Pintura Renacimiento
Pintura Renacimiento
Pintura Renacimiento
XVI 1
Compara la pintura italiana del Quattrocento con la de los pintores góticos flamencos contemporáneos.
7.3. PINTURA DEL RENACIMIENTO ITALIANO.
Las raíces de la pintura renacentista deben buscarse en Giotto, gran maestro del s. XIV e incluido en el llamado
Trecento. Al igual que en escultura, la evolución hacia las nuevas técnicas es anterior en pintura que en arquitectura.
En algunos países en el siglo XIII todavía hay reminiscencias románicas o encontramos un gótico inicial.
Por otra parte, de forma paralela al desarrollo del Renacimiento italiano del s. XV, adquiere una gran importancia
la pintura flamenca, también llamada Renacimiento norteño, donde los hermanos Van Eyck, entre otros, introducen
grandes aportaciones, como el óleo.
Así, como se ha señalado, a partir de Giotto las técnicas pictóricas no dejan de evolucionar, adquiriendo nuevos
rasgos que de forma progresiva se van consolidando del s. XV al XVI:
a) La pintura renacentista se practica sobre muro (pintura al fresco), tabla y lienzo (temple y óleo).
Los temas son variados: religiosos, mitológicos y profanos; incluso episodios de la historia.
El retablo tiende a desaparecer y con él la subordinación del tema al conjunto. Cada vez se utiliza
más el concepto de cuadro (como decoración de interiores de casas acomodadas o de edificaciones
religiosas).
b) El naturalismo se mantiene, representando cada vez mejor el cuerpo humano, siendo objeto de
estudios anatómicos (no sólo externos, sino que se empiezan a interesar – sobre todo en el s. XVI-
por la anatomía interna). Mientras que unos imitan lo real, otros derivan hacia la belleza idealizada.
La figura humana aparece desnuda o vestida, en reposo o en las más variadas actitudes,
predominando el movimiento en equilibrio.
- La perspectiva es la gran preocupación, la obsesión del pintor del Quattrocento, que intenta
conseguirla organizando planos de profundidad , creando un espacio más visual e integrando las
escenas en paisajes, y/o elementos arquitectónicos clásicos e incluso con extraordinarios escorzos*
como el de Mantenga, en su “Cristo muerto”. Predomina la perspectiva lineal o geométrica, en la que
se organiza la escena en torno a líneas que convergen en un punto de fuga situado al fondo, ampliando
el espacio visual.
En el siglo XVI Leonardo da Vinci introduce el sfumato* y la perspectiva aérea* (desarrollada
sobre todo en el s.XVII).
visión humana y el medio interpuesto entre el objeto y el ojo, es decir, el aire el cual modifica la
luz, el color y la percepción de la distancia. Para conseguir la perspectiva aérea utiliza la técnica
del “sfumato” que consiste en difuminar los colores y los contornos de las figuras (fundiéndolas,
con el espacio sin que se delimiten los contornos).
e) Los pintores reciben los encargos de la iglesia y de particulares (ricos burgueses y aristócratas),
formalizando un contrato de precisas cláusulas que obligan al artista a someterse a las peticiones y
realizar previos esbozos.
Como ha quedado de manifiesto en arquitectura y escultura, el autor supera el anonimato y nace el
concepto de artista, apoyado por Mecenas que impulsan el arte (acogiéndolos en sus casas y
haciéndoles encargos). En el s. XV el centro artístico sigue siendo Florencia, bajo mecenazgo de los
Médicis, mientras que en el s. XVI será la Roma de los Papas Julio II y León X.
El trabajo se sigue realizando en el marco de la organización gremial y el taller artesanal, donde
los maestros son ayudados por oficiales y aprendices, por lo que en algunas obras se puede apreciar la
mano de más de un artista.
Conforme avanza el siglo (sobre todo en la segunda mitad), las composiciones de cargan de
pesimismo, dramatismo, dinamismo, reacción anticlásica……. Se inicia así el Manierismo*,
precedente del Barroco y del que Miguel Ángel es el más importante representante (en España el
Greco).
Al mismo tiempo nace la pintura veneciana con connotaciones propias que le dan el rasgo de escuela
de la que son representantes Giorgione, Tiziano*, Tintoretto, y Veronés.
El nombre de Pala en italiano hace referencia a tabla de altar y Brera a la Pinacoteca donde
se encuentra.
En origen fue pues una tabla de altar realizada para la iglesia franciscana de San Donato
(Urbino), donde en un primer momento estuvo la sepultura de Federico de Montefeltro, duque de
Urbino, llegó a Milán por las incautaciones o requisas realizadas por Napoleón.
Habitual en los finales del gótico en el que el donante que es el que paga la obra aparece
representado con el mismo tamaño o canon que los santos, circunstancia que nos indica la dignidad
y valoración del hombre, rasgo del humanismo, aunque para respetar la jerarquía el duque se
encuentra en el exterior ocupando el centro la Virgen.
Rodeando a la Virgen aparecen santos y ángeles que portan en la frente piedras preciosas.
Fue realizada por Piero della Francesca en su última etapa poco antes de quedarse ciego y Madonna del Gran Duque**.
Piero de la Francesca.
quizás el español Pedro Berruguete intervino pintando las manos del duque. Pinacoteca de Brera (Milan).
Otros pintores del Quattrocento italiano: -no objeto de estudio específico para EvAU-,
- VERROQUIO: maestro de Leonardo da Vinci.
- MANTEGNA con sus formas pétreas y sus conseguidos escorzos como en el “Cristo muerto” (yacente).
- PERUGINO: gran maestro de la perspectiva y fondos arquitectónicos en obras como la “Entrega de la llaves
a San Pedro”, cuya influencia se manifestará en los “Desposorios de la Virgen” de Rafael.
- PAULO UCELLO, sus obras son de gran originalidad tienen un marcado efecto teatral con colores planos un
tanto irreales. Así, presenta cierta reminiscencia gótica en cuanto a técnica, no en cuanto a temática y
efectos estéticos. Ej. Batalla de San Romano.
Cristo yacente (muerto). Mantegna. Entrega de las lleves a San Pedro. Perugino. Batalla de San Romano. Paolo Ucello.
La pintura italiana del s. XVI traslada su centro a ROMA, en torno al mecenazgo de los papas Julio II y
León X. Surgen los tres "gigantes" de la pintura renacentista. Si el s. XV significó la evolución progresiva de
los grandes logros de técnica, el s. XVI representó la perfección técnica; para acabar el
siglo con el Manierismo que introduce las formas del Barraco.
Además existe una escuela que va a evolucionar paralelamente durante todo el siglo XVI:
es la Escuela Veneciana formada por Giorgione, Tiziano, Veronés, Tintoretto.
el Niño”.………
Leonardo era un excelente dibujante sobre todo a la hora de representar el movimiento, aunque el movimiento no
es muy frecuente en la pintura de Leonardo. El color en su pintura tiene como base la técnica del "esfumato"* o
difuminado: se diluyen los contornos para integrar a la figura en el paisaje o para representar rostros con sutiles
expresiones. En su color se difuminan blancos y grises para difuminar así el resto de los colores y lograr así
aspectos expresivos sutiles, por ejemplo su risa leonardesca, lo que da a la figura sensación de vida, de poesía, de
misterio.
LA ESCUELA VENECIANA
Además de Florencia y Roma, destaca también VENECIA como centro pictórico de gran importancia.
La escuela veneciana estará influida por los tres grandes maestros, pero también influirá en toda Europa,
sobre todo en el Barroco. Se caracteriza por:
Color ( predominio de los colores cálidos) , luz, grandeza y riqueza decorativa, dándole mayor
importancia al tema secundario : escenarios propios del lujo y alto nivel de vida de Venecia,
reflejado en los marcos arquitectónicos, vestidos….. Es la expresión del alto nivel de vida
veneciano, algo de lo que estaban muy orgullosos y de lo que hacían gala siempre que podían. A
veces llega hasta tal punto que los detalles esconden la escena principal que suele ser religiosa
Papel secundario del dibujo, hasta perdiéndose por una pincelada ancha.
Triunfa el retrato y el paisaje. Surge el paisaje como tema único, matizado con una luz dorada,
idílica, propia de los canales venecianos.
Es una pintura de contrastes, pintan tanto el tema religioso, como mitológico, las bacanales y
bellos desnudos.
La tempestad*. Giorgione.
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