – h. 1536). Este artista se formó en Italia, conociendo la
pintura del Quattrocento, aunque conserva algunos detalles de la pintura gótica estilo flamenco. La
composición es clara, enmarca las escenas en paisajes amplios o en arquitecturas clásicas con adornos
vegetales y de otro tipo, las figuras idealizadas son claramente italianizantes. Influyó mucho en la posterior
pintura de la zona toledana. Realizó numerosos retablos. Además pintó los frescos de la Sala Capitular de la
Catedral de Toledo y los de la llamada Capilla Mozárabe.

Finalmente, en Andalucía destaca la figura de Alejo Fernández (h. 1475 – 1545), con una producción de
estilos diversos, en unos intensamente flamenco dado el gusto por el detalle que muestra, y en otros
italianizantes con perspectivas. Parece que era de origen alemán.

El segundo tercio del siglo

 
Juan de Juanes: La Última Cena, h. 1560, tabla, 116 × 191 cm, Museo del Prado.

En esta segunda fase la influencia de Leonardo se ve sustituida por la de Rafael. También se dejan sentir los
ecos del primer manierismo, tanto toscano como nórdico.

Nuevamente, es Valencia la puerta de entrada de estas nuevas tendencias. Pero el centro más destacado de
producción artística es Sevilla, ciudad que cobró gran auge económico gracias al comercio con las Indias. La
ciudad llegó a ser un centro multicultural, lo que ayudaría al florecimiento de las artes.

Luis de Morales: Virgen con Niño, h. 1570, óleo sobre tabla, 84 cm × 64 cm, Museo del Prado.
 

El último tercio del siglo

Alonso Sánchez Coello: Retrato de la Infanta Isabel Clara Eugenia, niña, h. 1570, lienzo, 116 × 102 cm,
Museo del Prado.

 
Navarrete el Mudo: Degollación de Santiago, 1571, Monasterio de El Escorial.

El Greco: Martirio de San Mauricio y la legión Tebana, 1580–1582, óleo sobre lienzo, Monasterio de El Escori
al.

 
En esta parte final del siglo se nota la influencia de la obra de Miguel Ángel y también de la pintura veneciana.
El retrato sigue sintiendo la influencia de la pintura flamenca. Entre los retratistas de la corte madrileña
destacan Alonso Sánchez Coello (c. 1531-1588) y Juan Pantoja de la Cruz (1553-1608). Sus obras alcanzan
gran calidad, aunando la influencia de Tiziano y Antonio Moro. Sánchez Coello, discípulo de Moro, es un
ejemplo de esa atención por el detalle en el traje y las joyas, la precisión a la hora de reflejar los rasgos del
modelo, cuya psicología se intenta representar mediante un frío distanciamiento. Retrató a Felipe II y a su
familia (esposas, hijos), así como a varios nobles de la corte. Menos interesantes son sus pinturas religiosas.
Su discípulo Pantoja de la Cruz también cultivó el retrato y pinturas religiosas. Su técnica es más dura,
anticipando ya el tenebrismo. Destacan en sus retratos las enormes gorgueras que eran moda en el reinado
de Felipe III y cuya representación minuciosa permitía demostrar el virtuosismo del pintor.

Juan Correa de Vivar: Anunciación, 1559, óleo sobre tabla, 225 x 146 cm. Museo del Prado.

 
Alonso Vázquez: La muerte de San Hermenegildo, 1602, Museo de Bellas Artes de Sevilla.

Escultura
La Escultura en España en el siglo XVI
La escultura renacentista llega a España gracias a artistas italianos o a los españoles que viajan a Italia a
formarse. La escultura del Renacimiento español es de gran originalidad por el fuerte sentimiento religioso del
que está impregnado, siguiendo la línea anterior del gótico. La historia de la escultura en España en el siglo
XVI se divide en tres épocas.

Escultura renacentista española del primer tercio del siglo XVI

En este periodo inicial, trabajan artistas italianos que son los que traen el estilo renacentista a España Vigarny
es el autor del Retablo de la Catedral de Granada, en madera policromada.
Felipe Vigarny (Virgen con niño)

Pervivió la tradición gótica, pero también llegaron artistas y obras italianos, como Fancelli (sepulcro de los
Reyes Católicos) o Torrigiano (San Jerónimo penitente). Pronto se adhirieron a la tendencia renacentista
autores españoles, entre ellos Bartolomé Ordóñez (sepulcro de Felipe el Hermoso y Juana la Loca) y Felipe
Bigarny (sillería de la catedral de Toledo).

 
 

Escultura renacentista española del segundo tercio del siglo XVI.

En este periodo de la escultura renacentista se impone completamente el clasicismo desapareciendo lo que

quedaba de gótico. Pero más que escultura renacentista se debe hablar ya de Manierismo. El principal centro
artístico es ValladolidAlgunas de las características del manierismo son:Canón estirado.ColoresComposición
abierta de las figuras.Sombras contrastadas.Tenebrismo: que es el contraste de luces y sombras muy
potentes.Expresión de las figuras.
En el tercio central del siglo se consolidó la primacía de la Escuela de Valladolid a la que pertenecen
Berruguete y Juan de Juni, ambos con claros rasgos manieristas. El primero destaca por el retablo de la
Antigua de Valladolid, sus tallas del Sacrificio de Isaac y de San Sebastian y el segundo por su Entierro de
Cristo.

SAN SEBASTIÁN (Alonso Berruguete )

Alonso Berruguete
Tallas del Sacrificio de Isaac (Alonso Berruguete)

Entierro de Cristo (Juan de Juni)

Último tercio del siglo XVI Destacan los artistas de la Corte. Son artistas de cámara, que realizan sobre todo
retratos de la familia real, realizados en bronce dorado. Coincide con el reinado de Felipe II, trabajaron en
España los Leoni, broncistas de procedencia italiana. Leone Leoni es el autor de Carlos V venciendo al Furor,
tan manierista que la estatua puede aparecer desnuda o vestida con su armadura.
Carlos V dominando el furor

Se trata de un bronce dorado. Bajo la figura de Carlos V se encuentra el enemigo sometido. Pretende
ensalzar el poder del emperador.

Qué es Barroco:
Como barroco se denomina un periodo histórico, artístico y cultural
caracterizado por una gran exuberancia ornamental que se manifestó en el
arte, la literatura, la música y la arquitectura abarcando los siglos XVII y XVIII.
El barroco surgió en Italia extendiéndose al resto de Europa y América. En un
principio, el término barroco tenía un matiz peyorativo, con el cual daba a entender
su desmesura expresiva.

En este sentido, la palabra proviene etimológicamente del portugués barroco, que

significa ‘perla irregular’. También se apunta su origen del francés baroque, que es
una figura de silogismo de los escolásticos.

Por otro lado, barroco también se designa a aquello que está excesivamente
recargado u ornamentado.

Finalmente, es importante indicar que cuando nos referimos a Barroco,

específicamente como periodo histórico, debe escribirse con mayúscula inicial. En
el resto de los casos, debe escribirse en minúscula.
Características del arte barroco
principales
Ahora bien, ¿cómo podemos reconocer la estética barroca? Casi a simple vista ya sea un
poema, una obra teatral, una pintura o uno de los sublimes edificios que dejó la época.
Presente, incluso en las calles, en ciudades que vivieron la época de una forma
especialmente trágica (nombro, únicamente, la Sevilla puerto de Indias repleta de mendigos
o la Roma decadente y corrupta), el arte barroco es, en esencia, la expresión del exceso.  

1.- El arte barroco tiende al exceso y al movimiento

En contraposición a la sobriedad clásica, el arte barroco se caracteriza por ser excesivo, torsionado,
siempre en movimiento. Es una estética que huye de la sobriedad para instalarse en el extremo
contrario. Si se trata de realizar un edificio, las columnas nunca será rectas. Estas tomarán las
formas de una espiral (como las de San Pedro en el Vaticano o las del arte manuelino). En una
pintura, el exceso se mostrará en el horror vacui, en no dejar ni un solo centímetro sin una
pincelada. La literatura se llenará de tropos, de torsiones y de un lenguaje recargado y/o complicado
al máximo.  

2.- Por tanto, es una estética en la que prima lo inestable

El arte barroco representa la expresión de crisis de todo tipo (vitales, espirituales, sociales,
económicas, políticas). Por tanto, se recubrirá de una pátina de inestabilidad. Y esto se
refleja tanto en la forma como en el contenido. La vida se tambaleaba bajo los pies de una
población desesperanzada y olvidada. De ello se hacían eco artistas de todos los géneros
(que sufrían, si sacaban los pies del tiesto, el exilio o la persecución). Las formas parecen
no sostenerse (volvemos a esas columnas en espiral) tanto en arquitectura como en las artes
plásticas como en la artesanía de objetos cotidianos. Los temas vuelven una y otra vez a la
fugacidad de la vida, a la inestabilidad de la existencia, a la posibilidad de morir en
cualquier momento sin haber completado la misión de cada uno en este mundo. Y esto se
transparenta tanto en la forma como en el contenido de todas y cada una de las obras de arte
barroco. 

3.-  El arte barroco se caracteriza por la contradicción 

En un poema puede aparecer el tema del carpe diem con las referencias más atroces a la
muerte y a la destrucción. La vida se hace nada y se pasa de la cuna a la sepultura en un
suspiro. Aunque se buscan la belleza, la felicidad o el pragmatismo todo está envuelto en
un halo triste, oscuro, dramático. Por otro lado, las actitudes satíricas o burlescas (que se
transparentan en pintura o en literatura) tienen siempre un poso místico o de filosofía
negativa. El arte barroco es la expresión en toda su grandeza de la contradicción de la
condición humana y de nuestro paso por este mundo con más pena que gloria. Ni siquiera
el amor profundo parece redimir a una humanidad que se encuentra sola, perdida y sin
referentes éticos de calado.  

4.- El drama en toda su amplitud forma parte del arte

barroco
Por tanto, hay una hueco bastante grande para todo lo que supone drama (y no me refiero a
teatro). El tema de la vida como un valle de lágrimas es recurrente en todas las artes y todos
los géneros. La existencia en este plano es fugaz, chocante e, incluso, dada a la burla más
feroz. El espíritu de la época es, esencialmente, negativo, negro, oscuro y absorbente, por
tanto.   

5.- La apariencia y la forma (continente) cobra más

importancia que el contenido
Como todo se hace para encontrar acomodo en una existencia futura, en este plano todo lo
que se queda es formal, contenido vacío o regodeo en la fealdad. Por eso, la expresión tanto
artística, literaria o filosófica se vuelve rebuscada, como buscando un juego que no puede
encontrarse en ningún aspecto vital. 

6.- El arte barroco es esencialmente recargado 

Y es una de las características del barroco principales. La pintura es recargada. Los
edificios se adornan hasta el exceso y la extenuación. Las paredes se completan con
murales hasta el último centímetro. Las artes decorativas buscan llevar la artesanía a su
quintaesencia llevando siempre la línea curva, el dorado, el brillo, el exceso y el
recargamiento extremo. En literatura se lleva la frase a la torsión más absoluta. Siempre hay
que leerla como mínimo dos veces para poder entender el contenido. Se abusan de tropos,
metáforas o retruécanos. 

7.- Se caracteriza por ser una estética de la intensidad 

En el arte barroco, por tanto, no hay cabida para la sobriedad o para la concisión tanto en lo
formal como en el contenido. Todo es extremo, muy extremo.  
8.- El arte barroco es pesimista por esencia
El siglo XVII fue el de las hambrunas, las pestes, las persecuciones y la pérdida de
población en toda Europa. En aquellos países, como en el caso de España, en los que no fue
posible una mínima apertura o cambio, la atmósfera en general (psicológica, social,
religiosa, política…) se volvió asfixiante. Eso llevó a una tristeza generaliza, a un despegue
de las cosas físicas, cotidianas o diarias (“así pasan las glorias del mundo” fue un tema
recurrente). La única felicidad, por tanto, se encuentra en el más allá y la muerte se ve casi
como una liberación de tantas penurias. El barroco como ideología, como estética que se
repite cada cierto tiempo, siempre coincide con tiempos de crisis, de oscuridad, de
persecución o de falta de libertad.  

9.- Otra de las características del arte barroco es la huida

y la búsqueda del bienestar en el más allá 
Tal como he indicado antes, solo se ve salida en la vida futura, en la que hay más allá de la
muerte. La pintura, a la par que oscura, se vuelve hacia los protagonistas bíblicos que
pasaron duras penas antes de alcanzar la salvación. La literatura se concentra en la mística.
Aquellos que no sentían tanto celo religioso se vuelcan en una sátira que a veces se hace
feroz contra el sistema establecido que, además, daba todos los días argumentos para
sustentar esta actitud.  

10.- Nada en el arte barroco se presenta natural o en

mímesis con la realidad 
Todo es exagerado, distorsionado, complicado y difícil de encontrar en la naturaleza. Se
recurre a la línea curva en demasía, a la palabra sacada de todo contexto lógico, a la
arquitectura que parece sostenerse casi en equilibrio.   

11.- Hay una búsqueda por exprimir las posibilidades

formales y/o de lenguaje
En este sentido, el arte barroco parece regodearse en las posibilidades de la palabra, en las
torsiones y en el más difícil todavía. Algunas obras de arquitectura (los grandes palacios a
imitación de Versalles o los grandes templos religiosos como San Pedro en Roma) se
levantaron en un espíritu de competición casi.  
12.- El creador del arte barroco se regodea en la audacia 
En este orden de cosas, en el que el exceso es la norma, se tiene que recurrir a la creación
llevada al extremo. No hablo de originalidad sino que retomo ese concepto del más difícil
todavía. Los mármoles (como los de Bernini que embellecen Roma) se trabajan como si
fueran de plastilina, con un movimiento poco frecuente en escultura y con una atención al
detalle apabullante a la par que sobrecogedora.  

13.- El desasosiego es característico de esta estética y de

la época 
Ante este panorama político (el de crisis de valores y de recursos económicos) y creativo
(con ese gusto por el no va más en la ejecución de la obra) es normal que se caiga en la
ansiedad, en el desasosiego, en la intranquilidad, en el sentimiento de inestabilidad más
absoluta. 

14.- Al no haber libertad siempre se recurre a lo

artificioso y rebuscado
El arte barroco, a pesar de su torsión y su exceso, no se caracteriza precisamente por la
libertad. Esta no existía en tanto en cuanto que cualquier idea novedosa era, incluso,
perseguida y, a veces, se pagaba a un precio muy alto. Todo ello hace que el creador y el
artista apague esa indefensión (impuesta desde fuera) con un exceso formal. Lo rebuscado
en cualquier tipo de obra también pretendía ocultar críticas o sátiras veladas. Era la única
manera de hacerse comprender por un público muy entendido (mínimo, escogido y selecto)
sin correr riesgos. 

Arquitectura barroca
La arquitectura barroca se desarrolló entre finales del siglo XVI y la
primera mitad del siglo XVIII aproximadamente. Surgió en Italia y desde
allí se extendió a toda Europa. Se irradió también en América Latina por
medio de la colonización.

En la arquitectura barroca domina la riqueza ornamental, la

monumentalidad, el efectismo, la teatralidad y la espectacularidad. Sin
embargo, el barroco no fue un estilo unificado, sino una tendencia que se
interpretó de manera particular en cada país y región.

Por eso cabe preguntarse, ¿cuáles son las características generales de

la arquitectura barroca? ¿Quiénes fueron sus máximos exponentes y
 obras? ¿Cuál es el contexto de la arquitectura barroca y cuál fue el papel
que cumplió?

Arquitectos del barroco italiano y obras más importantes

 Carlo Maderno (1556 - 1629): se le considera el padre del barroco

italiano. Sus trabajos más emblemáticos son: fachada de la Basílica de
San Pedro; fachada de la iglesia de Santa Susana y fachada de San
Andrés della Valle.

fachada de la Basílica de San Pedro.

fachada de la iglesia de Santa Susana

 Giacomo della Porta (c. 1540 - 1602): colaborador de Miguel Ángel,
de manera que este artista dejó una importante influencia en su trabajo.
Asimismo, recibió clases de Jacopo Barozzi de Vignola. Entre sus obras
más conocidas se encuentran: iglesia del Gesù y la cúpula de la Basílica
de San Pedro.


 : iglesia del Gesù


 cúpula de la Basílica de San Pedro.

 Gian Lorenzo Bernini (1598 - 1680): arquitecto, escultor y pintor
italiano. Entre sus trabajos arquitectónicos más emblemáticos están el
baldaquino de la Basílica de San Pedro en Roma y la Plaza de San
Pedro en el Vaticano.

 baldaquino de la Basílica de San Pedro en Roma


 Plaza de San Pedro en el Vaticano.


 Francesco Borromini (1599 - 1667): su verdadero nombre era
Francesco Castelli. Entre sus obras destaca la iglesia de San Carlos de
las cuatro fuentes.


 iglesia de San Carlos de las cuatro fuentes.

 Baltasar Longhena (1597-1682): arquitecto y escultor veneciano.
Entre sus construcciones destacan la iglesia de San Salvador y la iglesia
Santa María de la Salud, Venecia.


 iglesia de San Salvador

 iglesia Santa María de la Salud, Venecia.

Baltasar Longhena: Iglesia Santa María de la Salud, Venecia, 1631- 1687.

Listado de escultores del Barroco

• Giovanni Bernini
Se trata del escultor barroco más importante de su época.
El rapto de Proserpina (1621-22) Galleria Borghese, Rome.
Apolo y Dafne (1622-25) Galleria Borghese, Rome.
Capilla Cornaro (1645-52) Santa Maria della Vittoria, Rome.

• Juan Martines Montanes (1568-1649)

Español se caracterizó por trabajar la madera
The Merciful Christ (The Christ of Clemency) (1603) Catedral de Sevilla
The Santiponce Altarpiece (1613).
 Francois Duquesnoy (1597-1643)
Escultor en mármol estilo clásico, piedra, bronce.
St Andrew (1629-33) Basílica de San Pedro. Ciudad del Vaticano
St Susanna (1630-33) Santa Maria di Loreto, Rome
• Alessandro Algardi (1598-1654)
Escultor clásico barroco
Tomb of Pope Leo XI (1634-44) St Peter’s Rome
Ecstasy of Saint Philip Neri (1638) Santa Maria in Vallicella, Rome
Pope Leo Driving Attila from the Gates of Rome (1646-53) Basílica de San
Pedro
 Alonzo Cano (Granada, 1601-1667)
Conocido como el Michelangelo español
La inmaculada concepción (1655, Catedral de Granada)
• Pierre Puget (1622-1694)
El escultor barroco más grande del siglo XVII en Francia
Milo of Crotona (1671-82)
• Francois Girardon (1628-1715)
Escultor barroco. Fue el escultor privado de Luis XV
Apollo Tended by the Nymphs (1666-75)
Monumento de Richelieu (1675-94)
• Antoine Coysevox (1640-1720)
Escultor estilo Bernini, famoso por esculpir bustos de personalidades
importantes de la época.
Charles Lebrun (1676)
Louis XIV (1686).
• Andreas Schluter (166

Pintores mas importantes del arte barroco

 Diego de Velázquez (1599-1660)
Una de las figuras más importantes en la pintura española de todos los tiempos y «maestro de
la pintura universal». Desde Sevill asupo conquistar el mundo entero con su estilo
personal, naturalista y ciertamente tenebrista.

Como sabemos que este tipo de listado son un clásico que gusta a casi todo el mundo, hemos
querido crear uno con los 10 mejores artistas del barroco, los más ilustres, aquellos que
siglos después de su muerte siguen estando presentes por su arte y el legado que nos han
dejado.

1. Diego de Velázquez (1599-1660)

Una de las figuras más importantes en la pintura española de todos los tiempos y «maestro de
la pintura universal». Desde Sevill asupo conquistar el mundo entero con su estilo
personal, naturalista y ciertamente tenebrista.

2. Caravaggio (1571-1610)
Michelangelo Merisi, fue un pintor italiano considerado primer exponente de la pintura barroca
destacado en la pintura y el dibujo.
3 Pedro Pablo Rubens (1577-1640)
Pintor de la escuela flamenca, la manera de emplear el color como dinamizador de las
expresiones supuso un antes y un después en el trascurso de la historia de la pintura.
Rubens trabajó temáticas muy variadas, mitología, religión, historia, escenas de caza,
paisajes, retratos… 

4 Gian Lorenzo Bernini (1598-1680)

El napolitano Bernini fue un polifacético artista que supo destacar en escultura, arquitectura y
pintura.

5 José de Ribera (1591- 1652)

Natural de Xátiva, Valencia, fue un exitoso pintor y grabador español del siglo XVII.
Siendo joven se mudó a Italia para poder formarse y consolidarse como el artista que
consiguió ser.