El ARTE RENACENTISTA Y MANIERISTA.

INTRODUCCIÓN AL RENACIMIENTO.

El Renacimiento se inicio a comienzos del siglo XV y se prolongó en el tiempo

hasta finales del siglo XVI. En un principio fue un fenómeno exclusivo italiano, ya
que en el resto de Europa se siguió desarrollando el Gótico.
El renacimiento surge en Italia y se explica por varios factores.
- Espectacular crecimiento económico basado en la actividad comercial en
el mediterráneo. Aparece una poderosa y rica aristocracia mercantil que
desplaza los valores tradicionales de la vieja aristocracia eclesiástica y
nobiliaria.

- La organización política en ciudades-estados. Italia no era un estado

unificado políticamente, sino un conjunto de territorios independientes, que
se organizaban como ciudades estados similares a las del mundo
antiguo, con una vida urbana muy activa.

- La tradición viva de la Antigüedad clásica. El recuerdo del esplendor de la

antigua Roma, y los numerosos restos materiales conservados de ella por
todas partes, mantuvo viva la memoria de un pasado digno de
admiración, que se pretendía recuperar e incluso superar.

El renacimiento trajo consigo un cambio que se puede resumir en estos aspectos:

- Un renovado interés por el hombre, que como en la antigüedad clásica, se

convirtió en la medida de todas las cosas; interés por la figura humana,
edificios a escala humana.

- Un afán de conciliar el pensamiento antiguo con el cristianismo. Los

mitos paganos y la filosofía antigua no tienen porque oponerse al espíritu
cristiano, sino que lo podían completar perfectamente. Los mitos se
interpretan como alegorías morales bajo un punto de vista cristiano. Se
fundó así en Florencia la ACADEMIA NEOPLATÓNICA, cuyo propósito
final fue conciliar el pensamiento platónico y el cristianismo.
El Renacimiento defendía la recuperación del mundo antiguo. Admiraba los
modelos de la antigüedad, que fueron objeto de estudio permanente, aunque
en ningún caso se pretendió copiar los mismos.
Se aspiraba a alcanzar la belleza formal en contraposición con el Medievo, en
el que primaba el mensaje religioso.

El canon de proporciones volverá a tener ocho cabezas como en tiempos de

Lisipo, y la altura total será igual a la longitud de los brazos extendidos.

La clientela aumentó, y además de la nobleza y el clero se incorporan la rica

burguesía de las ciudades italianas, con lo que el arte se tuvo que adaptar a sus
nuevos gustos: plano temático (Retratos, escenas mitológicas) plano formal
(representación fiel de la realidad).
Volvieron a aparecer los mecenas, personajes ricos e influyentes que fomentan el
arte y mantienen en sus círculos a los más afamados artistas financiando sus
obras.

EL QUATTROCENTO ITALIANO.

LA ARQUITECTURA: BRUNELLESCHI Y ALBERTI.

Los arquitectos de esta época rechazan el arte gótico y se dedicaron a estudiar las
obras de la antigüedad clásica conservados. Se buscaba el ideal de belleza
basado en los principios de armonía, orden y proporción, para lo cual se
empleaba un módulo que sumado multiplicado y dividido determinaba las
diferentes medidas del edificio.
Como hemos dicho no se intentaba copiar, aunque si se recuperan elementos
arquitectónicos clásicos y se desecharon los góticos. Reaparecieron así los
arcos de medio punto, las columnas y pilastras de órdenes clásicos, la bóveda
de medio cañón con casetones en el intradós, las cúpulas como la del Panteón.
Los dos grandes referentes de la arquitectura de este periodo fueron Filippo
Brunelleschi y Alberti.

BRUNELLESCHI 1377-1446.

Brunelleschi se inició como escultor. Se presentó al concurso convocado en

Florencia para realizar las puertas del Baptisterio en 1401, aunque el concurso lo
ganó Ghilberti. Este fracaso orientó su vocación hacia la arquitectura. En 1403
cambia Florencia por Roma y se dedica a estudiar los restos arquitectónicos de la
Antigüedad.
Es el inventor de la perspectiva lineal que consiste en representar los objetos
distantes más pequeños que los situados cerca del espectador. Las líneas
perpendiculares tienden a juntarse en un punto de fuga en el horizonte.
Obras principales de Brunelleschi .

Cúpula de Santa María de las Flores

En 1418 vuelve a participar en un certamen con Ghiberti, para la construcción de la

cúpula de la catedral. En esta ocasión el concurso lo gana Brunelleschi.
La catedral se había iniciado en estilo Gótico en 1296. A comienzos del
Quattrocento se eleva un tambor octogonal sobre el crucero, pero faltaba pon
construir la cúpula para cerrarlo, la cual era un reto por las grandes dimensiones.
Sus estudios de la arquitectura antigua y el conocimiento matemático le hizo idear
una fórmula que consistió en cubrir el tambor octogonal con dos cúpulas
superpuestas, encofrando una dentro de otra y dejando una cámara de aire entre
ambas estructuras. Así el peso de los materiales disminuía y su altura podía crecer
hasta los 56 metros. La obra si inicia en 1420 y termina en 1436.
Brunelleschi brilla también en los edificios de nueva planta, donde mezcla su
conocimiento de la tradición romana y la perspectiva que él mismo inventó, como
ocurre en la Iglesia de San Lorenzo (Florencia).

Iglesia de San Lorenzo.(Florencia)

Fue encargada por el fundador de la dinastía de los Médicis. En un principio le

encargó la construcción de una nueva sacristía para la iglesia, que era el lugar de
enterramiento de la familia, y que se construyó en estilo románico. El proyecto le
impresionó tanto que recibió el encargo de reconstruir toda la iglesia.
Brunelleschi recurre a la planta basilical de tres naves, de tipo romana o
paleocristiana. La nave central de cubierta plana de casetones y una cúpula en el
crucero. Los arcos de medio punto sobre columnas corintias se realzan con un
trozo de entablamento para permitir que las columnas tengan el mismo canon que
las pilastras de las naves laterales. Todo el edificio se rige por un sistema de
proporciones cuyo módulo es el cuadrado de la nave lateral.
Característico de la obra de brunelleschi era el empleo del bicromatismo de los
materiales de construcción que permiten diferenciar los elementos estructurales
del edifico en mármol gris, y por otro los muros de relleno en blanco.
 Capilla Pazzi. Iglesia de Santa Croce, Florencia.

Los Pazzi fueron rivales económicos de los Médicis hasta el punto de planear
asesinarlos. Esta capilla que diseña Brunelleschi tenía un uso funerario para la
familia Pazzi. Se situaba en el claustro de un convento franciscano.
Lo que destaca de esta obra es el pórtico exterior sobre columnas que rompe la
frontalidad con un arco de triunfo y la cúpula interior sobre pechinas. Este edificio
juega también con los colores de los materiales, utilizando la piedra gris para los
elementos arquitectónicos y la cal para el revoque de los muros. La capilla se
diseña en 1429.

LEÓN BATISTA ALBERTI. GÉNOVA 1404-1472 ROMA.

Escribió 3 tratados, cada uno de ellos dedicados a una de las artes mayores,
arquitectura, escultura y pintura. En sus obras muestra preferencia por dos
elementos arquitectónicos:
- cúpula. Asociada a la forma geométrica de la esfera.
- El pilar, como elementos sustentante de los arcos, con lo que la columna
queda relegada a un segundo plano con una función decorativa.

Entre los palacios y templos más importantes que diseñó encontramos los
siguientes:

PALAZZO RECELLAI 1446-51.

Fue encargado por un comerciante llamado Giovanni Rucellai y se convirtió en
prototipo de mansión ciudadana del Renacimiento. El palacio estaba compuesto
por:
- Parámetro almohadillado.
- Planta cuadrada.
- Tres pisos claramente diferenciados.
- Distribución rítmica de bíforas y cornisa en voladizo.
- En los pisos las bíforas estaban separadas por pilastras apenas salientes
del muro, según la superposición de órdenes clásicos observada en el
Coliseo romano.
La utilización del sillar almohadillado era símbolo de riqueza y poder, debido a lo
costoso y difícil de hacer.
En cuanto a los templos que realizó, sus primeros trabajos estuvieron orientados a
remodelar edificios antiguos enmascarándolos con portadas renacentistas.

FACHADA DE LA IGLESIA DE SANTA MARÍA NOVELLA (FLORENCIA)

En 1456 recibe el encargo de terminar en Florencia la fachada de la Iglesia de
Santa María Novella, lo que le obliga a trabajar sobre un edificio gótico.

La solución que adopta es la de rematar el cuerpo superior con un frontón unido

por aletones a otro inferior más ancho y decorado con placas de mármol.
Se basa en un sistema de proporciones cuyo módulo es el cuadrado. La parte baja
esta formada por dos cuadrados idénticos. A continuación se sitúa un tercer cuadro
en medio del cuerpo superior para enmascarar la nave central de la basílica, que
era más alta y más ancha que las laterales. Para disimular la inferior altura de las
naves laterales utiliza dos aletones.
Esta fachada se convirtió en modelo de muchas iglesias barrocas.

IGLESIA DE SAN ANDRÉS (MANTÚA).

Pasa por ser la construcción más importante de Alberti. Se comenzó a construir
después de fallecer, pero el proyecto lo realizó antes de morir en el año 1470. Está
diseñada en su totalidad por Alberti.
Como característica, dotó al templo de una planta central, rompiendo con la
fórmula de tres naves. Armoniza las proporciones jugando con el “orden gigante” y
el “orden normal” en las pilastras del arco principal. La fachada representa un gran
arco del triunfo, pero con significado cristiano, pues la iglesia custodiaba la sangre
de Cristo como reliquia.

En este edificio Alberti establece como módulo para la proporción del edificio la
distancia entre las pequeñas cabezas del entablamento. Si la multiplicaba por dos
daba la anchura de las calles laterales, y por cuatro la anchura de la nave central.
La anchura total del edificio es igual a su altura hasta el vértice del frontón.
El interior estaba inspirando en la basílica romana de Constantino y Majencio,
constaba de una sola nave con capillas laterales y transepto.

ESCULTURA QUATTROCENTO: GHIBERTI Y DONATELLO.

Los restos escultóricos del mundo antiguo habían sido una fuente de inspiración en
Italia debido a su abundancia. Debido a esto la escultura del Quattrocento no
representó una ruptura con la tradición artística anterior tan clara como la que se
produjo en la arquitectura. Las características esenciales de esta escultura serán
las siguientes:
- Se valora la perfección de las formas (belleza) frente a la función
didáctica y religiosa de la edad media.
- La representación principal fue la figura humana, que se ajustaba a un
correcto sistema de proporciones, como en la antigüedad. (ocho cabezas
Lisipo)
- Se recuperan el desnudo, el retrato o la estatua ecuestre, tipos de
representaciones muy comunes en el arte clásico.
- Tanto en el relieve como en la pintura se aplicó la PERSPECTIVA para
representar figuras en el espacio.
- Los materiales preferidos fueron el mármol y el bronce por influencia de
los modelos clásicos.

Los dos artistas más representativos de este periodo también se encuentran en

Florencia, Ghiberti y Donatello.

Ghiberti.

Fue escultor, orfebre y arquitecto. En 1402 gana un concurso a Brenelleschi

convocado por la ciudad de Florencia para realizar la segunda puerta del
Baptisterio, cuyo trabajo realizó hasta 1424. Por contrato tuvo que seguir el
modelo de la primera puerta realizada en bronce por Andrea Pisano en 1330.
Dividió las dos hojas en 28 escenas del Nuevo Testamento enmarcadas en tréboles
de cuatro hojas. En cuanto a la temática se puede observar 20 escenas de la vida
de Cristo y 8 representaciones de santo. Desde un punto de vista formal está a
caballo entre el gótico final y el nuevo lenguaje renacentistas.

El éxito de esta obra hizo que fuera elegido para realizar una tercera puerta, a la
cual se dedicó desde 1425 a 1452. Esta fue su gran obra y se le conoce como la
“Puerta del Paraíso” por su perfección y belleza. En cuanto a las características de
esta obra:
- Prescindió de los tréboles de 4 hojas para enmarcar las figuras.
- Redujo el número de paneles a 10, de mayor tamaño.
- Emplea el bronce dorado.
La temática cambió y en vez del Nuevo Testamento utiliza escenas del Antiguo
testamento. En cada panel se desarrollan dos o más episodios. En estas
narraciones se adopta la perspectiva lineal y los efectos de profundidad que
Donatello había transmitido al bajorrelieve mediante la técnica del “aplastado.

Técnicamente aplicó el “relieve pictórico”, obteniendo sensación de profundidad

mediante la grabación del resalte, desde el alto relieve del primer plano al bajísimo
relieve del fondo.

En el marco se reproducen esculturas griegas y festones de fruta, flores y animales,

como muestra del respecto que tenían a la antigüedad y la naturaleza.

DONATELLO 1386-1466.

Fue el escultor más importante de la época. Acompañó a Brunelleschi a Roma a

estudiar los monumentos antiguos. Se formó en el taller de Ghiberti.

Su especialidad era la representación de la figura humana en todas sus

edades, desde la infancia hasta la vejez, apareciendo desde actitudes serenas
hasta las más dramáticas. Trabajó en mármol y bronce, aunque también en
madera policromada.

Dentro de su obra podemos distinguir varias etapas:

- Fase inicial de adolescencia y madurez en Florencia, que abarca desde
1404-1443.
- Estancia en Padua 1443-1453.
- Regreso a Florencia donde desarrolla un arte expresivo y nervioso.

Entre sus principales obras están las siguientes:

SAN JORGE 1415-17. MÁRMOL 209 CM. FLORENCIA.

Fue una de sus primeras obras y fue un encargo del gremio de los armadores para
la iglesia gremial de Florencia, donde cada gremio contaba con una estatua de su
santo patrón. Es considera como la primera figura renacentistas.
En el San Jorge Donatello representa la plenitud viril. Los pies con firmeza sobre el
suelo, apoyado en su escudo donde figura la cruz de cristo, siendo el prototipo de
caballero ideal.
Representa la batalla del bien contra el mal, la virtud contra el pecado, la sabiduría
contra la barbarie.

San Jorge es una figura religiosa que es tratada como un caballero renacentista.
San Jorge fue un soldado romano que se convierte al cristianismo y al negarse a
perseguir a estos es torturado y ejecutado. La vestimenta romana y el pelo rizado
le dan un aire clásico a un santo cristiano y a la vez a los elementos romanos se les
da un carácter cristiano.
Bajo sus pies aparece un bajorrelieve en mármol que representa al santo montado
a caballo luchando con el dragón, símbolo del demonio. Utiliza aquí una técnica en
la que rebaja el volumen de los distintos planos, desde casi el bulto redondo del
primer plano a uno casi imperceptible en el último.

Tras la realización del San Jorge se asocia con el arquitecto Michelozzo y

comenzará la composición de la tumba y el templo, destacando de esta época las
siguientes obras:

SEPULCRO DEL CARDENAL RAINALDO BRANCACCI 1427-1428. MARMOL.

NÁPOLES.
Su construcción era muy simple. Se adosaba a la pared un arco de triunfo romano y
su interior se estructuraba desde abajo hacia arriba de la siguiente manera: parte
inferior 3 virtudes sosteniendo el sarcófago, una inscripción que hacía alusión al
difunto y un tondo con la imagen de la virgen. El el frente del sepulcro hay un
bajorrelieve de la asunción de la Virgen que realiza con la técnica del “Aplastado”.

PÚLPITO DEL CINTURON DE LA VIRGEN. 1428-38. MÁRMOL Y BRONCE.

En esta época los franciscanos y los dominicos realizaban la predicación desde

calles y plazas y se aconsejó la construcción de púlpitos al aire libre. Así, se
encarga a Donatello y Michelozzo el de la catedral de Prato que serviría para
exponer la principal reliquia del templo: el cinturón de la virgen. En esta obra
presentan dos novedades.
- La plataforma está colgada en la pared en vez de apoyarse sobre una
columna con base en el suelo y tiene forma circular.
 - El antepecho se decora con relieves de niños danzantes separados por
pilastras pareadas. El púlpito descansa sobre un grueso capitel de
bronce bien labrado.

En 1433 rompe la sociedad con Michelozzo y su siguiente apuesta plástica se

centra en el altar de piedra o bronce que iba a sustituir en el arte italiano al retablo
de madera policromada.

TABERNÁCULO DE LA ANUNCIACIÓN. 1435-40. PIEDRA CALIZA. IGLESIA DE

SANTA CROCE EN FLORENCIA.

Los dos protagonistas, la Virgen y el Ángel, están realizados en alto relieve y

representados en el momento de la aparición angelical. Como característica de
esta obra está el hecho de no mostrar ninguna alusión al jardín cerrado, símbolo de
la virginidad de la virgen, y tampoco aparece el lirio, símbolo de pureza, para
terminar, no se aprecia la disposición de una cama, cosa frecuente en las
representaciones de la Anunciación durante el Trecento y el Quattrocento. El
símbolo iconográfico de la paloma perteneciente al Espíritu Santo tampoco está
presente.

Antes de abandonar Florencia y comenzar su segunda etapa en Padua realiza la

obra de David del Palacio de los Medici, primer desnudo masculino desde la
antigüedad.

DAVID DE DONATELLO. BRONCE 1,58M MUSEO BARGELLO. FLORENCIA.

David se convierte en rey de los judíos al vencer sirviéndose de la habilidad y la

razón al gigante Goliat, enemigo de su patria. Moralmente es el símbolo del nuevo
héroe individual del Renacimiento, que con su virtud y razón es capaz de vencer a
un poderoso enemigo. Se recupera aquí la estatua clásica, desnuda, al servicio de
los ideales humanistas.

La figura representa la exaltación de la belleza ambigua del adolescente, un

hermoso joven desnudo con sobrero florentino y botas. A sus pies aparece la
cabeza de Goliat, al que parece haber vencido más por su postura que por su
fuerza o inteligencia.
SEGUNDA ETAPA.
ESTATUA ECUESTRE DEL GATTAMELATA.

En 1443 fue requerido en Padua para realizar la estatua ecuestre del condotiero
Gattamelata, jefe de los servicios venecianos que acababa de morir. En su
testamento puso que quería ser enterrado en Padua y el senado veneciano le cedió
la plaza del Santo para colocar una colosal imagen que le sirviera de sepultura. El
monumento fue construido en bronce entre 1445 y 1450, tomando como referencia
el modelo del retrato ecuestre de Marco Aurelio a caballo. Ambas esculturas
tendrán en común el material, bronce, la gran escala y el sentido de equilibrio y
dignidad.

Donatello proyecta una escultura de bulto redondo en bronce y con unas grandes
dimensiones, 340 x 390 cm, apoyada sobre un zócalo de base 7,80 x 4,10 metros.

Es un retrato y esta realizado para glorificar al personaje, resaltando las virtudes

del militar. Conduce al caballo sin violencia pero con autoridad, remarcada por la
posición del bastón de mando. Se trata de la primera estatua ecuestre de grandes
dimensiones fundida desde la antigüedad y de las primeras obras desvinculadas
de la arquitectura. Se observa igualmente la alegoría de un tirano, lleva al caballo,
que es el pueblo, con mano dura y rienda corta, y sobre la pata delantera del
caballo se encuentra una esfera que representa al mundo a sus pies. Es preferible
que el pueblo le tema antes de que sea amado.

ULTIMA ETAPA.

MAGADALENA PENITENTE. 1454-55. MADERA POLICROMADA 188CM MUSEO

DE LA OPERA DEL DUOMO. FLORENCIA.

Los últimos años de su vida los pasa en Florencia donde sufre una crisis religiosa
anti-humanista. Las obras que realiza en su última etapa se caracterizan por un
profundo dramatismo, presente en algunas obras, pero de grado inalcanzable en
esta época.

En 1453 vuelve a Florencia y recibe el encargo de hacer una Magdalena penitente,

que actualmente se encuentra en el Museo de la Opera del Duomo.

Realizada en madera policromada, el artista recrea a una mujer madura demacrada,

cubierta con una prenda totalmente ajada y un pelo largo que le cubre el cuerpo.
Es una escultura de pie, con las manos huesudas en acto de oración, con rostro
fatigado y dolorido, destacando sus pómulos por su extrema delgadez. Sus ojos son
profundos y a través de su boca entreabierta se observa una dentadura mellada.

PINTURA. FRA ANGÉLICO, MASACCIO, PIERO DELLA FRANCESCA Y

BOTICELLI.

Durante el renacimiento puede apreciarse en general un interés por la

representación volumétrica de las figuras, la comunión narrativa de las partes y la
representación realista de la naturaleza, las dimensiones y la profundidad.

Durante este periodo la pintura se independiza de la arquitectura y los artistas

empiezan a gozar de mayor libertad creativa. Las obras reflejan el amor por el
hombre y la naturaleza, inspirándose en la antigüedad clásica. El antropocentrismo
se convierte en el eje de la nueva mirada que estos artistas aportan.

Técnicas y soportes.

Pintura mural. Se mantiene la tradición del fresco pero va perdiendo importancia

poco a poco. Se conserva para la decoración de muros y bóvedas.
Pintura de caballete. Va ganando importancia, sobre tabla y en menor oportunidad
sobre tela. Las técnicas son el temple (1ª mitad del siglo XV) y el óleo, por
influencia de los primitivos flamencos (s2ª mitad siglo XV)

En cuanto a los temas, podemos destacar los siguientes:

Religiosos. Dejan de ser exclusivos pero siguen teniendo mucha importancia. Los
temas tradicionales se interpretan con el nuevo espíritu renacentista, se humanizan
o se proponen lecturas neoplatónicas. La Virgen con el Niño es uno de los más
frecuentes, aunque tratado con dulzura y delicadeza.
A veces se representan anacronismos en ambientes y vestidos, ya que los donantes
aparecen vestidos a la manera del siglo XV, pero en escenas que se desarrollan en
Palestina o en el próximo oriente.
Mitológicos. Con un sentido alegórico. Son temas específicamente humanistas. Se
da importancia al desnudo como expresión de la belleza física y espiritual. Se
mantienen los anacronismos en la vestimenta igual que en los temas religiosos.

Retratos. Adquieren gran importancia y se representan rasgos físicos y

psicológicos del personaje, aunque existe una tendencia a la idealización.
Las figuras se suelen representar de perfil o tres cuartos, vueltas al espectador.
Primero se representa solo el busto y más tarde será representado el cuerpo
entero. Las figuras se colocan sobre fondos monocromos y neutros , o con paisajes
que no guardan relación con los personajes.

Rasgos del estilo.

- Deseo de representación de la naturaleza. Se da tanta importancia al
tema como a la belleza de las formas y la armonía compositiva.
- Gran importancia al dibujo. Predomina la línea sobre el color, por lo que los
contornos aparecen muy definidos.
- Preocupación por la perspectiva. Primero se utiliza una perspectiva
central, de tipo lineal, con el punto de fuga excéntrico e incluso se intenta
despertar la ilusión de espacios fingidos. A finales del siglo XV la
perspectiva lineal es sustituida por la aérea.
- La luz. Influye en la composición, en la perspectiva y en el color. Mediante
la luz refuerzan el efecto de las líneas y los volúmenes. Aunque se conoce el
claroscuro se prefieren las luces cenitales y uniformes que aportan claridad
a la composición.
- La figura humana es el centro de la representación. Se producen estudios
anatómicos, se busca un canon ideal de la figura humana, se da importancia
al desnudo. Se les intenta dotar de volumen y relieve.
- El paisaje, que va ganando importancia, aunque lentamente. Todavía
aparece como un telón de fondo que no tiene nada que ver con las figuras.
Comienzan a preocuparse por una correcta proporción entre el tamaño de
las figuras y el paisaje.
- Composiciones complicadas. Con varias escenas en el mismo cuadro,
manteniendo el sentido narrativo de épocas anteriores. El tema principal
ocupa el centro del cuadro, que estará rodeado de elementos secundarios.

BEATO ANGÉLICO. 1400-55.

Monje dominico que se inicia como pintor en la tradición del gótico, con figuras
frágiles y amaneradas. En sus obras se aprecia una abundancia de dorados y
escaso interés por la representación espacial. Poco a poco fue introduciendo los
avances técnicos de sus contemporáneos más innovadores.

En sus obras utiliza colores rutilantes y fondos dorados, las imágenes se estilizan y
la luz invada por igual toda la composición. Solo el uso de la arquitectura y de la
perspectiva brunelleschiana permiten considerarle un artista del Cuattocento.
Todas estas características las observamos en el retablo de la Anunciación,
temple sobre tabla, que podemos observar en el museo del Prado. COMENTARIO.

En 1438 recibe el encargo de pintar la sala capitular, el claustro y las celdas del
convento dominico de San Marcos, en Florencia. En esta obra vuelve a dar muestra
de su arte minucioso y detallista a la manera gótica. Destaca aquí la obra de “La
Coronación de la Virgen”, fresco sobre muro.

MASACCIO. 1401-28.

Se afinca muy joven en Florencia. A pesar de su corta vida su obra es muy

abundante y de gran calidad. Fue el iniciador del renacimiento en la pintura,
aunque con retraso respecto a la arquitectura y la escultura.
Los frescos de la Capilla Brancacci, en la iglesia florentina del Carmine son su obra
maestra.

Entre estos frescos se encuentra “EL TRIBUTO DE LA MONEDA 1425” FRESCO

SOBRE MURO, CAPILLA BRANCACCI. IGLESIA DEL CARMINE.FLORENCIA.
Pertenece a un ciclo de frescos sobre la vida de San Pedro. En el conjunto
participan varios pintores, pero el pasaje del tributo de la moneda es de Masaccio.
Esta obra es un ejemplo de narración continua, ilustrando en la misma tres
episodios distintos.

Masaccio fue el primero en conseguir una correcta representación del espacio,

según las leyes de la perspectiva lineal. El punto de fuga en esta composición está
en la cabeza de Cristo, por lo que las líneas de fuga contribuyen a destacar su
importancia al apuntar hacia él. COMENTARIO EXAMEN.

Junto a estos logros, Masaccio manifiesta también el conocimiento de la

perspectiva de Brunelleschi, lo cual pone de manifiesto en otra de sus grandes
obras. LA TRINIDAD. 1426-28 FRESCO SOBRE MURO. SANTA MARIA
NOVELLA. FLORENCIA.

En esta pintura al fresco, realizada poco antes de morir, Masaccio aplica la

perspectiva lineal con un punto de fuga central. Las figuras se componen en un
esquema compositivo piramidal. COMENTARIO.

PIERO DE LA FRANCESCA 1420-92.

Utiliza la luz y el color en la construcción del volumen. Se educa en Florencia. Su

preocupación fue la unión de las dos iglesias de oriente y occidente, acuerdo
anunciado en el Concilio de Ferrara. Sus ideas las plasma el pintor en la capilla
familiar de los Bacci, situada en el presbiterio de la basílica de San Francisco, de
Arezzo, que decora con la Historia de la Vera-cruz.

La serie consta de 10 episodios que comienzan en el momento en que los hijos de

Adán, al dar sepultura a su padre, colocan bajo su lengua la simiente del árbol, de
cuya madera se haría la cruz de Jesús.

En esta obra aparecen varias características de su obra.

- Modelar al hombre, a los objetos y al paisaje mediante la fusión de luz y
color.
- Reducir la naturaleza a figuras geométricas.
- Usar la perspectiva con rigor matemático.

Además de pintor sacro, fue retratista de la corte de los príncipes tiranos del
Quattrocento. La corte de Urbino sería su patria adoptiva. Aquí entra en contacto
con los pintores flamencos, cuya técnica de las veladuras al óleo copiará en su obra
“VIRGEN DE SENIGALLIA”.

Poco después quedará ciego. Piero dela Francesca agonizaba coincidiendo con la
hora en la que Rodrigo de Triana despertaba a los tripulantes de las carabelas
colombinas al grito de ¡Tierra¡

Otra obra de relevancia de este pintor es LA MADONNA DE URBINO 1472.

PINTURA AL ÓLEO SOBRE TABLA. Esta técnica esta influencia por los pintores
flamencos , que extienden la misma por Italia. En ella se aprecia la precisión de los
detalles.
SANDRO BOTTICELLI. 1447-1510.

Se formó en un taller de orfebrería y en 1470 trabaja en Florencia como artista

independiente. Más tarde se convierte en el pintor favorito del círculo neoplatónico
de los Medici.
En el último cuarto de siglo los pintores prestaron más atención a la renovación
temática. La obra de carácter religioso sigue siendo abundante pero comienzan a
proliferar los temas profanos o mitológicos.

Botticelii es uno de los pintores más representativos de esta generación, la

cual se despreocupa de la perspectiva y las proporciones humanas. Sus figuras
son estilizadas y curvilíneas y acusa un marcado gusto por lo decorativo y la
delicadeza visual.

Realiza obras de temas religiosos, pero destacó en la renovación temática, con

cuadros mitológicos que recuperaban de forma explícita la Antigüedad. Estos
cuadros tendrán una segunda lectura a la luz de la filosofía neoplatónica.

La ACADEMIA NEOPLATÓNICA, fundada en Florencia, reunía a intelectuales y

artistas que querían conciliar el cristianismo con la filosofía antigua. Botticelli pintó
dos cuadros mitológicos con Venus como figura principal: LA PRIMAVERA Y EL
NACIMIENTO DE VENUS. Su interpretación está ligada a la teoría neoplatónica
del amor.

El Amor surge ante la percepción de la Belleza y es el deseo de gozar de ella. Pero

hay dos tipos de belleza, simbolizados por dos Venus distintas:
- La belleza inmaterial asociada a Dios, a la que se puede acceder por la
inteligencia, pero no por los sentidos. Si símbolo es la Venus Celeste.
- La belleza del mundo visible, de la naturaleza, cuyo símbolo es la Venus
Vulgar.

Estos modelos femeninos se repiten en otras obras como en PALAS DOMANDO

AL CENTAURO.

A partir de 1492 las siluetas flotantes, los vestidos de gasas y los tocados
complicados desaparecen. Su estilo se muestra nervioso y dramático con la
muerte de Lorenzo y la predicación de Savonarola. El dominico se enfrenta a los
neoplatónicos, a los que le reprocha comparar a Jesús con un filósofo. Mas tarde
dirige sus predicas contra los coleccionistas de cuadros mitológicos y contra los
pintores y censura a los artistas por escandalizar al pueblo.

En 1497 monta una hoguera piramidal de siete pisos, por los siete pecados
capitales, en la que se queman los cuadros “impúdicos”. Botticelli se convirtió en
un ferviente seguidor del fraile, desterrando el espíritu profano de sus cuadros. Sus
últimas obras se empapan de un alto contenido religioso que enlaza con la
espiritualidad del gótico.