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    Analisis Trinidad

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    ANALISIS DE OBRA PINTURA

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    ANALISIS DE OBRA PINTURA

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    Analisis trinidad

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    Alumno/a: Ballesteros Romina Curso: 2º Artes Visuales Año: 2022

    Historia del Arte


    Análisis de Obra: Pintura

    PRELIMINARES

    Nombre de la Obra: Trinidad


    Fecha de Ejecución: 1401-1428
    Medidas: 680 cm × 475 cm
    Soporte:
    Técnica: Fresco
    Ubicación: Santa María Novella, Florencia (Italia)
    ESTRUCTURA

    Composición: La composición es piramidal y la técnica de las túnicas muestra serenidad. Es curiosa la postura
    de la Virgen, al lado de su hijo. En lugar de estar arrodillada y desconsolada por la pérdida como es habitual
    representarla, mira hacia el espectador, y su mano nos señala a Cristo. Es una manera silenciosa pero cargada
    de expresividad para decirnos: «Contemplad el sacrificio de mi hijo por todos vosotros».
    Masaccio pinto al espíritu santo en forma de paloma, que pasa desapercibida en la zona del cuello de Dios.
    En el inferior de la obra encontramos el aspecto más interesante: un esqueleto y una inscripción en italiano: Io
    fu’ già quel che voi sete, e quel ch’i son voi anco serete, es decir: Yo fui lo que sois vosotros, y vosotros seréis
    lo que yo soy.
    Pero este esqueleto no es de un cadáver cualquiera, simbólicamente se trata de Adán, el primer mortal jamás
    creado, nuestro antepasado. No es más que una historia circular: Dios envía a su hijo a la tierra para expiar el
    pecado original cometido por Adán y Eva.

    Es la primera vez que aplica la perspectiva lineal en una obra, teniendo en cuenta dónde se situaría el ojo del
    espectador.

    En esta importante iglesia florentina se entraba siempre (y eso se mantiene en la actualidad) por una puerta
    lateral, no por la central, reservada para ocasiones especiales. Nada más entrar por dicha puerta, la obra de
    Masaccio es lo primero que tenemos a nuestro alcance visual.

    En cuanto al color tenemos un contraste entre el matiz rojo y el azul, son los dos que se destacan, presentes en
    las túnicas y en partes de la arquitectura.

    Significado de las Formas: La pintura representa el dogma de la Trinidad, en el marco de una capilla inspirada
    en los arcos de triunfo romanos, con una bóveda de medio cañón dividida en casetones y sostenida por
    columnas jónicas, flanqueadas a su vez por pilastras que sostienen un entablamento.
    La Trinidad destaca por su inspiración, tomada de los antiguos arcos triunfales romanos y la estricta adhesión
    a los recientes descubrimientos en materia de perspectiva , con un punto de fuga al nivel del espectador, de
    manera que parece que se perfora el muro. Con este fresco, Masaccio alcanza la perfección absoluta de la
    perspectiva. El fresco tuvo un efecto transformador sobre generaciones de pintores florentinos y artistas
    visitantes. El observador se identifica directamente con el mundo pictórico gracias al tamaño natural de las
    figuras y la coincidencia del punto de vista en el espacio real y en el cuadro.

    La única figura que no tiene una ocupación del espacio plenamente lograda en tres dimensiones es el Dios
    majestuoso que soporta la Cruz, considerado un ser inconmensurable. Las figuras de los dos donantes,
    habiéndose indicado como posibilidades miembros de la familia Lenzi o, más recientemente, Berto di
    Bartolomeo del Bandeario y su esposa Sandra. Estos donantes representan otra importante novedad,
    ocupando el espacio propio del espectador, en frente del plano de la pintura, que está representado por las
    columnas jónicas y las pilastras de las que la falsa bóveda parece surgir. Su postura es la tradicional para los
    donantes: rezando, pero a tamaño natural y es digna de mención la atención puesta en el realismo y el
    volumen.

    Bibliografía consultada:

    https://historia-arte.com/obras/la-sagrada-trinidad

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