TEMA 3.

NEOCLASICISMO
A partir del 1600, empieza a surgir un movimiento que se prolongará hasta el s. XIX, surgiendo
algo totalmente contrario al Barroco, con el objetivo de cambiar a su precedente, pretendiendo
reflejar los ideales y el sentido intelectual de la Ilustración, es decir, refleja las cuestiones que
definen a la Ilustración.

Así pues, aquí destaca la RACIONALIDAD, en contraposición de lo emocional y pasional del

Barroco., no se va a dar solo en las artes visuales, sino también en otros ámbitos. Estos artistas
van a pretender recuperar el pasado griego y latino, la tradición clásica.

El lugar donde empieza a surgir será Roma, pero al final desplazará ese foco de atención. Por
consiguiente, Roma va a ser un centro de peregrinación de todos los artistas, pues como se
quiere recuperar la antigüedad tiene sentido que sea en esta ciudad, por lo que hay un
desarrollo de la arqueología mostrando el interés por la antigüedad.

El centro donde más se va a seguir la corriente neoclásica será Francia y el Norte de Europa,
viéndose como independientemente de los valores conceptuales y estéticos, se agrupan en
torno a una serie de valores comunes:

• Va a ser habitual el uso de las formas y los colores sencillos, ya no hay un color vibrante
como en el Renacimiento ni esa brillantez de los colores del Rococo, la paleta será sencilla.
• Es un arte ordenado que refleja las virtudes y los valores morales.
• Busca la belleza en los valores clásicos de proporcionalidad, todo es medido, simétrico y
armonioso. Realizado por la proporción (cánones clásicos).
• La racionalidad se impone sobre lo emocional.
• Los contornos predominan sobre el color, figuras bien perfiladas y colores suaves y fríos.
• Mirando al pasado, se da una gran monumentalidad, en las construcciones que se recrean
y se reinterpretan las características del templo griego, de forma semejante a como ocurre
en el renacimiento, pero dando a estos edificios un uso civil frente al religioso, en relación
con los ideales ilustrados.

En definitiva, nacen las academias que son espacios de docencia para estos artistas y
contribuyen a un férreo control de las normas de creación.

1. ARQUITECTURA
En la arquitectura, se tiende a la monumentalidad, a la vuelta al pasado a la racionalidad,
intentando crear los monumentos clásicos, pero como una construcción relacionada con el
devenir civil de una ciudad.

1) CAL GHOTTARD LANGHANS (1789-91)

1.1 Puerta de Brandeburgo

Es la puerta de acceso a la ciudad que remite

a los arcos de triunfo. Se encuentra coronada
por una cuadriga a la manera clásica
intentando reflejar las cuestiones anteriores,
y presenta una gran monumentalidad. El
Grabado propileos de Atenas sería aquello a
lo que quiere parecerse
1.2 Catedral de Pamplona

En esa entrada a la ciudad se ve un frontón clásico, flanqueado por dos

torres y una estructura que nos recuerda a los templos clásicos. La
estructura está adelantada y hay que acceder a través de un pódium
de escalera. Además, las columnas son de corte liso con un capitel
corintio. Sobre la entrada se retranquea un muro liso de reminiscencia
clásica, con frontón de similares dimensiones al del primer piso.

El segundo piso, está rematada la fachada por otro frontón que nos lleva a esa cultura clásica.
Las torres están alineadas en tres pisos, y las ventanas rematadas con dos frontones como en la
antigüedad.

2. ESCULTURA
La mayoría del material que se va a utilizar es el mármol blanco, el cual no se va a policromar,
pues se busca la pureza propia de la escultura clásica, ya que se sigue la tradición clásica.

También, se va a perseguir la sencillez y la pureza de las imágenes, llevándose a cabo el género

de la MITOLOGÍA, lo que nos lleva al desnudo, al estudio del cuerpo (anatomía), y el otro gran
tema será el RETRATO.

1) ANTONIO CANOVA (1757-1822)

Es uno de los más importantes, aunque su formación es barroca, aprende una escultura clásica
en Venecia junto Bernandi, lo que le influirá en sus obras. En 1769, viaja a Roma y empieza a
incluir esa parte de clásico, se basa en la antiguedad. No obstante, sus primeras obras respiraban
algo de barroco.

1.1 Dédalo e Ícaro (1779)

Estilo un poco barroco, asunto mitológico, y todavía se encuentra ese

movimiento de las figuras y unos rostros naturalistas como el de dédalo y
ese adolescente atento a las recomendaciones del padre. Hay naturalismo
con el movimiento del cuerpo con búsqueda de la realidad.

1.2 Teseo y el minotauro (1781)

Se muestra a Teseo cuando a vencido ya al minotauro, no en la lucha, y se

muestra la cabeza que recuerda al David de Miguel Ángel. En el cuerpo se
ve cierta idealización, se nota como está reposando y con gran tranquilidad
y sosiego, que se buscaba. Un héroe tranquilo y casi melancólico, con una
representación anatómica idealizada y robusta, que persigue la belleza.

1.3 Eros y Psique (1793)

Aparece Eros despertando con un beso a Psique, sueño que

Proserpina le había provocado con un beso de amor. Así pues,
búsqueda de la belleza clásica en el deseo, y justo se ve esa
tranquilidad de antes del beso con gran sosiego y contención del
deseo, pero con una actitud de serenidad y armonía frente a la pasión.
En relación a la composición, las cabezas se encuentran en el centro, formándose un aspa con
las alas de Eros y el cuerpo de los personajes. Las telas plegadas son de evocación clásica que
nos recuerdan a Fidias. Además, el juego de las diagonales con las alas del dios y la blancura y el
equilibrio perfecto de la composición que, aunque aparezca recostada hace que con las alas sea
un equilibrio perfecto. Tienen una idealización en los rostros.

1.4 Sepulcro de María Cristina de Austria (1805)

Esta en Viena y Canova va a realizar

diferentes obras de carácter funerario
donde va a mostrar imágenes específicas
de la muerte. Aquí nos ofrece una forma
piramidal donde hay una serie de
personajes (togas), siendo peregrinos que
van entrando y representan las virtudes
como una especie de procesión donde se
porta las difuntas y las alegorías.

Se ve el medallón con el retrato de la

archiduquesa que se encuentra rodeado
de una serpiente que iconográficamente
ha simbolizado la mortalidad, pues una serpiente rodea el cuadro y se muerde su propia cola.
Deja de lado, el movimiento característico del barroco, tiene mayor rigidez y es una de sus obras
más conocidas.

En definitiva, se observa una obra con gran sosiego y tranquilidad.

1.5 Paulina Bonaparte

Se observa cómo se intenta representar a la hermana

de Napoleón como una Venus clásica, incluso tiene
una manzana que nos lleva a los atributos clásicos de
la diosa, presentando una gran belleza idealizada.

Está acostada en un diván,

mostrando sus pechos, como
toda una Venus,
empleándose la técnica de los paños mojados, pegados al cuerpo con
una mirada pensativa y alejada de los contrastes del barroco y
tranquila.

La conformación de la escultura es proporcionada y armónica y no

busca ya los juegos de luz barrocos, sino una uniformidad y serenidad en conjunción con los
valores ilustrados.

3. PINTURA
Las premisas que se persiguen son las mismas que las que se persiguen en escultura y
arquitectura.

1) JACQUES-LOUS DAVID
Es el más importante en pintura de estos momentos, nacido en el seno de una familia
acomodada de París, pero con una truculenta infancia, tras la muerte de su padre, intelectuales
que deseaban que el niño fuese, al igual que ellos, arquitectos; pero, demostrado su talento,
entró en el taller del pintor rococó Bouchard, el cual después de la euforia rococo tuvo un estilo
clásico. En 1775, viajó a Roma y empieza a encontrar inspiración en la estatuaria griega, lo que
lo lleva a plasmar formas armoniosas, proporcionadas y contenidas.

Destacan sus temas relacionados con la política romana, pero en relación con la Revolución
Francesa, pues en esta revolución él era muy activo hasta que se unió con Napoleón Bonaparte,
convirtiéndose en el retratista oficial de Napoleón. Su estilo se caracteriza por el fuerte contorno
y dibujo de sus figuras que le permita realizar una clara estructura formal.

1.1 Juramento de los Horacios (1784)

Realizada justo antes de la revolución

francesa, donde se observa un predomino
claro del DIBUJO sobre la pintura, un
dibujo muy marcado, y una claridad
compositiva increíble, estando el equilibrio
claramente de manifiesto.

Es un encargo de Luis XVI, pues quiere

hacer una alegoría de la lealtad al estado,
pues es un momento en el que hay un
ambiente muy compulso y utilizó el arte
como propaganda queriendo ver que la
gente tenia que ser noble y leal con el
estado, pues el deber se impone por encima de cualquier sentimiento o interés individual.

Esta historia, tomada de un texto de Tito Livio, representa a los tres hermanos patricios
romanos, los Horacios, que juraron defender la patria de los Curiacios. Por consiguiente, los
protagonistas se encuentran realizando el saludo romano con el brazo extendido y la palma
hacia abajo confluyendo en esas espadas hacia su padre, que toma el juramento a sus hijos; a
un lado, aparecen sentadas las hermanas, entre ellas Camila, Horacia prometida a un Curiacio;
Sabina, Curiacia casada con un Curiacio; y una mujer que cuida de un niño.Tiene un sentido
claramente moralista: lucharán contra los Curiacios aunque su hermana esté casada a uno.

La composición es ordenada y en los hombres se estructura en líneas rectas, mientras que en

las mujeres se ejecuta en formas más redondeadas, siendo el centro las espadas de los tres
hermanos. Se da una clara idealización de las figuras y un uso de la luz que provoca claridad y
no los contrastes propios del Barroco: la luz baña todo, introduciéndose por la izquierda
(teatralidad). Además, las figuras destacan sobre el fondo más plano y austero.

Al fondo se coloca una arquitectura clásica que, junto con las baldosas, transmiten la
profundidad, con una perspectiva lineal con el punto de fuga en las espadas. Los vanos enmarcan
a cada uno de los tres grupos de personajes. Los colores son planos, fríos, en contraposición del
barroco y las pincelas son muy relamidas.

NOTA: Algo típico de la corriente es la colocación del hombre en el espacio público y a la mujer
en los hogares.
1.2 Los lictores llevan a Bruto el cuerpo de sus
hijos (1789)

Se da un asunto romano para explicar lo que

esta surgiendo en el momento, es un encargo
romano y vemos al líder romano llorando la
muerte de su hijo que había intentado acabar
con el gobierno y derogar la monarquía: el
propio padre manda asesinar a sus hijos por el
bien de la seguridad de la República Romana,
así se recoge por tanto la idea del deber, el
padre se entiende como un héroe que
antepone la defensa ideológica ante la familia, la patria por encima del bien común, el sacrificio.

La columna hace que veamos la escena en dos mitades y se ve; en un lado, la procesión llevando
al muerto y en el otro lado, el espacio doméstico donde se solía colocar a las mujeres con un
gran dolor, pero están idealizadas, sin el dramatismo barroco.

La pincelada casi no se puede notar, es muy suave, ya que se busca el equilibro, encontrando un
ordenamiento compositivo e idealización de los personajes.

1.3 La muerte de Marat (1793)

Plasma el asesinato del amigo de David, que debía aliviar una

enfermedad dermatológica muy dolorosa en la bañera, donde
incluso trabaja. Así pues, ahí fue apuñalado, mientras escribía,
no capta una historia, capta el momento, con ese dibujo que
caracteriza a esta tendencia, con los contornos bien marcados.
No hay un dramatismo expresivo, sino que busca la serenidad
del gesto, incluso con una idealización del personaje, que
muere en paz pese haber sido asesinado. No existe el miedo ni
la agitación.

Hay sencillez en la composición cierta idealización del

personaje, ya que era poco agraciado y no era joven.

Con alusiones metafóricos en la mano, que cae con la pluma en mano, es símbolo de la palabra
y de la superioridad de la razón sobre todas las cosas. Por ende, hace uso de colores planos y
armoniosos.

NOTA: una de sus obras más conocidas.

1.4 Napoleón a caballo cruzando los Alpes (1811)

Fue retratista oficial de Napoleón, representándose como un héroe

capaz de dominar el caballo y por ende, de domarlo todo. Hay una
idea de la divulgación o de difundir las cuestiones relacionadas con la
mitología y hay cierta idealización de los personajes auqnue se
encuentra sereno y rotundo. Aquí empieza a usarse la diagonal, un
síntoma de la composición que va a estar presente durante todo este
tiempo. El dibujo sigue siendo protagonista, así como el uso de colores
claros.
FRANCISCO DE GOYA (1746 - 1828)
Dentro de esta época en el que arte está estandarizado, se dan artistas que crean su propia
idiosincrasia. Goya es el primer pintor moderno, cuya obra va a permitir que siglos más tarde se
desarrolle el impresionismo, el expresionismo, el surrealismo, siendo la figura que rompe con la
figura del arte.

Nació en Fuendetodos (Zaragoza) y murió en Burdeos en 1828, vive

un panorama político en España de profundos cambios que influyen
enormemente en su pintura: el gobierno despótico de Fernando VII
y de Godoy, la conquista napoleónica, la guerra de Independencia,
el desarrollo del nacionalismo, y un periodo histórico donde hay
cambios fundamentales en la vida europea lo que marcara e influirá
en la vida de este.

Goya es el representante artístico de una época, pues es excepcional

un artista mágico, siendo uno de los puntos de inflexión ya que
propone cosas diferentes.

La pintura española del siglo XVII se ve inevitablemente afectada por la llegada de los borbones,
que traen España la estética francesa, Goya se adelanta a su tiempo creando un estilo único. Su
arte no será convencional y será el responsable de abrir las puertas a todos los artistas del s. XIX;
será el impulsor de varias corrientes como el surrealismo o el impresionismo.

Comienza su carrera muy joven y ya con catorce años trabaja en el taller del zaragozano José
Luján, donde se dedicará a hacer copias, bodegones, encargos religiosos. Goya viaja a Roma en
1771, donde contempla las obras clásicas. A su vuelta realiza las pinturas del aula dei, de
reminiscencia barroca y rococó.

1. Cartuja del aula dei, San Joaquín y Santa Ana

Se aprecia en esta obra religiosa la influencia

italiana, así como su formación rococó.
Asimismo, se decanta por una composición
horizontal condicionada por el espacio. Se
encuentra en la puerta de entrada a la
iglesia, escenas de gran monumentalidad,
inspirada en la estatuaria clásica que conoció en Italia, suele haber una masa central con las
figuras de la escena se genera una atmosfera con la iluminación. El grupo principal está en el
centro y hay una especie de sfumatto de la obra.

• Cartones para tapices

En 1774, gracias a Batlló, es destinado a la real fábrica de tapices de Santa Bárbara, donde
trabajará junto con un equipo pintores para diseñar los tapices de lujo. Se trata de una de las
fábricas más ricas del mundo. Conservamos la mayoría de estos cartones (casi 60) en el museo
del Prado, en los que dibujó los tapices para el Escorial y el Palacio del Pardo. En ellos, se aprecia
un estilo más jovial y colorido. Son temas basados en la necesidad de decorar pues no nos vamos
a encontrar grandes propuestas de pensamiento, presentan gran necesidad ornamental influido
por el espíritu rococo.
1. La caza del jabalí (1775): (1º SERIE)

La caza del jabalí estaba destinada para el Escorial. En él se observa una

escena costumbrista con los montes de Malagón al fondo. Se pretende
representar en estos tapices escenas típicas españolas. El tema de la
caza se adecua al espacio del Escorial, empleado por la monarquía para
realizar actividades de campo como la caza. Por consiguiente, se
percibe el sfumatto que es un recurso recurrente en estos momentos.

2. La merienda a orillas del Manzanares (1776): (2º SERIE)

Perteneciente a la segunda serie,

destinada a representar las costumbres del pueblo de Madrid
en diez obras con un marcado aire popular, realista y folclórico.
Hay una gran espontaneidad. Se representa el paisaje
madrileño.

3. El baile de San Antonio de la Florida (1776-1777): (2º SERIE)

Presenta colores vivos, forma campestre, se desdibuja el fondo

como una especie de sfumatto, y apreciamos objetos culturales
de Madrid propios de la época

4. El quitasol (1777)

Este objeto es influencia francesa, ella acompañado del criado

donde hay un difuminado al fondo y al aire libre.

5. La maja y los embozados (1777)

Observamos a esa maja y a los tipos embozados que iban por todo el
país. Así pues, muestra objetos típicos de Madrid, como se puede
visualizar en las vestimentas de los personajes.

Durante la segunda serie, empiezan a ver obras que son más decadentes:

6. Las lavanderas (1779-1780)

Comienza a entreverse, dentro de la segunda serie, unas nuevas

propuestas. Representa escena jubilosas, alegres, populares, aún con un
marcado aire ornamental (pese a no ser clases sociales altas). Las
lavanderas son una temática recurrente, castiza, tratándose de mujeres
humildes que muchas veces se integraban en el paisaje de ciudades
como Madrid o Granada. Asimismo, son mujeres tratadas con
amabilidad, con ropajes populares y humildes, idealizadas y
frivolizando un trabajo realmente arduo; Goya aún no tiene una
intención de crítica. El paisaje tiene un gran protagonismo.

7. El columpio (1779)

Representa la aristocracia, una descomposición de las tres edades.

Empieza a hacer una rapidez de las pinceladas más suelta y libre.

8. Cúpula de Regina Martyrum (1780-1781)

Va a seguir a lo largo de toda su producción, al principio plasmar una

representación popular y más tarde una más intimista, nada aceptada.
La decoración que marca esto es esta cúpula que le consagra como
gran artista.

9. San Antonio de la Florida (1798)

Se muestra el milagro del santo que vemos los majos que se

apoyan a las barandillas, con pinceladas rápidas, cada vez más
suelta, y aquí se consagra con esta pintura. El uso de la luz
anticipa el Impresionismo.

10. Cristo crucificado (1780)

Tendencia neoclásica a la manera española que responde a un fondo oscuro, y

tiene un suave modulado. Clara influencia de Velázquez: sobre un fondo oscuro,
pinta un Cristo de cuatro clavos. No es una escena sangrienta, Cristo aparece
idealizado, con rasgos suaves, armonioso.

Tras la guerra de la independencia aborda:

11. Santas Justa y Rufina

Es una Santa farera para adorar a los dioses sagrados, y hay un león que
simboliza el cristianismo, apareciendo rotas ciertas cosas, la escultura,
el mundo pagano y la hoja de palma representa su condición de
mártires. Se encuentra en la catedral de Sevilla, siendo alfareras
romanas que rechazaron modelar imágenes paganas.

• Otro tema esencial fueron los RETRATOS, para conseguir la semejanza con el modelo, es un
gran pintor e intelectual, y en la corte conoce la obra de Velázquez del que conoce buena
parte de los secretos del retrato, de la técnica de la mancha…

NOTA: Sus maestros fueron Velázquez y Rembrandt.

En sus retratos se ve una gran sinceridad, no solo representa el rostro sino las acciones y
personalidades de los personajes vivos, captando la individualidad de los personajes, yendo
evolucionando durante toda la carrera tanto en la técnica como en las actitudes.

Asimismo, utiliza el gris perla y la elegancia influenciado por la pintura iglesia, y desde 1789
retrata a las familias reales, a la alta sociedad madrileña, amigos, intelectuales y a tipos muy
populares, siendo muy importantes los retratos para Carlos III, Carlos IV y
Felipe VII.

1. Retrato de Carlos III (1786)

Influencia del retrato inglés, con gran elegancia y sofisticación con espacios
abiertos y postura relajada.

2. Retrato de Carlos IV

Este retrato forma pareja con un retrato de su esposa María Luisa de

Palma. Este retrato es a tamaño natural, y porta peluca, viste a la moda
francesa, terciopelo y raso bordados y porta el toisón, la condecoración
más importante de la casa española, destacando el gris perlado sobre
un fondo más oscuro.
La corona está a su lado, ya que nunca lo llevará puesto en un retrato
porque en un monarca español nunca estarán coronado. Capta la
personalidad del rey: campechano, cazador, y realiza pincelada suelta.

3. La familia de Carlos IV (1800)

En esta obra destaca que el rey no es el centro de la

composición, sino la reina, pues la que mandaba era
su mujer, María Luisa de Palma con la ayuda de
Godoy.

Claramente nos recuerda a las Meninas con esa

familia real y el pintor retratado al fondo del cuadro.
Se ve una preparación previa que pretende
representar la morfología de los personajes y
dominada por la reina que está en el centro, por lo
que todos aparecen individualizados, siendo una
crítica a la realeza española.

Cada uno de los personajes posaran por separado y él los incluye después; están de pie, y los
hombres portan y la cruz de la orden de San Genaro. En cambio, las mujeres llevan la orden de
las Damas Nobles de María Luisa. Apreciamos una pincelada suelta para generar una pintura con
un gran virtuosismo.

El que porta un traje azul es Fernando VII, junta a él hay una señora con la cara vuelta para atrás,
pues está sería su futura esposa, ya que en este momento no poseía.

En definitiva, es más un retrato familiar que muestra las relaciones entre los personajes que un
retrato real y político.
 4. Carlos IV a caballo (1800-1801)

Es una obra que responde a una composición con una pincelada más
suelta. El caballo es robusto, de raza española, y aparece en una actitud
mansa, en contraposición con otras representaciones ecuestres reales.

5. Fernando VII con manto real (1814-1815)

Aparece el rey con manto real y cetro, Goya y él

no tenían una buena relación, por lo que, plasmó
la realidad y apenas hay solidez material, lo representa alejado de los
retratos solemnes y reales españoles, pues por esa antipatía le
representa de forma muy cruel.

6. Fernando VII

• Destaca por los RETRATOS INFANTILES:

1. Marianito Goya con sombrero (1815)

Es su nieto.

2. Los duques de Osuna (1788)

Influencia de la pintura inglesa, gris perla, elegancia.

3. La lechera de Burdeos (1827)

Es su última obra, y la pincelada se vuelve

totalmente impresionista (muy suelta y libre).

• Impactantes son los AUTORRETRATOS: Crea autorretratos en grupos, autorretratos en su

oficio como pintor y autorretratos sin pretextos: el artista practica sobre sí mismo para dejar
el estado psicológico como autorretrato.

1. Predicación de San Bernardo de Siena (1871-1873)

El autor aparece entre los cortesanos que escuchan al santo.

2. Goya en el estudio (1790-1795)

No aparece entre la multitud como en otros cuadros (el anterior), sino

que se muestra pintando, a través de un espejo se retrató de cuerpo
entero, vestido elegantemente.

3. Autorretrato (1815)

Aquí se retrata sin tapujos.

• Como DIBUJANTE destaca:

1. Álbum de Sanlúcar (1796-97)

Goya no solo destaca en la pintura, sino también en el dibujo. Tenía una

gran amistad con la duquesa, tras la muerte de ella le realiza este álbum
donde refleja escenas cotidianas.
Empieza a pintar con agua y tinta escenas cotidianas, que se ve la
minuciosidad en el detalle que nos ofrecen los elementos necesarios
para la representación, que contrasta el blanco del papel con la tinta del
cuerpo de la mujer, parte de la atmosfera de la escena.
NOTA: El papel es parte de la composición, no es solo el soporte.

• PINTURA DE HISTORIA

Refleja los acontecimientos del 2 y 3 de mayo de 1814 en Madrid, donde va a plasmar el

heroísmo de los patriotas, representando al pueblo llano que protagoniza la resistencia frente
al invasor francés; no pinta a la realeza, sino al pueblo, que enfrentó la invasión.

1. El 2 de mayo (1814)
Pinta el enfrentamiento entre el pueblo madrileño y
el ejército francés durante la Guerra de
Independencia de 1808, denominándose la carga de
los mamelucos. Se muestra la desigualdad del
armamento y de las vestimentas, sitúa la acción
frente a un fondo de casas que actúa como una
especie de embudo y sitúa al espectador como un
asistente privilegiado, carga trágica y será al final
fatalista. Su composición en una gran diagonal. Centra la atención en el primer término, creando
una escena con un gran dramatismo y alejado ya del clasicismo.

2. Los fusilamientos del 3 de mayo (1814)

Una escena en una ligera loma donde la

iluminación se da en ese farol que tenemos en
medio de la escena y donde vemos a esos
patriotas españoles que van a ser fusilados. A
los franceses no se les ve la cara, pues actúan
como una especie de maquinaria de matar
frente a esos ciudadanos, no muestran el
rostro para evitar tener una mínima parte de
humanización y se encuentran en la oscuridad,
mientras que los patriotas son iluminados.
Tendrá una gran influencia posterior: Manet,
Picasso.
Ese foco lumínico de la composición se centra al hombre de la camisa blanca quién está
ofreciendo su pecho a las balas hablando de morir por la patria, mientras vemos a otros
aterrorizados y llorando, en todo ello se aprecian distintas actitudes, observándose la muerte a
través de ellas. Se muestra la crueldad de la guerra, Goya nunca hablará de la guerra como algo
noble.