Pintura Renacimiento

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Tema 7.3: Pintura del Renacimiento italiano s. XV y s.

XVI 1
Compara la pintura italiana del Quattrocento con la de los pintores góticos flamencos contemporáneos.
7.3. PINTURA DEL RENACIMIENTO ITALIANO.

1. CONTEXTO HISTÓRICO Y ARTÍSTICO. Igual que en temas anteriores

2. CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA DEL RENACIMIENTO

Las raíces de la pintura renacentista deben buscarse en Giotto, gran maestro del s. XIV e incluido en el llamado
Trecento. Al igual que en escultura, la evolución hacia las nuevas técnicas es anterior en pintura que en arquitectura.
En algunos países en el siglo XIII todavía hay reminiscencias románicas o encontramos un gótico inicial.
Por otra parte, de forma paralela al desarrollo del Renacimiento italiano del s. XV, adquiere una gran importancia
la pintura flamenca, también llamada Renacimiento norteño, donde los hermanos Van Eyck, entre otros, introducen
grandes aportaciones, como el óleo.
Así, como se ha señalado, a partir de Giotto las técnicas pictóricas no dejan de evolucionar, adquiriendo nuevos
rasgos que de forma progresiva se van consolidando del s. XV al XVI:
a) La pintura renacentista se practica sobre muro (pintura al fresco), tabla y lienzo (temple y óleo).
Los temas son variados: religiosos, mitológicos y profanos; incluso episodios de la historia.
El retablo tiende a desaparecer y con él la subordinación del tema al conjunto. Cada vez se utiliza
más el concepto de cuadro (como decoración de interiores de casas acomodadas o de edificaciones
religiosas).
b) El naturalismo se mantiene, representando cada vez mejor el cuerpo humano, siendo objeto de
estudios anatómicos (no sólo externos, sino que se empiezan a interesar – sobre todo en el s. XVI-
por la anatomía interna). Mientras que unos imitan lo real, otros derivan hacia la belleza idealizada.
La figura humana aparece desnuda o vestida, en reposo o en las más variadas actitudes,
predominando el movimiento en equilibrio.

c) En cuanto a los rasgos técnicos es necesario destacar:


- Aunque el dibujo sigue siendo fundamental, la utilización del color difuminado dota a las figuras de
volumen, obteniendo formas tridimensionales y más proporcionadas. Por otra parte, la gama cromática
es cada vez en más amplia, sobre todo con la utilización del óleo.
- En un primer momento predomina la línea sobre el color, en el siglo XVI se va imponiendo el color al
dibujo hasta llegar a pintores (sobre todo en pintores venecianos) en los que el color se maneja de un
modo más suelto - manchas menos uniformes- y en consecuencia, pierde importancia el dibujo y el
contorno de las figuras.
- La expresión es serena y tranquila, sin dramatizar.
- La composición se vuelve más complicada (vertical, triangular, diagonal, circular) y a veces se
introducen diversas escenas en un solo cuadro. En el siglo XVI unos pintores prefieren composiciones
sencillas (sin fondo paisajístico ni arquitectónico), mientras que otros optan por las más complicadas.
- La luz se va manejando con creciente perfección y se utiliza fundamentalmente para resaltar planos
de profundidad, llegando al claroscuro en el s. XVI.
- Conforme avanzamos del s. XV al XVI se gana en plasticidad, tratamiento de las formas,
identificación de los rasgos, volumen…… Además, el volumen de las formas adquiere gran
importancia con claroscuros de luces y sombras, así como con la gradación del color. Se gana
también en tridimensionalidad y proporcionalidad.

- La perspectiva es la gran preocupación, la obsesión del pintor del Quattrocento, que intenta
conseguirla organizando planos de profundidad , creando un espacio más visual e integrando las
escenas en paisajes, y/o elementos arquitectónicos clásicos e incluso con extraordinarios escorzos*
como el de Mantenga, en su “Cristo muerto”. Predomina la perspectiva lineal o geométrica, en la que
se organiza la escena en torno a líneas que convergen en un punto de fuga situado al fondo, ampliando
el espacio visual.
En el siglo XVI Leonardo da Vinci introduce el sfumato* y la perspectiva aérea* (desarrollada
sobre todo en el s.XVII).

La perspectiva da un paso de gigante con Leonardo da Vinci. La primera teoría sobre la


perspectiva la había desarrollado Brunelleschi estableciendo la perspectiva lineal con un punto de
fuga único, donde confluyen las líneas del dibujo y cuyo resultado es una especie de “pirámide
visual”. Leonardo considera que esta pirámide proporciona una “perspectiva artificial” que no es
válida y por tanto, plantea una “perspectiva aérea” donde se tiene en cuenta la bifocalidad de la
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visión humana y el medio interpuesto entre el objeto y el ojo, es decir, el aire el cual modifica la
luz, el color y la percepción de la distancia. Para conseguir la perspectiva aérea utiliza la técnica
del “sfumato” que consiste en difuminar los colores y los contornos de las figuras (fundiéndolas,
con el espacio sin que se delimiten los contornos).

d) La pintura no tiene función moralizante ni adoctrinadora, sino decorativa y la consecución de la


configuración visual del mundo mental, dirigida a los ojos del espectador. Comienza a separarse el
arte del tema.

e) Los pintores reciben los encargos de la iglesia y de particulares (ricos burgueses y aristócratas),
formalizando un contrato de precisas cláusulas que obligan al artista a someterse a las peticiones y
realizar previos esbozos.
Como ha quedado de manifiesto en arquitectura y escultura, el autor supera el anonimato y nace el
concepto de artista, apoyado por Mecenas que impulsan el arte (acogiéndolos en sus casas y
haciéndoles encargos). En el s. XV el centro artístico sigue siendo Florencia, bajo mecenazgo de los
Médicis, mientras que en el s. XVI será la Roma de los Papas Julio II y León X.
El trabajo se sigue realizando en el marco de la organización gremial y el taller artesanal, donde
los maestros son ayudados por oficiales y aprendices, por lo que en algunas obras se puede apreciar la
mano de más de un artista.

Conforme avanza el siglo (sobre todo en la segunda mitad), las composiciones de cargan de
pesimismo, dramatismo, dinamismo, reacción anticlásica……. Se inicia así el Manierismo*,
precedente del Barroco y del que Miguel Ángel es el más importante representante (en España el
Greco).
Al mismo tiempo nace la pintura veneciana con connotaciones propias que le dan el rasgo de escuela
de la que son representantes Giorgione, Tiziano*, Tintoretto, y Veronés.

Obras que se establecen en el RD 1105/2014, de 23 de diciembre de 2016:


Siglo XV Siglo XVI
 Leonardo Da Vinci:
 El tributo de la moneda de Masaccio**. - La Virgen de las rocas**.
 La Trinidad de Masaccio**. - La Ultima cena** .
 Anunciación del Convento de San - La Gioconda**.
Marcos de Florencia de Fran Angélico*.  La Escuela de Atenas** de Rafael.
 Madonna del Duque de Urbino** (Palas  La bóveda de la Capilla Sixtina** de Miguel Ángel
de Brera) de Piero della Francesca*.  La tempestad, de Giorgione.
 Venus de Urbino*, de Tiziano.
 Carlos V en Mühlberg**, de Tiziano
 El lavatorio de Tintoretto*.
 Las bodas de Canaá, de Veronés*.
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2. EVOLUCIÓN DE LA PINTURA RENACENTISTA ITALIANA. SIGLO XV:


MASACCIO, FRA ANGÉLICO, PIERO DELLA FRANCESCA Y BOTTICELLI.

En la evolución de la pintura observamos dos tendencias:

a) Pintura de tradición gótica : colores alegres, perfiles ondulantes,


alargamiento de las figuras, carácter miniaturesco –captación del detalle-,
rostros melancólicos y sobriedad expresiva. Cronológicamente
distinguimos:
- 1ª mitad de siglo XV: FRA ANGÉLICO: monje que realizó toda su
obra en el convento de San Marcos (Florencia), hoy convertido en museo
del pintor. Representa el enlace con el gótico: colores suaves y planos, Anunciación de San Marcos**.Fra Angélico.
manteniendo los tonos dorados; no obstante, se gana en plasticidad,
volumen , naturalismo…..
Recibió el sobrenombre de “Fra Angelico” por el carácter angelical de tenían sus personajes. Entre sus
obras, casi todas de temática religiosa, pintó varias Anunciaciones, de gran dulzura y belleza. Destacan:
 Anunciación de San Marcos de Venecia**: donde aunque con reminiscencias góticas (las alas del Ángel
son bastante antinaturales), sitúa la escena en un marco arquitectónico clásico captando la perspectiva y
creando la ilusión espacial (tridimensionalidad). Sus personajes trasmiten sinceridad y bondad.
 Retablo de la “Anunciación del Museo del Prado”, pintado en una sola tabla. En el panel superior se
representan dos escenas: a la derecha la Anunciación en un marco arquitectónico clásico propio de
Bruneleschi; a la izquierda se representa la expulsión del paraíso de Adán y Eva. En la predela hay escenas
relativas a la vida de la Virgen.

- 2ª mitad del siglo XV: SANDRO BOTTICELLI


Desaparece el dorado de sus pinturas. Sus perfiles se tornan nerviosos y
agitados. Dota a muchas obras de un carácter simbólico y mitológico. Repite
continuamente el modelo de mujer – recuerda a la Venus de Cnido- espigada de
cabellos largos, rubios y ondulantes, de rostros un tanto “enfermizos” y
románticos (quizás se trate de Simoneta Vespucci, quien vivió una historia de
amor con Juliano de Médici). Introduce marcos arquitectónicos monumentales y Nacimiento de Venus. Botticelli.

paisajes menos miniaturescos.


Pintor muy prolífero, gran parte de sus obras se encuentran en la Galería de los Ufizzi de Florencia:
“Nacimiento de Venus”, “La Primavera”, “Palas y Centauro”, “Calumnia de Apeles”, “Venus y Marte”…………

b) Pintura experiméntal o renovadora :

- 1ª mitad de siglo: MASACCIO: es el más innovador de todos y supone una renovación


formal de la pintura. Recibió muchos encargos pero murió muy joven y por eso su obra no es
muy abundante.
Evita lo anecdótico y la minuciosidad Sus figuras son voluminosas y dominia del color
(llegando a prescindir de la línea, pinta con el color). Entre sus obras destacan: "La
Trinidad"** Santa María de Novella, frescos de la Capilla Brancacci en la Iglesia del Carmen
(Florencia), donde destacamos la expulsión de "Adán y Eva del Paraíso" y el "Tributo de la
moneda”.

En su Santísima Trinidad** Massaccio trabajó para un encargante modesto, el cual como no


podía pagarse una tumba arquitectónica encargó a Massaccio que la representara en un fresco pero
simulando la original. Esta pintura supuso una renovación por el estudio de la perspectiva y de la Trinidad de Masaccio**.
Santa María de Novella
anatomía. Produce un efecto de profundidad con la bóveda de medio cañón. Iconográficamente el tema (Florencia).
es tradicional (alusión a las tres dimensiones: muerte, vida y divinidad) pero la composición y la
distribución en planos es innovadora. Los donantes aparecen abajo junto a la crucifixión.

En el Tributo de la moneda* la temática es doble. Por un lado es una escena


religiosa del Nuevo testamento, pero por otro lado es un mensaje pagano de
propaganda para el contratante: si los romanos recaudan los impuestos a los
cristianos, el donante también cumple con sus deberes fiscales. Es un ejemplo de
cómo un tema religioso puede convertirse en pagano y propagandístico. En la misma
escena hay tres secuencias destacando en el centro Cristo con los recaudadores, a
ambos lados las otras dos jerarquizadas por orden de valor.
Tributo de la Moneda. Masaccio* .Capilla
Brancacci. Iglesia del Cármen . Florencia.
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- 2ª mitad de siglo: PIERO DELLA FRANCESCA : gran maestro de la perspectiva


y la luz, de formas corpulentas y figuras un tanto estáticas "como congeladas".
Entre sus obras resaltamos la decoración al fresco de la iglesia de San Francisco de Arezzo
y la Madonna del Gran Duque** ( Palas de Brera o Madonna de Montefletro).

El nombre de Pala en italiano hace referencia a tabla de altar y Brera a la Pinacoteca donde
se encuentra.
En origen fue pues una tabla de altar realizada para la iglesia franciscana de San Donato
(Urbino), donde en un primer momento estuvo la sepultura de Federico de Montefeltro, duque de
Urbino, llegó a Milán por las incautaciones o requisas realizadas por Napoleón.
Habitual en los finales del gótico en el que el donante que es el que paga la obra aparece
representado con el mismo tamaño o canon que los santos, circunstancia que nos indica la dignidad
y valoración del hombre, rasgo del humanismo, aunque para respetar la jerarquía el duque se
encuentra en el exterior ocupando el centro la Virgen.
Rodeando a la Virgen aparecen santos y ángeles que portan en la frente piedras preciosas.
Fue realizada por Piero della Francesca en su última etapa poco antes de quedarse ciego y Madonna del Gran Duque**.
Piero de la Francesca.
quizás el español Pedro Berruguete intervino pintando las manos del duque. Pinacoteca de Brera (Milan).

Otros pintores del Quattrocento italiano: -no objeto de estudio específico para EvAU-,
- VERROQUIO: maestro de Leonardo da Vinci.
- MANTEGNA con sus formas pétreas y sus conseguidos escorzos como en el “Cristo muerto” (yacente).
- PERUGINO: gran maestro de la perspectiva y fondos arquitectónicos en obras como la “Entrega de la llaves
a San Pedro”, cuya influencia se manifestará en los “Desposorios de la Virgen” de Rafael.
- PAULO UCELLO, sus obras son de gran originalidad tienen un marcado efecto teatral con colores planos un
tanto irreales. Así, presenta cierta reminiscencia gótica en cuanto a técnica, no en cuanto a temática y
efectos estéticos. Ej. Batalla de San Romano.

Cristo yacente (muerto). Mantegna. Entrega de las lleves a San Pedro. Perugino. Batalla de San Romano. Paolo Ucello.

3.EVOLUCIÓN DE LA PINTURA RENACENTISTA ITALIANA. SIGLO XVI:


LEONARDO, MIGUEL ÁNGEL Y RAFAEL. LA ESCUELA VENECIANA.
- Completar información específica de obras con comentarios y libro de texto -

La pintura italiana del s. XVI traslada su centro a ROMA, en torno al mecenazgo de los papas Julio II y
León X. Surgen los tres "gigantes" de la pintura renacentista. Si el s. XV significó la evolución progresiva de
los grandes logros de técnica, el s. XVI representó la perfección técnica; para acabar el
siglo con el Manierismo que introduce las formas del Barraco.
Además existe una escuela que va a evolucionar paralelamente durante todo el siglo XVI:
es la Escuela Veneciana formada por Giorgione, Tiziano, Veronés, Tintoretto.

 LEONARDO DA VINCI : aunque cronológicamente pertenece al siglo XV y principios


del s. XVI representa la culminación artística y la ruptura con lo que se había hecho
anteriormente con dos grandes: perspectiva aérea* y sfumato*.
Nació en Vinci, un pueblo muy cercano a Florencia y en esta ciudad se educó. Empezó sus
estudios de Bellas Artes en el taller de Verroquio, trabajando en Milán, Florencia y Roma.
Por último, trabajó en Francia para Francisco I desde 1515 a 1519 cuando muere. Su
notable afán por el saber y de inventar le ha hecho ser el genio más representativo del
Renacimiento. Los manuscritos y los innumerables dibujos que ha dejado reflejan sus
inquietudes científicas diseñando algunas máquinas. Virgen de las Rocas**. L.
da Vinci
Él se consideró más como hombre práctico que como pintor. Vivió de sus trabajos varios
y no de su pintura (cuya obra es muy reducida). Hacía diseños artísticos, trabajos científicos, bailes de
disfraces.
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En pintura destaca su gran conocimiento


de anatomía, tanto interna como externa. Sus
obras presentan un gran interés por el
movimiento físico, los gestos y la mímica
(llegó a conseguir un lenguaje con las manos).
Sus obras se sitúan en paisajes rocosos y
misteriosos y reflejan gran mestría en el
uso del color y la luz, siendo el creador
Última Cena**. Leonardo da Vinci
del esfumato*.
Al que se debe entre obras tan famosas de la "Virgen de las Rocas"**,
“Gioconda”**, "La Última Cena"**, “San Juan Evangelista” “Santa Ana, la Virgen y La Gioconda** .L. da Vinci

el Niño”.………

Leonardo era un excelente dibujante sobre todo a la hora de representar el movimiento, aunque el movimiento no
es muy frecuente en la pintura de Leonardo. El color en su pintura tiene como base la técnica del "esfumato"* o
difuminado: se diluyen los contornos para integrar a la figura en el paisaje o para representar rostros con sutiles
expresiones. En su color se difuminan blancos y grises para difuminar así el resto de los colores y lograr así
aspectos expresivos sutiles, por ejemplo su risa leonardesca, lo que da a la figura sensación de vida, de poesía, de
misterio.

 RAFAEL , nació en Urbino y fue hijo de Pintor. Ingresó en el taller


de Perugino, manifestando su influencia en sus primeras obras:
"Desposorios de la Virgen". Trabajó en Florencia y en Roma, donde
Julio II le encargó decorar las Estancias del Vaticano (destaca la
Escuela de Antenas**) . A pesar de su corta vida, realizó una obra
es muy extensa (sus obras y las de su taller). Murió a los 37 años en
Roma. Es el más clásico de los pintores renacentistas, manteniendo el
equilibrio entre lo real e ideal.
Pintor muy prolífero, es autor de bellos ejemplos de pintura de
caballete, sobre todo de elegantes y sugerentes madonnas como: "
Virgen del Jilguero", "Madonna del Gran Duque", "Virgen del
Pez"……… También es autor de retratos (papas Julio II, León X, Escuela de Atenas**. Rafael. Vaticano
Cardenal…), en ellos prescinde de los fondos y hay individualización
de los rasgos, fundiéndose la figura con la atmósfera y perdiéndose la línea del contorno.

Rafael es el que mejor representa la perfección del Clasicismo en la pintura. Realmente no es


original en sus temas, pero él realiza la síntesis creadora que convierte todos sus cuadros en
rafaelescos. Se dejó influir por Leonardo y Miguel Ángel pero no plagió a ninguno de los dos. Esa
síntesis creadora la realiza a través de un dibujo perfecto y un total dominio del color. Sus
colores son claros, esmaltados y delicados. Para cada tema presenta una gran variedad de re-
cursos compositivos (desde composiciones sencillas con pocos personajes a complejas y
grandiosas composiciones).
Madonna del Gran Duque.
Rafael.

 MIGUEL ÁNGEL : arquitecto, escultor y pintor. Se consideraba más


escultor que pintor, pintó menos que esculpió y siempre a la fuerza. .
Trabajó mucho y le agobiaron continuamente, pero él siempre creó
arte.
Su estilo proviene de su escultura. Todo lo que pinta es monumental,
gigantesco y escultórico Se desentiende del paisaje y de lo
anecdótico.
Con él se inician nuevas formas que van a dar lugar al Manierismo* en
la segunda mitad del siglo XVI. Aunque se siguen utilizando los
elementos clásicos, éstos se disponen con cierta libertad, es admirable
por el dinamismo de sus obras, dramatismo, fuerza muscular y
Creación de Adán .Capilla Sixtina. Miguel Ángel
expresiva, “terribilitá”* Quedó impactado por obras clásicas, como el
Torso Bervedere y sobre todo el Laoconte, descubierta en ese momento.
De su periodo florentino destaca el “Tondo Doni”. Ya en Roma decoró trabajó para el Papa Julio II, quien le
encarga completar la decoración de la Capilla Sixtina**: “Creación de Adán” , “Juicio final “………
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LA ESCUELA VENECIANA

Además de Florencia y Roma, destaca también VENECIA como centro pictórico de gran importancia.
La escuela veneciana estará influida por los tres grandes maestros, pero también influirá en toda Europa,
sobre todo en el Barroco. Se caracteriza por:
 Color ( predominio de los colores cálidos) , luz, grandeza y riqueza decorativa, dándole mayor
importancia al tema secundario : escenarios propios del lujo y alto nivel de vida de Venecia,
reflejado en los marcos arquitectónicos, vestidos….. Es la expresión del alto nivel de vida
veneciano, algo de lo que estaban muy orgullosos y de lo que hacían gala siempre que podían. A
veces llega hasta tal punto que los detalles esconden la escena principal que suele ser religiosa
 Papel secundario del dibujo, hasta perdiéndose por una pincelada ancha.
 Triunfa el retrato y el paisaje. Surge el paisaje como tema único, matizado con una luz dorada,
idílica, propia de los canales venecianos.
 Es una pintura de contrastes, pintan tanto el tema religioso, como mitológico, las bacanales y
bellos desnudos.

Representantes de gran valía son:


 GIORGIONE: es el paisajista de la escuela, como lo demuestra en "La
tempestad"*.
 TIZIANO: vivió 89 pintor y fue el pintor de más prestigio. Fue solicitado en todas
las cortes italianas y recibió el favor de Carlos V y Felipe II. Otra gran afición
suya fue la música. Entre sus obras destaca: “Carlos V en la batalla de
Mülhberg”**, bellos desnudos de mujer como la " Venus de Urbino"*……
 TINTORETTO: con él desaparece el reposo clásico de Tiziano, dotando a su obra
de movimiento violento. Es el pintor manierista a la veneciana.. Entre sus obras
destaca " El lavatorio de los pies"*, "Última cena"………
 VERONÉS: ilustrador del lujo de Venecia como fondo, como demuestra en “Bodas Carlos V en la Batalla de
de Canaá”*. Mülhberg**. Tiziano. Museo del
Prado.

Venus de Urbino*. Tiziano.

La tempestad*. Giorgione.

Lavatorio de los pies*. Tintoretto. Museo del Prado.

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