RENACIMIENTO EN ITALIA

CONTEXTO HISTÓRICO
El Renacimiento italiano se desarrolló entre los siglos XV o Quattrocento, y XVI o Cinquecento
Los grandes mecenas encargaban las obras y mantenían a los artistas.
Los artistas adquirieron una nueva dignidad y se les consideraba más intelectuales que meros artífices. A
finales del siglo XV apareció el concepto de artista como genio, pues reivindicaban que detrás de una
obra hay una gran actividad intelectual. Además, reivindicarán a su vez su propia individualidad como
artistas.
Quattrocento (XV)
El centro cultural estaba en Florencia.
Los Medici eran los principales mecenas, eran una familia burguesa que ascendió y acaparó el
gobierno de la ciudad durante todo el siglo.
Cinquecento (XVI)
- Alto Renacimiento: (primer tercio)
Se traslada el foco cultural a Roma.
Los papas pasan a ser los principales mecenas; el arte queda sometido en gran parte a la
religión
- Manierismo:
Tras el saqueo de Roma, en 1527.
Época de decadencia del Renacimiento
Las obras se trabajan a la manera de los grandes artistas del Alto Renacimiento

IDEAS GENERALES
- Época influenciada por el Humanismo (movimiento cultural en el que se produce una
afirmación de los valores del mundo, del ser humano y sus necesidades)
- Renovado interés por el arte greco-romano
- Separación de lo cívico y lo religioso: antropocentrismo reemplaza el teocentrismo medieval
- Mentalidad apasionada por las ciencias y las artes: Estudio científico aplicado al arte,
desarrollarán una perspectiva geométrica (utiliza las matemáticas)
- Arquitectura: se aplican todos los elementos clásicos; la proporcionalidad, simetría, líneas
rectas, columnas y el uso de la cúpula
- Escultura: monumentos que recrean seres mitológicos, héroes y jinetes, con una perfección
formal y gran proporcionalidad en sus rasgos
- Pintura: retrato, representación naturalista de los cuerpos y el espacio

CARACTERÍSTICAS GENERALES
- Imitación de la arquitectura y escultura de la antigua Grecia y Roma
- Realización de la belleza ideal, ajustada a cánones dictados por la razón
- Búsqueda de la serenidad y el equilibrio, que proceden de la armonía
- Creación de obras cuya claridad y perfección le dan una validez permanente
- Personajes de la mitología, historia o religión, ficticios o reales
- Un arte narrativo
- Realista, figuras reproducidas con un mayor cuidado
- Búsqueda de la perfección
- El cuadro se presenta con una perspectiva geométrica, que crea una gran profundidad
- Interés por el cuerpo humano y el desnudo. La anatomía se estudia y se copia cuidadosamente
- Gran influencia del neoplatonismo: Corriente filosófica que se da en la academia platónica de
Florencia (“El amor es la fuerza que mueve el universo y de la que surge la belleza. La belleza
inmaterial asociada con Dios, y la belleza material asociada con el mundo sensible”)
 ARQUITECTURA

QUATTROCENTO
Se construyen varios tipos de edificios:
- Palacios: Viviendas de la nobleza, es el exponente de la situación económica y social del
propietario. Evolucionan con el tiempo. Son edificios macizos de 3 pisos con un patio interior y
en el exterior presentan almohadillado = aparejo en el que los sillares tienen las juntas
rehundidas, en ocasiones los sillares están trabajados de diferentes maneras: forma prismática
(almohadillado en punta de diamante, con relieve hacia afuera), de forma tosca (aparejo
rústico)
- Villas: Pequeñas viviendas de los nobles en el campo, se construirán principalmente en el siglo
XVI. Tienen planta de cruz latina con esquema basilical, a veces plantas centralizadas, y en
ocasiones estas dos se funden. Espacios amplios, diáfanos, unitarios e iluminados por una luz
blanca
- Templos

Los arquitectos buscaron en los edificios antiguos la inspiración para realizar sus creaciones, ampliando
con más o menos libertad el uso de los órdenes y los elementos decorativos y constructivos de la
arquitectura clásica
Elementos constructivos:
- Arcos de medio punto básicos
- Columnas que respetan los órdenes clásicos, pero principalmente se usará el corintio. Son finas
y con éntasis, prescinden de los pilares.
- El muro tiene función sustentante
- Cúpulas semiesféricas, y bóvedas de cañón y arista; ambos elementos decorados con casetones
- Uso de molduras, ménsulas, arquitrabes y entablamentos
Elementos decorativos:
- Grutescos: figuras que se entremezclan con animales, vegetales y figuras humanas
- Candecieri: como candelabros muy alargados
- Guirnaldas
- Putti: niños o ángeles
- De origen mitológico o fantástico
- Medallones

Se utilizará la perspectiva para que el edificio se vea perfecto desde cualquier ángulo
El Ideal de belleza clásica: armonía, orden y proporción, da lugar a que cada parte debía estar ordenada
y relacionada con las demás mediante una proporción matemática. Los edificios se planifican con
calculada y matemática perfección, realizándose plantas circular y longitudinal

FILIPPO BRUNELLESCHI (1377-1446)

Pintor, escultor y arquitecto. Fundador de la arquitectura renacentista, fue uno de los primeros en
valorar la perspectiva, que pronto se aplicó a todas las artes. En los proyectos que concibió de nueva
planta, aplicó principios matemáticos para crear espacios proporcionados. Tomaba una unidad de
medida (el espacio entre las columnas) como módulo para establecer las demás dimensiones, que son
múltiplos o fracciones de esa misma unidad, tanto en planta como en el alzado del edificio. De esta
forma la perspectiva del edificio se acomodaba las leyes de la visión y entendimiento humanos.
Se inspiró en la arquitectura clásica y en otros edificios que en su tiempo se creían romanos para recrear
el estilo clásico. También utilizaba molduras sencillas, materiales de colores sobrios, como la piedra de
color gris.
 Cúpula de Santa María de las Flores (Florencia)
(La iglesia es gótica, cúpula renacentista)
Es una doble cúpula: la interior más semiesférica, la exterior apuntada. Entre ambas hay un
armazón formado por tirantes y nervios, de esta forma la cúpula sería más ligera, y permitirá
construir la cúpula sin cimbras
Materiales variados (mármoles, hormigón, ladrillo, piedra)
 En el hueco central de la cúpula se levanta una linterna, una torrecilla que permite la entrada
de luz mediante ventanas y deja cubierta la cúpula.
Servirá de inspiración para cúpulas posteriores.
 Basílica de San Lorenzo (Florencia 1419)
Planta basilical con 3 naves, la central más ancha.
Capillas a los laterales, y como remate un crucero y un ábside. Separando las naves hay
columnas corintias con basa y plinto, arcos de medio punto. Entre arco y columna hay un
entablamento sobre el capitel con arquitrabe (con platabandas), friso (decoración grutesca) y
cornisa.
Sobre los arcos hay unas molduras a base de entablamento, sobre estas se eleva un claristorio,
y a su vez un techo plano decorado con casetones.
En las naves laterales se encuentran capillas abiertas a base de arcos de medio punto y
ventanas en forma de óculo. Bóvedas de baída (formadas por un hemisferio cortado
verticalmente por 2 pares de plano paralelos entre sí y perpendiculares a los otros dos. Cubre
un espacio cuadrado)
La separación entre columnas y su grosor crea un espacio diáfano. El suelo tiene decoración
geométrica, y el resto de decoración es a base de colores grises y blancos para afianzar la
arquitectura medida y geométrica.
 Capilla Pazzi (Florencia)
Utiliza la proporción áurea: medida que se observa en la naturaleza que se utiliza en el arte
para dar armonía al conjunto. Consiste en una secuencia de números en la que la suma de 2
números da el siguiente, su representación gráfica da lugar a una espiral. Será aplicada por
muchos artistas
 Hospital de los inocentes (Florencia)
Uno de los primeros orfanatos. Decoración en forma de tondo: decoración en círculos

LEO BATTISTA ALBERTI (1404-1472)

Se interesó por todas las artes. Escribió un tratado de arquitectura en el que estableció principios
básicos basados en la proporción de dimensiones y volúmenes, y la recuperación de los órdenes
clásicos.
 Fachada Santa María Novella (Florencia)
(El interior es gótico)
Muy geométrica: combina formas geométricas como el triángulo, rectángulo y círculo.
La organización de la fachada recuerda a las basílicas paleocristianas: une el superior con el
inferior mediante unos aletones (elementos en forma de volutas o de corte triangular que unen
dos cuerpos de distinto tamaño, uno superior y otro inferior de mayor tamaño)
Fachada dividida en dos partes: el cuerpo superior de menores dimensiones rematado por un
frontón, y el inferior más grande y rectangular.
La fachada está equilibrada y proporcionada: Columnas adosasadas, arcos de medio punto con
mármoles de colores, círculo presente en el óculo, triángulo en el uso del frontón y aletones.
Utiliza entablamentos
Alternancia de colores blanco y gris. Mayor decoración que otras construcciones.
Utiliza la perspectiva áurea. El conjunto está enmarcado en un cuadrado perfecto, todas las
partes están proporcionadas entre sí.
 Palacio Rucellai (Florencia 1451)
Almohadillado plano, con las uniones entre sillares hundidas. 2 puertas de entrada sin
decoración, con cornisas y molduras sencillas.
Estructura: Pisos separados por entablamentos. Remate del edificio por una cornisa apoyada
sobre ménsulas. Verticalmente está organizado mediante pilastras adosadas con función
decorativa. Entre las pilastras hay ventanas que se corresponden con los 3 pisos, en el bajo son
cuadradas, y en los superiores son ventanas bíforas (geminadas, separadas por una columnilla).
Las pilastras tienen distintos órdenes en los diferentes pisos.
Decoración: En la parte baja hay un zócalo con decoración opus reticulatum. Hay un banco que
recorre todo el zócalo. El almohadillado sigue un esquema organizado. Entablamentos con
frisos decorados en bajo relieve relacionado con la familia que manda construir el palacio.
En el interior del edificio hay un patio porticado.
  Iglesia de San Andrés (Mantua 1470):
Fachada inspirada en el arco del triunfo.
Pilastras de orden gigante: cuya altura cubre más de dos pisos

MICHELOZZO
Discípulo de Brunelleschi
 Palacio Medici-Rcicardi (Florencia)
Juego del almohadillado: Rústico en la planta baja; más sencillo en la intermedia, sin relieve, en
la superior no hay.
Prima la horizontalidad marcada por las cornisas voladas que dividen los tres pisos, rematados
por un alero sustentado sobre ménsulas.
2 pisos superiores con ventanas que se corresponden verticalmente.
El piso bajo tiene puertas y ventanas en distintos puntos que no se corresponden, que están
enmarcadas por arcos de medio punto con frontón
Elementos decorativos: relieves en enjutas de ventanas (entre ventanas). Escudos en las
esquinas del edificio
El interior cuenta con un patio porticado y una decoración con relieves.

CINQUECENTO
Culmina la evolución iniciada por Brunelleschi y Alberti. El foco cultural se traslada a Roma, donde los
arquitectos estudian y analizan los edificios de la antigüedad y se llevan a cabo excavaciones para
conocerlos y estudiarlos perfectamente.
Los edificios son monumentales a escala de la antigua Roma, se conciben para formar parte del espacio
urbano, dan una gran importancia al urbanismo.
Renovación de diseños de palacios e iglesias, estas últimas como muestra del símbolo del poder del
Papa y la Iglesia que se convertirán en los principales mecenas, y además van a emular a la
magnificencia del Imperio Romano.
Los diseños de fachadas van a incluir entablamentos y frontones que van a enmarcar los vanos y
articular (organizar) la superficie.
Los elementos clásicos se siguen utilizando, pero de una forma innovadora: El almohadillado se
reservará para las entradas, esquinas o zócalos; se utilizan los lunetos (frontoncillos curvos); se utilizarán
los órdenes para conseguir efectos plásticos y decorativos.
Los ideales clásicos se van a utilizar para conciliarlos con la Iglesia Católica.
Los edificios se conciben para ser mirados

Alto Renacimiento

DONATO BRAMANTE (1444-1514)

Aprendió de Brunelleschi y Alberti el arte de la creación de espacios armoniosos y proporcionados, y
añadió al estilo de aquéllos un interés nuevo por la perspectiva que le llevó a crear singulares efectos de
profundidad y espacio en sus obras.

 San Pietro in Monterio (Roma 1502)

Encargado por los Reyes Católicos. Material: mármol y granito
Monóptero circular, se asemeja a los tholos. Es un templete de reducidas dimensiones dentro
de un patio. Se eleva sobre una escalinata y un pequeño zócalo. Es de orden toscano con basa.
2 cuerpos, la cella y el piso superior son del mismo tamaño. El pórtico se eleva en altura y en el
piso superior forma un pequeño balcón que rodea también al edificio.
En el muro de la cella se abren ventanas y una puerta. Entre las ventanas se encuentran
pilastras y hornacinas. Sobre las columnas hay un entablamento decorado con bajo relieve y
triglifos y metopas. Sobre el entablamento rodeando al edificio hay una balaustrada (formada
por balaustres).
El cuerpo superior está articulado verticalmente por pilastras y entre ellas hornacinas
alternadas: semicirculares decoradas por venera (forma de concha) y rectangulares. Hay un
entablamento y decorando, en el centro, un escudo.
 El edificio se cubre por una cúpula de media naranja enervada. El remate tiene decoración y
sobre él se eleva una bola y una cruz.
 Patio del Belvedere (El Vaticano)
 Hace también un proyecto de planta para San Pedro del Vaticano en 1506. De planta
centralizada de cruz griega inscrita en un cuadrado, con cúpula circular en el centro, y otras
cuatro de menor tamaño en los diagonales. Cada brazo de la cruz remata en forma de ábside
semicircular en el interior. La cúpula central apoya sobre grandes pilares.

MIGUEL ÁNGEL (1475‐1564)

Arquitecto, escultor y pintor, realizó una interpretación muy personal y creativa del lenguaje clásico, con
la intención de conseguir en la arquitectura efectos plásticos y expresivos, muy semejantes a los de la
escultura. Es creador de grandes efectos espaciales y el precursor del Manierismo.
 Vestíbulo de la Biblioteca Laurenciana (Florencia)
La escalera se encuentra en el vestíbulo de planta cuadrada, y se abre en tres cuerpos
ascendentes en forma de abanico, con los peldaños curvos en el tramo central y rectos en los
laterales. Sobre la columnata se abre la puerta de acceso coronada por un frontón partido,
flanqueada por dos grandes vanos ciegos con frontón semicircular, y columnas firmemente
fijadas en las paredes.
En un escaso espacio logra dar la impresión de gigantesca majestad y muestra ser un maestro
en el manejo de las masas, los espacios y la luz.
 Plaza del Capitolio, Palacio de los Conservadores (Roma 1539)
 Palacio Farnesio (Roma 1515, Antonio de Sangallo y Miguel Ángel)
 Panta de San Pedro del Vaticano (1546)
Partió de la planta original de Bramante. Planta de cruz griega superpuesta en una forma
romboidal. Gran cúpula central que apoya sobre grandes un tambor cilíndrico y pilares que
están cortados en diagonal, lo que hace que se amplíe el espacio para la cúpula. También
incluye cúpulas menores.
 Cúpula de San Pedro
Se inspira en la de Brunelleschi.
Doble cúpula: media naranja en el interior, apuntada en el exterior; rematada con linterna y
nervios exteriores.
El tambor es circular, las ventanas rectangulares decoradas con frontones. Entre las ventanas
hay columnas pareadas que se corresponden con los nervios de la cúpula y las columnas de la
linterna. Sobre las ventanas hay un friso decorado con guirnalda.

Manierismo
El término se utilizará por primera vez en el siglo XVIII por los historiadores para referirse a un grupo de
artistas que trabajaron en la 2ª mitas del siglo XVI.
Durante mucho tiempo los artistas de este período fueron criticados pues se consideraba que se habían
apartado de la imitación de la naturaleza. Estos artistas afirmaban que trabajaban “alla maniera” de
M.Ángel, y por eso en este sentido no se imitará la naturaleza del mismo modo.
Las obras iban destinadas a una clientela refinada y culta.
Principales aspectos:
- Utilizan un lenguaje clásico con absoluta libertad, empleando elementos tradicionales pero sin
respetar las reglas que los rigen y su distribución original. Por ejemplo: ménsulas como
elementos decorativos, o entablamentos quebrados.
- Emplean elementos arquitectónicos que no siempre cumplen su función estructural. Se crea un
enfrentamiento entre función y sombra.
- Búsqueda de originalidad, sorpresa y movimiento en las fachadas
- El arquitecto se va separando de los ideales de belleza clásicos basados en el orden, proprción y
medida
- Crean espacios compartimentados y agobiantes

VIGNOLA (1507-1573)
  El Gesú (interior y planta) (Roma)
La sede de los Jesuitas en Roma, orden ligada a la contrarreforma.
Se construye un tipo de iglesia que acerca a los fieles al Sacramento. Se convertirá en un
modelo para plantas posteriores.
3 naves, las laterales compartimentadas y formadas por capillas que dan paso interno entre las
capillas.
Ábside muy amplio, presbiterio elevado. Nave de transepto muy ancha, la cabecera se amplía
para que llegue de manera más fácil el rito de la misa. Sobre el crucero se levanta una cúpula. El
tejado a dos aguas en la nave central y a una vertiente en las laterales. Bóvedas de lunetos
(Bóvedas de cañón atravesadas perpendicularmente por otras menores. Generan espacios
triangulares en forma de curva. La mayoría de los lunetos suelen alojar pinturas)

GIACOMO DELLA PORTA

 Fachada de El Gesú
2 cuerpos separados por entablamentos y unidos por aletones en forma de volutas.
Cuerpo inferior: 3 puertas; articulado por columnas adosadas a la puerta principal por pilastras
adosadas que se elevan por un podio, y alineadas por las del cuerpo superior. De orden
corintio.
Hay frontones semicirculares y triangulares.
Decoración en escudos, hornacinas y molduras (como líneas de imposta)
Entablamento quebrado (entra y sale) que separa los dos pisos, el arquitrabe, friso y cornisa
van produciendo entrantes y salientes en la fachada.
Estos elementos generan efectos plásticos que crean contrastaste de luces y sombras.

PALLADIO (1508-1580)
Va a crear el tramo palladiano con la Basílica de Vicenza (1549), cuya fachada está estructurada
siguiendo un módulo que lo repite a lo largo de la fachada dotándola de ritmo. Combina el orden
gigante con el normal, utiliza el hueco y el muro creando luces y sombras. Combina rectas y curvas
creando tensiones entre diferentes elementos clásicos
 Villa Capra o La Rotonda
Planta centralizada que combina el cuadrado y el círculo.
Alrededor del espacio central se distribuyen las habitaciones. En cada lado exterior se ñevantan
pórticos (en total 4), que desde el espacio central se conectan mediante pasillos, de tal forma
que dejaría ver el exterior desde el interior (intenta conectar el exterior con el interior de la
casa).
Hay una cúpula de media naranja central.
Los pórticos se elevan sobre una escalinata amplia.
Es de orden jónico
Las ventanas combinan diferentes tamaños.
Esta obra y tipo de viviendas influirá en las construcciones del siglo XIX.

ESCULTURA
QUATTROCCENTO
- Se hará una escultura por placer estético. Se valorará la perfección de las formas al igual que
en la Antigua Grecia.
- El artista se considera un creador, no un mero artesano; imponen un estilo personal a las obras
y temas.
Aún así, los escultores se forman en la tradición gótica, por lo que no hay una ruptura total del
período anterior, pero sí aspirarán a crear imágenes fuera del marco arquitectónico, naturales,
elegantes y con volumen.
A esta tradición gótica se añadirá el estudio de la antigüedad, el espíritu inventivo y la cultura
humanista.
- El protagonista será el hombre y la naturaleza. La figura humana debía ajustarse a un correcto
sistema de proporciones, por ello se lleva a cabo un estudio científico de la anatomía, a través
de la disección de cadáveres.
- Cobrará gran importancia el desnudo, pero se darán también temas profanos, mitológicos y
alegorías. En algunos casos también persisten esencias góticas.
- Los materiales utilizados serán mármol o piedra y bronce (se recupera la técnica de la cera
perdida)
Las esculturas no son policromadas porque se inspiran en las esculturas antiguas, las cuales
habían perdido el color.
- Géneros: puertas monumentales de bronce, altares, tumbas (con imágenes yacentes) y
sepulcros (enmarcados con estructuras arquitectónicas). Se harán también fuentes públicas,
púlpitos y estatuas urbanísticas (imagen que se alza en un espacio público exenta y que forma
parte del diseño urbano) de héroes contemporáneos, personajes de la antigüedad y personajes
de la historia sagrada. También se harán figuras mitológicas, muchas de ellas destinadas para
los jardines privados (los cortile).
- Cobra gran importancia el realismo. Para ello se hacen retratos: Bustos, retratos funerarios o
ecuestres (toman el ejemplo de la de Marco Aurelio). También aparecerán los retratos en
medallones
- Se aplica también la perspectiva, las imágenes se someten a las leyes de la visión humana
- Se imponen composiciones claras y cerradas que se perciban de forma unitaria y de un solo
golpe de vista
- En los relieves se van a utilizar también los fondos y la gradación de relieve. tienen un sentido
narrativo lo que se denomina relieve pictórico.
- Renace el sentido de la proporcionalidad, se utilizará el canon de 9 o 10 cabezas

LORENZO GHIBERTI (1378-1455)

En el año 1401 se convocó un concurso para designar el artista que realizaría la decoración en bronce de
las segundas puertas del baptisterio de Florencia con un tema obligado: el sacrificio de Isaac. Lorenzo
consiguió la victoria y el encargo con una obra innovadora y fiel a los modelos clásicos, a pesar del
formato lobulado del relieve, obligado por las bases del concurso.
 Puertas del Paraíso: 3ª puerta del Baptisterio de Florencia (1425-1450)
Utiliza la técnica del schiaciatto: tipo de relieve muy bajo pero que permite definir distintos
grados de profundidad a través de la gradación de relieve o superposición de personajes

DONATELLO (1386-1446)
Tuvo un concepto elevado de su oficio y dio una gran importancia a la formación técnica y a la
experimentación, con la que contribuyó a la técnica del schiaciatto.
Su estilo se centra en el hombre captando sus valores humanos. Representa con realismo, a la vez que
serenidad y equilibrio y reflejo del movimiento. Gran fuerza expresiva. Realiza figuras de bulto redondo
y relieves. Representa a lo largo de su obra diferentes estados de ánimos reflejados en sus personajes.
 San Jorge
Muestra los valores del ideal caballeresco cristiano.
 Magdalena Pernitente
Tallada en madera. Con esta obra demuestra que no le importa representar lo grotesco y la
vejez

 Condottiero Gattamelata (Padua 1453)

 Caudillo de armas. Inspirada en la de Marco Aurelio.
Trata de establecer un equilibrio entre las proporciones. Movimiento reposado del caballo, en
su pata nos transmite equilibrio. El personaje aparece con dignidad.
Composición cerrada. Gran naturalismo reflejado en el caballo y realismo en el retrato del
personaje, con rostro sereno.
 David
Refleja el triunfo de la inteligencia más que la fuerza. Bronce, de inspiración clásica.
En contrapposto, lo que muestra la escasa rigidez de la figura. El movimiento es mínimo pero
los hombros y la cabeza están mirando a diferentes lados.
Líneas de composición curvas y oblicuas, diagonal en la espada, que al estar hacia dentro cierra
la composición.
Tiende a un idealismo y perfección.
Contraste de superficies: cuerpo liso y pulimentado, cabeza degollada rugosa.

ANDREA VERROCHIO
 Condotiero Colleone
Mayor tensión y caballo más naturalista. Hombre más triunfante que el de Donatello.
 David
La espada abre la composición, a diferencia que el David de Donatello.

CINQUECENTO
MIGUEL ÁNGEL
(empieza a trabajar en Florencia) La escultura es la disciplina en la que más destaca.
Se rige por la influencia neoplatónica.
En sus obras se aprecian sentimientos diversos que muestran los estados de ánimo del autor en distintas
etapas de su vida. El sentimiento más importante que muestra es el de la terribilitá: Muestra el genio
interior del personaje y mucho dramatismo.
Estudia los problemas del movimiento y la composición, muestra preocupación por tomar posesión del
espacio.
Exalta la fuerza física y la fuerza espiritual.
Esculpe bloques inmensos bloques de mármol sin necesidad de dividirlos, tenía una gran capacidad para
visualizar las figuras en el bloque.
 La Piedad (1498)
La hace muy joven y cuando la termina no se creen que él sea el autor, a lo que Miguel Ángel
esculpió su firma en una de las telas de la Virgen.
Gran calidad táctil, al observarlo se podían distinguir los diferentes tipos de tejidos.
La vestimenta de la Virgen contrasta con el cuerpo denudo de Cristo.
Hay una composición piramidal pero las figuras tienen composiciones cerradas.
Las figuras no son rígidas, sino que crea curvas en los cuerpos.
El tratamiento de los pliegues genera efectos de luces y sombras.
La Virgen está demasiado idealizada pues la representa uy joven. En el cuerpo de Jesús, los
músculos y tendones están perfectamente esculpidos.
Gran naturalismo en las figuras.
La composición está cargada de tristeza, pero no es desgarradora sino de aceptación.
 David (1501-1504)
Representa el momento previo al lanzamiento, está calculando cómo hacerlo, la inteligencia
prima a la fuerza.
Anatomía muy naturalista, postura en contrapposto. Está en tensión, mantiene la mirada fija n
un punto, el ceño fruncido y las venas de las manos tensas.
Tenía una función religiosa, cívica y decorativa.
La mano esté en escorzo. Contrastan las superficies como el tratamiento del pelo con el del
cuerpo.
El brazo y la manos tienen un tamaño desproporcionado pues son más grandes, lo que refleja la
fuerza.
En cuanto a la composición, el giro de la mirada la abre, pero la mano de la piedra la cierra.
 Moisés: se encuentra en la iglesia de San Pietro Vincoli. Es una escultura de bulto redondo,
aparece sedente con las tablas de la ley bajo un brazo, el momento que está representado es
 cuando baja el monte Sinaí resplandeciente (los cuernos de la cabeza simulan la luz que
desprendía), Y se encuentra el pueblo adorando a un becerro de oro, por eso la figura tiene un
rostro expresivo, muestra sentimiento de enfado contenido es decir muéstrala terribilitá,
además del rostro que tiene una mirada intensa con el ceño fruncido, la tensión también se
observa en la anatomía con músculos en tensión, se le notan las venas de las manos. En cuanto
a su anatomía la cabeza y el cuerpo no corresponden a personas de la misma edad, le interesa
los músculos. Es una figura proporcionada y naturalista, pero hay elementos
desproporcionados como las manos y los pies. La luz incide de forma diferente en la barba y en
los ropajes ya que estos tienen mayor profundidad por lo que se producen más contrastes de
luces y sombras a comparación que en los brazos de la figura la luz incide de forma distinta y
hay menos luces y sombras. La figura aparece en movimiento contenido por qué no es rígida,
gira el cuerpo, la cabeza y parece que está a punto de levantarse. Las líneas de composición son
curvas, contra curvas y helicoidales. La composición es cerrada pero el giro de la cabeza y la
mirada la abren. No tiene policromía porque está inspirada en obras antiguas las cuales habían
perdido su color en este caso se inspira en el Laocoonte y sus hijos.
Significado: es una escultura de función religiosa, fue un encargo del Papa julio segundo para su
tumba la cual era monumental con muchos personajes. Estaba pensada para situarlas en un
nicho del muro. En esta época donde los Papas se convierten en los principales mecenas tras la
expulsión de los Médicis en Florida. En esta época se empezaron a realizar más excavaciones
dando lugar a la aparición de obras como el Laocoonte, de la que muchos autores se inspiraron.
El autor de esta obra cómo me llamo dicho antes es Miguel Ángel y entre sus características
principales sobre su estilo podemos apreciar la expresión de sentimientos y estados diferentes
sobre todo el más importante terribilitá.

 Piedad de Florencia:(1550): figuras hechas a distinta escala, desproporcionadas unas de otras.

Cristo con un canon alargado. Escultura piramidal. Parece sin terminar. Contraste entre
esculturas pulimentadas y rugosas.

 Tumba de Lorenzo de Medici: Se encuentra en la sacristía nueva en la basílica de San Lorenzo

de Florencia y fue realizada por Miguel Ángel, en el siglo XVI, por encargo del Papa León X.
Incluye también la tumba de Giuliano de Medici. Para diferenciarla con la de Julia no podemos
ver que la figura de Lorenzo lleva un casco con una pluma, parece representado de una forma
más pensativa es una figura más relajada y más intelectual que la de Giuliano, debajo tiene un
sarcófago curvo con dos figuras, un hombre y una mujer: no son figuras rígidas se giran y le da
importancia a la anatomía, la alegoría que representan son el hombre el crepúsculo y la mujer
la Aurora, entre ellas son más similares y no tienen tanto significado/simbología que la de
Giuliano.

 Tumba de Giuliano de Medici: Se encuentra en la sacristía nueva en la basílica de San Lorenzo

de Florencia y fue realizada por Miguel Ángel, en el siglo XVI, por encargo del Papa León X.
Incluye también la tumba de Lorenzo de Medici.
Para diferenciarla con la de Lorenzo, la de Giuliano y no lleva nada en la cabeza. Es un sepulcro
parietal en el que tanto la arquitectura como la escultura están inspiradas en el mundo clásico,
Giuliano aparece como un general romano girado hacia la imagen de la virgen. La anatomía es
poderosa, el gesto tenso y la composición entre el giro del cuerpo y la mirada son
característicos del idealismo heroico de Miguel Ángel. En el rostro vemos que está influido por
obras clásicas con expresión intensa y profunda. Debajo de la imagen de Giuliano, sobre el
sarcófago encontramos dos figuras un hombre y una mujer en las que podemos ver el interés
por la anatomía, las figuras tienen unas líneas de composición helicoidales en las que los
cuerpos se giran en diferentes sentidos creando una hélice y representan la alegoría de la
noche y el día, Son dos desnudos, la noche está recogida sobre sí misma y el día aparece
desplegándose. La noche tiene un acabado pulido, rasgos cansados mientras que la figura
masculina del día tiene zonas inacabadas, un recurso que Miguel Ángel utiliza para expresar el
esfuerzo con el que la belleza salía de la materia. Los rasgos del rostro imprimen una fuerza
expresiva a la figura que parece emerger como la propia luz del día. Hay una perfecta
integración entre escultura y arquitectura: igual que los elementos arquitectónicos se
ensamblan unos con otros creando un conjunto de equilibrio.
Manierismo
Miguel Ángel en sus últimos momentos de su obra dio las pautas del manierismo, rompiendo la
armonía/equilibrio que caracterizaba al arte clásico.
Las esculturas se caracterizan por el dinamismo, el movimiento helicoidal donde las figuras giran sobre sí
mismas y permite al espectador diferentes puntos de vista. Se desarrollan gran dominio técnico
especialmente en el tratamiento del bronce la sensación que se tiene al observar una escultura
manierista es de desequilibrio e inestabilidad.
Dos autores importantes:

BENVENUTTO CELLINI:
 Perseo: es de tema mitológico, el material es el bronce utilizando la técnica de la cera perdida.
Le interesa la anatomía, es más marcada la musculatura en tensión. La composición es cerrada
por la cabeza de Perseo y abierta por la cabeza de medusa y la espada. Hay un contraste de
superficies.

GIAMBOLOGNA:
 Secuestro de las Sabinas: El tema es mitológico, la composición es abierta y helicoidal, tiene
“forma” de columna retorcida. El material es el mármol Y por lo tanto se esculpe Y está tratado
de forma en la que el material duro que es el mármol parezca una superficie blanda. En la
figura muestra gran expresión dramática, importancia de la anatomía con músculos, venas y
curvas muy marcadas, existe un contraste del cuerpo y el pelo de los personajes. La sensación
que produce esta figura es de inestabilidad.

 Mercurio: Y material bronce. Transmite inestabilidad. Importancia de la anatomía. Cuerpo

helicoidal. Abierta. Composiciones también diagonales. Cuerpo pulimentado. Tema mitológico.